Music To Disappear In fué el primer lanzamiento del multiinstrumentista estadounidense Raphael para el sello Hearts of Space, sinónimo de new age y música ambiental. Este álbum tiene una larga historia de milagros y es uno que la gente escucha a diario, por su conexión con el espíritu. Raphael utiliza el piano y los teclados como voz central, creando una relajante red de sonidos de cuerda atmosféricos, complementados con flauta y percusión. Utilizado desde hace mucho tiempo por terapeutas corporales, Music To Disappear In es la definición misma de la música de relajación New Age. ¡Un clásico! No sé si alguien desapareció al escuchar este álbum, pero lo que sí sé es que te expone a un arcoíris de sonidos celestiales, es una obra ambiental muy bien elaborada en apariencia. Relajante y colorida, nunca monótona ni aburrida. A posteriori, te resultará relajante; la mente puede seguir cada nota sin esfuerzo. Contiene piano sanador, percusiones de medicina tribal y cantos gregorianos extáticos.
Las últimas cuatro piezas de Music to Disappear In se vuelven más terrenales y sensuales, incorporando tambores, flautas de bambú, arpas y violines gitanos en danzas de trance como "Serpent". El romance sublime y los ritmos sensuales hacen que las ocho composiciones del álbum sean verdaderamente únicas.
1. Disappearing Into You (8:48) 2. In Paradiso (5:06) 3. Resurrection (8:07) 4. In Paradiso (3:10) 5. Primitive Silence (2:10) 6. Serpent (8:43) 7. I Say Rock And Roll Prayers To A Dancing God (6:58) 8. Spirit Guides (6:58) 9. Silence (3:39)
V.S. Unión publicó "Isla menor" en 1997, un álbum que contenía doce composiciones de intenciones similares a las de su primera entrega. No fue sin embargo en la capital hispalense donde se grabó y realmente se fraguó "Isla menor", pues toma el nombre de una comarca de marismas e islas del Guadalquivir a varios kilómetros de Sevilla, donde estaban situados los Estudios Isla. A pesar del esfuerzo que supuso el contínuo desplazamiento de músicos hasta allí, no cabe duda de que el entorno natural influyó definitivamente en la calidad de un trabajo completísimo, de producción y arreglos propios y un intenso aroma a azahar. Reseña del año 2013 de Pepe Cantos en su blog...Gracias!! https://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2013/03/vs-union-isla-menor.html
Los conciertos de Radio 3, 28 Abril 1998, con la formación V.S. UNIÓN. Muchas influencias reconocemos aquí, todas positivas, desde Michael Nyman hasta el Paul Winter Consort, pasando por unos Nightnoise, Shadowfax, Andy Narell o Scott Cossu, lo mejor de cada casa. También, y aunque parezca un disparate, ciertas partes nos traen a la memoria la banda sonora de Rumble Fish, compuesta por Stewart Copeland. Lo que no tiene nombre es que desde el mismo programa interrumpan el último tema con esa parrafada que te corta todo el rollo, cuando para esos menesteres la marquesina inferior de texto sobraba. Comentario de mi buen amigo Tiamak de la actuacion de V.S. Union en los conciertos de Radio 3...Gracias!!
1 Siglo XXI 4:38 2 Isla Menor 7:07 3 Estrella Del Norte 4:46 4 Vértigo 7:11 5 Miletto 6:53 6 Terciopelo 4:03 7 Equinoccio 5:13 8 Danza De Las Medusas 5:45 9 Tras La Ventana 6:05 10 Nómadas 4:10 11 Amante 5:16 12 Tres Cantos 5:03
Neo Geo es un álbum de 1987 de Ryuichi Sakamoto. El término "neo geo", o "nuevo mundo", se deriva del propio Sakamoto como una forma de describir la diversidad musical mundial con respecto al género.
El séptimo álbum en solitario de Ryuichi Sakamoto, "Neo Geo", coproducido con Bill Laswell para el lanzamiento global, muestra una fusión de músicos de primer nivel a través de varios géneros, incluyendo a Sly Dunbar y Bootsy Collins. Infundido con tonos electrónicos entrelazados con sabores orgánicos y étnicos como la música tradicional de Okinawan y Balinesse, el álbum fue meticulosamente elaborado tanto en Tokio como en Nueva York, llegando al público en más de 20 países y marcando un hito significativo en el viaje en solitario de Sakamoto.
Fusionando eclécticamente música electrónica, vanguardia y ecos del folk asiático (especialmente gamelán balinés y música japonesa), las canciones de Neo Geo son generalmente rítmicas y presentan melodías peculiares. Entre ellas se encuentran la canción principal: una electrónica funky cantada por un coro femenino, la "tribal" Shogunade y la grotesca "Free Trading". La música del álbum contó con la participación de numerosos invitados famosos, como Bill Laswell, quien colaboró con Sakamoto en varios temas, e Iggy Pop, quien cantó en la balada "Risky".
El músico eligió el título del álbum porque le gustaba cómo sonaba y ha negado que estuviera inspirado en el movimiento artístico homónimo.
Ryuichi Sakamoto - keyboard, piano, computer Yukio Tsuji - shakuhachi, gayageum Iggy Pop - vocals (3) Kazumi Tamaki - vocals Misako Koja - vocals Yoriko Ganeko - vocals Bill Laswell- bass David Van Tieghem - percussions Bootsy Collins - bass Emmett Chapman - Chapman stick Tony Williams - drums Sly Dunbar - drums Eddie Martinez - guitar Haruo Kubota - guitar Lucia Hwong - pipa
1. Before Long (1:20) 2. Neo Geo (5:08) 3. Risky (5:27) 4. Free Trading (5:28) 5. Shogunade (4:33) 6. Parata (4:21) 7. Okinawa Song - Chin Nuku Juushii (5:19) 8. After All (3:08)
Jewel Lake fué el primer lanzamiento de Bill Douglas con el sello Hearts of Space, refleja elementos étnicos, clásicos y ambientales en su sereno arco de 14 pistas. Suaves baladas como la canción principal "Angelico" se combinan con piezas de inspiración celta como "Highland", "Killarney" y "Deep Peace", con vocales de la soprano Jane Grimes. La dramática atmósfera morisca de "Karuna" puede explicar por qué el Jewel Lake encontró una sorprendente popularidad en España gracias al programa de radio Dialogos3 que presentaba Ramon Trecet. Mientras que algunos pueden encontrar el álbum un poco dulce, otros disfrutarán de su lirismo sin restricciones.
Bill Douglas - Synthesizers, piano, bassoon Lisa lottini - Oboe Anne Stackpole - Flute Geoff Johns - Percussion A Jane Grimes - Vocal on Deep Peace
01. Angelico (4:56) 02. Highland (3:23) 03. Lullaby (3:08) 04. Infant Dreams (2:27) 05. Killarney (2:43) 06. Hymn (3:36) 07. Dancing in the Wind (3:37) 08. Folk song (3:51) 09. Flower (4:22) 10. Karuna (5:34) 11. Karoline (3:06) 12. Innisfree (2:37) 13. Deep Peace (3:24) 14. Jewel Lake (2:32)
Bill Douglas - Cantilena (1990)
Cantilena significa "una melodía vocal o instrumental de carácter eminentemente lírico, más que dramático o virtuoso", o "un estilo de escritura vocal lento, suave y melodioso". No se podría encontrar una descripción más acertada para la música de Bill Douglas. La base de su versátil currículum musical reside en su talento para el canto y en sus líneas melódicas líricas, en la mejor tradición del folk y la música vocal occidental. El primer lanzamiento de Bill Douglas con Hearts of Space Records ("Jewel Lake", 1988) expuso una veta tan rica de melodía, canto y ritmo que un solo álbum apenas alcanzó los puntos culminantes. Así pues, "Cantilena" es, en muchos sentidos, una extensión de la mezcla de animadas danzas celtas, baladas conmovedoras, canciones folclóricas modales y melodías contemplativas que "Jewel Lake" llevó a un público entusiasta de Estados Unidos, Canadá y España, donde se convirtió en un éxito sorpresa tras su difusión nacional.
Estas doce nuevas canciones abarcan un rango que va desde sencillas melodías folclóricas hasta música profundamente emotiva de una profunda carga casi religiosa. A diferencia de "Jewel Lake", esta vez no hay oboe, así que escucharás mucho más fagot a lo largo de la obra, con Bill tocando su instrumento principal con gran maestría en los solos y con vigorosa precisión armónica en los (hasta) cinco coros de fagot. Regresan la vocalista de "Jewel Lake", Jane Grimes, la flautista Anne Stackpole y el percusionista Geoff Johns, con las nuevas incorporaciones de Bil Jackson al clarinete, David Lockington al violonchelo, además de la percusión adicional de Chris Lee & John Galm. Todos los teclados y el piano están a cargo de Bill, quien también debuta en falsete en "Child".
Bill Douglas keyboards, piano, vocal, bassoons Bil Jackson clarinet David Lockington cello Anne Stackpole flute Jane Grimes vocal Geoff Johns frame drums Chris Lee & John Galm additional percussion
01. Diamond Dance (2:40) 02. Love Song (4:26) 03. Leap! (3:31) 04. Farther than the Stars (6:37) 05. Sacred Wood (4:08) 06. Earth Prayer (4:59) 07. First Light (4:33) 08. Tara (4:07) 09. Dawn (5:07) 10. Elegy (6:05) 11. Lake Isle of Innisfree (4:14) 12. Child (4:05)
El tiempo moldea nuestro mundo y nuestros conceptos. Desde la erosión de la tierra hasta patrones en la naturaleza (fósiles, formaciones de piedra, hielo cristalino, glaciares o conchas delicadas), todas las imágenes visuales de las formas nos muestran el tiempo lineal que pasó a través de ellas. Simultáneamente, está el tiempo psicológico muy personal que da forma a nuestra vida y recuerdos; es cómo percibimos el progreso de nuestra conciencia. En ambos, el tiempo sigue siendo un término abstracto sin forma. Solo puede explicarse como una tasa y duración del cambio observado.
Juntas, estas ideas inspiraron a Erik Wøllo en la creación de este álbum.
Con The Shape Of Time, el compositor noruego Erik Wøllo transforma lo abstracto en nueve composiciones de música electrónica ambiental reflexiva y seductora con temas melódicos altísimos, vastos drones de movimiento lento y patrones rítmicos que se desplazan en ciclos de armonías transmutables. Estos momentos silenciosos e interminables presentan una exquisita colección de estados de ánimo y emociones. Desde escenas de luz nórdicas nocturnas vigorosas y terrenales hasta fascinantes, evocadoras y melancólicas. Todo creado en sintetizadores, samplers, guitarras eléctricas y acústicas. https://projektrecords.bandcamp.com/album/the-shape-of-time
1 The Shape Of Time 1 4:17 2 Le Paysage 5:45 3 Earth Trek 6:47 4 Nebula 4:42 5 Midnight Sun 6:38 6 Transformation 7:15 7 The Shape Of Time 2 5:33 8 Runestones 6:45 9 Blue Epilogue 7:05 10 Slow Swirl 7:43
El sintesista alemán Thomas Fanger es comúnmente asociado con dúos musicales como Fanger & Schönwälder, Fanger & Kersten y Fanger & Siebert. Fanger plasma su exquisita sensibilidad en "Parlez-Vous Électronique?", su primer lanzamiento en solitario. ¡Y qué CD tan increíble! Los temas de apertura y cierre seguro que encantarán a los fans de Redshift y ARC, mientras que los demás temas son puramente Ashra/Gottsching. También hay similitudes con los volúmenes 1 y 3 de "Analog Overdose" de Fanger & Schönwälder. En otras palabras, nos adentramos en la Escuela de Berlín de principio a fin.
"Vanilla Crush" comienza con suaves pads celestiales. Sin embargo, solo tarda un par de minutos en dar comienzo la primera magnífica secuencia. Me vinieron a la mente imágenes de Ian Boddy y Mark Shreeve, también conocidos como ARC, en la Hampshire Jam 3 detrás de su equipo analógico. Me encantaría ver a Thomas Fanger en directo. ¡Apuesto a que sería genial! En fin, volvamos a la realidad. El acompañamiento se arremolina de un lado a otro, con hermosos destellos que emergen a la superficie como lava en erupción de un volcán. El inevitable mellotrón añade esa suavidad contrastante esencial. Sutiles líneas principales que habrían encajado igual de bien en "Phaedra", "Rubycon" o "Ricochet" de TD tejen su maravilloso hechizo. "Twinkling Sun" se centra en hipnóticos patrones de pulsaciones con maravillosos punteos virtuales de guitarra.
"Jungle Bar" es una colaboración con Klaus "Cosmic" Hoffmann-Hoock. Comienza con efectos vibrantes tipo selva tropical. A través de estos suaves riffs de guitarra, el eco anuncia una agradable secuencia de bajo profundo. Se empiezan a formar bucles de guitarra que crean una sensación de trance al estilo "E2-E4" de Gottsching. Pequeños toques de guitarra adicionales flotan sobre todo como una neblina de calor. En el quinto minuto hay un texto francés sampleado que no me pareció que encajara con la música, pero otros podrían no estar de acuerdo. "The Lost Track" arranca con un aire metálico bastante brillante. Se añade una línea de bajo y luego una excelente programación de batería. Todo se complementa para crear un ritmo emocionante. El sonido de las olas rompiendo en la orilla da comienzo a "Velvet Beach". Sin embargo, la atmósfera cambia pronto con la guitarra y una secuencia de bajo impactante. Otra secuencia, y luego una tercera, se unen a la primera. Pequeños riffs melódicos y pads susurrantes dan en el clavo. Otra secuencia bastante melodiosa aparece mutando maravillosamente a medida que avanzamos. ¡Qué tema tan fantástico y eufórico! "Pure Dreams" es un tema alegre y breve lleno de melodías tintineantes, pads exuberantes y síncopas frescas y perezosas. Muy divertido. Las secuencias rápidas nos lanzan directamente a "Aquanaut". La emoción crece aún más con la introducción del ritmo y una maravillosa guitarra cósmica cortesía de Michael Potrafke. Esta vez, la música es más bien una mezcla entre "Blackouts" de Ashra y "New Age Of Earth". "Calm" dura poco más de un minuto y es una especie de pieza puente onírica que nos lleva a "The Land Of Milk And Honey". Se escucha una flauta sobre más samples de selva tropical y aves. Todo es muy apacible. Comienza una secuencia tintineante. Empieza a mutar con la entrada del mellotrón, las pulsaciones cobran cada vez más fuerza y en un instante volvemos al territorio ARC. La potencia crece hasta alcanzar proporciones celestiales, y luego un solo de gran precisión irrumpe por encima.
Thomas Fanger: Synthesizers, samplers, treated guitar, sequencer and drum programming. Luna B.: Vocals. Klaus 'Cosmic' Hoffmann-Hoock: Spaceguitar, electric sitar, memotron. Michael Potrafke: Guitar.
01 Vanilla Crush (19:01) 02 Twinkling Sun (9:02) 03 Jungle Bar (Album Version) (8:59) 04 The Lost Track (3:26) 05 Velvet Beach (10:07) 06 Pure Dreams (4:31) 07 Aquanaut (5:09) 08 Calm (1:14) 09 The Land Of Milk And Honey (15:49)
Lemurian Sunrise es una colaboración espontánea entre violín y piano. Grabado en las laderas del volcán Haleakala, en la isla hawaiana de Maui, cada movimiento refleja el deseo de los artistas de recrear musicalmente la imaginería de la naturaleza.
El violín se amplifica mediante una serie de regeneraciones de bucles de cinta para ampliar el registro armónico del instrumento, lo que se utiliza para proporcionar las exuberantes sonoridades orquestales que se escuchan en estas piezas.
El piano de cola utilizado en esta producción tiene un sonido pleno y resonante, similar al de una campana y un arpa. Esta grabación es una copia directa de la interpretación original en vivo.
Genre: Electronic Style: New Age, Minimal, Avantgarde, Experimental, Ambient
A1 Lemurian Sunrise 4:45 A2 Prisms 3:24 A3 Fruit Of The Night Blooming Cereus 2:51 A4 Vision 6:30 A5 The Unicorn 2:10 A6 Prescience 2:37 B1 Zenith 4:57 B2 Ancient Of Days 6:03 B3 Lemurian Sunset 5:23 B4 Cone Of Shadows 2:00
Steve Kindler es quizás más conocido por su trabajo con John McLaughlin y Jan Hammer, uno se sorprendería al descubrir lo mucho más arrollador y romántico que fué su trabajo en solitario. Y pocas cosas son más arrolladoras y románticas que su, lamentablemente, casi imposible de encontrar, Automatic Writing.
No debe confundirse con la obra protoambient de Robert Ashley, obra de palabra hablada, sino que ambos compartían algo: usar la creatividad mántrica y espontánea, sin duda surgida de la propia formación espiritual de Steve, para crear música mecánica y espontánea con un resultado muy diferente. Un lanzamiento de corte new age, una vez más en el aparentemente extenso catálogo de Global Pacific, Automatic Writing volvió a encontrar a Steve aventurándose más allá del mundo de la fusión.
Infinitamente conmovedor, Automatic Writing nunca se detiene del todo en los ritmos lentos (o tempos) que predominaban en la música ambiental de la época. Si has escuchado la canción que da título al disco, podrás oír a Steve usar motivos latinos y guitarra eléctrica para crear algo que no llega a ser jazz, new age ni fusión fluida, lo vemos inspirarse en la música de cuerdas melódica y de marcada inclinación romántica para reencontrarse con ese instrumento supuestamente "sobrio" de maneras que podrían incidir en ideas hipermodernistas.
Violin, Electric Guitar, Autoharp [Prepared], Synthesizer [Roland Jupiter 8, Yamaha Dx7], Electronic Drums [Linn Drum] -- Steve Kindler
1 Invocation 4:28 2 Back Country 8:50 3 Something From The Heart 2:01 4 For You... 7:08 5 Dawn In Varanasi 3:28 6 Sometime Ago 2:10 7 Automatic Writing 10:35 8 Song Of The Seabird Acoustic Guitar – Teja Bell 5:20
Deep Breakfast es el segundo álbum del artista estadounidense de new age Ray Lynch, lanzado el 12 de diciembre de 1984 con su propio sello. Tras firmar con Music West Records, el álbum se lanzó a mayor escala en marzo de 1986. Para octubre de 1986, el álbum había vendido 72.000 copias, convirtiéndose en el trabajo revelación de Lynch.
Deep Breakfast fue posible porque ya había hecho The Sky of Mind y había nuevas herramientas tecnológicas disponibles. Una parte de su personalidad se había resumido y expresado en el trabajo anterior y estaba listo para hacer algo diferente: algo más enérgico y menos "controlado". No planeó el álbum en su conjunto. Simplemente comenzo a escribir piezas interesantes, conmovedoras o divertidas, o cualquier combinación de las anteriores, y cuando tuvo suficientes piezas, dedicó bastante tiempo a secuenciarlas hasta que parecieron funcionar juntas.
En los ochenta hubo un boom de la new age, y allá por 1984 apareció en el mercado este genial segundo disco oficial de Ray Linch. Los sintetizadores al poder. Melodías rítmicas la mayoría y rozando el clasicismo otras. El primer tema que abre el disco Celestial Soda Pop, será reconocida por muchos oyentes por ser muy solicitada en sintonías televisivas de la época. El sexto corte, con influencias clásicas, Kathleen´s Song, está dedicado a su mujer.
La interpretación de Ray Lynch con el sintetizador a veces se asemeja a la de instrumentos de teclado y a veces suena como cuerdas pulsadas individualmente en instrumentos de cuerda electrificados, pero siempre posee una estructura melódica de profunda textura y un trasfondo rítmico vibrante. Notas aisladas en series y patrones crean un mosaico sonoro puntillista que alternativamente calma y estimula. No es de extrañar que este sea uno de los álbumes de new age más vendidos de todos los tiempos.
En la foto , Ray está de pie frente al óleo de Deep Breakfast, que se usó para la portada del álbum. Un amigo artista de Ray, Kim Prager (ahora Zen Player), había escuchado algo de la nueva música y le pidió una copia, que Ray le dio. Varias semanas después, Kim regresó a Ray con este vibrante óleo, que realmente capturó el espíritu de la música.
En definitiva otro trabajo imprescindible que no puede faltar en la
discoteca de todo buen aficionado a este mundillo. Este autor, a pesar
de su escasa discografía, nos sorprende por sus buenos trabajos. Ray Lynch (sintetizadores, piano y guitarra) Tom Canning (teclados) Beverly Jacobs (flauta) Ron Strauss (viola)
1. Celestial Soda Pop (4:42) 2. The Oh Of Pleasure (5:22) 3. Falling In The Garden (2:47) 4. Your Feeling Shoulders (7:34) 5. Rhythm In The Pews (4:13) 6. Kathleen's Song (4:10) 7. Pastorale (5:31) 8. Tiny Geometries (6:01)
Morgan Fisher - Water Music (1985 - 1997) Re-issued on CD in 1997, Japan: Prem Promotions PRE-1951
Hermosa y serena grabación ambiental de Morgan Fisher, nacido en el Reino Unido pero residente en Japón desde hace mucho tiempo, con su muy buscada obra maestra Water Music. Personalmente todavía tengo que encontrar algo que iguale la delicada tranquilidad de este y su parecido con las obras de Hiroshi Yoshimura o Satoshi Ashikawa es asombroso; más específicamente, 'Soundscape 1: Surround' de Yoshimura, que se lanzó apenas un año después, te hace preguntarte si Fisher y el difunto Hiroshi eran amigos a mediados de los 80. De todos modos, para cualquiera que haya logrado perderse el reciente aumento exponencial del interés en este sector tan específico de la música ambiental japonesa de los 80, las composiciones suaves y minimalistas de Fisher son tan frágiles como un copo de nieve y se desarrollan con gracia en momentos de alegría pura e íntima. Potencialmente la marca de agua más alta (sin duda la más bonita) de la discografía de los artistas británicos es variada y cada vez más difícil de encontrar.
Completamente improvisado, la versión original de este álbum presentaba cuatro pistas bellamente contemplativas en sintetizador y piano, dos de ellas a través de largos retrasos de cinta, y dos a dúo con Pneuma en guitarra arqueada y campanillas de concha. El último lanzamiento en CD de este álbum agrega tres pistas adicionales: dos de ellas paisajes sonoros ricamente superpuestos, la tercera una magnífica remezcla del dúo de piano / campanilla, que muestra la capacidad de Morgan para crear un sonido natural y orgánico utilizando tecnología informática. Un álbum que expresa en la música muchos aspectos del agua, desde la gota más delicada hasta los océanos vastos y pacíficos.
Genre: Electronic Style: Ambient
01. Water In The City 06:40 02. Ice Melting 07:44 03. The Great Lakes 11:43 04. After The Rain 06:29 05. We Are All Water 13:26 06. Breathing Rain 05:57 07. On The Brink 08:25
Morgan Fisher - Flower Music (1998) Japan: Prem Promotions PRE-1952
Este álbum se realizó en el año 98, Para presentar una serie de eventos a nivel nacional para promover la cultura británica en Japón. Uno de los eventos fue la actuación en solitario de Morgan en la sala de conciertos de Goto, la florería más importante de Japón (la familia imperial compra allí sus flores). Además de componer música original para este evento, decidió editarla en CD. También quería reeditar parte de la música de su álbum en casete (ahora no disponible) "Outer Beauty, Inner Mystery". Aquí hay remezclas de tres temas largos de ese álbum, además de cuatro temas nuevos. En una pista, Morgan tocó macetas (afinadas vertiéndoles agua); Suenan sorprendentemente como un cruce entre tambor de acero y vibráfono. Otra pista presenta una muestra larga de su "Pocket Library of Unusual Film Music" de 1980 que suena muy bien en baja fidelidad. Música para acompañar la apertura de flores (y personas).
01. The Breathing Earth 11:15 02. The Beauty Of Clay 04:39 03. Kalimba Petals 05:29 04. Waterglide 11:20 05. Photosynthesis 05:51 06. As The Sap Rises 07:37 07. Slow Moving Clouds 10:06
Las recopilaciones de música de cine ofrecen una visión única de la obra de un compositor, pero para un artista tan prolífico como Brian Eno, parece casi imposible siquiera recopilar una selección de sus mejores momentos. En primer lugar, ¿cuánta de su música fue compuesta para películas reales y cuánta para imaginarias? ¿Y cuánto es música en el sentido tradicional? Brian Eno es uno de los más grandes ingenieros de sonido en la historia de la grabación, y su trabajo ha impactado tanto los medios visuales como los sonoros durante décadas. Y a pesar de este enorme desafío, una nueva recopilación logra abarcar, si no encapsular, la amplitud de esa influencia. Un aperitivo para los no iniciados, así como una pequeña recompensa para los fans de toda la vida, "Film Music 1976-2020" incluye material clásico y reciente en un compacto formato de un solo disco.
El álbum incluye temas de la obra más reconocida de Brian Eno en cine y televisión. Su música se ha utilizado en cientos de películas y ha compuesto bandas sonoras para algunos de los directores más reconocidos del mundo, como David Lynch, Danny Boyle y Peter Jackson. Composiciones como "Ship In A Bottle" (Desde mi cielo), "Prophecy Theme" (Dune) y "Deep Blue Day" (Trainspotting) han contribuido significativamente a escenas icónicas. Incluye varios temas inéditos.
La larga relación de Eno con el cine se remonta a 1970, cuando confeccionó la banda sonora para el cortometraje experimental “Berlin Horse” de Malcolm Le Grice. En 1976 siguió con la musicalizaión del film “Sebastiane” de Derek Jarman y Paul Humfress y con una película griega de terror clase B largamente olvidada, titulada “Land Of The Minotaur” y protagonizada por Peter Cushing y Donald Pleasance.
Film Music 1976-2020 es un álbum verdaderamente asombroso. Una colección cuidadosamente seleccionada de las bandas sonoras cinematográficas más exquisitas de Eno. Piezas individuales, bellamente elaboradas y con gran sensibilidad, conforman un conjunto sumamente valioso; "compilación" no es el término adecuado. La calidad apremiante "susurra" las pistas, haciendo justicia a cada obra. Además, es un arte maravilloso que invita a la contemplación.
1. Top Boy (Theme) from Top Boy - Series 1, directed by Yann Demange, 2011 2. Ship In A Bottle from The Lovely Bones, directed by Peter Jackson, 2009 3. Blood Red from BBC Arena – Francis Bacon, directed by Adam Low, 2005 4. Under from Cool World, directed by Ralph Bakshi, 1992 5. Decline And Fall from O Nome de Morte, directed by Henrique Goldman, 2017 6. Prophecy Theme from Dune, directed by David Lynch, 1984 7. Reasonable Question from We Are As Gods, directed by David Alvarado /Jason Sussberg, 2020 8. Late Evening In Jersey from Heat, directed by Michael Mann, 1995 9. Beach Sequence from Beyond The Clouds, directed by Michelangelo Antonioni, 1995 10. You Don’t Miss Your Water from Married to The Mob, directed by Jonathan Demme, 1988 11. Deep Blue Day from Trainspotting, directed by Danny Boyle, 1996 12. The Sombre from Top Boy - Series 2, directed by Jonathan van Tulleken, 2013 13. Dover Beach from Jubilee, directed by Derek Jarman, 1978 14. Design as Reduction from Rams, directed by Gary Hustwit, 2018 15. Undersea Steps from Hammerhead, directed by George Chan, 2004 16. Final Sunset from Sebastiane, directed by Derek Jarman, 1976 17. An Ending (Ascent), from For All Mankind, directed by Al Reinert, 1989
Valley in the Clouds es el álbum debut de David Arkenstone, lanzado en 1987 por el sello Narada Mystique. Gran parte de su característico estilo compositivo ya es evidente.
Lanzado en 1987, Valley in the Clouds, del multiinstrumentista David Arkenstone, sigue siendo una de las grabaciones electrónicas new age más exquisitas jamás producidas. Un elogio exaltado, pero casi cada tema de este viaje musical meticulosamente diseñado confirma la afirmación. Imbuido del espíritu aventurero de un viajero estelar, el trabajo de Arkenstone transmite una sensación de majestuosidad que invita a la imaginación del oyente. Luminosas a veces, suavemente percusivas en otras, las nueve piezas logran cumplir la ambición compositiva declarada de Arkenstone que te sumerge en delicias sonoras tan expansivas como "Ancient Legend" y "Stepping Stars", un par de clásicos que abren álbumes y establecen con gran maestría la temática del viaje místico. "Princess" es digna de la realeza en cualquier galaxia, y "Night Wind" te permite descubrir auroras que solo tu imaginación conocía.
David Arkenstone – keyboards, grand piano, guitar, harp, fretless bass
Daniel Chase – organic and electronic percussion
1. Ancient Legend (3:54) 2. Stepping Stars (3:45) 3. Valley in the Clouds (3:35) 4. Princess (3:32) 5. Eastern Dream (4:49) 6. Night Wind (3:56) 7. Rain (5:41) 8. The Sun Girl (4:37) 9. Lost Temple (6:43)
Finis Africae fue una banda española de música ambiental, formada en 1982, que publicó dos discos en la primera mitad de los años 80 y siguió esporádicamente en activo hasta 2000. Por ella pasaron músicos vinculados al folk, la new age y la canción de autor, como Juan Alberto Arteche Gual, Luis Delgado, Javier Bergia, Javier Paxariño, Markus Breuss y Juan Carlos Fernández Puerta. El grupo toma su nombre de la novela de Umberto Eco El nombre de la rosa, en la que Finis Africae es una zona secreta de la biblioteca de un monasterio, en la que se ocultan libros que el bibliotecario estima peligrosos para la fe cristiana.
Hacia 1990 ve la luz el tercer trabajo, esta vez, el itinerario es la 'Amazonia', donde se vuelcan los momentos vividos en un viaje iniciático por los pulmones de la Tierra, con la compañía de Javier Paxariño como invitado especial
Únase al español Juan Alberto Arteche Guel y a sus compañeros de aventuras musicales en su barco Finis Africae en un viaje musical imaginario por el Amazonas. Este es su álbum de 1990, un clásico balear raro y muy buscado, la obra maestra de Finis Africae fue parte del florecimiento musical que surgió al final del régimen de Franco, y este álbum, guiado por el visionario Guel, captura los resultados de esa era de apertura y libertad recién descubiertas. Capturando las habilidades de producción de Guel en su apogeo, "Amazonia" está inspirada por Jon Hassell y Brian Eno y su idea de una música del "cuarto mundo". Los arreglos, que son espaciosos y apropiadamente acuáticos, presentan instrumentos electrónicos y acústicos en piezas temáticas que a veces fluyen libremente y otras son ondulantes y percusivas. Vívidamente imaginado y bellamente grabado, este es un viaje agradable y memorable.
01 Suite Amazónica 5:28 02 El Abrazo De La Selva 4:45 03 Carauari 7:56 04 El Hechicero 3:01 05 Hombres Trueno 3:40 06 Dança Do Corpo 5:14 07 Remontando El Purus 7:56 08 Hassell, El Oso Hormiguero 2:03 09 Hombres Lluvia 3:47 10 Adiós A Puerto España 4:20
La Trilogía King Raven es una serie de novelas históricas del escritor estadounidense Stephen R. Lawhead, basado en la leyenda de Robin Hood. Lawhead reubica a Robin Hood de Sherwood Forest en Nottingham a Gales, y establece la historia a finales del siglo XI, después de la batalla de Hastings y para coincidir con la invasión normanda de Gales y las luchas que el pueblo Cymry (Welsh) contra los normandos, y la intriga política de la Gran Bretaña medieval. La trilogía consta de tres libros llamados Hood, Scarlet y Tuck. La serie King Raven continuó sus temas de reimaginar la mitología popular en escenarios más auténticos y arenosos, que comenzó con su Ciclo Pendragon.
Jeff Johnson: Keys, percussion & vocal Brian Dunning: Flutes, whistles, accordion, bodhran & vocal percussion Tim Ellis: Acoustic & electric guitars Phil Baker: Bass Gwen Franz: Viola & violin Jozef Lupták: Cello
Jeff Johnson & Brian Dunning – King Raven Volume 1 1 The Flight Of Rhi Bran 5:50 2 Elder World 4:05 3 Power Of Heaven 5:58 4 Fire Song (Love's Pure Light)
Impregnada de mitología celta la trilogía King Raven de Stephen R.
Lawhead, evoca espíritus ancestrales y tierras lejanas y envueltas en la
niebla, estas grabaciones son de los EPs King Raven Vols. 1 y 2
aclamados por la crítica, En 2008 se lanzó un CD con los tres volumenes y
12 temas. El dúo estadounidense/irlandés de Johnson y Dunning ofrecen
una inspirada banda sonora celta para acompañar la nueva versión de
Lawhead de la leyenda de Robin Hood. La música del dúo se ha convertido
en un pilar del género de la música celta contemporánea con lanzamientos
aclamados como Byzantium, Songs from Albion, The Bard & The
Warrior, A Quiet Knowing, Stars In The Morning East y Benediction. Sus
canciones han aparecido en muchas compilaciones instrumentales
contemporáneas de gran éxito, incluidas las publicadas por Windham Hill
(Celtic Christmas, Winter Solstice) y Hearts of Space (Celtic Twilight).
También han tenido música incluida en películas como Gangs of New York
de Martin Scorsese y acompañando al popular libro infantil, The Tale Of
Three Trees.
Jeff Johnson & Brian Dunning – King Raven Volume 2 1 Black Arrows 7:03 2 The Forest 5:55 3 Raven Dance 2:55 4 Down By The Glenside 3:07
Tsugaru fué lanzado el 21 de julio de 1994 por el sello Pony Canyon.
El lago Jusanko, es un lago salobre en el lado oeste de la península de Tsugaru, El álbum está basado en el motivo de Tosaminato, una ciudad portuaria que una vez floreció en las orillas del lago.
Himekami se inspiró en la cultura, las gentes y el paisaje de la región de Tosaminato, en la península japonesa de Tsugaru. El resultado de su contacto con todo ello es una música que ejerce un importante efecto de choque sonoro en el oyente, ya que auna elementos dispares para construir piezas a menudo inclasificables. No se trata de experimentar, sino que Himekami edifica temas melódicos de gran belleza, otros rítmicos que pueden bailarse, y hasta algunos misteriosos. La principal vía de fusión viene marcada por el encuentro entre el pop y la música folklórica nipona. Las canciones incluidas en el álbum también evocan de alguna manera el Mar de Japón y el continente asiático más allá. Otra cosa que vale la pena mencionar es que el hijo mayor de Yoshiaki Hoshi, Yoshinori Hoshi, quien más tarde sucedería a Himekami, habia estado involucrado en la producción de esta obra. Es responsable de parte de la composición. La caratula presenta una ilustración del sol brillando a través de las nubes hacia el océano más allá de una pradera.
Tracks 01. 十三の春 [Tosa-no-Haru] (5:15) 02. 北の海道 [Kita-no-Umi-Michi] (5:52) 03. 東日流笛 [Tsugaru-Bue] (4:16) 04. 遠い唄 [Toh'i-Uta] (4:09) 05. 十三の砂山 [Tosa-no-Sunayama =Gan-Kuyoh= <Tosa Dunes>] (4:37) Suite "Gensoh Tsugaru" 06. I. 鎮魂 [Chinkon (Original Title: "Adohadari")] (5:33) 07. II. 海の刻 [Umi-no-Toki] (4:18) 08. III. 哀想 [Aisoh] (3:00) 09. IV. 月まんどろに [Tsuki-Mandoro-ni] (2:48) 10. V. 十三夜曲 [Tosa-Yakyoku] (5:18) 11. VI. 風の子守唄 [Kaze-no-Komoriuta] (05:17) 12. VII. 流転 [Ruten (Original Title: "Adohadari"] (1:15)
“Man of God” de 2021, dirigida por Yelena Popovic.
La película biográfica de Popovic narra los años más turbulentos en la vida de un hombre que se había propuesto servir a los demás y mejorar las condiciones de los necesitados: San Nectario. La película de Popovic muestra cómo Nektarios ayuda a los pobres y desamparados, provocando que tres objetores dentro de la iglesia recurran al patriarca del obispo, Sofronio. Ya que no quieren ocultar su ira por la servidumbre de Nectario hacia los pecadores y las rameras, sus enemigos afirman que llevará a la iglesia a la bancarrota y usurpará el patriarcado. Sin juicio, Nektarios es condenado y exiliado de Egipto en 1891.
Particularmente debido a su profundo amor por Grecia, su cultura y su gente, Zbigniew Preisner estuvo encantado de componer la música de “Man of God” y accedió a hacerlo sin haber leído el guión. Desde el principio, Preisner tuvo claro que quería usar un coro, uno bizantino. Después de algunas búsquedas, colaboró con el Coro de Cantores, “Los Maestros del Arte Psáltico” (Οι Μαΐστορες της Ψαλτικής Τέχνης), uno de los coros bizantinos más famosos. Tras su colaboración de “Valley of Shadows”, Zbigniew Preisner y Lisa Gerrard volvieron a trabajar juntos. Esta última grabó sus partes cantadas -escritas por ella- en Australia. Además, Preisner sintió que era la elección correcta utilizar instrumentos griegos. Era obvio y necesario para una película sobre un santo griego. El color local lo proporciona un qanun, un instrumento de cuerda similar a la cítara y que a menudo se asocia con Grecia y su cultura. “Man of God” también se destaca por su mezcla de música sinfónica y electrónica, utilizada para lograr la metafísica espiritual. “Man of God” es una de las partituras más ricas de Zbigniew Preisner, una exploración única de la música sinfónica infundida con elementos locales, griegos, de color, electrónicos y bizantinos, particularmente en el empleo del talento especial de Lisa Gerrard, utilizado con un efecto poderoso.
1. Man of God – The Beginning of a Story (0:45) 2. Searching for Values (1:14) 3. Conversation (1:46) 4. Evia (1:11) 5. In the Darkness (2:15) 6. Serenity (2:14) 7. Kyrie Eleison (1:42) 8. Aegina (1:15) 9. New Life (2:16) 10. Conversation of God (2:02) 11. Kyrie Eleison (Byzantine Version) (1:27) 12. Beauty of Aegina (2:01) 13. Deceptive Calm (1:43) 14. Kyrie Eleison (Prayer) (2:01) 15. Misery (1:33)* 16. Serenity (Orchestral Version) (1:54) 17. Humiliation of the Priest (0:51) 18. Loss (1:55)* 19. Final Breath (2:04) 20. Song for Saint Nectarios (0:52) 21. Man of God – End Credits (4:53)
El proyecto Inoyama Land de Makoto Inoue y Yasushi Yamashita abarca casi cuatro décadas y sigue activo hasta el día de hoy. Formado en la década de 1980 como un proyecto paralelo de Hikashu, comenzaron a grabar sesiones y producir piezas teatrales combinando sus apellidos Ino-yama y la ficticia “Land”. Llamaron la atención de Haruomi Hosono, quien produjo su ahora muy venerado álbum debut “Danzindan-Pojidon” (1983) antes de involucrarse en el negocio de la música ambiental junto a contemporáneos como Satoshi Ashikawa, Hiroshi Yoshimura y Jo Hisaishi. Sus obras se han publicado internacionalmente, incluyendo la compilación nominada al Grammy de Light in The Attic Records “Kankyō Ongaku: Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990”
Este es el segundo álbum de Inoyamaland lanzado por Crescent, un sello de la compañía de producción de música ambient SPD (Sound, Process, Design). Incluye la música que no se grabó mientras se producía al mismo tiempo que el primer álbum "DANZINDAN-POJIDON", se compila la música producida en 1982-1997. Cuando su instrumento se estába moviendo hacia un sintetizador digital, se convierte en un sonido más hermoso y ambiental con una sensación más transparente. Esta grabacion es de de 1997 del sello Crescent, en 2018 se remasteriza y añaden un bonus track el tema Toy Tog.
La pasión de Deborah Martins es visualizar y crear música que lleve a cada oyente en un viaje a través del tiempo y el espacio. Con una viva imaginación y un profundo amor por los lugares y pueblos históricos del pasado, la vemos como bendita; porque son pocos, esos visionarios, que pueden sacar al presente, y a nuestros corazones, el espíritu de aquello que ha sido tan completamente perdido en la antiguedad.
El álbum Tíbet es una travesía musical rica en texturas y altamente emotiva que lleva al oyente en un viaje a la tierra sobre las nubes (como se conoce al Tíbet). Perfecto para la meditación, la contemplación, la escucha profunda y el pensamiento y la práctica espirituales. Deborah Martin y Cheryl Gallagher han compuesto una obra de belleza y majestuosidad que mezcla la percusión tibetana tradicional y los tambores taos, arpas y electrónica con muestras de auténticas oraciones tibetanas entonadas por los residentes de este país agreste e inspirador.
“En 1999 hicimos un viaje al Tíbet para experimentar de primera mano la majestuosidad, la belleza y el espíritu de la “Tierra sobre las nubes”. Nuestra esperanza es que estas impresiones musicales lo lleven a usted, el oyente, en el mismo viaje que experimentamos”. – Deborah Martin y Cheryl Gallagher https://deborahmartinmusic.com/
01. Palace [7:45] 02. Glacier [6:55] 03. Morning in Tibet [5:26] 04. Essence [7:15] 05. Seeker and Sought [7:06] 06. Leaving Shigatse [5:15] 07. Eklabati [6:21] 08. Procession [10:13]
Echoes, Spaces, Lines recopila Trans-Millenia Consort, Plot Zero y Spectre, los primeros tres álbumes de la fallecida compositora, sanadora y médium de la costa oeste Pauline Anna Strom. Explorando todos los rincones del multiverso a través de la forma transpersonal y la libertad, los primeros tres álbumes de Strom comparten una sensibilidad singular, diferentes corrientes que fluyen de la misma fuente oracular. Echoes, Spaces, Lines establece el lugar que le corresponde a Strom en el canon de los grandes sintetistas. Restaurados y mezclados a partir de los carretes originales por Marta Salogni, recientemente remasterizados, y agregando Oceans of Tears, un álbum completamente realizado pero inédito exclusivo de las ediciones físicas de esta caja, estas son las primeras reediciones oficiales y la encapsulación definitiva de Pauline Anna. Los primeros trabajos prolíficos y visionarios de Strom.
CD1: Trans-Millenia Consort 01. Emerald Pool (03:24) 02. The Unveiling (05:32) 03. Cult of Isis (07:42) 04. Phantom Dancer (04:18) 05. Energies (05:58) 06. Century C (04:38) 07. Morning Splendor (06:07) 08. Gossamer Silk (05:51) 09. [untitled] (05:30)
Este álbum mezcla música, poesía y retratos fotográficos clásicos de los poetas. La conexión surge a través del compositor Michael Hoppe, que redescubrió la colección de 5.000 imágenes de su abuelo, el famoso fotógrafo de retratos E.O. Hoppe (1878-1972). Cada una de las once piezas para violonchelo solista (interpretadas por el violonchelista suizo Martin Tillman) se inspiró en un poema diferente; las notas del álbum hacen coincidir el poema con el retrato. Las composiciones de Hoppe son clásicamente románticas, la esencia de un Schumann o un Brahms, pero sin su agitada tempestad. Aunque el violonchelo tiene un amplio rango, e incluso puede gruñir cuando la ocasión lo requiere, Hoppe no lleva al violonchelo a esos lugares no sonoros; cuando la gente dice que ama el violonchelo, es esta voz, este rango, este romance, este timbre lo que aman. La mayoría de los conciertos románticos tienen secciones dramáticas y grandilocuentes, una prueba de destreza, sin duda, pero la mayoría de los oyentes aprecian realmente los tiernos pasajes de redención, amor o pureza. La orquesta se calla y el violonchelo llora tiernas lágrimas. Hoppe ofrece un álbum entero de esos momentos. Tillman toca con extrema calidez y sensibilidad; los arreglos de Hoppe para piano y conjunto de cuerdas de cámara en el teclado presentan al violonchelo como el huevo de un petirrojo azul en el nido*. Hoppe dice que las piezas fueron ensayadas completamente y tocadas en vivo en el estudio, de principio a fin sin sobregrabaciones; el álbum tiene esa inmediatez e integridad.
Por supuesto, cada poema tiene su propio ambiente. "Some Other Time" (Carl Sandberg/"The Great Hunt") expresa un anhelo dolorosamente simple. "Moon Ghosts" (Aldous Huxley/"A Sunset") ofrece un tema desgarrador donde el poeta solitario reaviva un momento de deseo. "Diamonds of Rain" (Edward Thomas/"It Rains") también reflexiona sobre el romance perdido. El poema de Hoppe "A Minor Bird" de Robert Frost tiene la sencillez campestre de una composición de Aaron Copland. La pieza más rapsódica ("Riddles") está basada en el poema más corto, un enigma sobre un amor ahogado titulado "Juliet" de Hilaire Belloc. Otros poetas representados incluyen a Kahil Gibran, A.E. Houseman, Alice Meynell, Sara Teasdale, G.K. Chesterton y Walter de la Mare.
1. Some Other Time (For Carl Sandburg) 2. Moon Ghosts (For Aldous Huxley) 3. Diamonds Of Rain (For Edward Thomas) 4. Flight (For Robert Frost) 5. Renouncement (For Alice Meynell) 6. Hidden In The Heart (For Sara Teasdale) 7. Riddles (For Hilaire Belloc) 8. Prayer (For Kahil Gibran) 9. Changes (For A. E. Housman) 10. Gold Leaves (For G. K. Chesterton) 11. Shadows (For Walter De La Mare)
