Olivia Belli - Daimon: Piano Concerto, Ithaca Suite & Sonatina for Nausicaa (2026)

Daimon: Piano Concerto, Ithaca Suite & Sonatina for Nausicaa es el nuevo álbum de la pianista y compositora italiana Olivia Belli, lanzado el 20 de febrero de 2026. 
 

Conocida por su refinada voz neoclásica, Belli se inspira en Bach, Chopin, Philip Glass, Arvo Pärt y el mundo del arte y la literatura. Daimon se inspira en la Odisea de Homero. Belli estaba fascinada por el predestinado regreso de Odiseo a Ítaca y la idea de que cada vida sigue un camino hacia su verdadero propósito. Este concepto dio forma a su nuevo concierto para piano, grabado con orquesta de cuerdas e influenciado por las tradiciones barrocas italianas. El concierto se desarrolla en tres movimientos: La Partida, El Viaje y El Regreso. El Viaje constituye el núcleo emocional, reflejando tanto las dificultades de Odiseo como el propio camino de Belli a través de las dificultades y la catarsis. Belli ha actuado en importantes eventos internacionales como las Noches de Piano en Ámsterdam, el Festival de Jazz de Montreal y la Serie de Piano Steinway & Sons en el Royal Albert Hall. Sus obras han sido comisionadas por artistas como Mari Samuelsen, Gautier Capuçon y Anna Lapwood. Tras el concierto, el álbum continúa con la Suite Ítaca, que retrata las figuras con las que Odiseo se encuentra a su regreso. Los artistas invitados Raphaela Gromes, Eldbjørg Hemsing y Jess Gillam se unen a Belli en estos "Encuentros" musicales, lo que resalta su espíritu colaborativo.

El álbum concluye con la Sonatina para Nausica, inspirada en la princesa que ayudó al náufrago Odiseo, un recordatorio, señala Belli, del valor de la compasión en un mundo que a menudo mide el valor por el éxito.

Olivia Belli, piano
Raphaela Gromes, cello
Eldbjörg Hemsing, violin
Jess Gillam, saxophone
German Chamber Orchestra Berlin
Canea Quartet
John Metcalfe, conductor

Olivia Belli: Concerto for Piano and String Orchestra "Daimon":
01 Belli: Concerto for Piano and String Orchestra "Daimon": I. The Departure 07:55
02 Belli: Concerto for Piano and String Orchestra "Daimon": II. The Journey 07:26
03 Belli: Concerto for Piano and String Orchestra "Daimon": III. The Return 08:15

Ithaca Suite:
04 Belli: Ithaca Suite: I. Proci 03:16
05 Belli: Ithaca Suite: II. Telemachus 03:38
06 Belli: Ithaca Suite: III. Eumaeus 03:11
07 Belli: Ithaca Suite: IV. Penelopeia 03:49
08 Belli: Ithaca Suite: V. Eurycleia 03:09
09 Belli: Ithaca Suite: VI. Laertes 04:18
10 Belli: Ithaca Suite: VII. Pax Athenae 04:20

Sonatina for Nausicaa:
11 Belli: Sonatina for Nausicaa: I. Semplice 02:19
12 Belli: Sonatina for Nausicaa: II. Andantino 02:32
13 Belli: Sonatina for Nausicaa: III. Allegretto 01:32
 

Nils Frahm - Paris (2024)

Grabado en la Filarmónica de París y un año y medio después del lanzamiento de su obra maestra "Music For Animals", descrita por PopMatters como "una cascada musical de proporciones monumentales", Nils Frahm presenta un nuevo álbum en vivo a través de su sello LEITER. Siguiendo una tradición que se está convirtiendo en una tradición, este álbum sigue a "Spaces" de 2013, Álbum del Año de Pitchfork grabado en conciertos durante los 18 meses anteriores, y a "Tripping With Nils Frahm" de 2020, también estrenado como película. "Paris", sin embargo, es el primer álbum en vivo de Frahm de una sola noche, el 21 de marzo de 2024, y contiene diez temas en una duración de 84 minutos.

Las actuaciones de Frahm siempre se han caracterizado por ampliar sus grabaciones de estudio, y "Paris" no es la excepción. Basándose en su sustancial catálogo, el compositor y productor alemán reelabora temas de varios álbumes y también agrega la nueva, lujosa y extrañamente apasionante 'Opera' a la lista de canciones.

Si abandona el escenario entre el mismo júbilo estruendoso con el que fue recibido al principio, "Paris" deja claro por qué es un artista tan solicitado. Ha sido contratado a menudo para varias noches consecutivas en salas de todo el mundo, como la Ópera de Sídney, el Barbican de Londres y el Orpheum Theatre de Los Ángeles. De hecho, el LA Times señaló: «Verlo en acción, y escuchar la reacción del público, es algo parecido a observar a un atleta en su mejor momento». No cabe esperar menos de Nils Frahm en "Paris", un documento esencial de la búsqueda incesante de nuevas perspectivas por parte de este músico ingenioso y dotado.
https://www.nilsfrahm.com/works/paris/

 

01. Prolog (Paris) (12:36)
02. Right Right Right (Paris) (16:06)
03. Briefly (Paris) (18:00)
04. You Name It (Paris) (3:28)
05. Some (Paris) (2:45)
06. Re (Paris) (5:14)
07. Spells (Paris) (11:55)
08. Opera (Paris) (4:41)
09. Our Own Roof (Paris) (5:30)
10. Hammers (Paris) (3:35)

Klaus Schønning - Locrian Arabesque (1987)

 

Klaus Schønning, un prolífico multiinstrumentista, se convirtió en uno de los artistas de new age más conocidos de Europa durante la década de 1980. Nacido en Copenhague en 1954, comenzó a componer música siendo niño y también tocaba el piano. Durante su adolescencia, se acercó al blues y al rock, al tiempo que cursaba estudios de musicología en la universidad. Schønning debutó en 1979 con Lydglimt y pronto empezó a ampliar el espectro de la música electrónica basada en sintetizadores mediante orquestaciones hábiles y una gran variedad de instrumentos, entre ellos el arpa, la cítara, el salterio, el buzuki, el glockenspiel y diversas guitarras. Nasavu, publicado en 1982, supuso un hito temprano en el desarrollo constante de la música new age. Schønning realizó numerosas grabaciones a lo largo de los años ochenta y, en 1989, presentó una serie de cuatro entregas titulada Symphodysse. Su música también ha formado parte de la colección Cruisers 1.0, del sello Hearts of Space.

Esta es una colección valiosa para los aficionados a la música espacial, ya que incluye cuatro temas del clásico Nasavu una obra de Schonning actualmente descatalogada que destacó notablemente en el ámbito de la música instrumental pop. Los cuatro primeros temas provienen de una producción distinta, mientras que la quinta pieza el épico tema que da título al álbum actúa como puente entre su estilo expansivo, al estilo de Kitaro, y el extremo más rítmico y guitarrero del espectro musical de Schonning. El tema central, de 20 minutos de duración, lo abarca todo; presenta un motivo recurrente que, con toda probabilidad, quedará grabado en tu memoria de forma duradera. El elemento clave aquí es la capacidad de dejar una huella perdurable, lograda gracias a la labor de Schonning con sintetizadores, autoharp, kantele, piano, teclados, acordeón y otros instrumentos, a los que se suman la batería y las guitarras en la mayoría de los temas, todo ello bajo la dirección de Schonning, cuyo fino oído para el sonido global guía el resultado final. 

Klaus Schønning - Synthesizer, Piano, Variophon and assorted acoustic instruments. 
Electric Guitar – Peter Brander
Mixed By – Hjörtur Blöndal
Vocals – Suzanne Menzel

Genre:     Electronic
Style:    Synth-pop, Ambient

 

1 Cosmix Syrinx (4:55)
2 Calliope (5:39)
3 Nadir (4:26)
4 Celestial Mirage (5:22)
5 Locrian Arabesque (20:00)
6 Cygnus (6:25)
7 Pyxis (5:38)
8 Trix (6:26)
9 Leda (3:42)

Javier Paxariño - Pangea (1992)

Javier Paxariño especialista de los instrumentos de viento, está considerado como uno de los más destacados saxofonistas de España mostrándose en escena como un artista completo. Pionero de la música de fusión y estudioso de los instrumentos y músicas del Mediterráneo así como de la tradición peninsular, ha dedicado gran parte de su carrera a componer música inspirada en fuentes de raíz ibérica.

Muchos profesionales y algunos amigos le llaman pájaro, quizá porque sopla de todo. Javier Paxariño toca casi todos los saxos, flautas traveseras, y bastantes instrumentos de viento que llegan desde China, India, y el norte de África. A Paxariño, además, se le puede escuchar en cualquier formación de jazz, acompañando a grupos de rock como Burning, o defendiendo las nuevas músicas con nombre propio: Pangea. Pangea es el nombre dado a la gran masa que dio lugar a los continentes actuales, y en lo musical, un intento de acercamiento a los pueblos que habitan la tierra, según Paxariño.

 

 
Pangea es el aclamado segundo álbum de estudio del músico granadino Javier Paxariño, editado en 1992 por el sello discográfico Música Sin-Fin. Este trabajo consolidó al artista en la escena de las músicas del mundo (world music) y el jazz fusión en España, obteniendo una excelente respuesta por parte de la crítica especializada.
El disco destaca por su rica mezcla instrumental, fusionando flautas, saxofones y vientos tradicionales con texturas mediterráneas y contemporáneas. En él colaboraron figuras clave de la música experimental y de raíz española como Suso Saiz, Tino di Geraldo y Alberto Iglesias.

   1. Bengala (4:50)
   2. El jardin de las Garzas (3:58)
   3. Qumran (5:47)
   4. Mundo flotante (6:24)
   5. Nafi (4:57)
   6. So Ham (5:21)
   7. Hombres de las montañas (5:36)
   8. Pangea (8:03)
   9. Cancion Lemur (5:09)
   10. Puna (6:12)
   11. Bengala (devocional) (2:48)

Agnes Obel - The Meaning of Flowers (2026)

 

El álbum The Meaning of Flowers, de la cantautora, multiinstrumentista y productora Agnes Obel, está tejido a partir de diversos hilos de pensamiento e inspiración. El proyecto explora la intensa sensación de interconexión con todos los seres vivos que ella experimentó durante el embarazo.
Como continuación del aclamado Myopia (2020), el álbum reflexiona sobre el nacimiento, el crecimiento y la metamorfosis en el mundo natural, inspirándose en fuentes que van desde la poesía de Enheduanna y las ideas de las filósofas Hannah Arendt y Emanuele Coccia hasta el pop danés de los años 80 y 90.
Escrito, grabado, arreglado y producido por Obel en su propio estudio de Berlín, el álbum cuenta con la participación de la propia Obel en la voz, el piano, los teclados, los sintetizadores y los samples, acompañada por músicos invitados en cuerdas, bajo, lap steel, armonio, flauta, saxofón, percusión y coros. A lo largo de sus 12 temas, el álbum refleja tanto el impacto emocional de la maternidad como las nuevas perspectivas de pensamiento y composición surgidas tras el nacimiento de su primer hijo. Dedicado a su hija, el proyecto explora lo que Obel describe como «la sensación de un nuevo comienzo» y un sentido nuevo y expansivo de amor e interconexión. El álbum  gira en torno a los temas del embarazo y la maternidad. 

La artista danesa, afincada en Berlín, dio a luz a su primer hijo poco después de grabar Myopia, su anterior disco publicado en 2020. Rodeada de sintetizadores, lap steel, armonio, cuerdas y un coro, Obel sigue construyendo su universo melancólico, onírico y experimental. Los alambiques de su laboratorio burbujean constantemente: las notas del arpa se precipitan al final del tema que da título al disco, "The Meaning of Flowers"; el piano preparado cobra protagonismo en "Never Been"; y un movimiento perpetuo de órgano dialoga con el violonchelo y los armónicos del violín en "Jenn's on the Way". El alegre piano del tema instrumental "Tangerine" es otro de los momentos destacados, creando un contraste sorprendente con un saxofón vacilante y entrecortado. En el corazón de toda esta experimentación se encuentra, por supuesto, la voz de Agnes Obel, que oscila entre la dulzura fantasmal de "Laymelli" y la claridad cristalina de "Gemini". A veces, una sencilla línea de bajo es todo el acompañamiento que necesita, como se aprecia en "Deem Me Now". En "Faustian Deal", tema que cierra el álbum, los pizzicatos de violonchelo y un coro de tintes barrocos amplían gradualmente el horizonte musical. Tras pasar todo el álbum sumergido en una especie de líquido amniótico a la vez reconfortante y misterioso, el oyente emerge finalmente a la luz. Es probable que este sea el "nuevo comienzo" que Agnes Obel anhela con tanto fervor.

 

Agnes Obel, keys, synths, sampled harp, drum samples, vocals
Violin: John Corban
Viola: Alexina Hawkins
Cello: Charlotte Danhier
Drums, percussion, water-drums: Julian Sartorius
Bass, harmonium, lap-steel: Fredrik Kinbom
Flute: Gabrielė Mišeikytė
Sax: Takiaya Reed
BVs: Jenn Rudelove


 

01 The Meaning of Flowers 03:55
02 Laymelli 06:47
03 Gemini 05:07
04 Never Been 04:36
05 Blood so Red 05:54
06 No Such Thing as Silence 04:49
07 Deem Me Now 04:58
08 Jenn's on the Way 03:03
09 Beyond the Sun 02:05
10 Tangerine 02:36
11 Don't Look Down 03:41
12 Faustian Deal 04:25

Ambre Ciel (Jessica Hébert) - Still, There Is the Sea (2025)

Ambre Ciel (Jessica Hébert) es una compositora y cantante originaria de Montreal, Canadá. Su música onírica, expansiva y etérea se inspira en artistas contemporáneos de música clásica, así como en el impresionismo y el minimalismo estadounidense.

Ambre, que canta tanto en inglés como en su francés natal, proviene de una familia de cantantes y artistas: «Comencé a aprender violín a los seis años y luego empecé a experimentar con efectos de pedal y bucles melódicos». Posteriormente, estudió composición y grabación en la universidad. «Fue entonces cuando empecé a explorar la composición y la creación de canciones con mayor profundidad, tanto el mundo de los sonidos en sí como las canciones construidas principalmente con capas de violín y voz. También fue durante esta época cuando retomé mi primer instrumento, el piano, lo que me abrió un abanico de posibilidades armónicas».

Su álbum debut, Still, There Is the Sea, representa un comienzo, un primer intento, aunque imperfecto, de plasmar ese otro mundo que habitaba en su mente. Ha creado un álbum exquisitamente refinado, dando mucho espacio a los arreglos de cuerda y otros instrumentos acústicos, así como a su propia y hermosa voz.

Still, There Is the Sea es en gran medida la declaración personal y la visión artística de Ambre como compositora, arreglista y productora, Pietro Amato (Bell Orchestre, The Luyas, Patrick Watson) aportó su apoyo y experiencia (y una perspectiva adicional) como coproductor, y Owen Pallett (Final Fantasy) colaboró con los arreglos orquestales que Ambre escribió para la FAMES Skopje Studio Orchestra, dirigida por Sasho Tatarchevski. Y músicos de gran sensibilidad como el percusionista Stefan Schneider (Bell Orchestre, The Luyas), el clarinetista Guillaume Bourque y un trío de cuerdas formado por Marilou Lepage, Sebastian Gonzalez Mora y Julien Siino aportaron sus voces únicas a la grabación.

   

1. the sun, the sky 05:12
2. eau miroir 04:45
3. cycle 04:55
4. atlantis 02:47
5. dream / mirage 03:08
6. sometimes 04:26
7. pièce no.8 03:48
8. fragment of 03:32
 

Büdi Siebert - Wild Earth (1995)

Con su álbum "Bridges", tendió puentes entre el rock, el jazz y una música de cámara afín al folk. Ahora, Büdi Siebert el pintor sonoro de Stuttgart dotado de una imaginación desbordante prosigue su camino con una grabación titulada "Wild Earth" (Tierra Salvaje); sin embargo, al escucharla, esta evoca imágenes de belleza formal, equilibrio melódico y una armonía suave y madura. Quizás sea así como Siebert, ese soñador de amplia visión, imagina el estado salvaje (u original) del planeta. En el libreto del CD cita las palabras de advertencia que el jefe Seattle dirigió en 1854 al presidente de los Estados Unidos sobre la destrucción de la Tierra a manos de la civilización blanca; palabras a las que puso música en 1982-1983 en colaboración con el suizo René Bardet, creador del proyecto "Poesía y Música". Finalmente, en un ensayo de su propia autoría, revela quiénes son para él los verdaderos salvajes: aquellos individuos "civilizados" que viven en un mundo perfecto y hermético, y que exterminan todo aquello que desea permanecer salvaje. Como humilde contribución a la reparación de este daño, el multiinstrumentista Siebert reivindica musicalmente los derechos de la naturaleza. A través de saxofones, flautas, tambores, acordeón y sintetizadores, da forma a sus visiones en composiciones de gran amplitud espacial. Algunos comentarios del texto de acompañamiento, tal vez demasiado grandilocuentes, no deberían impedirnos apreciar la belleza casi hímnica de esta música. El equipo "Biber" de Friedemann Witecka empleó la tecnología de grabación con una delicadeza deliberada. En el enriquecimiento de este universo musical participaron, entre otros, Ralf Illenberer, Thomas Rabenschlag, Walter y Peter Keiser, así como miembros de la Joven Filarmónica del Sur de Alemania de Esslingen.

Budi Siebert es un maestro de los vientos, Siebert toca una variedad de flautas en este album, pero su trabajo también implica la creación de una sensación de naturaleza, en World Beat abundan las influencias rítmicas y melódicas, Wild Earth es una escucha graciosa, viva.
Budi Siebert toma con sabor latino exotismo musical y añade una pizca de contundencia Teutónica en "Wild Earth", su debut en Estados Unidos. Su amigo, Ralf Illenberger, ofrece un trabajo de guitarra genial, sobre todo en el tema. "Dancing with the Bear" Cabriolas de marimbas cocida a fuego lento, mientras que en "The Beauty Within" construye una imagen de una búsqueda de la visión del nativo americano. "Black Rain, Grey Snow" incorpora las formas de jazz en un viaje ecológico-temático lleno de una musicalidad sólida.

Personal: 
Büdi Siebert (flute, bass flute, accordion, bass clarinet, soprano saxophone, alto saxophone, keyboards, synthesizer, marimba, drums, percussion); 
Jon Otis (vocals, congas, bongos, talking drum, timbales, percussion); 
Ralf Illenberger (guitar, 12-string guitar); 
Thomas Fessler (guitar); 
Martin Nitschmann (clarinet); 
Roswitha Maier (oboe); 
Thomas Rabenschlad (piano); 
Frank Fischer (acoustic bass); 
Heiri Känzig (double bass, fretless bass); 
Walter Keiser (drums); 
Jo Koinzer (steel drum, percussion).

 

01. Wild Earth
02. Dancing With The Bear
03. The Beauty Within
04. Black Rain - Grey Snow
05. Winds From The South
06. Silent Earth
07. The Phoenix Rises
08. Round My Way
09. On Your Shores
10. Gentle Earth

 

Joan Bibiloni - Balears (2007)

Compositor, guitarrista, vocalista, arreglista y productor discográfico, nacido en Mallorca en 1952. Cuenta con un historial musical que lo une a nombres internacionales de la talla de: Jon Anderson, David Allen, Gilly Smith, Kevin Ayers, David Graham, Larry Coryell, Celia Cruz, John Cale, etc., con quienes ha colaborado, tocado o grabado en varias ocasiones.A los quince años, graba su primer álbum y durante los cuatro años siguientes toca con diferentes grupos de las islas: Harlem, Talayots. Más tarde forma el grupo Zebra (fusión de los Bravos y Z-66) juntos editan 11 discos, más tarde forma el dúo “Milan y Bibiloni”. Graban un disco y realizan numerosas giras dentro y fuera de España. En 1981 y 1982 se une a la Kevin Ayers Band, actuando en España y Europa y coproduciendo un L.P. En el año 1982 aparece su primer disco en solitario “Joana Lluna”. En 1983 produce y graba junto a Jorge Pardo. Durante este tiempo crea una super-banda, que une a grandes músicos del país, como son Jorge Pardo, Max Suñer y Kitflus, realizando actuaciones y colaboraciones discográficas. Bibiloni compagina su labor en Europa, con viajes frecuentes a Estados Unidos, donde edita un disco “Color Drops” junto al flautista americano Ernie Mansfield. En 1985 y 1986 forma dúo junto a Larry Coryell. El trabajo como productor de Joan Bibiloni , abarca estilos que van desde la música popular de Tomeu Penya, hasta producciones pop como Furnish Time. 1988, nueva e importante etapa encaminada a su lanzamiento internacional de la mano del sello discográfico Polygram (Londres) con quien firma contrato por tres años. En 1989 presenta su disco For a Future Smile en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza).También produce y compone para Marina Rossell con motivo de la presentación del disco Cinema Blau. Colabora con Maria Del Mar Bonet componiendo y grabando para su disco Bon Viatge Faci La Cadernera. Desde entonces hasta el año 1998 produce Palabra De Guitarra Latina con guitarristas como Tomatito, Larry Coryell, Luis Salinas, Ray Gomez, Tito Alcedo, Jordi Bonell, Raimundo Amador, Jaime Stinus...Y así hasta hoy, editando discos y produciendo otros artistas, como Antonio Vega, desde su productora Satie.

Joan Bibiloni nos presenta en este doble CD una importante muestra de su faceta como músico y compositor. "Balears" reúne 27 piezas instrumentales que son una delicia musical ofreciendo ambientes y atmósferas que sólo un gran guitarrista y compositor como Bibiloni sabe dibujar. Esta obra se acompaña de una extraordinaria colección de fotografías artísticas a cargo de Pere Colom.

Si se llamase John tendria unos cuantos Grammys, pero vive, respira entre nosotros y me da la sensacion de que aun no le hemos valorado suficientemente.
Creo que es el mejor y mas grande guitarrista de Ses Illes, una rara avis muy sui generis que se siente balear y deberia tener denominacion de origen porque, partiendo de la esencia del mas puro mallorquinismo, transciende cualquier tipo de localismo y se hace siempre isleño, manacorense internacional.
Su musica festiva, tierna, humana, inteligente... tiene sabor mediterraneo reminiscencias del blues, el swing, el jazz, la bossa nova, la rumba, los ritmoscubanos, africanos, sobretodo flamencos... conjuntados siempre con un toque bibiloniano de maestria que lo hacen, marca de la casa, multietnica original.

 

En este doble cd hay un tema de amor: "The Guitar Center" que es un sentido homenaje al hoy desaparecido "Centro de la Guitarra" de Palma y nunca he oido una version tan magica y autentica como la suya de la celebre cancion "Alfonsina  y el Mar".
Balears combina piezas propias con versiones personalisimas y magistrales que van creando seductoras una atmosfera donde las notas de la guitarra fulguran como chispas llameantes.
Bibiloni explora alegre el cuerpo vibratil de las cuerdas y sus dedos son brujos agiles que exorcisan la guitarra, sacan de ella acordes que estimulan emocionales las ganas de vivir y se inventa sonidos que nos encantan, nos fascinan y nos llenan el espiritu de musicalia.
Joan Bibiloni nos regala toda su sabiduria en este "Balears" que es un prodigio de vocacion guitarrera, de estimacion y una fiesta para los sentidos. 

 

Cd1.
01 - Balears
02 - Pinzells
03 - Flors musties dins un palau
04 - Tot fermat
05 - The guitar centre
06 - Indies
07 - Mar blau
08 - La Espanyola
09 - Alfonsina y el mar
10 - Viatge en el temps
11 - Sunrise
12 - Ulls verds
13 - Joana Lluna
14 - No piquen

 

 

 

Cd2
01 - Waltz for a baby
02 - El silenci romput
03 - 1492
04 - Baix el blau
05 - Blue may
06 - Ballad for a empty street
07 - Una vida llarga i tranquil-la
08 - Colour book
09 - El salt del blauet
10 - Sa fosca
11 - Gates d'aigo
12 - Un adeu
13 - Un altre adeu

Michael Pluznick - Where the Rain is Born (1989) Cradle of the Sun (1990) Rhythm Harvest (1992)

Michael Pluznick es un aclamado y destacado percusionista, intérprete y productor musical originario de Nueva Jersey; ha viajado por todo el mundo actuando, grabando y enseñando diversas modalidades de percusión. A lo largo de numerosos viajes, se ha formado con maestros percusionistas en Brasil, África Occidental, Cuba y Puerto Rico. Toca la batería y la percusión desde 1972 y se dedica a la enseñanza desde hace más de 25 años. Su trayectoria docente incluye colaboraciones con la Universidad Estatal de Sonoma (California) donde ejerció como profesor y conferenciante invitado, la Universidad de California (Santa Cruz) y Yamaha (Japón). Su álbum Rhythm Harvest figuró en la lista de los 20 mejores discos de Billboard durante dos meses, mientras que Where The Rain is Born recibió importantes reconocimientos por parte de la revista Electronic Musician. Michael produce diversos estilos de música africana para eventos especiales, producciones y espectáculos; asimismo, acompaña clases de danza en el Área de la Bahía y realiza actuaciones tanto a nivel local como internacional. 

 

Su primer album para Narada Records, Where the Rain is Born (1989) es un lanzamiento de worldbeat dinámico, obra de un percusionista del Área de la Bahía en colaboración con el sintetizadorista Peter Scaturro. Desde paisajes sonoros oníricos, evocadores e impresionistas, hasta ritmos contundentes y polirrítmicos cargados de bajos, el álbum sorprende y cautiva al oyente de principio a fin gracias a la grandiosa paleta de sonidos de sintetizador y a las densas capas de percusión. La obra culmina con el magnífico tema homónimo, un canto neoafricano en honor a la lluvia en el que la percusión —que evoca el caer de las gotas— se desarrolla magistralmente sobre la cadencia hipnótica de las voces masculinas y femeninas. 

Personal:
Michael Pluznick (drums, percussion), 
Pedro DeJesus, Lanette Lynette Kirkwood (vocals), 
Robert Powell (guitar), 
Barry Cleveland (guitar, eggs, rectangle), 
Rich Michos (guitar, guitar synthesizer), 
Bill Ortiz (trumpet, flugelhorn), 
Peter Scaturro (programming, synthesizers, piano), 
Maria Rodriguez (background vocals).

tracks
1.  Solar Safari
2.  Savannah Dance
3.  Rites Of Passage
4.  City's Reflection, The
5.  Desert Crossing
6.  Time Caravan
7.  Big Foot
8.  Where The Rain Is Born

 

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 Cradle of the Sun es un álbum de estudio de música instrumental y percusión del artista Michael Pluznick, lanzado al mercado el 1 de enero de 1990 a través del sello discográfico Sona Gaia Productions.
Este álbum destaca por su fusión de ritmos tradicionales del mundo, reflejando la extensa trayectoria de Pluznick en el estudio de la percusión de regiones como Cuba, Haití y África Occidental.

En Craddle of the Sun participan 17 artistas y se utiliza lo que parece ser casi un centenar de instrumentos diferentes, pero el resultado nunca llega a saturar. De hecho, se hace un marcado hincapié en los ritmos del pop occidental y en melodías de sintetizador de estilo fusión, acompañados por algunos solos de trompeta con matices jazzísticos. Las influencias étnicas son principalmente rítmicas y, a menudo, bastante sutiles, lo que hace que esta música resulte accesible para una gran variedad de oyentes. Unas agradables texturas de teclado realzan el atractivo de estas composiciones originales, que, aunque suenan familiares, están elaboradas con gran maestría.

 

1. Back To Havana
2. Mystic Dancer
3. The Guardians Of Nature
4. Spirit In The Rain
5. In America
6. Birds Of Paradise
7. Yan Valu

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En su tercer lanzamiento, el extraordinario percusionista Michael Pluznick logra que todas las piezas encajen a la perfección en una mezcla explosiva de influencias haitianas, caribeñas y de África Occidental. Esta obra llena de vitalidad cuenta con voces masculinas y femeninas, guitarra, trompeta, teclados y, sobre todo, la participación de Pluznick a cargo de más de 20 instrumentos de percusión. Joel Lindheimer toca la guitarra y el charango; Robert Powell, la pedal steel guitar; y Kim Atkinson aporta matices de percusión adicionales en varios temas, mientras que las voces principales a menudo bajo la dinámica de llamada y respuesta se reparten entre Yagbé "Oba-llu" Onilu, Lygia Ferra y Pedro DeJesus. 

 

Entre los temas más destacados figuran el cadencioso Le Bolero Haitien; Mozambique, inspirado en un ritmo de baile cubano que causó furor en los años 60; el pegadizo Rumbacito; y Giant Step, una pieza de música tradicional que rinde homenaje al espíritu de la montaña del pueblo yoruba del oeste de Nigeria. Aunque la banda derrocha energía, es Pluznick quien lleva las riendas y guía al grupo a través de polirritmos complejos y dinámicos en este fructífero Rhythm Harvest.
 

1.Echoes Of Time    1:19
2.Capilonga    4:04
3.Kongo    5:11
4.Le Bolero Haïtien    4:44
5.Jungle Man    1:42
6.L´Artibonite    3:58
7.Haitian Rumba    2:48
8.Mozambique    4:09
9.Rara    4:44
10.Rumbacito    4:22
11.Rhythm Realm    0:53
12.Giant Step    3:26
13.Yemayá - Blue Currents    4:43
14.Echoes Of Time    1:39

Carlos Nuñez - A Irmandade das Estrelas (1996)

 

Carlos Núñez es un estudioso de la música celta y en el panorama internacional es considerado un erudito del tema. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con 
músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía.
En 1996 publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.

Este disco revolucionó la música folk y celta en España al conectar Galicia con Irlanda, América y el flamenco.

El álbum contó con un elenco excepcional de músicos de su grupo Fernando Fraga (acordeón, piano y teclados), Marcos Vázquez (bodhrán, batería y percusiones) y Enrique Iglesias (violín) y grandes colaboraciones internacionales y nacionales, Con leyendas como The Chieftains, Paddy Moloney, Derek Bell, Seán Keane, además de músicos de Nightnoise como Mícheál Ó Domhnaill y Tríona Ni Domhnaill, Artistas de la talla de Ry Cooder, Luz Casal, Dulce Pontes, Kepa Junkera, Tino di Geraldo y Juan Cañizares.

 https://carlos-nunez.com/es/producto/a-irmandade-das-estrelas/

Tracks
01 - Amanecer
02 - A Irmandade das Estrelas
03 - Nubes del otro lado
04 - Negra sombra
05 - Os gaiteiros da noite
06 - Cantigueiras
07 - Villancico para la Navidad de 1829
08 - Bailando con Rosiña
09 - Lela 1
0 - The filght of the earls
11 - Canto de afiador
12 - Para Vigo me voy