Al otro lado de la ventana de Ólafur Arnalds suele nevar. En los suburbios de Reykjavík nieva tanto que el artista ha decidido convertirse al invierno. Sus dedos, como estalactitas, se han pegado a su piano neoclásico hasta terminar su tercer disco For now I am winter.
En su tercer álbum de estudio For Now I Am Winter, Ólafur continuó investigando las posibilidades de la música electrónica, mucho más presente en esta ocasión. Además, empecinado en no repetirse, en no encajonarse, decidió dar un nuevo salto de fe e incluir, por primera vez, piezas cantadas en su trabajo. Para ello, contó con la colaboración de su buen amigo Arnór Dan, vocalista de la banda Agent Fresco, cercana al heavy y al rock, quién, sin embargo, saca a relucir su lado más dulce y frágil en esta colaboración. Debido a su entendimiento de la música clásica e instrumental y a esa combinación tan peculiar que hace de ella con la electrónica, Ólafur Arnalds ha sido comparado a formaciones y solistas como Nils Frahm, Sigur Rós, Jóhann Jóhannsson, Peter Broderik o Max Richter. “For Now I Am Winter” es un trabajo muy meditado, complejo y profundo, y aunque oscuro por momentos, emana de él una belleza esperanzadora que emociona al oyente....Web
01. Sudden Throw (3:17) 02. Brim (4:43) 03. For Now I Am Winter (5:05) 04. A Stutter (5:09) 05. Words Of Amber (3:23) 06. Reclaim (4:01) 07. Hands, Be Still (3:40) 08. Only The Winds (5:21) 09. Old Skin (4:09) 10. We (Too) Shall Rest (2:06) 11. This Place Was A Shelter (3:50) 12. Carry Me Anew (3:25) 13. No. Other (feat. Arnor Dan) (4:18)
Solstice Live! es un álbum en vivo lanzado por Paul Winter en 1993. El álbum es una grabación de una actuación de la celebración anual del solsticio de invierno de Paul Winter, que tiene lugar en la Catedral de San Juan el Divino en la ciudad de Nueva York. El concierto es una celebración contemporánea de la noche más larga del año y el regreso del sol. Cuenta con símbolos contemporáneos para varias partes de la celebración creada por Winter. Estos símbolos son tanto una representación visual artística de algo como un instrumento musical que se toca durante la actuación. Estos símbolos incluyen el Sun Gong, un gong gigante que se ilumina con luz amarilla y roja, y se eleva 100 pies hasta la parte superior del techo de la catedral, junto con su interprete. Otro es el Árbol del Solsticio, una gran escultura de un árbol de hoja perenne, sobre el que se cuelgan varios platillos, campanas y gongs. La actuación siempre cuenta con Paul Winter Consort y otros músicos invitados especiales que Paul Winter ha conocido o con los que ha colaborado, lo que la convierte en una celebración de la gente del mundo y su música. https://en.wikipedia.org/wiki/Solstice_Live!
La catedral más grande del mundo, San Juan el Divino de Nueva York, también se conoce como "la catedral verde". En las décadas de 1980 y 1990, se convirtió en el centro de un foro mundial de pensadores y buscadores que trabajaban en temas de ecología, medio ambiente y paz mundial. En 1980, el entonces Decano de la catedral, el Reverendísimo James Parks Morton, invitó a Paul Winter a convertirse en artista residente, para construir puentes entre la espiritualidad y el medio ambiente con su música. El cosmólogo padre Thomas Berry influyó en gran medida en la visión musical-ecológica de Paul y ayudó a dar forma a su intención de despertar en las personas un sentido de relación con la comunidad de vida en general. https://paulwinter.xyz/cathedral-solstice/
The Paul Winter Consort celebrates the Winter Solstice with a musical journey through the longest night of the year, recorded live in the stunning acoustics of the world's largest Gothic cathedral, New York's St. John the Divine. SOLSTICE LIVE! features the Paul Winter Consort and a community of 20 guests, including the Dmitri Pokrovsky Ensemble from Russia, Andes Manta from Ecuador, Galician bagpiper Nando Casals, Celtic vocalist Nóirín Ní Riain, and gospel singer Kecia Lewis-Evans. https://paulwinter.bandcamp.com/album/solstice-live https://open.spotify.com/album/7EAfR025mmEqWink8zF2hR
Paul Winter Consort Paul Winter – soprano sax Rhonda Larson – flute Mark Perchanok – heckelphone Paul Halley – piano, pipe organ Dorothy Papadakos – pipe organ Eugene Friesen – cello Russ Landau – bass Eliot Wadopian – double bass Jamey Haddad – drums, percussion Ted Moore – drums Café – congas, percussion Sammy Figueroa – congas, percussion Gordon Gottlieb – timpani, Brazilian surdos, percussion Glen Velez – frame drum, percussion Guests Andes Manta Nando Casals Dimitri Donders Kecia Lewis-Evans Nóirín Ní Riain Dmitri Pokrovsky Ensemble
Niklas es originario de la gran ciudad, pero ahora vive en el campo. A los cuatro años tocó sus primeras notas en el piano de sus abuelos. A los cinco años tomó lecciones de piano por su propia solicitud. A diferencia de otros músicos, que sienten el anhelo de mudarse a las metrópolis del mundo, Niklas, después de tener puertos, gaviotas y mercados de pescado en el norte de Alemania en su vida, ahora disfruta de la soledad sureña de los bosques, los amplios paisajes y el fragante aroma de los pinares. Inspirado por ambos mundos, Niklas crea una simbiosis acústica en forma de encantadoras composiciones para piano con finas adiciones electrónicas.
Niklas Paschburg tiene sólo 23 años pero sabe encantar y hechizar con melodías y notas; Sonidos fascinantes y una atmósfera cinematográfica, crescendi intenso y un sabor pop que conmueve y fascina.
Su álbum debut "Oceanic" es un viaje conmovedor lleno de melancolía y energía; doce canciones instrumentales entre música neoclásica, ambiental y electrónica inspiradas en la naturaleza.
To Drive The Cold Winter Away es el segundo álbum de estudio de la cantante e instrumentalista canadiense Loreena McKennitt. El álbum en si es un gran homenaje a sus recuerdos de infancia de la música en las temporadas invernales la cual, según ella, se caracterizaba por ser villancicos e himnos grabados en iglesias, templos o grandes salones; con una ambientación de paz y calma, aun así, bañados por las reverberaciones y ecos propios de las mismas edificaciones instaurando una tradición navideña.
Para capturar aquel mágico ambiente que solía recordar, Loreena siguió la senda de la belleza de la simplicidad a la hora de la composición y la interpretación de los temas seleccionados. También optó por mantener los sonidos característicos que se hallaron en las distintas grabaciones hechas en los templos religiosos y los grandes salones que eligió. Las locaciones escogidas por McKennitt fueron:
La Iglesia de Nuestra Señora en Guelph, Ontario, Canadá. La Abadía Glenstal, un monasterio benedictino en Limerick, Irlanda. El Tyrone Guthrie Centre en el Condado de Monaghan, Irlanda. https://es.wikipedia.org/wiki/To_Drive_The_Cold_Winter_Away
1. In Praise of Christmas 2. The Seasons 3. The King 4. Banquet Hall 5. Snow 6. Balulalow 7. Let Us The Infant Greet 8. The Wexford Carol 9. The Stockford Carol 10. Let All That Are To Mirth Inclined
Craig Armstrong Nace en Glasgow, Escocia, Reino Unido en 1959. Compositor, orquestador, arreglista y programador de sintetizadores. Ha trabajado con numerosos artistas y grupos como Madonna, U2 y Massive Attack. Tras sus primeros trabajos para el mundo del cine, salta a primera línea gracias a su trabajo en Moulin Rouge (2001), de Bazh Lurhman. En el citado título por el que ganó el Globo de Oro en 2002 hace una excelente labor adaptando y arreglando las canciones, además de componer piezas nuevas. Paralelamente a su carrera en el cine ha desarrollado una exitosa carrera como músico en solitario publicando conocidos albumes instrumentales como "The Space Between Us" y "As If to Nothing". Muchos de los temas de estos discos han sido utilizados posteriormente en películas. En su disco "Piano Works", interpreta personalmente sus temas más conocidos al piano. En su trabajos predominan el piano y la cuerda, melodías intimistas e instrospectivas, con frecuencia melancólicas. La percusión electrónica no es infrecuente en su obra, usándola de apoyo a la orquesta en trabajos como Kiss of The Dragon, Ray o Plunkett y Mcleane. Con "El Increíble Hulk" (The Incredible Hulk, 2008), Armstrong entra en nuevos territorios de mayores sonidos orquestales. la fuente http://www.criticascine.com
Sin duda una bella portada que ilustra a la perfección el título del disco The space between us, el espacio entre nosotros. Ese espacio que nos une o nos separa. Cuando los límites entre el uno y el otro se entrelazan y confunden para al final, desparecer...
En 1997 Craig Armstrong nos presentaba este soberbio disco que hacía que el espacio entre la electrónica y la clásica llegara casi a desaparecer, Apoyado por algunos de los miembros de Massive Attack, al fin y al cabo los dueños del sello en el que grababa (Melankolic), se lanzaba a una propuesta innovadora y diferente para esos años. Pero quizá lo más importante era la capacidad de frontera del trabajo. Y frontera como línea invisible que para los que viven en esos territorios carece de sentido.
Cruzan de un lado a otro, son de aquí, son de allá. Lo que en manos de otros sería una mera propuesta oportunista para llenar un target del mercado que estaba vacío, en las manos de este hombre se convertía en una obra soberbia y profunda en donde cada una de las partes cumplía a la perfección su función sin eclipsar al resto. La voz de Elisabeth Frazer en This Love no oculta la belleza de la pieza, la instrumentación pausada y profunda, el tempo que te absorbe. Tan solo es un ejemplo pero que si reseguimos cada uno de los temas, veremos que es la gran virtud de este bello trabajo. El toque experimental y futurista, pero a la vez muy audible, de After the Storm
Todo el trabajo está lleno de cielos nublados, lluvia, frío, los humos de una gran ciudad, el ritmo imparable de la vida moderna, pedazos de noche, nubes giradas en cielos con lunas crepusculares, El peso emotivo del disco es tan real como cuando te golpean la cara My father con esas primeras notas llenas de sufrimiento y perdida, luego nostalgia, recuerdo y sobretodo, un vacío grande ante la perdida de los seres queridos.
La belleza, la tersura de Balcony scene que aparecía en la película Romeo and Juliet. Rise con ese piano y ese ritmo del que no puedes escapar, una máquina, una fábrica, el hombre, la persona, en algún rincón, buscar por si lo encontráis, y que se levante "Glasgow", el retrato de su ciudad, emotivo pero implacable
This Love - Craig Armstrong Feat Elizabeth Fraser
Y el disco concluye con 3 temas muy diferentes, pero ligados emocionalmente. Los tres nos hablan de vida y esperanza, ser felices pese a todo lo anterior, tener fe en los niños, o quizá ver el mundo como cuando eramos pequeños Y al final un pequeño pero sincero himno para los hombres, para el amor, para Dios.....La Fuente L'Arbre de les 1000 musiques
Craig Armstrong - vocals, conductor, piano, keyboards, programming Marius De Vries - programming Richard T. Norris Also: Elizabeth Fraser, Paul Buchanan
Género: Electronic, Classical Estilo: Modern Classical, Downtempo
1. Weather Storm 2. This Love - (featuring Elizabeth Fraser) 3. Sly II 4. After the Storm 5. Laura's Theme 6. My Father 7. Balcony Scene (Romeo and Juliet) 8. Rise 9. Glasgow 10. Let's Go Out Tonight - (featuring Paul Buchanan) 11. Childhood 12. Hymn
A mediados y finales de la década de 1980, el sello Windhamm Hill alcanzó notoriedad con sus muchos álbumes llamados «new age». Nunca entendí de dónde venía ese nombre, pero a pesar de todo, disfruté (y coleccioné) un montón de álbumes de esa época. No los he vuelto a comprar todos en CD, pero compré varios de ellos de Scott Cossu, incluido este. El sonido de Cossu no es new-age, sino un sonido jazzy y melódico al frente del piano.
«She Describe Infinity» (lanzado originalmente en 1987; 11 temas; 47 min.) culmina los álbumes anteriores de Scott Cossu, es lo que yo llamaría su obra maestra. Todo se une en este álbum, donde el pianista Scott Cossu y su banda de acompañamiento traen una mezcla fascinante de canciones, escucha al conmovedor tema que abre el álbum «Bajun Carnival» y «Red Silk», uno de los mejores temas del album. Otras canciones muestran la interpretación del piano de Scott, como «Rice Paper» y «Arctic Hymn», simplemente hermosas.
Acoustic Guitar, Electric Guitar, Guitar [Classical] – Van Manakas Composed By – Scott Cossu (pistas: 1 to 4, 6 to 11), Van Manakas (pistas: 5) Electric Bass – Abraham Laboriel Percussion – Jim Brock Percussion, Drums – Alex Acuña Programmed By [Synclavier And Synthesizers] – Michael Hoenig Synthesizer, Piano, Synthesizer [Synclavier] – Scott Cossu Synthesizer, Synthesizer [Synclavier] – Tom Canning
Género: Jazz Estilo: New Age, Smooth Jazz, Contemporary Jazz
1 Bajun Carnival 5:12 2 Angel Steps 3:17 3 The Triumph 5:49 4 Red Silk 5:17 5 Rice Paper 2:27 6 Arctic Hymn 3:07 7 Releve 6:29 8 Nepali Anthem 4:29 9 Christo's Theme 3:22 10 Visual Promise 4:26 11 She Describes Infinity 2:53
Joep Beving (Doetinchem, 9 de enero de 1976) es un compositor y pianista holandés. Beving estudió Administración pública. Luego se dedicó al mundo de la publicidad, donde fue responsable de la música de numerosos anuncios publicitarios. También compuso bandas sonoras para cortometrajes Hortum (2010) y Het cadeau (2015).
En 2015 Beving publicó su primer álbum, Solipsism, piezas de piano neoclásicas y atmosféricas. Él describe sus composiciones como "música simple para emociones complejas". En 2017, lanzó su segundo álbum, Prehension, en un estilo similar como su álbum de debut.
El tercer álbum de Joep Beving y el último capítulo de una trilogía
(Solipsismo y Prehensión), Henosis continúa la escritura minimalista del
compositor holandés, pero esta vez su piano se une a una diversa gama
de otros instrumentos. Inspirado por la relación conflictiva del hombre
con la realidad, Henosis es un viaje épico hacia lo desconocido, una
experiencia auditiva profunda en la que el piano, aunque a veces está
completamente ausente, es la voz familiar que guía al oyente en su
camino hacia el olvido.
El compositor y pianista holandés contemporáneo Joep Beving. Descrito como un gigante amigable, Joep crea música neoclásica genuinamente relajante y contemplativa con un atractivo amplio e inmediato. Música que muestra características introspectivas, melancólicas, fílmicas y edificantes presentadas en una atmósfera acústica cálida y sencilla. Como parte de la creciente ola de artistas neoclásicos que actualmente se infiltran en una escena musical en bastante crecimiento, Joep Beving es un compositor minimalista e interprete de paisajes sonoros evocadores. Su álbum, Henosis, es un episodio épico de más de veinte temas que concluyen una trilogía evocadora y hermosa....Web
Género: Neoclásica | Ambient | Modern Classical |
1.1 Unus Mundus 4:18 1.2 Into The Dark Blue 3:39 1.3 Whales 2:12 1.4 Sirius 1:33 1.5 Shepherd 7:22 1.6 Orvonton 5:02 1.7 Sol And Luna 5:52 1.8 Klangfall 6:15 1.9 Philemon 3:01 1.10 Noumenon 5:37 1.11 Saudade Da Gaia 3:59 1.12 Apophis 7:05 2.1 Aeon 5:48 2.2 Implikigo 2:25 2.3 Venus 3:55 2.4 Anima 2:38 2.5 Adrift In Aether 4:04 2.6 The One As Two 5:15 2.7 Henosis 6:45 2.8 Anamnesis 3:37 2.9 Nebula 9:43 2.10 Morpheus' Dream 2:15
Roy Harper es un cantautor británico de música folk y folk rock nacido en Mánchester, el 12 de junio de 1941. Poeta y artista multifacético, Harper ha sido un intérprete atípico en el contexto del folk británico, su carrera se ha extendido desde mediados de los años 1960 hasta hoy.
Harper nació en el barrio mancuniano de Rusholme, falleciendo su madre cuando él tenía tan sólo tres semanas. Empezó a escribir poesía a los 12 años, y a tocar skiffle a los 13 con su hermano David, al tiempo que la música blues también comenzaba a influirlo. A los 14 años formó su primer grupo (De Boys) con sus hermanos David y Harry, y abandonó la escuela a los 15 para enrolarse en la Royal Air Force, experiencia que no resultó bien y duró poco.
Durante la primera mitad de los años 1960 Harper se embarcó como músico ambulante, recorriendo Europa, el norte de África y Londres, donde comenzaría a empaparse de la escena blues y folk de la capital inglesa, donde asistió a conciertos de Bert Jansch, Alexis Korner y Paul Simon, entre otros, comenzando a actuar él mismo en un club del Soho londinense llamado Les Cousins.
En 1966 se le presenta la oportunidad de grabar un primer álbum, tras ser descubierto por Peter Richards, de Strike Records. El disco se llamó Sophisticated Beggar y, como gran parte de su carrera a futuro, consistió en su poesía y su voz sólo acompañadas por su guitarra acústica, todo grabado sin mayores artificios técnicos.
Harper fue fichado al año siguiente por la poderosa CBS, aunque su contrato con esta multinacional sería efímero, editando sólo el LP Come Out Fighting Ghengis Smith (1967), para pasar luego a Liberty Records, por medio de la cual es lanzado su tercer álbum, Folkjokeopus, de 1969. No obstante su vínculo con Liberty es también efímero, y Harper firma entonces con Harvest Records, una compañía inglesa en ascenso que estaba apostando fuertemente al rock progresivo y los artistas jóvenes. En Harvest Roy Harper sí encontraría el apoyo ideal y estable, produciendo muchos discos para este sello a lo largo de los años 1970 (Flat Baroque and Berserk, Stormcock, Lifemask, Valentine, HQ, Bullinamingvase).
A pesar de ser un artista folk, Harper siempre estuvo estrechamente ligado al rock británico; en 1969 actúa en el Hyde Park de Londres junto a Jethro Tull, Pink Floyd y T. Rex, y es precisamente el mánager de Pink Floyd, Peter Jenner, quien comienza a manejar la carrera de Harper por ese entonces, consiguiéndole el ventajoso contrato con Harvest Records (Harper participaría como invitado en el tema "Have a Cigar", del álbum Wish You Were Here de 1975).
En 1970 Led Zeppelin tributan a Harper a través de un blues tradicional ("Shake 'Em on Down"), el cual fue reciclado como "Hats Off to (Roy) Harper", canción que cerraba el disco Led Zeppelin III.
Jimmy Page declaró que la banda admiraba la manera como Harper defendía sus principios sin traicionarse, o ceder a presiones comerciales. Harper sería asiduo asistente a los conciertos de Led Zeppelin, trabando amistad con sus miembros e incluso contribuyendo en la creación de la portada del álbum Physical Graffiti (1975), apareciendo también en la película documental del grupo The Song Remains the Same.
En 1985 Harper y Page publicarían un disco grabado como dúo, Whatever Happened to Jugula?, el cual mezclaba el típico «folk progresivo» de Harper, con la guitarra hard rock de Page, en largos temas con letras herméticas. A lo largo de los años 1980 y principios de los 1990 Harper trabajó con las compañías Awareness, Beggars Banquet Records IRS y EMI, estableciendo su propia compañía, Science Friction, en 1993, a través de la cual también reeditó parte de su catálogo discográfico. Fuente: Wikipedia http://www.royharper.co.uk/
Roy Harper - HQ (1975-Reissue 2012)
HQ es el octavo álbum de estudio del cantautor y guitarrista de folk/rock inglés Roy Harper. Fue lanzado por primera vez en 1975 por Harvest Records. En los Estados Unidos, el álbum fue lanzado bajo el título When An Old Cricketer Leaves The Crease, que también es el nombre de la canción más popularmente conocida del album.
2012 CD Reissue. 1. "The Game (Parts 1-5)" 13:42 2. "The Spirit Lives" 4:14 3. "Grown Ups Are Just Silly Children" 2:55 4. "Referendum (Legend)" 3:49 5. "Forget Me Not" 2:24 6. "Hallucinating Light" 6:24 7. "When an Old Cricketer Leaves the Crease" 7:13 8. "The Spirit Lives" (Early Mix, 23 March 1975) 9. "When an Old Cricketer Leaves the Crease" (Live in Exeter, 31 October 1977) 10. "Hallucinating Light" (7" single version)
Genero: Folk rock, progressive folk
Personal: Roy Harper - vocals, acoustic guitar Chris Spedding - electric guitar Dave Cochran - bass guitar Bill Bruford - drums, percussion
Personal Adicional: David Gilmour - electric guitar (on "The Game") John Paul Jones - bass guitar (on "The Game") Steve Broughton - drums, percussion (on "The Game") The Grimethorpe Colliery Band - brass (on "When an Old Cricketer Leaves the Crease")
Roy Harper - Bullinamingvase (1977 - Reissue 1996)
Bullinamingvase es el noveno álbum de estudio del cantautor y guitarrista Roy Harper. Fue lanzado por primera vez en 1977 por Harvest Records. En los Estados Unidos, el álbum fue lanzado como One Of Those Days In England.
1996 CD Reissue "One Of Those Days In England" – 3:25 "These Last Days" – 4:26 "Cherishing the Lonesome" – 5:54 "Naked Flame" – 5:06 "Watford Gap" – 3:22 "One Of Those Days In England (Parts 2–10)" – 19:27 "Breakfast With You" – 2:42
Personal: Roy Harper - vocals and guitars John Halsey - drums Dave Lawson - keyboards & effects Henry McCullough - guitars Andy Roberts - guitars & backing vocals David C. Drill - bass guitar
Personal Adicional: Jimmy McCulloch (guitars) B.J. Cole (pedal steel guitar) Percy Jones (bass) Alvin Lee (guitar on "One Of Those Days In England") Ronnie Lane (bass on "One Of Those Days In England") Dave Cochran (bass) Herbie Flowers (bass) Max Middleton (keyboards) Steve Broughton (drums) Skaila Kanga – harp Linda McCartney (backing vocals on "One Of Those Days In England") Paul McCartney (backing vocals on "One Of Those Days In England") Dave Plowman (euphonium, trombone) The Vauld Symphony Orchestra, arranged by Roy Harper and conducted by Dave Lawson John Leckie – sound engineer Mark Vigars – sound engineer
The Chieftains es un grupo irlandés que hace música folk, interpretando melodías populares de la música celta. En 1996 grabó un disco titulado Santiago, un homenaje al Camino de Santiago. Txalaparta, es el primer corte de este disco. Es el principio del recorrido musical por los pueblos por donde pasa el Camino. En este disco además de los componentes de The Chieftains colaboraron: Carlos Nuñez (gaita y flautas), Kepa Junquera (triki-trixa) y Julio Pererira (cavaquinho). En 1997 recibieron un Grammy por este disco.
Este viaje de The Chieftains nació con un destino muy claro, «Santiago», un disco que supone un paso más en el largo peregrinar de la banda irlandesa por los mares profundos de la música popular. de este largo periplo surgieron nuevos rumbos (Cuba, México, País Vasco) y nuevos marineros (Linda Ronstadt, Los Lobos, Ry Cooder, Carlos Núñez, Kepa Junquera) se unieron a la tripulación de Paddy Moloney.
01 - Txalaparta 02 - Arku - Dantza/Arin-Arin 03 - El Besu (The Kiss) 04 - Nao vas ao mar, Toino (Don't go to the sea, Toino) 05 - Dum Paterfamilias/Ad Honorem 06 - Dueling Chanters 07 - Galician Overture 08 - Guadalupe 09 - Minho Walz 10 - Setting Sail/Muiñeira De Frexido 11 - Maneo 12 - Santiago De Cuba 13 - Galleguita/Tutankhamen 14 - Tears Of Stone 15 - Dublin In Vigo
A principios de 2015, Lawrence Blatt invitó a Fiona Joy y Jeff Oster a unirse a él en los Imaginary Road Studios de Will Ackerman para crear un álbum inspirado en los conjuntos icónicos de Windham Hill.
Una vez que comenzó la grabación, quedó claro que Will podría ser una parte esencial de este grupo como artista y como productor. Cuando fue invitado, Will estaba feliz de unirse a los demás y nació FLOW. Con Will y Tom Eaton produciendo, este grupo seguramente capturará la esencia de la música New Age de hoy.
FLOW son Fiona Joy, Lawrence Blatt, Jeff Oster y Will Ackerman. Es un supergrupo de la Nueva Era formado por la amistad y la historia de trabajar y tocar juntos durante muchos años. https://music.jeffoster.com/album/flow-2
New age music group formed in 2015 at Will Ackerman's Imaginary Road Studios in Vermont. Guitarist Lawrence Blatt wanted to form a group based on the sound of the ensembles which had recorded for Windham Hill Records. They released their self-titled debut album in October, 2017. https://music.jeffoster.com/album/flow-2 https://flowthegroup.com/
Will Ackerman – Guitar Fiona Joy – Piano, Vocals Lawrence Blatt – Acoustic & Electric Guitar, Ukulele, Bass Jeff Oster – Trumpet, Flugelhorn
Guest Artists: Marc Shulman – Guitar Tony Levin – Bass Jeff Haynes – Percussion Sam Bevan – Bass Eugene Friesen – Cello Tom Eaton – Guitar, Bass
1.Arrival 05:19 2.Whisper Me This 05:08 3.FLOW 05:26 4.Free Ascent 04:24 5.Waiting For Sunshine 04:56 6.Waters Gather 03:29 7.And The Sky Was 06:18 8.A Night in Nocelle 03:13 9.Tenth Life 04:23 10.Rest Now My Friend 03:39 11.For Rosita and Giovanni 04:18
Nigel Kennedy (nacido el 28 de diciembre de 1956) es un violinista y violista de origen británico. Nació en Brighton, East Sussex. Fué un niño prodigio, a los 10 años tocaba melodías de Fats Waller en el piano después de escuchar los discos de jazz de su padrastro. Fue alumno de la Escuela de Música Yehudi Menuhin y más tarde estudió en la Juilliard School de Nueva York con Dorothy DeLay. Hizo su carrera temprana en el campo clásico y ha interpretado y grabado la mayoría de los conciertos de violín más importantes. Posteriormente incluyó jazz, klezmer y otros géneros en su repertorio. https://es.wikipedia.org/wiki/Nigel_Kennedy
East Meets East es un álbum de estudio colaborativo lanzado a través de EMI Classics en 2003 por el violinista Nigel Kennedy y la banda Kroke (Jerzy Bawoł en acordeón, Tomasz Kukurba en viola y Tomasz Lato en contrabajo), rodeado de varios artistas invitados de reputación internacional como Natacha Atlas, Mo Foster y la Orquesta Filarmónica de Cracovia. El álbum retoma algunas canciones tradicionales y nuevas composiciones, que abarcan la tradición musical de Europa central y oriental, así como las influencias árabes.
La segunda esposa de Nigel Kennedy, Agnieszka, es polaca y pasan mucho tiempo en Cracovia, donde Kennedy es el director artístico de la Orquesta de Cámara Polaca. En el verano de 2001, Kennedy, que había conocido a Jerzy Bawoł, Tomasz Kukurba y Tomasz Lato por separado en sesiones de improvisación en los clubes de jazz de Cracovia, y Kroke se conocen durante una gira de conciertos en Cornualles. Kennedy presentó inmediatamente al grupo una oferta de cooperación. El resultado fue East Meets East. East Meets East se grabó entre mayo de 2002 y enero de 2003 en los estudios de grabación NLD y S-5 en Cracovia, y en los estudios The Town House y Abbey Road en Londres. En consecuencia, el álbum fue mezclado en mayo siguiente por Andy Green, Dariusz Grela y Hugo Nicholson en los estudios Eden, Metropolis, Town House y Mayfair de Londres, y masterizado por Ian Cooper en el estudio Metropolis. El álbum, publicado por Oriente Musik y distribuido internacionalmente a través del sello de música clásica de EMI desde junio de 2003, fue producido por John Stanley y Jaz Coleman. East Meets East ha estado en lo más alto de las listas clásicas desde su lanzamiento, Kroke fue nominado para el premio BBC Radio 3 en la categoría World Music, y tanto Kroke como Kennedy tocaron juntos en numerosos festivales europeos para promocionarlo y recibieron un aplauso entusiasta. Después de East Meets East, Kroke lanzó Ten Pieces to Save the World ", y el siguiente disco de Kennedy vio un regreso a" Vivaldi "con su álbum de 2004 Vivaldi II.
Nigel Kennedy (violin, electric violin)
The Kroke band Jerzy Bawoł (accordion, additional vocals) Tomasz Kukurba (viola, vocals, flute, percussion) Tomasz Lato (double bass)
Guest performers Natacha Atlas (vocals on "Ajde Jano") Mo Foster (electric bass on "T 4.2", "Vino") Miles Bould (additional percussion on "T 4.2", "One Voice", "Time 4 Time", "Vino") Kraków Philharmonic Orchestra (additional strings on "One Voice") Aboud Abdul Aal (second violin on "One Voice")
1 Ajde Jano 4:24 Vocals, Natacha Atlas 2 Lullaby For Kamila 3:24 3 T 4.2 6:11 Electric Bass, Mo Foster 4 Eden 6:06 Written-By – Harry Kandel, Trad. 5 Dafino 2:51 6 Jovano Jovanke 4:25 7 Ederlezi 5:47 Written-By – Goran Bregovic 8 Kazimierz 3:28 9 One Voice 4:54 Strings, Kraków Philharmonic, Violin, Aboud Abdul Aal 10 Tribute To Maria Tanase 3:11 11 Time 4 Time 5:21 12 Vino 6:04 Electric Bass, Mo Foster 13 Lost In Time 4:22 14 Kukush 4:42
Wonders es un viaje musical a lugares impresionantes del planeta Tierra. Compuestos e interpretados por músicos aclamados por la crítica Paul Lawler del Reino Unido y Paul Speer de los Estados Unidos, se les unen en dos temas la vocalista francésa Satine Orient. El resultado son paisajes sonoros cautivadores con un sabor verdaderamente internacional.
El trío se conoció en MySpace y se hicieron fanáticos de la música del otro, pero, irónicamente, nunca se conocieron en persona. Todos poseen estudios de grabación privados e intercambian archivos de audio a través de Internet. Lawler sugirió por primera vez a Speer en la primavera de 2008 que colaboraran en un álbum y varios meses después, con gran parte del álbum terminado, Speer envió algunos archivos por correo electrónico a Satine Orient para ver si estaba inspirada para componer e interpretar voces. Eso llevó a versiones vocales de dos cortes en el álbum previamente instrumental.
1. Krakatoa (5:19) 2. Gobi (7:22) 3. Denali (3:55) 4. Ganges (5:04) 5. Tahoma (5:37) 6. Petra (4:40) 7. Angkor Wat (6:44) 8. Chaco (4:14) 9. Zenobia Ruins (6:56) 10. Amazonia (7:24) 11.Tahoma Voz (5:37) 12. Chaco Voz (4:10)
Return of the Guardians es un álbum de David Arkenstone , lanzado en 1996. Es el último álbum de una trilogía que incluye In the Wake of the Wind y Quest of the Dream Warrior . El álbum está basado en una historia de fantasía de Arkenstone y Mercedes Lackey que aparece en el folleto. Gira en torno a los personajes de Andolin de In the Wake of the Wind y Kyla de Quest of the Dream Warrior. El álbum también viene con un mapa desplegable del mundo en el que se desarrolla la historia. Es de destacar el violín destacado en varias pistas. A diferencia del álbum anterior de la serie, no hay canciones cantadas por Arkenstone....Wikipedia
1 Border Journey 4:16 2 Trail Of Tears 4:59 3 Chosen Voices 6:29 4 Winds Of Change 5:12 5 The Forgotten Lands 5:13 6 Two Hearts 4:21 7 City In The Clouds 6:27 8 Mask 5:45 9 Water Of Life 8:52 9a Out Of Darkness 9b Transformation 10 Reunion 4:16
Santi Vega nació en Vitoria (España), en septiembre de 1961. Se graduó en composición y música para imagen en Berklee. Multiinstrumentista en diversas formaciones de música de cámara, folk, jazz, pop y música instrumental, en 1989 fundó el grupo de jazz rock "Santi Vega Group" con el que graba su primer trabajo discográfico "Isla Mujeres". Desde entonces combina sus Conciertos con la Música para Imagen, sobre todo en el mundo de los documentales. https://www.santivega.com/biografia.html
1. Isla Mujeres - 7'27" Santi Vega: Sintetizadores, guitarra de 12 cuerdas y flauta Josep Salvador: Guitarra eléctrica Justo Lera: Bajo eléctrico Vicente Climent: Batería y percusión Luis Dulzaides: Percusión latina
2. Danza - 3'23" Santi Vega: Flauta de bambú, sintetizadores y crótalos Xavier Turull: Tabla y Ghatam
3. Arborétum - 2'22" Santi Vega: Voces Oscar Clavel: Voz del árbol viejo
4. En Barco - 5'27" Martirio: Voz Santi Vega: Sintetizadores, voz y programación percusión Josep Salvador: Guitarra española Ezequiel Lezama: Corno inglés
5. No Me Acostumbraré - 5'11" Santi Vega: Voces, piano y sintetizadores
6. Brujos del Agua - 4'28" Santi Vega: Piano, sintetizadores y programación percusiones Josep Salvador: Guitarra eléctrica y sintetizada Justo Lera: Bajo eléctrico Vicente Climent: Batería Eduardo Laguillo, Oscar Clavel, Josep Salvador y Santi Vega: Voces tribales
7. Lyle - 5'56" Santi Vega: Piano, sintetizadores, flauta y coros Josep Salvador: Guitarra eléctrica Justo Lera: Bajo eléctrico Vicente Climent: Batería y efectos de percusión Luis Dulzaides: Percusión latina Eduardo Laguillo: Coros
8. Vals - 5'47" Santi Vega: Piano y sintetizadores Josep Salvador: Guitarra eléctrica Justo Lera: Bajo eléctrico Vicente Climent: Batería
9. Kruger Park - 4'36" Santi Vega: Sintetizadores Josep Salvador: Guitarra española
10. Autorretrato - 5'17" Santi Vega: Piano
11. Contigo - 6'04" Santi Vega: Piano, sintetizadores, Vasija, voz principal y coros Josep Salvador: Guitarra eléctrica Justo Lera: Bajo eléctrico Vicente Climent: Batería Eduardo Laguillo: Guitarra de 12 cuerdas y coros
En su segundo álbum "Home", Hania Rani agrega voces y electrónica sutil a su música, además de estar acompañado en algunas pistas por el bajista Ziemowit Klimek y el baterista Wojtek Warmijak. El álbum la reúne con los ingenieros de grabación Piotr Wieczorek e Ignacy Gruszecki (Monochrom Studio), y las pistas fueron mezcladas nuevamente por Gijs van Klooster en su estudio en Amsterdam y por Piotr Wieczorek en Varsovia (Ombelico y Come Back Home). Home fue dominada por Zino Mikorey en Berlín (conocido por su trabajo en álbumes de artistas como Nils Frahm y Olafur Arnalds).
“Uno puede perderse pero puede encontrar un hogar en su parte interna, lo que puede significar muchas cosas: alma, imaginación, mente, intuición, pasión. Creo firmemente que cuando estamos en tiempos de incertidumbre y vivimos una vida inestable, aún podemos alcanzar la paz con nosotros mismos y poder encontrar 'hogar' en cualquier lugar '. Esto es lo que me gustaría expresar con mi música: uno puede viajar por todo el mundo No veo nada. No es a dónde vamos, sino cuánto podemos ver y escuchar lo que sucede a nuestro alrededor ”. - Hania Rani
Rani creció en Gdansk con sus padres (médico y arquitecto) y rodeada de música y películas. Inicialmente inspirada para estudiar música clásica, se introdujo en el jazz y la electrónica en la escuela de música, ampliando sus intereses y, como dice, "mezclando Chopin y Schostakovitch con Dave Brubeck y Moderat". Otras inspiraciones incluyen compositores como Max Richter, Esbjorn Svensson, Miles Davis, Nils Frahm, Murcof, Portico Quartet, Radiohead e incluso The Beatles. "Es lo que conecta a todos estos artistas lo que me inspira, su enfoque especial de la música y el sonido. Para mí tienen corazones grandes y mentes enormes ".
Pero las inspiraciones de Rani no son solo musicales, se ha inspirado en los lugares que ha vivido y visitado. "Se trata del sentimiento, la atmósfera general, a veces de recuerdos. Al mudarme a Berlín (donde tienes la libertad de ser tú mismo), explorar Islandia y las montañas salvajes en Bieszczady, el sudeste de Polonia, todo me cambió como persona, así que supongo que también me afectó como artista”. Y la inspiración llega También de las artes visuales. Su padre era arquitecto y las artes siguen siendo muy importantes para Rani. “Me parece que lo que realmente inspira mi música no es la música, sino todas las demás cosas. Me inspiro en la forma de mis propias piezas de arquitectura y diseño. Luego traduzco este idioma "extranjero" a mi propia música y el resultado es mucho más interesante para mí que simplemente obtenerlo de la música. De hecho, para Rani a menudo es primero una imagen o un color, lo que ella llama una imagen de sonido. “Realmente puedo sentir los colores, el estado de ánimo, al igual que con la fotografía. Si la imagen es lo suficientemente fuerte, los sonidos aparecen muy rápidamente, tratando de construir la imagen correcta atrapada en mi cabeza. La música llena el espacio, la música trae nuevos mundos, nuevos espacios. http://haniarani.com/
01. Leaving (4:50) 02. Buka (5:03) 03. Nest (4:20) 04. Letter to Glass (3:32) 05. Home (4:49) 06. Zero Hour (5:26) 07. F Major (4:52) 08. Summer (5:22) 09. Rurka (2:13) 10. Tennen (6:05) 11. I’ll Never Find Your Soul (3:26) 12. Ombelico (2:59) 13. Come Back Home (4:41)
La banda sonora de la película de Robert Guédiguian Le Voyage en Armenie de
Arto Tuncboyaciyan es la segunda colaboración de este tipo, con Mon Père es
Ingenieur fué la primera. Tuncboyaciyan creció en Turquía, se mudó a los
Estados Unidos y finalmente regresó, fundando la Armenian Navy Band en Ereván.
Trabajando con el director del guión, la música de Le Voyage se compuso antes
de que se enmarcara la primera escena. Por lo tanto, se destaca musicalmente
por sí solo y no requiere visualización previa para contar su historia de
manera persuasiva.
"Zetuni Zar" es una hermosa melodía folklórica llena de tierna melancolía, al
igual que el lento baile de "Dolma Mama" que sigue, su melodía lastimera llevada
en alto por la flauta de pastor, duduk y qanun y acompañada por un piano.
"Hoonk" usa un violonchelo solo sobre pedales profundos, mientras que "Dancing
Hands" le da deberes solos al oboe de madera de albaricoque de Vartan Grigorian.
"Armenie" es un baile cojeante, "Butterfly", una juguetona banda de música.
Predominantemente instrumental, la banda sonora se cierra con dos canciones, "Im
Achkovis" y "Soy simple como el agua". El primero comienza con las campanas de
la iglesia y pasa al blues de un hombre conmovedor sobre drones de órgano,
mientras que el cerrador 6/8 sugiere un par de baile lento sobre los créditos
finales.
Generosamente equipado con 14 pistas, Le Voyage en Armenie es un hermoso viaje a
paisajes extranjeros y sus pueblos. Realmente te hace querer ver la película
también después ..
1. Abc (0:52)
2. Zetuni Zar (4:55)
3. Dolma Mama (4:48)
4. Hoonk (2:32)
5. Dancing Hands (4:38)
6. Armenie (3:22)
7. Butterfly (3:34)
8. Sun Up - Sun Down (1:51)
9. Yegeres Sareit (5:26)
10. Camomille (Duduk 1) (5:25)
11. Takuhi (2:24)
12. Shawl (2:54)
13. Im Achkovis (5:45)
14. I Am Simple Like Water - Deep Loke Water (5:19)
El lanzamiento de Aukai (Markus Sieber), Branches of Sun, es una de las piezas musicales más hermosas y genuinas de 2018 hasta el momento. La música está hecha artesanalmente y transmite una soledad pacífica, esperanza infantil y una calma abrumadora en las 12 pistas del álbum. El álbum emite el espíritu de la naturaleza en su forma más pura, sin ninguna otra influencia humana, en un grado indiscutible. Sieber adoptó un enfoque deliberado y sin prisas para este álbum, construyéndolo meticulosamente día a día en un entorno de grabación de una cabaña solitaria en las profundidades de los bosques de Colorado. Teniendo antecedentes en este estilo de vida más rústico cuando era un niño en Dresde, Alemania, Sieber acogió esa atmósfera como un viejo amigo y se dispuso a grabar la música de Branches of Sun durante un período de tiempo cuidadoso y deliberado. Junto a él, a lo largo de todo el proceso, hubo varias contribuciones musicales de personas como su esposa, Angelika Baumbach, y su hermano, Alex Nickmann, así como Anne Müller, Jamshied Sharifi, Bogdan Djukic y Miguel Hiroshi, bien conocidos por sus antecedentes en la música del mundo. https://www.pianoandcoffee.com/blog/2018/4/27/branches-of-sun-by-aukai
We first came across Aukai, an ambient/acoustic project by Markus Sieber, about two years ago when we were seriously impressed by his debut self-titled album. He is now back with his second album, Branches Of Sun, and it is just as beautiful as the first.
The long and short of the matter is that Branches Of Sun is absolutely beautiful. It’s fairly sparse and minimalistic, but that works in the music’s favour because it makes you pay closer attention to all the small little embellishments nestled within the course of the album – Branches Of Sun is one of those pieces that you’ll pick up something new on every subsequent listen. https://www.soundscapemagazine.com/aukai-branches-sun-review/
Jamshied Sharifi - Accordion, Piano, Synth Anne Müller - cello Alexander Nickmann - synth, fender rhodes Miguel Hiroshi - drums Markus Sieber - Ronroco, Guitar, Bass, Piano, Glockenspiel, Synth, Percussion Angelika Baumbach - Piano Bogdan Djukic - Violin
1 Colorado 3:37 2 Oars 4:05 3 Turning Days 3:21 4 Fragmentary Blue 3:10 5 Distracted By Clouds 4:18 6 Nightfall 4:17 7 Branches Of Sun 3:18 8 Become 2:48 9 Closed Eyes 3:14 10 Umbrella 2:28 11 Iztac 3:04 12 Barely Above 3:59 13 Distracted By Clouds (Ben Lukas Boysen Remix) 4:55
Scott creció en la pequeña ciudad de Greenfield, Ohio. Comenzó a tocar el piano a los 11 años cuando su padre trajo a casa un pequeño piano de cola para la familia. De adolescente tomó lecciones y tocaba música clásica, pero los fines de semana tocaba Rock and Roll con la banda The Dead End. En la universidad fue el teclista del grupo de rock Brud y tuvo su primera exposición en televisión. Scott se graduó de la Escuela de Música de la Universidad de Ohio. Fue llamado en 2000 para recibir el premio Universities Achievement in Music Award. Scott estudió su Maestría en Etnomusicología en la Universidad de Washington. Fue en Seattle donde Scott comenzó a grabar, componer, interpretar y difundir en la radio, junto con críticas prometedoras.
Hoy Scott es un compositor, pianista y artista de grabación de fama internacional. Scott estaba al frente cuando la New Age apenas comenzaba hace más de 40 años. Fue uno de los primeros artistas de Windham Hill en unirse al fundador Will Ackerman y Alex de Grassi, en su nuevo sello de Palo Alto, California. Scott firmó en el sello el mismo día que Michael Hedges y ambos se unieron a George Winston, quien era nuevo en el sello. En esos primeros días, Scott hizo una gira con sus compañeros de sello mientras abrían el camino para los muchos artistas que seguirían en ese género. Scott llamaría cariñosamente a su música Heavy Mental o Cosmic National Geographic. Aunque fue uno de los abuelos de la escena New Age; La revista Billboard lo calificó como una "luminaria del jazz del futuro".
El album Reunión se grabó en 1986 e incluyó al violonchelista de Paul Winter, Eugene Friesen. A estas alturas, Scott estaba siendo llamado una de las estrellas más brillantes de la música instrumental. Estaba en la cima de las listas de éxitos y era buscado en los circuitos de conciertos.
Scott continúa viviendo en el noroeste, contento con la vida de sus músicos de gira y composición, estando con su familia y rodeado de la belleza que el área tiene para ofrecer.....Web
Scott Cossu - piano Eugene Friesen- cello Bob Hubbard - english horn Jim Brock - percussion Alex deGrassi - acoustic guitar Charles Bisharat - violin
1. Sanibel 2. Mistico 3. Moira 4. Shepherd's Song 5. Ia Paloma (Flight of the Dove) 6. Gwenlaise 7. Sweet Rose 8. Wedding at Jenny Lake 9. Morning Sketches
Javier Limón con su guitarra, sus buzukis y esa sensibilidad especial que tiene para conseguir el sonido que a él, como productor le gusta escuchar, ha conseguido un disco con unos matices de calidad y unos detalles que te enamoran cada vez con mas fuerza. Es la guitarra sin duda, la conductora del disco, ahora transformada en el oud del gran Dhafer Youssef o en el buzuki del Mujeres-de-agua-picmismo Javier, es más, hasta el clarinete de Hüsnü Selendirici parece transformarse para homenajear a esas músicas que impregnan todas las playas del Mediterráneo.
Aun que no ha podido resistirse Javier Limón y ha incluido en su proyecto a Mariza y su Fadista Louco, como se transforma la guitarra y que cercano se siente ese fado a cualquier música mediterránea, que maravilla. En el otro extremo geográfico la griega Eleftheria Arvanitaki, según Javier, el origen del proyecto, y el grito terrible de Aynur desde su Anatolia con ese Amanecer en Estambul, que abre el disco y que ya deja claro por donde van a ir los tiros. El flamenco con mayúsculas de Carmen Linares, el pasodoble turco de Estrella Morente, que bien lo canta. Las nuevas voces que desde el flamenco se atreven con otras ideas, Sandra Carrasco en esa copla por bulerías, Genara Cortés, La Shica, Montse Cortés, La Susi, Buika que junto a Javier a compuesto una canción isleña, Oro Santo que me ha vuelto a traer a aquella Buika que me atrapó hace unos años, uno de los temas que mas escucho, genial. Yasmin Levy recoge el legado judeo-español, que gran espacio a recuperar. El bajo de Charly Mendes, las percusiones de Ramón Porrina y las cuerdas y teclados de Sonny Pasos ayudan a configurar la universalidad de la propuesta musical.
En fin, doce mujeres a escuchar y disfrutar, doce voces enamoradas de una cultura y una manera de transmitir sentimientos y unos músicos que saben en que agua se están bañando. Un disco hecho con pedacitos de playas, pero también de pequeños ambientes interiores donde la emoción nos sobrecoge. http://www.b-ritmos.com/novedad/javier-limon-mujeres-de-agua
1-Amanecer en Estambul (Aynur) 2-¡Las caritas desnudas! (La Susi) 3-Manuela (Estrella Morente) 4-Fadista louco (Mariza) 5-Media luna me sonríe (Carmen Linares) 6-Oro santo (Concha Buika) 7-El beso libanés (Montse Cortés) 8-La calle del olivar (Sandra Carrasco) 9-Agua misteriosa (La Shica) 10-Komo el pasharo ke bola (Yasmin Levy) 11-Milo moukai mandarini (Eleftheria A.) 12-Un lugar casi vacío (Genara Cortés)
A veces, las colaboraciones más inusuales resultan ser las más exitosas: como la colaboración entre Lambert y Dekker. ¡Una conexión creativa que comenzó hace diez años en un pequeño club en Utrecht, Países Bajos, y se ha desarrollado más allá de las fronteras nacionales hasta convertirse en uno de los álbumes de debut más fascinantes de 2018!
En We Share Phenomena, el dúo Lambert & Dekker combina a la perfección el piano clásico inspirado en el jazz de Lambert con las melodías soul de Brookln Dekker y los elementos rítmicos modernos, así como los respetados ecos de cuerdas. Las piezas no tratan automáticamente de nosotros; más bien, podrían verse como instantáneas de la vida. De la lucha con lo conocido y lo desconocido en la vida en todas sus manifestaciones. Cosas que todos experimentamos de una forma u otra, dijo Dekker. Después de trabajar juntos en 12 canciones, la conexión inicial entre dos almas gemelas se ha convertido en algo mucho más grande, resume Lambert. Hace dos días conocí a Brookln por primera vez desde 2016. Volvimos a tomar unas copas. Esta vez me di cuenta de que hoy ya no es un fantasma para mí, ¡sino un muy buen amigo!
Brooklyn Dekker, originario de Dublín, escribe que "las canciones no son sobre nosotros en sí, sino instantáneas de vidas vividas, luchando con lo conocido y lo desconocido de la vida y sus fenómenos; esas cosas que todos compartimos". El dúo fusiona un piano neoclásico maravillosamente hábil, combinado con voces con micrófonos cercanos que crean una cierta inmediatez.
La pareja nunca puso un pie en el mismo estudio, pero escribió 'We Share Phenomena' a través de mensajes de iPhone. Lambert, con sede en Berlín, un pianista con máscaras a la vanguardia del movimiento neoclásico, y el cantante Brooklyn Dekker, la mitad del aclamado grupo angloamericano Rue Royale, se describen a sí mismos como un dúo 'fantasma' que ha desarrollado algo más allá la suma de sus partes.
Desde el principio, te sorprenden las características místicas de We Share Phenomena de Lambert & Dekker, desde el tema 'The Tug' reflejando en parte el mismo ambiente melancólico de un álbum como Carrie & Lowell de Sufjan Stevens. Trinquetes de 'In an Oblique Way' que detectan algunas muescas casi instantáneamente, un canto fúnebre de piano clásico que es como un bramido de belleza oscura y cósmica, no sucede a menudo, pero pensé que esta pista podría funcionar tan fácilmente tanto instrumental como vocal, podía escuchar esa progresión de piano sin cesar.
Brooklyn Dekker, who is originally from Dublin, writes that "the songs are not about us per sé, rather snapshots of lives lived, wrestling with the known and unknowns of life and its phenomena; those things we all share". The duo fuse beautifully deft neo-classical piano, combined with close miked vocals which create a certain immediacy.
The pair never set foot in the same studio but wrote 'We Share Phenomena' via iPhone messages. Berlin-based Lambert, a mask-wearing pianist at the fore of the neo-classical movement, and singer Brooklyn Dekker, one-half of acclaimed Anglo-American outfit Rue Royale, describe themselves as a 'ghost' duo who have developed something beyond the sum of their parts.
From the outset, you are struck by the mystical characteristics of Lambert & Dekker's We Share Phenomena, with opener 'The Tug' reflecting in part the same melancholic ambience of an album such as Sufjan Stevens' Carrie & Lowell. 'In an Oblique Way' ratchets that sense up a few notches almost instantly, a classical piano dirge that is like a bellow of dark, cosmic beauty, it's not often it happens, but I did think that this track could so easily work as purely instrumental as well as with vocals, I could actually listen to that piano progression endlessly. http://thebestofmusicandfilm.blogspot.com/2018/11/album-lambert-dekker-we-share-phenomena.html https://www.facebook.com/lambertanddekker/
1 The Tug 2 In An Oblique Way 3 Another One 4 Manifold 5 Tone 6 Bluffing 7 Illuminate And Collide 8 Pliable 9 You're Free To Cut 10 With Your Own Kind Of Swagger 11 A Real Possibility 12 Uncivil
Torched consiste en grabaciones en las que el guitarrista Michael Hedges estaba trabajando en el momento de su fatal accidente automovilístico en diciembre de 1997. Una colección de demos, este lanzamiento de 1999 de Windham Hill tiene toda la intimidad que los oyentes podrían esperar de una grabación de este tipo sin las actuaciones fortuitas, como Hedges poseía una técnica poco común y una conexión emocional con cada nota que tocaba. En este formato crudo, las influencias rockeras de la juventud de Hedges aparecen más notablemente en frases vocales que son más expresivas, casi agresivas en ocasiones. En comparación con los lanzamientos de estudio completos, pistas como "Promised Land" y "Spring Buds" tienen un fuerte elenco de cantantes / compositores contemporáneos que generalmente está ausente en las grabaciones anteriores de Hedges, que poseen algo de un sabor new age único. Otros cortes, como "Shell Shock Venus", cubren un terreno un poco más tradicional de Windham Hill. Un ser humano intelectualmente curioso y, según todos los relatos, cálido y amable, Hedges está representado con dos cortes apropiadamente serenos ("Java Man" y "Free Swinging Soul") que terminan Torched, un conciso homenaje a un artista y ser humano extraordinariamente preciado.
Michael Hedges – acoustic guitars, bass, harp-guitar, synthesizers, alto flute, melodeon, percussion, and vocals Michael Manring – fretless bass David Crosby – backing vocals on "Spring Buds" Graham Nash – backing vocals on "Spring Buds"
