Hadouk Trio - Live à FIP (2004)

Tres experimentados músicos que combinan instrumentos electrónicos con instrumentos acústicos de los más diversos orígenes, incorporando a su particular forma de entender el jazz la fuerza de las melodías primitivas. Hadouk Trío, con su amplitud de miras artísticas, eleva a su máxima expresión el concepto de "música mundial", del que ha sido pionero, y se siente verdaderamente cómodo en el eclecticismo y la polivalencia, en un terreno impreciso entre Europa, África y Oriente. Participa habitualmente en el Festival de Essaouira (Marruecos), especializado en música gnawa y world music.

 

Hadouk Trio son los pioneros de la world music a través de su concepto del "cuarto mundo" y es realmente en sus actuaciones en directo donde se puede apreciar toda su potencialidad y su fuerza.

Hadouk Trío ha editado los discos Shamanimal (1999), Now (2002), Live à FIP (2004) y Utopies (2006), disco que refleja un concepto, la utopía como la esencia misma de este trío, su naturaleza profunda y la fuerza de su alma, después de 10 años.

Live à FIP es uno de los álbumes en directo más aclamados del grupo francés de World Jazz Hadouk Trio, liderado por los músicos Didier Malherbe y Loy Ehrlich. El concierto fue grabado en los estudios de la célebre emisora de radio francesa FIP y se publicó originalmente entre 2004 y 2006 en formato de doble CD. Destaca por su extraordinaria calidad de sonido y por la fusión de instrumentos tradicionales e improvisación jazzística.

 
 

 

Disc 1:
01. Vol de Nuit (7:13)
02. Alma Celesta (6:53)
03. Poème du Shamanimal (2:08)
04. Shamanimal (7:28)
05. Nacarat (8:53)
06. Salsa Movar (9:05)
07. Barca Solaris (11:34)
08. Dragon de Lune (6:57)

    

 

Disc 2:
01. Gopi (8:11)
02. Bille en t?te (6:58)
03. Loukoumotive (8:28)
04. O'Shehan drum (2:19)
05. Moussa (6:12)
06. Dame des sables (10:11)
07. Peau de banane (7:25)

 

 

Michael Brook - Live at the Aquarium (1992)

Live at the Aquarium es un aclamado álbum en vivo del compositor, productor e inventor de la "guitarra infinita" canadiense Michael Brook, grabado originalmente el 21 de mayo de 1992. El concierto se celebró en el acuario del Zoológico de Londres como el evento de presentación para la prensa de su icónico disco de estudio Cobalt Blue. Aunque inicialmente no se grabó con la intención de comercializarse, la gran calidad atmosférica de la actuación motivó su lanzamiento oficial bajo el prestigioso sello 4AD. 

El estilo expresivo de la guitarra de Michael Brook es una maravilla sensorial, rebosante de fervor caleidoscópico y atmósferas envolventes. Una base arqueada de sustain difuso, con notas largas y entrelazadas con un dominio impecable del ritmo y una gran habilidad para crear riffs pegadizos.

A años luz de las atmósferas más bien contenidas de su trabajo en Sleeps With The Fishes a finales de los ochenta con Pieter Nooten,  Live at the Aquarium está impregnado de un poderoso sentido del groove, que envuelve al oyente en una multitud de influencias y matices.

Una  joya para disfrutar es Live At The Aquarium! Me atrevo a decir que suena incluso mejor que Cobalt Blue. Un disco en directo donde Brook transforma con destreza “Shona Bridge” en una obra maestra del rock, remodelando “Lakbossa” en una dinamita distorsionada por el wah-wah, con un brillo casi irreconocible respecto a su versión de estudio.

Energía improvisada. La destreza de esta interpretación es épica, rebosante de energía improvisada y un toque performativo. Un auténtico placer, que culmina con la explosión de “Red Shift”. 

 Live At The Aquarium de Michael Brook es una auténtica joya oculta que captura una energía cruda e improvisada muy superior a las texturas pulidas de su contraparte de estudio Cobalt Blue. El contraste entre la calma del acuario del zoológico de Londres (donde se grabó en 1992) y la distorsión desatada por su infinite guitar crea una atmósfera hipnótica inigualable.

 

1. Shona Bridge (live) (5:10)
2. After Image/Urbana (medley) (live) (9:53)
3. Andean (live) (2:11)
4. Ultramarine (live) (5:22)
5. Lakbossa (live) (6:12)
6. Cascade (live) (3:13)
7. Red Shift (live) (5:50)

Barbara Higbie - Solstice (2024) + Dreams (2025)

Barbara Higbie - Solstice (2024)

El lanzamiento de Barbara Higbie, Solstice, en otoño de 2024, complementa su popular serie «Chillogy». 

Celebra la temporada con el Concierto Anual del Solsticio de Invierno, a cargo de Barbara Higbie, artista de larga trayectoria en Windham Hill. Acompañada por sus brillantes amigos músicos: la guitarrista Vicki Randle, la percusionista Michaelle Goerlitz, la violonchelista Mia Pixley, el bajista Kofy Brown, el prodigio de la mandolina Jasper Manning y la icónica artista y comediante de Seattle, Lisa Koch, Barbara interpretará una selección de sus álbumes Solstice, Chillogy y su nuevo CD, aún sin título, además de clásicos de la exitosa serie de discos Windham Hill Winter Solstice. Únete a nosotros para disfrutar de una cálida, alegre e inclusiva tradición navideña que se renueva cada año.

1. First Noel 02:26
2. Greensleeves 04:14
3. Bach and Beethoven 03:43
4. Walking In The Air 04:03
5. We Wish You 02:25
6. Emmanuel 04:56
7. Gloria 02:22
8. Divali 03:53
9. Giving Thanks 02:56
10. Joy To the World 03:09
11. Hanarot Halalu 03:09
12. Frozen Lake 03:35
13. Silent Night 04:05

Barbara Higbie - Dreams (2025)

Esta música fue creada para acompañar al oyente en su transición al sueño profundo. Interpretada en uno de los mejores pianos del mundo y grabada en un estudio de última generación, está diseñada para transmitir una profunda sensación de paz, bienestar y relajación. Que esta música, creada con amorosa intención, te lleve a un viaje de descanso. 

Piano solo: Barbara Higbie. Producida por Barbara Higbie y Lisa Vogel.

Un solo de piano para noches de insomnio. «Dreams» es un álbum de new age atípico. Se trata de una colección inspirada de piezas originales y conmovedoras, interpretadas en uno de los mejores pianos del mundo. En un mundo perpetuamente ruidoso, encontrar algo relajante y presente es un verdadero tesoro. La música de «Dreams» invita al oyente a vivir cada momento con profunda intensidad.

 

1. Stepping Stones 05:03
2. Floating Petals 04:28
3. Surrender Your Thoughts 06:19
4. Stillness 04:32
5. When the Winds Change 06:45
6. Blue Ridge Mountains 04:35
7. Relax Your Heart 04:45
8. Appreciation 05:02
9. Beautiful Thoughts 05:15
10. Exhale 05:38

Green-House - Hinterlands (2026)

 

Como Green-House, los músicos Olive Ardizoni y Michael Flanagan exploran la naturaleza humana y el mundo natural mediante una síntesis dinámica y vibrante. Superponiendo frecuencias y expresiones como si de un camuflaje se tratara, su proceso colaborativo, de gran complejidad, comienza con cada artista: Ardizoni suele inclinarse por la melodía, mientras que Flanagan lo hace por la armonía. Su fuerza reside en cómo sus ideas se entrelazan, alcanzando una profundidad mayor que la suma de sus partes. En su primer album con su nuevo sello, Ghostly International, Green-House desarrolla y perfecciona su vívida composición instrumental con una libertad y un dinamismo sin precedentes, que desafían los géneros; una energía más activa, percusiva y emotiva, marcada por fluidos cuerpos sonoros y amplios paisajes sonoros. Hinterlands se conecta con la belleza del mundo con una sinceridad radical y desafiante.
  

Desde 2020, a través de un catálogo de aclamados lanzamientos con el sello Leaving Records, creador de la escena musical de Los Ángeles, el dúo ha explorado la curiosidad por los entornos, buscando espacios innatos y lejanos mediante instrumentación orgánica y sintética, diseño de sonido de alta definición y «melodías idiosincrásicas elaboradas con la mano paciente y metódica de un jardinero», escribe Pitchfork. Green-House no encaja fácilmente en ninguna categoría. Ardizoni y Flanagan no se identifican con ideologías New Age ni con la espiritualidad, y la etiqueta de ambient se siente cada vez más limitada dada la complejidad de sus canciones, que en su nuevo álbum se acercan más al IDM o incluso a la música clásica moderna. Lo que permanece intrínseco es una abierta sensación de asombro, «la idea de legitimar ciertas emociones dentro de la música que a menudo no se toman en serio en el arte, como la felicidad y la alegría», dice Ardizoni, cuya personalidad ecléctica brilla incluso sin letras.
https://green-house.bandcamp.com/album/hinterlands

 

01. Sun Dogs (03:00)
02. Sanibel (03:04)
03. Farewell, Little Island (03:00)
04. Misty Step (04:01)
05. Dragline Silk (03:35)
06. Hinterland I (01:57)
07. Hinterland II (02:13)
08. Hinterland III (04:09)
09. Well of the World (05:07)
10. Under the Oak (02:51)
11. Bronze Age (02:34)
12. Valley of Blue (02:28)

Clannad - Anam - 1990

El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que significa "la familia de Dore"; el grupo fue fundado por la familia Brennan en 1970. Máire, Ciarán y Pól Brennan (la versión inglesa de su nombre familiar gaélico) se unieron a sus tíos Noel y Pádraig Duggan y empezaron a tocar en la taberna de su padre Leo. La hermana de Máire, Eithne, se unió a la banda en 1979 y la abandonó tres años más tarde para seguir una exitosa carrera en solitario conocida como Enya. Máire también ha llevado en paralelo su propia carrera en solitario, iniciada con un álbum en 1992 titulado "Máire". 

Anam (que significa "alma" en irlandés) es el undécimo álbum de estudio del grupo de folk celta irlandés Clannad, lanzado originalmente el 8 de octubre de 1990. Este disco consolidó el sonido místico característico de la banda al fusionar de manera impecable la música tradicional irlandesa con el pop contemporáneo, el new age y estructuras de rock progresivo.

Ciaran Brennan (vocals, guitar, piano, synthesizer, acoustic & electric basses); 
Maire Brennan (vocals, harp); 
Padraig Duggan (acoustic guitar, harmonica, mandola); 
Noel Duggan (guitar).

- Brídín Brennan / harmony vocals
- Anton Drennan / electric guitar, dobro
- Ian Parker / keyboards
- Paul Ridout / programming
- Mel Collins / saxophones
- Vinnie Kilduff / bansuri
- Paul Moran / drums, percussion
- Bono / vocal duet (bonus #2)

01. Rí Na Cruinne (4:05)
02. Anam (4:05)
03. In Fortune's Hand (3:57)
04. Poison Glen (3:55)
05. Wilderness (instrumental) (2:08)
06. Why Worry? (4:30)
07. Úirchill An Chreagáin (4:25)
08. Love and Affection (4:59)
09. You're the One (3:57)
10. Dobhar (instrumental) (2:39)

Wychazel - Wild Orchid (2022) + Aurora (2023)

Wild Orchid es el título del nuevo álbum de Wychazel. Este lanzamiento puede considerarse un complemento de Zen Garden (2018) y Tao – A Path of Peace (2020), con una marcada influencia del misticismo del Lejano Oriente.

Wild Orchid contiene 50 minutos de música suave para la relajación, la visualización o el trabajo creativo. Los instrumentos incluyen GuZheng, Koto y Yangqin, flautas de bambú, gamelan, cuencos, campanas y gong, guitarras, efectos atmosféricos, sintetizadores y samples. Es un álbum de reproducción continua, sin pausas entre pistas.

Un viaje musical apacible al mundo místico y exótico del Lejano Oriente. Atractivos temas orientales sobre un fondo envolvente de sonidos naturales invitan a desconectar y simplemente relajarse.
https://wychazel.net/

 

1. Wychazel - Wildflower Meadow (7:52)
2. Wychazel - White Heron Little Mouse (9:44)
3. Wychazel - Weeping Willow by the Water (8:48)
4. Wychazel - The Taming Power of the Small (12:12)
5. Wychazel - Wild Orchid (11:24)

 

 Wychazel - Aurora (2023)

La inspiración detrás de Aurora ha venido de varias fuentes. Los hermosos paisajes nevados que aparecen en la recientemente proyectada serie "Blue Planet" inspiraron no sólo el concepto original del álbum, sino que también influyeron en mi selección de sonidos, efectos de fondo y estado de ánimo musical general. Tampoco pude resistirme a adquirir algunos sintetizadores nuevos que, a veces, han tomado la dirección musical bastante cerca de los vibrantes estilos Chillout tan favorecidos por un gran número de músicos especializados en sintetizadores de software y electrónica. Aurora es un álbum de reproducción continua sin pausas silenciosas entre pistas.
https://www.facebook.com/people/Wychazel/100063668184772/?locale=es_LA
https://wychazel.net/

 

 

Imagine yourself in a twilight world of pure white snow where the Aurora spreads its cosmic light across the sky. All around you the sounds of icebergs drifting through the ocean mingle with an abundance of sentient marine life. Switch the music on, relax and let your imagination do the rest. Instruments include Synths & Samples, RMX Percussion and environmental effects. This is a continuous play album with no silent pauses between tracks.
 
01. Icebergs in a Sea of Light (12:32)
02. Cosmic Cascades (8:02)
03. Arctic Chill (9:46)
04. Polaris (11:08)
05. Aurora (12:32)

Kiasmos - II (2024)

  

Kiasmos, el proyecto de Ólafur Arnalds y Janus Rasmussen, da otro paso con su esperado segundo álbum. Un “II”. ‘Burst’,  es el primer adelanto del disco.   El album es descrito por el propio Janus como “el momento en el que todo el disco empezó a concebirse. Gran parte del trabajo en hacer ese tema partió del hecho que ese fuese como un ancla para el resto del álbum“.

Sobre “II”, una nota de prensa detalla que nos topamos ante un disco que muestra una evolución como “arquitectos de lo sónico, contando con más profundas texturas acústicas, ambientación atmosférica, ritmos inquietos y ambiciosos arreglos de cuerda“. Respecto al pasado, Janus afirma que estamos ante algo “más grande en sonido y en producción“. El contenido del album se creó entre 2020 y 2021, incluyendo un período de tiempo invertido en el estudio de Ólafur en Bali. “Pasamos un mes componiendo algunas canciones que aparecieron en el disco”. Esto integró también percusión balinesa y grabaciones de campo captadas en la zona.

Género: Electronic
Estilo: Ambient House, Minimal Techno, Dub Techno, Downtempo, Modern Classical

Cello – Sigurgeir Agnarsson, Unnur Jónsdóttir
Producer – Janus Rasmussen, Ólafur Arnalds
Recorded By – Hafsteinn Þráinsson, Janus Rasmussen, Ólafur Arnalds
Viola – Karl Pestka, Ásta Kristín Pjetursdóttir
Violin – Sigrún Harðardóttir, Viktor Orri Árnason
Written-By, Performer – Janus Rasmussen, Ólafur Arnalds

01. Grown (05:40)
02. Burst (04:31)
03. Sailed (04:04)
04. Laced (04:18)
05. Bound (06:26)
06. Sworn (04:14)
07. Spun (04:09)
08. Flown (03:55)
09. Told (05:39)
10. Dazed (05:07)
11. Squared (05:17)

2002 (Pamela and Randy Copus) - Time Traveler (2024)

 

2002 es una reconocida banda estadounidense de música new-age fundada por el matrimonio compuesto por Pamela y Randy Copus. Originarios de Texas, el dúo comenzó su andadura musical en 1992 y se ha consolidado como uno de los nombres más influyentes y estables del género, llegando a colocar doce álbumes en las listas de éxitos de Billboard.
El nombre original del grupo no era el número del año, sino un símbolo de infinito flanqueado por dos números dos. Los números representaban a Pamela y Randy a cada lado de la eternidad. Debido a las dificultades para escribirlo en teclados y pronunciarlo, evolucionó formalmente hacia "2002".

Aunque comenzó como un proyecto de dos personas, su hija Sarah Copus se unió formalmente al grupo aportando arpa y voces angelicales, transformando la banda en un trío familiar que graba todo su contenido en su estudio propio en Texas.
Su identidad sonora destaca por combinar arreglos exuberantes, capas corales profundas y texturas instrumentales muy cinemáticas. Aunque sus raíces se asientan firmemente en el neoclásico y el ambient, su música a menudo incorpora elementos de folk celta, pop y rock progresivo.

“Time Traveller”, la última odisea musical del renombrado trío 2002, compuesto por Pamela, Randy y Sarah Copus, es una pura inspiración para cualquiera que desee desbloquear el poder de la música para lograr tranquilidad. Este álbum es una fascinante fusión de los géneros New Age, Ambient y Relaxation, que ofrece una experiencia inmersiva perfecta para momentos de reflexión, meditación o simplemente relajarse después de un largo día.

 

01. The Morning Breeze (4:56)
02. Falling Stars (4:20)
03. Seasons Fade (4:08)
04. Love of My Life (4:34)
05. Time Traveler (6:49)
06. The End of the Journey (5:58)
07. Beyond the Veil (5:32)
08. The Essence of a Dream (5:07)
09. Adrift in a Memory (4:32)
10. Where You Are (4:12)

Wim Mertens - Close Cover (1986)

"Close Cover" es una de las composiciones más emblemáticas del músico y compositor belga Wim Mertens. Aunque la pieza se lanzó originalmente en 1983 dentro de su aclamado álbum Struggle for Pleasure, en 1986 adquirió una gran relevancia internacional gracias a un álbum recopilatorio homónimo editado por el sello estadounidense Windham Hill Records.

La pieza destaca por su melodía hipnótica de piano y el uso de la voz como un instrumento puro. Su enorme éxito comercial facilitó que el director de cine Peter Greenaway contratara a Mertens para componer la banda sonora de la película The Belly of an Architect (1987), donde "Close Cover" volvió a ser una pieza central. Décadas después, el tema sigue siendo un clásico de la música minimalista y europea. 

Wim Mertens había publicado 2 discos en Windham Hill, Whisper Me y Close Cover. En el segundo estaba el grandísimo tema, Struggle for pleasure. Según parece, fué una reedición de ambos discos, como mero aprovechamiento de la discográfica tras la grandísima acogida de sus conciertos en Chicago y Los Ángeles

La producción de Wim Mertens en Windham Hill es que cada álbum es en realidad una selección de la discografía "real" de Mertens, lanzada principalmente bajo su propio sello Les Disques du Crépuscule. Close Cover, por ejemplo, se extrae de tres álbumes 'Struggle for Pleasure' (Tourtour, Struggle for Pleasure, Close Cover y Gentlemen of Leisure), 'Vergessen' (Circular Breathing) y 'Maximizing the Audience' (Lir ).

 

Género: Electronic, Classical
Estilo: Modern Classical, Minimal, Ambient 

1 Close Cover 3:15
Bass, Synthesizer – Pieter Vereertbruggen
Piano, Vocals, Synthesizer – Wim Mertens

2 Tourtour 2:30
Harp – Anne Van Den Troost
Saxophone [Soprano] – Luk Schllaert

3 Circular Breathing 3:47
Harp – Gyde KnebuschPiano – Wim Mertens
Saxophone, Clarinet – John Ruocco

4 Struggle For Pleasure 3:52
Piano – Hans Francois, Wim Mertens
Saxophone [Soprano] – Luk Schollaert
Synthesizer [Bass] – Pieter Vereertbrugghen

5 Gentlemen Of Leisure 4:33
Clarinet – John Ruocco
Electric Piano – Wim Mertens

6 Lir 18:10
Piano – Wim Mertens

Guy Sweens - The Alchemist (2022)

 

Guy Sweens es un artista, compositor y productor neerlandés de World Fusion y New Age. Su música se caracteriza por ser vibrante, apasionada, espiritual y rebosante de calidez melódica y percusión étnica. Se inspira en mitos, leyendas y tradiciones de la India, la historia medieval y celta, el Imperio Inca y muchos otros lugares. Guy crea álbumes conceptuales que fusionan estilos occidentales y exóticos. Para lograr estas texturas, utiliza diversos instrumentos tradicionales de todo el mundo, combinados con sintetizadores y tecnología modernos.

The Alchemist es un álbum de música instrumental lanzado por el compositor neerlandés Guy Sweens el 16 de septiembre de 2022. El concepto del álbum gira en torno al misticismo, la magia y los secretos de la antigua alquimia.

Atractivo y mágico a la vez, te transporta a una época de misterio y asombro. Para este álbum Guy Sweens utilizó
una amplia gama de instrumentos históricos. Con ellos ha intentado recrear la atmósfera musical desde la época celta hasta la Alta Edad Media, e incluso hasta el Renacimiento. Melódico y expresivo.


01. Guy Sweens - The Manuscript (5:25)
02. Guy Sweens - Obscure Formula (6:03)
03. Guy Sweens - In Deepest Secrecy (6:32)
04. Guy Sweens - Elixir (6:41)
05. Guy Sweens - Turning Metal into Gold (5:01)
06. Guy Sweens - The Kings Court (6:05)
07. Guy Sweens - Nicolas Flamel (5:03)
08. Guy Sweens - Magnum Opus (5:32)

Andreas Vollenweider - Caverna Magica (..In The Cave - Under The Tree..) 1983 (Edel Rec. 2006/24 Bit Remast.)

«Caverna Magica» es el segundo álbum de estudio del artista Andreas Vollenweider, publicado originalmente en 1983. Es casi completamente instrumental y fue el sucesor directo de su innovador álbum «Behind the Gardens». El álbum comienza con el sonido de los pasos de un hombre y una mujer que hablan en un idioma desconocido (algunas palabras, especialmente en español, se pueden reconocer al reproducir el título al revés) y luego se adentran en una cueva reverberante, reaccionando con asombro. El sonido del agua goteando en la cueva se transforma en el ritmo de la música, que se desvanece en ese momento. Si bien el álbum originalmente se publicó de forma independiente, este, junto con los álbumes anteriores y posteriores («Behind the Gardens», «Behind the Wall», «Under the Tree» y «White Winds»), se reeditaron en 1990 en un doble CD titulado «Trilogy», sugiriendo que juntos formaban una sola entidad musical.
 

"Caverna Magica" es uno de los grandes clásicos de Vollenweider. Es el disco que pondría si alguien me preguntara cómo suena la música de este músico suizo. Mucho arpa, un toque de música del mundo, todo maravillosamente relajado, reconfortante y acogedor en el mejor sentido de la palabra.

Andreas Vollenweider - Electroacoustic Pedal Harp, Gu-Cheng & more
Pedro Haldemann - Rhythmanatomic Accousticolors & more
Walter Keiser - Drumming Center of Gravity & more
Corin Curschellas - Moonvoice / Snakevoice
Jon Otis - Weaver of the Bata Drum Net
Eric Merz - Architct of the Sound Buildings
Roger Bonnot - Natural Sound Adventurer


1        Caverna Magica    3:53
2        Mandragora    3:12
3        Lunar Pond    2:10
4        Schajah Saretosh    3:27
5        Sena Stanjena?    2:28
6        Belladonna    5:21
7        Angóh!    2:44
8        Huiziopochtli - Con Chiglia    5:07
9        Geastrum Coronatum / La Paix Verde    4:35

Bonus Tracks    
10        Pace Verde (The Green Peace Single 1983)    5:23
11        Rilaex (Live At The Carré, Amsterdam 1982)  3:15
12        Hey You! Yes, You... (Edit From The Album Vox, 2004)  3:11

Marika Takeuchi - Melding (2018)

Marika Takeuchi es una compositora y pianista japonesa residente en Los Ángeles. Ha publicado grabaciones de su música clásica moderna y ha compuesto música para películas, anuncios, bibliotecas musicales y videojuegos.
 

Comenzó sus estudios de piano clásico a los tres años en Japón. Además del piano, tocó el violín y la trompa durante varios años. Empezó a estudiar composición y a forjar una carrera como compositora a los 18 años. Sus inicios profesionales incluyeron la composición para la radio NHK y Universal Music Japan.

Se mudó a Estados Unidos en 2009 y estudió composición cinematográfica en el Berklee College of Music. Lanzó su primer álbum, Night Dream, y el sencillo The Arctic Light en 2011. El sencillo ha aparecido en un anuncio de televisión australiano, en la página web oficial de la Oficina de Turismo de Noruega y en varios otros anuncios y cortometrajes. Su segundo álbum, Impressions, fue nominado a Mejor Álbum Neoclásico en la 10.ª edición de los Premios ZMR, y su álbum de 2016, Colors in the Diary, fue producido por el productor ganador del Grammy, Will Ackerman. Compuso la banda sonora del galardonado cortometraje dramático More Than One en 2016.

En julio de 2018, lanzó su quinto álbum, Melding, a través del sello independiente londinense Bigo & Twigetti, y actuó en un concierto para su sello en Londres. En marzo de 2019, recibió el encargo de componer una pieza para piano solo, Bloom, para el álbum Holes in the Sky de la pianista de Sony Masterworks, Lara Downes. Su último EP, Missing Piece, se lanzó en 2020, y ese mismo año compuso la banda sonora de un anuncio de Canon USA y del galardonado cortometraje italiano The Vanishing Hitchhikers.



También ha compuesto música para numerosas bibliotecas musicales, como West One Music, Extreme Music y APM Music, y ha participado en numerosos álbumes recopilatorios de piano a lo largo de los años. Lanzó un álbum de piano solo, Lost Letters, en West One Music Group, y su último álbum ambiental, Dreamer in the Dark, se lanzó en septiembre de 2022. También compuso la música de un juego de PlayStation, Aurora's Journey and the Pitiful Lackey, que se lanzó en enero de 2023.

Piano - Marika Takeuchi
Violin/viola - Navid Hejazi
Cello - Ro Rowan
Guitar/vocals/additional violin/ukulele - Marika Takeuchi
Mixed by Andreas Bjørck

01. Marika Takeuchi : Melding [00:04:53]
02. Marika Takeuchi : Night Time [00:04:06]
03. Marika Takeuchi : Found [00:05:13]
04. Marika Takeuchi : Roots [00:05:03]
05. Marika Takeuchi : Dawning [00:03:39]
06. Marika Takeuchi : Thoughts [00:05:10]
07. Marika Takeuchi : Evolve [00:04:06]
08. Marika Takeuchi : Breakdown [00:03:27]
09. Marika Takeuchi : Found (Jim Perkins Re-Work) [00:04:00]
10. Marika Takeuchi : Motion [00:05:09]
11. Marika Takeuchi : Torn [00:04:45]
12. Marika Takeuchi : Breeze [00:03:04]

Matthew Halsall - An Ever Changing View (2023)

 

Matthew Halsall es un músico de jazz, compositor, productor y fundador del sello de jazz independiente Gondwana Records, con sede en Manchester.
La música de Halsall está inspirada en el jazz espiritual de Alice Coltrane, Pharoah Sanders y Miles Davis, con influencias del trip hop siguiendo los pasos de The Cinematic Orchestra.

Cualquiera que sea la visión que Matthew Halsall comparta aquí, está extraída de la vida y, en consecuencia, es pintoresca: no sólo siempre cambiante, sino siempre colorida y fascinante. Esta vista proviene en parte de las vistas del mar y el cielo que disfrutó mientras la creaba, dividiendo el tiempo entre Inglaterra y Gales. En parte, también proviene de un par de años recopilando un tesoro de objetos de percusión y jugando alegremente con todos los sonidos orgánicos que ofrecían. Jugando con esos tonos, sin un marco estricto en mente, produce un encantador caleidoscopio tonal que es libremente experimental y, sin embargo, cómodo de principio a fin.

La gama de percusión (campanas, carillones, kalimba, glockenspiel y otros sonidos menos comunes) constituye la paleta más amplia utilizada en su catálogo hasta la fecha, todo tejido en patrones circulares sencillos y sin abarrotar. La trompeta de Halsall es una voz principal en gran medida relajante, que fluye y flota sobre los ritmos con un toque ocasional de arrogancia en los graves para darle vida a las cosas. Alrededor de los bordes hay otra mezcla cambiante de texturas agradables, desde saxofón y flauta hasta arpa y cantos de pájaros.

 

El ambiente es tranquilo y alegre, casi como una versión de la fusión mundial de Oregón con una inclinación más oriental y solo un toque de fantasía de Penguin Cafe Orchestra. Con "Mountains, Trees and Seas", rebotan sobre una línea de contrabajo andante que emula el ascenso y caída de montañas reales; películas como "Water Street" y "Calder Shapes" chirrían enérgicamente; Los momentos más bajos, como "Sunlight Reflection", simplemente flotan con una tranquilizadora especie de calma zen. En las manos del experto arreglista de Halsall, todos los tonos se tejen en un mosaico suavemente hipnótico que hace que el conjunto se sienta como un largo y soleado sueño. Un placer para la mente y el corazón.
https://www.allaboutjazz.com/an-ever-changing-view-matthew-halsall-gondwana-records__17594

 

Personal.
Matthew Halsall: trumpet; Matthew Cliffe: flute; Chip Wickham: woodwinds; Alice Roberts: harp; Maddie Herbert: harp; Liviu Gheorghe: piano; Jasper Green: keyboards; Gavin Barras: bass, acoustic; Alan Taylor: drums; Jack McCarthy: percussion; Sam Bell: percussion; Chris Davies: percussion; Caitlin Lang: voice / vocals.

1        Tracing Nature
2        Water Street
3        An Ever Changing View
4        Calder Shapes
5        Mountains, Trees And Sees
6        Field Of Vision
7        Jewels
8        Sunlight Reflection
9        Natural Movement
10        Triangles In The Sky

Frank Steiner, Jr. - I Ching Symphony (1998)

 

El I Ching, Yijing o I King (en chino tradicional: 易經; en chino simplificado: 易经; en pinyin: yì jīng) es un libro oracular chino cuyos primeros textos se suponen escritos hacia el 1200 a. C. Es uno de los Cinco Clásicos confucianos.

El término i ching significa ‘libro de las mutaciones’. El texto fue aumentado durante la dinastía Zhou y posteriormente por comentaristas de la escuela de Confucio, pero su contenido original es de procedencia taoísta y no confucianista. Se cree que describe o interpreta la situación presente de quien lo consulta y aconseja el modo en que se puede resolver el futuro si se adopta ante él la posición correcta. Es un libro oracular, sapiencial y moral, a la vez que por su estructura y simbología es un libro filosófico y cosmogónico.

Frank Steiner, Jr. nació en Friburgo, Alemania, en 1966, donde creció estudiando piano clásico, trompeta y teoría musical. Tras experimentar con numerosos proyectos musicales y tocar con una gran variedad de grupos, Steiner fundó su propio grupo de jazz-rock, pero actualmente se centra principalmente en la composición.

En 1990, Steiner conoció a Ulrich Gitschier, productor y propietario de un estudio en el sur de Alemania, con quien entabló amistad y colaboración. De Gitschier aprendió sobre los orígenes de las religiones, las raíces culturales y la música del Lejano Oriente. Steiner quedó fascinado con sus nuevos conocimientos, especialmente con la música india y china, y comenzó a componer obras con estas influencias étnicas.

La profunda comprensión que Steiner logró asimilar del texto milenario del I Ching se evidencia en la Sinfonía del I Ching. Durante la grabación de esta obra, Steiner trabajó con músicos que tocaban instrumentos acústicos y electrónicos, dotando a la pieza de un aire tradicional y contemporáneo, en armonía con la naturaleza contemplativa del antiguo oráculo.

 Incluso la idea básica de componer su música para el famoso Libro de los Cambios es tan ingeniosa como obvia; es asombroso que se haya materializado recién ahora. Aún más sorprendente es que el compositor y multiinstrumentista Frank Steiner Jr. no se limitó a crear una música curativa, confiando en la efectividad del título, sino que se involucró en la complejidad del tema en términos de contenido musical y presentar de manera convincente todos los aspectos en una obra sinfónica unificada, eso ya es una obra maestra más allá de su versátil aplicabilidad práctica, la música también es un placer para el oído, permite descubrir cosas nuevas una y otra vez y establece nuevos estándares con su valor artístico.

La Sinfonía del I Ching da vida a las imágenes del oráculo milenario del I Ching o Libro de los Cambios. Estas ocho piezas, sensibles y a veces dinámicas, que corresponden a los ocho pilares del I Ching, ofrecen un viaje mágico e inspirador a través de la naturaleza, dejando al oyente renovado y, de alguna manera, más sabio.

Frank Steiner Jr.: Bowls, Chimes, Flugelhorn, Keyboards,
Marimba, Piano, Stick, Trumpet, Udu, Zither
Miriam Mayer, Miriam Rudolph: Viola, Violin
Jamie Gonzales: Horn (English), Oboe
Alexander Scholl: Bamboo Flute, Flute
Anette Kalomba: Congas, Djembe, Stick

01. Ch'ien (Heaven)
02. K'un (Earth)
03. Chen (Thunder)
04. Sun (Wind)
05. Li (Fire)
06. K'an (Water)
07. Tui (Lake)
08. Ken (Mountain)

T with the Maggies - T with the Maggies (2010)

 

T with the Maggies son Tríona & Maighread Ní Dhomhnaill, Mairéad Ní Mhaonaigh & Moya Brennan

En mayo de 2007, una notable reunión de músicos y cantantes tradicionales irlandeses se reunió en Vicar Street en Dublín para celebrar la vida y la música de Mícheál Ó Domhnaill, quien, con Skara Brae y The Bothy Band, había sido una fuerza pionera en la música irlandesa.

Entre los muchos artistas y grupos que se reunieron esa noche se encontraba una actuación evocadora de cuatro de las mejores cantantes de Irlanda. A Tríona y Maighread Ní Dhomhnaill (las dos hermanas de Míchaél, organizadoras de conciertos y co-miembros de Skara Brae y The Bothy Band) se unieron Mairéad Ní Mhaonaigh de Altan y Moya Brennan de Clannad. Así nació una de las colaboraciones más inspiradoras y conmovedoras de la música tradicional irlandesa.

Tríona, Maighread, Mairéad y Moya, T with the Maggies, provienen de la misma región del condado de Donegal (con el gaélico como lengua materna) y cuentan con una brillante trayectoria profesional. Cada una aporta una interpretación única y diversa de su herencia musical, dando como resultado una de las mejores fusiones de voces femeninas irlandesas. ¡Son auténticas mujeres celtas!

   

Su primer concierto en enero de 2009, en el Temple Bar Tradfest de Dublín, agotó las entradas de inmediato, y posteriormente actuaron en la Cumbre Económica Global Irlandesa del año pasado. Sam Shepard les encargó una nueva grabación de su tema favorito, «Two Sisters», para su obra de teatro «Ages of the Moon». 

 

Sobre el escenario, las Maggies irradiaban una mezcla de voz instintiva, armonía y un gran sentido del humor. Cada una aporta su selección de canciones, pero las integran al grupo con una sonoridad única de voz, piano, violín y arpa. Se nota que son grandes amigas.

«T with the Maggies» es el primer álbum del grupo, que reúne más de cuatro décadas de experiencia musical. Con arreglos sutiles, el álbum pone de relieve cuatro voces que han dado forma a la música tradicional, folk y celta irlandesa actual.

 

01. Wedding Dress
02. Domhnach na Fola
03. Thugamar Fhéin an Samhradh Linn
04. Bíodh Orm Anocht
05. Mother's Song
06. Ógánaigh Uasail
07. Cuach mo Londubh Buí
08. Ceol an Phíobaire
09. 'Stór, A Stór, A Ghrá
10. Farewell, Farewell
11. An Mhaighdeán Mhara
 

Thierry David - Zen World (2006) + Zen Pause (2007)

 

Thierry David es un reconocido compositor y productor francés de música new-age, ambient, chill-out y world fusion. Con más de dos décadas de trayectoria, es considerado una de las figuras más importantes de su género en Francia.
Su música se caracteriza por mezclar texturas electrónicas con influencias étnicas y ritmos relajantes, orientados a la meditación y el bienestar.

Érase una vez Zen World, o cómo sumergirse en la evasión, la paz y la serenidad... Thierry David, con este álbum fundamental, impregnado de feminidad, universalidad y delicadeza, abre las puertas del mundo con su música, donde cuatro cantantes de Latinoamérica, Asia, Oriente y Europa deleitan sus dulces y sutiles voces. Un momento único de relajación...

Zen World" es una buena muestra de Pop Atmosférico sofisticado y a la vez cálido. En este último aspecto, el impresionante tema "Beyond Sadness" es quizá el que más hondo llega. Tanto las piezas que son instrumentales como las que cuentan con las sensuales voces de las cantantes Audrey, Esther, Juvie y Marcia, destacan por sus cuidadas melodías y arreglos. La paleta de sonidos electrónicos refuerza el aire sofisticado de la música.

Tracks
01. Close To Heaven
02. Asian Rhapsody
03. I Miss You So
04. Walking On Skies
05. Mahal Kita
06. Deep Inside
07. Mystic Trip
08. Forgive Me
09. Song Of Freedom
10. Babel
11. Sometimes
12. Peaceful Dreams
13. Beyond Sadness

 

 

Thierry David - Zen Pause (2007) 

El mundo del legendario productor de música ambiental Thierry David es misterioso. Teclados que se desarrollan sutilmente, ritmos electrónicos de trip-hop y downtempo te transportan a un viaje hacia la paz interior.
Oculto en este disco de desarrollo lento y profundamente evocador, yace el mundo secreto de Thierry David, esperando ser descubierto.
Entre la suavidad y la sensualidad, las piezas musicales de este álbum crean el escenario ideal para una auténtica pausa zen, con atmósferas bellas y envolventes, muy confortables, tan relajantes como un baño o un masaje... Thierry David ofrece a nuestros oídos toda la riqueza de su talento para traducir la esencia misma del bienestar en música.  

 

Thierry David (piano, keyboards); 
Jade (vocals); 
Steve Shehan (percussion)

 

1. Rain On Me (5:51)
2. Deep Sea Green (4:41)
3. Core Breath (4:31)
4. Zensations (2:48)
5. Connected (5:02)
6. Silhouettes at Dusk (4:50)
7. Dream It (4:58)
8. Weekend Away (4:15)
9. It's Safe to Sway (2:59)
10. Releasing the Past (3:59)
11. Cosmos (4:44)
12. Sunlight in My Mind (3:05)
13. Zen Pause (6:44)

 

René Aubry - Give Me a Chance for Another Dance (2025)

 

René Aubry nos cuenta en Facebook...
Rara vez empiezo con un concepto o proyecto específico cuando compongo para un nuevo álbum.
La música surge o no surge, sin que yo sepa realmente por qué. La dejo surgir, desarrollarse, sin intentar limitarla. Simplemente la sigo. A menos que sea al revés.
Al final, elijo algunas, las que más resuenan, las que parecen querer coexistir.
Este nuevo álbum nació sin ninguna intención en particular, pero con la libertad que me impulsa a crear. Una serie de piezas que, sin querer, quizá cuentan algo. O nada. Acaban contando una historia, o más bien sugiriendo mil más, según el oído y la imaginación de cada uno.
Así que os dejo descubrir esta música tal como me llegó: de forma sencilla y espontánea.
Esta dedicado a mi nieto Ulises.

(02:39) 01. Cannaregio (feat. VENTY)
(02:56) 02. Ti Voglio Bene
(03:13) 03. Dawn by Low
(03:30) 04. Ulysse dans la vallee
(01:59) 05. Angry Birds
(02:04) 06. Give Me a Chance for Another Dance
(02:28) 07. Jour apres jour
(04:08) 08. The Cloud
(04:07) 09. Joyeux qui comme Ulysse
(02:35) 10. Rebetiko a Chicago
(02:29) 11. Magic Light

GoGo Penguin - Necessary Fictions (2025)

 

GoGo Penguin, el trío de Manchester que desde su formación en 2012 ha fusionado con maestría el jazz, la música clásica y la electrónica, ha alcanzado un momento emocionante con su nuevo álbum, "Necessary Fictions".

El pianista Chris Illingworth, el bajista Nick Blacka y el baterista Jon Scott han explorado a fondo su música para alcanzar su máxima expresión y autenticidad. Esto los ha llevado a tomar algunas de sus decisiones más audaces hasta la fecha, como incorporar sintetizadores modulares a su sonido como nunca antes. Por primera vez, GoGo Penguin ha ampliado su formación habitual de tres integrantes con la participación de músicos invitados, entre ellos Manchester Collective, liderado por la directora creativa y violinista Rakhi Singh. Además, "Forgive The Damages" presenta la primera voz humana en una grabación de GoGo Penguin: la del cantautor Daudi Matsiko.
 

Tras el éxito de Everything Is Going To Be OK, GoGo Penguin presenta ahora uno de sus álbumes más potentes hasta la fecha. Aquel lanzamiento de 2023 quizá no fue del agrado de todos, ya que marcó ciertos cambios en el enfoque del grupo, aunque mantuvieron su esencia. Sin embargo, la transición hacia piezas más contemplativas, incluso ambientales, y los ritmos más lentos, junto con el contraste que permitía la atmósfera, hicieron que el concepto de composiciones de estilo electrónico interpretadas por un trío de piano careciera de la energía que caracterizaba sus primeros trabajos. En Necessary Fictions, se conserva parte de la variedad de tempos y la atmósfera meditativa, pero la tensión creada por las frases disonantes, incluso a estos tempos, aumenta. Así, cuando el grupo interpreta compases más rápidos e inusuales, la energía los impulsa hacia adelante, mientras que las piezas más lentas dejan al oyente a la espera de una nueva aceleración. Illingworth sigue experimentando con los sonidos del teclado de una forma que pocos, aparte de Kari Ikonen, se atreverían a hacer, inspirado por los sonidos y piezas electrónicas que los motivan. Algunos invitados aportan elementos que el grupo no había incluido antes. El trabajo de Blacka al bajo recibe suficiente protagonismo como para demostrar la importancia no solo de una "sección rítmica" (si es que podemos llamarla así en este tipo de arreglos), sino también el valor de incluso las síncopas más simples, aún más impresionantes cuando Blacka y Scott necesitan crear algo más complejo. 

 

Hay algunos interludios que se asemejan más a poemas tonales, de orientación electrónica, y que quizás habrían desentonado en los primeros álbumes del grupo, cuando trabajaban de forma más sencilla con el concepto básico. Sin embargo, a medida que se adentran y se alejan gradualmente de las composiciones de inspiración electrónica, acercándose y alejándose del post-bop tradicional, estas piezas se convierten en merecidos y bienvenidos respiros. Sería muy fácil que GoGo Penguin sonara a improvisación ambiental sin rumbo fijo. El hecho de que no lo hagan es un gran mérito para ellos. El hecho de que su música se vuelva más compleja, aún mejor.

En definitiva, “Necessary Fictions” es un álbum de novedades ambiciosas de una banda que se siente completamente cómoda consigo misma: lo suficientemente segura como para abrir la puerta a la colaboración, entusiasmada por lo que puede explorar a continuación y deseosa de divertirse haciéndolo.

 

01 – Umbra
02 – Fallowfield Loops
03 – Forgive the Damages
04 – What We Are and What We Are Meant to Be
05 – Background Hiss Reminds Me of Rain
06 – The Turn Within
07 – Living Bricks in Dead Mortar
08 – Naga Ghost
09 – Luminous Giants
10 – Float (Loi Krathong, 2003)
11 – State of Flux (feat. Manchester Collective)
12 – Silence Speaks

Pascal Schumacher & Danae Dörken - Glass Two (2024)

 

Pascal Schumacher (nacido el 12 de marzo de 1979 en Luxemburgo) es un músico de jazz, compositor y percusionista luxemburgués que fundó varias agrupaciones, entre ellas el Cuarteto Pascal Schumacher. También interpreta y compone música clásica de cámara.
Pascal Schumacher estudió percusión clásica en el Conservatorio de Luxemburgo. Continuó sus estudios en el Conservatorio de Estrasburgo y en el departamento de jazz del Conservatorio Real de Bruselas. Obtuvo un máster en jazz-vibráfono en el Conservatorio Real de La Haya con Frits Landesbergen y en musicología en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo. Entre quienes lo ayudaron en sus estudios se encontraban Gary Burton, David Friedman, Stefon Harris y Charles Loos.
https://en.wikipedia.org/wiki/Pascal_Schumacher

El galardonado vibrafonista Pascal Schumacher y la pianista de renombre internacional Danae Dörken presentan su nuevo álbum 'Glass Two', un impresionante homenaje musical a uno de los compositores más influyentes de nuestro tiempo: Philip Glass. Su inusual instrumentación para piano y vibráfono crea un mundo sonoro inigualable que da vida a las obras minimalistas de Glass de una forma nueva y refrescante. El álbum se centra en interpretaciones originales de las composiciones de Glass, complementadas con obras del propio Schumacher. Estas piezas, inspiradas en personalidades que influyeron en el compositor estadounidense, como el poeta Allen Ginsberg o el escultor Richard Serra, forman una fusión única de dos mundos musicales. Esta fusión crea una atmósfera profunda y multifacética, a la vez que minimalista y clara. Pascal Schumacher y Danae Dörken demuestran de forma impresionante que a veces menos es más: sus arreglos, elaborados con gran maestría, se caracterizan por una fascinante transparencia que captura la esencia de la música minimalista. El resultado es una experiencia auditiva cautivadora que permite que los colores y las texturas de las obras de Glass brillen bajo una nueva luz e interactúen armoniosamente. Con composiciones propias de Schumacher. Sumérgete en los paisajes sonoros de «Glass Two» y vive un viaje musical inspirador tanto por su sencillez como por su diversidad.
https://www.pascalschumacher.com/projects/glass-for-two


Pascal Schumacher, vibraphone
Danae Dörken, piano

01 Glass: Japura River 04:33
02 Glass: Etude 12 08:05
03 Schumacher: The Sculptor R.S. 03:57
04 Schumacher: The Director R.W. 01:58
05 Glass: Mishima Closing 02:20
06 Schumacher: Glass Mosaïque 04:15
07 Glass: Truman Sleeps 02:07
08 Glass: Opening Rework (Arr. For Piano and Vibraphone by Pascal Schumacher) 08:33
09 Schumacher: The Choreographer L.C. 01:56
10 Glass: Metamorphosis Four (Arr. For Piano and Vibraphone by Pascal Schumacher) 06:01
11 Schumacher: The Poet A.G. 03:53