Michael Pluznick - Where the Rain is Born (1989) Cradle of the Sun (1990) Rhythm Harvest (1992)

Michael Pluznick es un aclamado y destacado percusionista, intérprete y productor musical originario de Nueva Jersey; ha viajado por todo el mundo actuando, grabando y enseñando diversas modalidades de percusión. A lo largo de numerosos viajes, se ha formado con maestros percusionistas en Brasil, África Occidental, Cuba y Puerto Rico. Toca la batería y la percusión desde 1972 y se dedica a la enseñanza desde hace más de 25 años. Su trayectoria docente incluye colaboraciones con la Universidad Estatal de Sonoma (California) donde ejerció como profesor y conferenciante invitado, la Universidad de California (Santa Cruz) y Yamaha (Japón). Su álbum Rhythm Harvest figuró en la lista de los 20 mejores discos de Billboard durante dos meses, mientras que Where The Rain is Born recibió importantes reconocimientos por parte de la revista Electronic Musician. Michael produce diversos estilos de música africana para eventos especiales, producciones y espectáculos; asimismo, acompaña clases de danza en el Área de la Bahía y realiza actuaciones tanto a nivel local como internacional. 

 

Su primer album para Narada Records, Where the Rain is Born (1989) es un lanzamiento de worldbeat dinámico, obra de un percusionista del Área de la Bahía en colaboración con el sintetizadorista Peter Scaturro. Desde paisajes sonoros oníricos, evocadores e impresionistas, hasta ritmos contundentes y polirrítmicos cargados de bajos, el álbum sorprende y cautiva al oyente de principio a fin gracias a la grandiosa paleta de sonidos de sintetizador y a las densas capas de percusión. La obra culmina con el magnífico tema homónimo, un canto neoafricano en honor a la lluvia en el que la percusión —que evoca el caer de las gotas— se desarrolla magistralmente sobre la cadencia hipnótica de las voces masculinas y femeninas. 

Personal:
Michael Pluznick (drums, percussion), 
Pedro DeJesus, Lanette Lynette Kirkwood (vocals), 
Robert Powell (guitar), 
Barry Cleveland (guitar, eggs, rectangle), 
Rich Michos (guitar, guitar synthesizer), 
Bill Ortiz (trumpet, flugelhorn), 
Peter Scaturro (programming, synthesizers, piano), 
Maria Rodriguez (background vocals).

tracks
1.  Solar Safari
2.  Savannah Dance
3.  Rites Of Passage
4.  City's Reflection, The
5.  Desert Crossing
6.  Time Caravan
7.  Big Foot
8.  Where The Rain Is Born

 

========================================================

 Cradle of the Sun es un álbum de estudio de música instrumental y percusión del artista Michael Pluznick, lanzado al mercado el 1 de enero de 1990 a través del sello discográfico Sona Gaia Productions.
Este álbum destaca por su fusión de ritmos tradicionales del mundo, reflejando la extensa trayectoria de Pluznick en el estudio de la percusión de regiones como Cuba, Haití y África Occidental.

En Craddle of the Sun participan 17 artistas y se utiliza lo que parece ser casi un centenar de instrumentos diferentes, pero el resultado nunca llega a saturar. De hecho, se hace un marcado hincapié en los ritmos del pop occidental y en melodías de sintetizador de estilo fusión, acompañados por algunos solos de trompeta con matices jazzísticos. Las influencias étnicas son principalmente rítmicas y, a menudo, bastante sutiles, lo que hace que esta música resulte accesible para una gran variedad de oyentes. Unas agradables texturas de teclado realzan el atractivo de estas composiciones originales, que, aunque suenan familiares, están elaboradas con gran maestría.

 

1. Back To Havana
2. Mystic Dancer
3. The Guardians Of Nature
4. Spirit In The Rain
5. In America
6. Birds Of Paradise
7. Yan Valu

====================================================

En su tercer lanzamiento, el extraordinario percusionista Michael Pluznick logra que todas las piezas encajen a la perfección en una mezcla explosiva de influencias haitianas, caribeñas y de África Occidental. Esta obra llena de vitalidad cuenta con voces masculinas y femeninas, guitarra, trompeta, teclados y, sobre todo, la participación de Pluznick a cargo de más de 20 instrumentos de percusión. Joel Lindheimer toca la guitarra y el charango; Robert Powell, la pedal steel guitar; y Kim Atkinson aporta matices de percusión adicionales en varios temas, mientras que las voces principales a menudo bajo la dinámica de llamada y respuesta se reparten entre Yagbé "Oba-llu" Onilu, Lygia Ferra y Pedro DeJesus. 

 

Entre los temas más destacados figuran el cadencioso Le Bolero Haitien; Mozambique, inspirado en un ritmo de baile cubano que causó furor en los años 60; el pegadizo Rumbacito; y Giant Step, una pieza de música tradicional que rinde homenaje al espíritu de la montaña del pueblo yoruba del oeste de Nigeria. Aunque la banda derrocha energía, es Pluznick quien lleva las riendas y guía al grupo a través de polirritmos complejos y dinámicos en este fructífero Rhythm Harvest.
 

1.Echoes Of Time    1:19
2.Capilonga    4:04
3.Kongo    5:11
4.Le Bolero Haïtien    4:44
5.Jungle Man    1:42
6.L´Artibonite    3:58
7.Haitian Rumba    2:48
8.Mozambique    4:09
9.Rara    4:44
10.Rumbacito    4:22
11.Rhythm Realm    0:53
12.Giant Step    3:26
13.Yemayá - Blue Currents    4:43
14.Echoes Of Time    1:39

Carlos Nuñez - A Irmandade das Estrelas (1996)

 

Carlos Núñez es un estudioso de la música celta y en el panorama internacional es considerado un erudito del tema. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con 
músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía.
En 1996 publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.

Este disco revolucionó la música folk y celta en España al conectar Galicia con Irlanda, América y el flamenco.

El álbum contó con un elenco excepcional de músicos de su grupo Fernando Fraga (acordeón, piano y teclados), Marcos Vázquez (bodhrán, batería y percusiones) y Enrique Iglesias (violín) y grandes colaboraciones internacionales y nacionales, Con leyendas como The Chieftains, Paddy Moloney, Derek Bell, Seán Keane, además de músicos de Nightnoise como Mícheál Ó Domhnaill y Tríona Ni Domhnaill, Artistas de la talla de Ry Cooder, Luz Casal, Dulce Pontes, Kepa Junkera, Tino di Geraldo y Juan Cañizares.

 https://carlos-nunez.com/es/producto/a-irmandade-das-estrelas/

Tracks
01 - Amanecer
02 - A Irmandade das Estrelas
03 - Nubes del otro lado
04 - Negra sombra
05 - Os gaiteiros da noite
06 - Cantigueiras
07 - Villancico para la Navidad de 1829
08 - Bailando con Rosiña
09 - Lela 1
0 - The filght of the earls
11 - Canto de afiador
12 - Para Vigo me voy

Clannad - Anam - 1990

El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que significa "la familia de Dore"; el grupo fue fundado por la familia Brennan en 1970. Máire, Ciarán y Pól Brennan (la versión inglesa de su nombre familiar gaélico) se unieron a sus tíos Noel y Pádraig Duggan y empezaron a tocar en la taberna de su padre Leo. La hermana de Máire, Eithne, se unió a la banda en 1979 y la abandonó tres años más tarde para seguir una exitosa carrera en solitario conocida como Enya. Máire también ha llevado en paralelo su propia carrera en solitario, iniciada con un álbum en 1992 titulado "Máire". 

Anam (que significa "alma" en irlandés) es el undécimo álbum de estudio del grupo de folk celta irlandés Clannad, lanzado originalmente el 8 de octubre de 1990. Este disco consolidó el sonido místico característico de la banda al fusionar de manera impecable la música tradicional irlandesa con el pop contemporáneo, el new age y estructuras de rock progresivo.

Ciaran Brennan (vocals, guitar, piano, synthesizer, acoustic & electric basses); 
Maire Brennan (vocals, harp); 
Padraig Duggan (acoustic guitar, harmonica, mandola); 
Noel Duggan (guitar).

- Brídín Brennan / harmony vocals
- Anton Drennan / electric guitar, dobro
- Ian Parker / keyboards
- Paul Ridout / programming
- Mel Collins / saxophones
- Vinnie Kilduff / bansuri
- Paul Moran / drums, percussion
- Bono / vocal duet (bonus #2)

01. Rí Na Cruinne (4:05)
02. Anam (4:05)
03. In Fortune's Hand (3:57)
04. Poison Glen (3:55)
05. Wilderness (instrumental) (2:08)
06. Why Worry? (4:30)
07. Úirchill An Chreagáin (4:25)
08. Love and Affection (4:59)
09. You're the One (3:57)
10. Dobhar (instrumental) (2:39)

René Aubry - Give Me a Chance for Another Dance (2025)

 

René Aubry nos cuenta en Facebook...
Rara vez empiezo con un concepto o proyecto específico cuando compongo para un nuevo álbum.
La música surge o no surge, sin que yo sepa realmente por qué. La dejo surgir, desarrollarse, sin intentar limitarla. Simplemente la sigo. A menos que sea al revés.
Al final, elijo algunas, las que más resuenan, las que parecen querer coexistir.
Este nuevo álbum nació sin ninguna intención en particular, pero con la libertad que me impulsa a crear. Una serie de piezas que, sin querer, quizá cuentan algo. O nada. Acaban contando una historia, o más bien sugiriendo mil más, según el oído y la imaginación de cada uno.
Así que os dejo descubrir esta música tal como me llegó: de forma sencilla y espontánea.
Esta dedicado a mi nieto Ulises.

(02:39) 01. Cannaregio (feat. VENTY)
(02:56) 02. Ti Voglio Bene
(03:13) 03. Dawn by Low
(03:30) 04. Ulysse dans la vallee
(01:59) 05. Angry Birds
(02:04) 06. Give Me a Chance for Another Dance
(02:28) 07. Jour apres jour
(04:08) 08. The Cloud
(04:07) 09. Joyeux qui comme Ulysse
(02:35) 10. Rebetiko a Chicago
(02:29) 11. Magic Light

The Gloaming - 1 (2014) + The Gloaming 2 (2016) + The Gloaming 3 (2019)

 The Gloaming - The Gloaming (2014)

Formado en 2011 en Rosemount, Condado de Westmeath, Irlanda, The Gloaming era un supergrupo compuesto por el seis veces campeón de violín de toda Irlanda Martin Hayes, el guitarrista de folk-rock Dennis Cahill, el violinista de Hardanger Caoimhín Ó Raghallaigh, el productor y pianista Thomas Bartlett (alias Doveman) y el cantante Iarla Ó Lionáird, quizás mejor conocido por su trabajo con los íconos mundiales del beat, Afro-Celt Sound System. Fusionando formas de música tradicional irlandesa con rock e influencias clásicas contemporáneas, con Ó Lionáird cantando en irlandés en todo momento, el grupo obtuvo una entusiasta aclamación de la crítica y varios premios por su álbum debut homónimo de 2013, lanzado en Real World Records de Peter Gabriel. Producido por Bartlett, más conocido por su trabajo con bandas de indie rock como The National, el álbum tomó como punto de partida la música tradicional irlandesa, pero la amplió con simpatía con estilos vocales pop/rock y arreglos de piano increíblemente hermosos en una vena posclásica. Ganó el premio Meteor Choice 2014 al Álbum irlandés del año, superando a artistas como U2, Sinéad O'Connor y Damien Rice. El grupo realizó giras por todo el mundo, tocando en importantes festivales como Womad y agotando las entradas del centro de artes Barbican de Londres.

Iarla Ó Lionaird, Thomas Bartlett, Caoimhín Ó Raghallaigh, Martin Hayes & Dennis Cahill.

Estos cinco músicos virtuosos se reunieron por primera vez para explorar nueva música en el West Grouse Lodge Studios en West Meath, Irlanda, a principios de 2011. Cada uno veía a la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente en la rica herencia musical y tradiciones La música que empezaron a crear era escasa y preciosa, auténtica y llena de melodía, la música que llegó a ser descrito por The Irish Times como de un matiz totalmente diferente. ni tradicional ni deliberadamente contemporánea.

  

1. Song 44
2. Allistrum’s March
3. An Muince Dreoilíní (The Necklace of Wrens)
4. The Girl Who Broke My Heart
5. Saoirse (Freedom)
6. The Sailor’s Bonnet
7. The Old Bush
8. Opening Set: An Chúil Daigh Ré / Elizabeth Kelly's Delight / Billy O'Rourke Is the Boy / The Millstream / Rolling in the Barrel / The Tap Room / Tom Doherty's Reel
9. Hunting the Squirrel
10. Samhradh Samhradh

 

 The Gloaming - 2 (2016)

Fiddle – Martin Hayes
Guitar – Dennis Cahill
Hardingfele [Hardanger d’Amore] – Caoimhín Ó Raghallaigh
Piano – Thomas Bartlett
Vocals – Iarla Ó Lionáird

1    The Pilgrim's Song    6:54
2    Fáinleog (Wanderer)    7:16
3    The Hare    3:05
4    Oisin's Song    6:14
5    The Booley House    5:02
6    Repeal The Union    3:08
7    Casadh An tSúgáin    5:17
8    The Rolling Wave    7:17
9    Cucanandy    6:01
10    Mrs Dwyer    6:41
11    Slán Le Máighe    8:45
12    The Old Favourite    4:10

 

 The Gloaming - The Gloaming 3 (2019)

 

El mundialmente famoso supergrupo irlandés estadounidense The Gloaming regreso con su tercer álbum de estudio. Producido por Thomas Bartlett (Sufjan Stevens, St. Vincent), el álbum fue grabado en la ciudad de Nueva York en Reservoir Studios. Al igual que sus predecesores, reinventa ricamente la lengua vernácula de la música tradicional irlandesa a través de un prisma moderno a través de elementos de post-rock, jazz, música clásica contemporánea, cámara y minimalismo.

Fiddle – Martin Hayes
Guitar – Dennis Cahill 
Piano – Thomas Bartlett
Hardingfele [Hardanger d'Amore] – Caoimhín Ó Raghallaigh 
Voice – Iarla Ó Lionáird 


01 – The Weight of Things
02 – The Lobster
03 – Athas
04 – The Pink House
05 – Reo
06 – The Old Road to Garry
07 – Sheehan’s Jigs
08 – My Lady who has Found the Tomb Unattended
09 – Doctor O’Neill
10 – The Song of the Glens

Ancient Future - Dreamchaser (1988)

Ancient Future fue fundada en 1978 por el guitarrista Matthew Montfort. Sus melodías cautivadoras, instrumentos exóticos y texturas étnicas han contribuido a popularizar la fusión de músicas del mundo.

A lo largo de los años, Ancient Future ha expandido su visión musical a través de colaboraciones con músicos maestros de más de dos docenas de países, culturas y tradiciones musicales que ahora son una parte integral de lo que es más que una banda. Ancient Future ha crecido hasta convertirse en un gran conjunto de música multinacional con muchos conjuntos más pequeños dentro de él, lo que permite a Ancient Future realizar su misión principal de crear música fusión mundial. A través del intercambio intercultural, Ancient Future se ha convertido en una aldea global de músicos ... de África, India, Asia, América y Medio Oriente. Las melodías incluidas son diversas, pero igualmente cautivadoras, evocando todo lo que es más atractivo de la música de un pueblo global

Dreamchaser establece a Ancient Future como un grupo musical de clase mundial. Se escucha una deslumbrante variedad de instrumentos, desde sitares y guitarras hasta violines (acústicos y eléctricos) y teclados, e instrumentos de percusión, desde tambores parlantes africanos hasta dumbek, gamelan, platillos y kalimba. Este es un álbum emocionante que realmente conmueve y presenta un tema con el espíritu de los Andes.



1. Edge Of A Memory
2. Chant Of The C Shell
3. Andean Dream
4. Gamarock
5. So Near, So Far
6. Promise To The River
7. Ode To Ajanta

Paul Winter Consort - Concert in the Barn (2022)

 

El trabajo de Paul Winter, siete veces ganador del premio Grammy, se compone de una abrumadora lista de elogios y momentos cruciales. La clave entre esas distinciones es que se le atribuye la creación de la música del mundo y la música de la tierra, dos géneros distintos que han sido aprendidos por sus colaboraciones con artistas y la naturaleza por igual. Este álbum, Concert in the Barn, fue grabado el año 2021 y sigue la larga tradición de celebraciones del solsticio de Paul Winter y sus colegas en la Catedral de St. John the Divine de Nueva York. 

 

La historia de cómo el álbum y sus integrantes se unieron para esta presentación en particular es tan fascinante como el disco. Sin la participación de la mayoría de los miembros habituales de su banda durante los bloqueos del Covid, Winter buscó talento local para completar la banda. Esta es también la razón por la cual esta formación en particular carece de los elementos de percusión estándar y tiene la adición de un fagot.
Pero esto funcionó a su favor. Sin el uso de la percusión tradicional, sino basándose en el fagot, el saxo, el violonchelo, el piano y la voz en elementos alternados, el conjunto resultante crea un entorno etéreo e inquietante. El álbum actúa como una narración de jazz, comenzando con el soplo lúgubre del invierno, el conjunto de instrumentos de aire canturreando sobre el piano, que actúa como único percusionista y orador cuando las voces aún no se han unido. El lamento de las dos primeras pistas establece el escenario de nuestro cansancio con el invierno y se desvanece con las primeras líneas del canto de los pájaros, que son imitados por la instrumentación y finalmente se convierten en un esfuerzo totalmente orquestado por parte de la banda. Sin embargo, incluso cuando la música crece, nunca perdemos el contacto con el canto de los pájaros de la criatura del mismo nombre, fusionándose en un remolino alquímico de oda auditiva al mundo natural y al mundo social en evolución en el que habitamos los humanos.

 

A medida que avanza el álbum, toca temas tan variados como la jeremiada, el canto de los pájaros, el cortejo y el folclore, todo en su esfuerzo por derretir el gélido estancamiento del invierno con cálidos hilos de hilo jubiloso, viento y teclas. En el momento en que suena la interpretación francamente icónica del conjunto de "Swing Low, Sweet Chariot", hay un júbilo tan claro y una exuberancia de celebración que chispea y crepita, dando la bienvenida al acercamiento del sol y la promesa de lo que depara el futuro.

La grabación tuvo lugar durante un concierto vía streaming al amanecer en junio de 2021. Debido al cierre de la Catedral de San Juan el Divino en Nueva York por la pandemia, la agrupación trasladó su tradicional celebración del solsticio al granero de Winter. La música se interpretó en una corriente continua, comenzando en total oscuridad a las 4:30 a.m. y culminando con el primer amanecer del verano.


1. Sun Singer
2. Lamento de Aiocá
3. The Silence Of A Candle
4. The Well-Tempered Wood Thrush
5. Chora Coraçāo (Cry, My Heart)
6. Sarabande
7. Lendas Brasileiras
8. DNA
9. Air
10. How Can I Keep From Singing
11. Lavadeiras
12. Swing Low, Sweet Chariot
13. Moro Na Roça/Lapinha
14. Icarus

 

Alkistis Protopsalti - San Ifestio Pou Xipna (1997)

Nacida en Egipto de padres griegos, Alkistis Protopsalti tiene una de esas voces absolutamente maravillosas, con la que es capaz de adentrarse en los géneros más diversos con una solvencia que está al alcance de unos pocos privilegiados. Una voz que parece descender directamente de los dioses del Olimpo, como si saliera de unos tiempos legendarios, clásicos, cincelada según los más puros cánones del clasicismo a los que dieron forma, entre otros, Fidias y Mirón. El público griego le ha concedido, con total merecimiento, el estatus de diva musical, con todo lo que ello conlleva tras de sí, honor al que Alkisitis ha sabido responder con lo mejor de su talento.
 

La voz va acompañada de una gestualidad que tiene mucho de teatral, en el sentido de estar llena de matices, de contenidos que sólo por medio de la expresión corporal se puede transmitir al espectador atento, dejando el alma en cada canción, en cada estrofa. Letras detrás de las cuales se esconde en muchas ocasiones, la poetisa Lisa Nikolakopoulou, en una de esas colaboraciones de una fertilidad extraordinaria.

En Alkistis se reúnen las tradiciones del Asia Menor, lugar de origen paterno, y de la isla de Chios, de donde era originaria su madre, a lo que se unen los años pasados en la ciudad egipcia de Alejandría, de la que nuestra cantante recuerda "el olor del mar, las puestas de sol, el murmullo de las palmeras, los pescadores con sus redes, el tranvía, los dulces, los viajes en coche al Sahara". Elementos que le servirán a Alkistis para desarrollar la peculiar sensibilidad que se recoge en sus canciones.

"San Ifestio Pou Xipná" ("Como un volcán que despierta", 1997), con música de Nikos Antipas sobre letras de su amiga Lina Nikolakopoulou

01. Διθέσιο - (03:58)
02. Λάβα - (04:55)
03. Μόνο Του - (04:10)
04. Εμείς Οι Δυο - (04:15)
05. Τριανταφυλλιά Του Κόσμου - (03:08)
06. Μωρό - (03:22)
07. Καθρέφτης - (03:34)
08. Συνεργείο - (03:34)
09. Πορτοκάλι - (03:33)
10. Δόξα Να Λες - (04:26)
11. Post Love - (02:43)
12. Αιγαίο - (04:24)
13. Επίλογος - (00:58)

John Whelan - Come To Dance (A Celtic Tradition) (1999)

 

 

 

En 1999, John lanzó Come To Dance. Este álbum, un hito en su carrera, demostró a los puristas del género que el siete veces campeón de acordeón de Irlanda seguía tan virtuoso como siempre. Esta obra también revela la profunda comprensión que John tiene de un repertorio centenario. «Aquí estoy haciendo lo mío: música directa, ritmo sólido y muy pocos adornos. La idea no era lucirme, sino dejar que las melodías tradicionales se expresaran a través del baile».

Come To Dance se grabó en directo en la iglesia de San Gabriel, la ciudad natal de John, en Milford, Connecticut. No hubo retoques, ni segundas oportunidades, ni sobregrabaciones; todo se grabó en directo. A veces comprobaba las pistas bailando. Si el ritmo y la emoción están ahí, la gente disfrutará de la música. No es que no se puedan tocar estas canciones si nadie baila, sino que hay que interpretarlas correctamente para que surja el baile. Si se tocaran de otra manera, los pasos no serían los adecuados. Se puede tocar «Sweet Of May» cuando se quiera, pero tiene que interpretarse de una forma determinada para que el baile cuente su historia.

Muchas de las canciones de «Come To Dance» tienen un significado personal para John. “El Concert Reel es una melodía que toqué en mi primer campeonato de toda Irlanda, y Father O’Flynn es la primera melodía que aprendí a tocar. Cuando eres joven y te esfuerzas por aprender esta música, no llegas a apreciar plenamente las composiciones. Ahora, muchos años después, tengo una perspectiva diferente sobre lo que significan estas melodías, lo que representan para la música irlandesa. Son melodías preciosas; por eso siguen vigentes.”
https://johnwhelanmusic.com/about/

 

 

John Whelan ~ button accordion
Robin Bullock ~ guitar, cittern & mandolin
Tom Wetmore ~ bass
Jim Eagan ~ fiddle
John McGann ~ guitar & mandolin
Cillian Vallely ~ low whistle & uilleann pipes


John Whelan - Jackie Coleman's; Bag of Spuds; Bird in the Bush (Reels) (3:21)
John Whelan - The Broadstone Inn; Big Snugs; Beth Patterson's (Reels) (3:24)
John Whelan - The Turning of the Season (Aire) (2:36)
John Whelan - The Crooked Road to Dublin; Dinkey Dorian; Gan Aimn; The Copperplate (Reels) (3:04)
John Whelan - Frances O'Neill's; Jesse and Franchesca's Miracle; Stop the Car (Double Jigs) (3:24)
John Whelan - Tracks in the Snow; The Nightlight (Reels) (3:04)
John Whelan - Fernoy Lasses; The Old High Reel (Reels) (3:23)
John Whelan - Queen Esther's; What Daddy?; April's Polka (Polkas) (3:19)
John Whelan - Simone (Aire) (4:13)
John Whelan - Crossing the Shannon; Man of the House; The Five Mile Chase (Reels) (3:00)
John Whelan - Mary O'Neill's; Bank of Ireland; Ballinamore (Reels) (3:11)
John Whelan - Bob's Garden of Earthly Delights; Broderick's (Reels) (2:58)
John Whelan - Concert Reel; Flogging Reel (Reels) (3:14)
John Whelan - Dowd's Favorite; O'Gorman's Salute; My Cup of Coffee (Reels) (4:21)
John Whelan - Ten Penney Bit; Trip to Athlone; Gallagher's Frolics (Double Jigs) (3:14)
John Whelan - Newtown Bridge; The Kerryman (Reels) (3:00)
John Whelan - Father O'Flynn; Father Tom's Wager; Lilting Fisherman (Double Jigs) (3:13)
John Whelan - Spellan the Fiddler; Gan Aimn; Deacon Harry Doyle (Hornpipes) (4:09)

Various Artists - Guitar Fingerstyle (A Narada Collection) (1996)

  

Hace casi treinta años, Narada Records lanzó una colección de piezas para guitarra solista llamada "Guitar Fingerstyle". Presenta a algunos de los guitarristas más talentosos del mundo, cuya original fusión de folk, blues, jazz, pop y música clásica le dio un nuevo significado a la palabra "unplugged". El álbum fue tan popular que Narada  lanzó una segunda colección con otra impresionante selección de grandes guitarristas acústicos.

Los guitarristas de fingerstyle, como Don Ross, siguen los pasos de pioneros de la guitarra moderna como Chet Atkins, Leo Kottke y John Fahey. Sus raíces son profundas, remontándose al blues, el ragtime, el country y el gospel que surgieron de las orillas del río Misisipi y los patios traseros de los Montes Apalaches. La guitarra fingerstyle incluso tiene sus raíces en la música celta.

Entonces, ¿qué es la guitarra fingerstyle? Según John Schroeter, editor de la revista Fingerstyle Guitar, se trata de "una técnica que utiliza los dedos de la mano derecha para pulsar las cuerdas individualmente, en lugar de usar una púa plana para rasguearlas o tocarlas. La melodía", dice Schroeter, "combinada con líneas de bajo que se mueven de forma independiente crea un sonido completo, casi orquestal".

Me encanta este album. Tanto este como el segundo volumen son maravillosos para añadir a cualquier colección. Una gran mezcla de diferentes estados de ánimo. El primer volumen es un poco más suave, pero ambos son geniales de escuchar, y la habilidad y el talento de las canciones son increíbles. Es realmente difícil encontrar una recopilación como esta.

 

Tracklist:
01 - Tim Farrell - Little Martha ...02:59
02 - Edward Gerhard - Crow ...03:47
03 - Billy Mclaughlin - South By Winterwest ...02:58
04 - Pat Kirtley - Daisy Goes A Dancing ...02:28
05 - Don Ross - That'll Be The Phone ...03:40
06 - Benjamin Woolman - Soul Discovery ...03:37
07 - Laurence Juber - Lunar Eclipse ...05:07
08 - Muriel Anderson - To B Or Not To B ...03:30
09 - Stephen Bennett - Perestroika ...03:04
10 - D. R. Auten - If Only I Had Wings ...04:28
11 - Don Ross - The First Ride ...03:36
12 - Muriel Anderson - It Never Gets Easier ...02:45
13 - Billy Mclaughlin - Helms Place ...05:08
14 - Tommy Jones - Only My Heart ...03:37
15 - D. R. Auten - Angela ...03:47
16 - Pat Kirtley - Grandpa's Lullaby ...02:42

Paul Winter and Friends - Celtic Solstice (1999)

 

Con la ayuda de algunos de los mejores músicos irlandeses, Paul Winter presentaba Celtic Solstice, su carta de amor sonora a la tradición musical celta. Entre el saxo soprano con tintes new age de Winters, la voz suave de Karan Casey y la nítida calidad de la producción, se percibe un fuerte toque de la música irlandesa, etérea y tenue, propia de Clannad. La violinista Eileen Ivers y el gaitero Davy Spillane suenan más atmosféricos de lo habitual, menos incisivos. También se incorporan toques de músicas del mundo y jazz, para desdibujar aún más la frontera entre lo que es y lo que no es "celta". Si tu gusto se inclina por lo tradicional en la música irlandesa, puede que te distraiga la preponderancia de influencias externas, pero si te gusta la conglomeración de estilos de Winter, Celtic Solstice seguramente te conquistará.


- Soprano sax, Paul Winter
- Renowned Uilleann piper Davy Spillane, of the original 'Riverdance' cast
- Fiddler Eileen Ivers, an original and current 'Riverdance' soloist
- Vocalist Karan Casey, from the band 'Solas'
- Whistle-player and flutist Joanie Madden, founder of the group 'Cherish the Ladies'
- Piper Jerry O'Sullivan
- Paul Winter Consort members Paul Halley on pipe organ and piano, along with percussionist Jamey Haddad
- Zan McLeod on guitar
- Carol Thompson on Celtic harp and Welsh triple harp
- Austin McGrath on bodhran
- South African bassist Bakithi Kumalo, featured with Paul Simon for many years since playing on Simon's Graceland album

 

01. Triumph (7:06)
02. Golden Apples of the Sun (6:23)
03. Hollow Hills (1:55)
04. O'Farrell's Welcome to Limerick (4:37)
05. Dawnwalker (6:43)
06. My Fair and Faithful Love/Blarney Pilgrim (5:26)
07. Sweet Comeraghs (3:57)
08. After the Fleadh/Running Through the Woods with Keetu (6:46)
09. The Minstrel's Adieu (2:10)
10. Farewell to Govan (3:00)
11. Golden Apples of the Sun (Reprise) (7:05)
12. Dawnwalker (Reprise) (2:32)

Nightingale - Three (2004)

 

Nightingale se formó en 1993 por Jeremiah McLane (acordeón, piano), Keith Murphy (voz, guitarra, mandolina, piano, percusión de pie) y Becky Tracy (violín). El ruiseñor es una figura poética que aparece en canciones tradicionales de muchos lugares, incluyendo partes del norte de Europa, Canadá y Estados Unidos. Por lo tanto, el ruiseñor era un símbolo apropiado para una banda comprometida con inspirarse en un amplio territorio musical que abarca Irlanda, Francia, Escandinavia, Terranova y Quebec.

McLane, Murphy y Tracy eran músicos consolidados de la escena tradicional de contradanza de Nueva Inglaterra cuando se conocieron, y Nightingale se convirtió rápidamente en una banda de baile muy solicitada en Nueva Inglaterra. Sin embargo, desde sus inicios, Nightingale exploró la música más allá de los límites de la contradanza neoinglesa y nunca pudo ser catalogada como una simple banda de baile. Las canciones de Quebec y Terranova eran un elemento básico de su repertorio y en sus conciertos expandían el formato de la música de baile tradicional. Aun así, su experiencia como músicos de baile generó una obsesión por la integridad rítmica y el pulso sostenido que es la esencia de la música de baile. El oyente siempre percibía la fuerza subyacente de gran parte de la música de Nightingale.

La primera grabación de la banda, The Coming Dawn, se realizó en 1994, apenas un año después de su formación. Fue producida por Pete Sutherland y capturó la energía fresca y cruda de la banda, además de consolidar la sofisticación de Nightingale como intérpretes y arreglistas de una mezcla ecléctica de música tradicional.

Menos de dos años después, la banda se embarcó en un proyecto discográfico más ambicioso: Sometimes When the Moon is High, producido por Grey Larsen. El álbum se grabó en Joliette, Quebec, en el estudio (recién terminado) del pianista de La Bottine Souriante, Denis Frechette. Con una mayor complejidad musical y arreglos más precisos, este álbum les valió el reconocimiento de un público más amplio.


 

Pero finalmente, tras seis años de giras intensivas, la banda necesitaba un descanso, rejuvenecerse y considerar la siguiente etapa. En 1999, la banda comenzó un periodo sabático de nueve meses durante el cual los tres integrantes exploraron otros proyectos musicales. En el año 2000, Nightingale se reunió y comenzó a reelaborar su repertorio, recurriendo más extensamente a composiciones originales de sus compañeros Jeremiah McLane y Keith Murphy. Estas composiciones sintetizan frecuentemente elementos del repertorio tradicional de la banda con sutiles referencias a la música contemporánea. Con este nuevo repertorio, el sonido y la energía del grupo también evolucionaron, demostrando una vez más la capacidad creativa de la banda.

Este trabajo culminó con la tercera grabación de Nightingale, Three, publicada en junio de 2004. El CD fue producido por Denis Frechette de La Bottine Souriante y grabado en Brattleboro, Vermont. Reflejaba el pasado de Nightingale a la vez que innovaba.

Por esa época, Nightingale actuó en la radio CBC de Canadá y fue seleccionado para la serie "Conoce al Compositor" en Saranac, Nueva York. La banda continuó presentándose en festivales, centros de artes escénicas, clubes folclóricos y grandes eventos de danza en todo el mundo.

https://blackislemusic.com/nightingale-1993-2011

Becky Tracy - fiddle
Jeremiah McLane - piano accordion and piano.
Keith Murphy - lead vocals, guitar, mandolin, foot percussion and piano. (Peregrination and Out of Jewett) 

1. Hills / Mulqueen's (04:09)
2. Peregrination (03:03)
3. Eric & the Angels / Jenny's Welcome to Charlie / Mariposa (04:59)
4. Rond a Emile Leffondre / Mardi Gras Song / Breton Plinn (04:55)
5. Out of Jewett / Raoulf's (06:21)
6. Battle of Naskeag / Hurry Over / the Flying Tent (05:18)
7. Regain / Psalm of Life / Plant un Chou (06:52)
8. The Green Bushes (03:36)
9. Slang Polska / Alain Pennec's / Breton Hanter Dro (05:05)
10. La Belle Rose (03:38)
11. Mazurka / Le Gradlon (04:30)
12. The Waiting Game / Raze (06:07)

PuckFair - Forgotten Carnival (2008)

 

Puck Fair se fundó originalmente en Nueva York en 1984 y en 2008 comenzó una nueva vida en Dublín. Más de veinte años después de su debut, y único, álbum, vuelven con Forgotten Carnival. Además de Brian Dunning en la flauta, la banda cuenta con Sean Whelan en la guitarra, el laúd y el bajo y Robbie Harris se encarga de la parte de percusión. En algunas pistas han invitado a músicos al violín, la voz, las cuerdas y el bajo. Su música es una especie de música celta jazzera y el CD contiene todas, excepto una, composiciones nuevas. La primera vez que escuché el CD me recordó a la banda holandesa Flairck y especialmente al flautista Peter Weekers, que tiene el mismo estilo de tocar. Forgotten Carnival tiene una atmósfera agradable y relajada con un jazz-folk acústico relajado. Muy bonita la cancion tradicional catalana Rossinyol. Mi tema favorito es Dunedance con un bonito toque árabe tanto en el trabajo de cuerdas como en la percusión y las voces. Creo que este es un CD que gustará más a aquellos que aman el sonido de la flauta, ya que ocupa un lugar muy destacado en la música de Puckfair.

 

Back with their first album in 21 years, Brian Dunning’s Puck Fair featuring Sean Whelan and Robbie Harris make a comeback with “Forgotten Carnival.” The band is acoustic and the music is inspired equally by the driving rhythms of Celtic music with the freedom and spontaneity of jazz. Founded in New York in 1984 and reformed in Dublin, Puck Fair mainly plays original music by Brian Dunning as well as music by such artists as Van Morrison and John Coltrane. Dunning has a breathtaking command of the flute, coupled with a most personal approach to jazz improvisation and traditional music. He returns here to the repertoire of one of his most successful projects, bringing him together with the versatile guitar of Sean Whelan, the infectious grooves of percussionist Robbie Harris,

Brian Dunning: Flute, whistles, panpipes, bodhrán
Sean Whelan: Guitars, oud, shamisen
Robbie Harris: Percussion, bodhrán
John Fitzpatrick: Violin  
Lídia Pujol: Vocals 
 

1        Fog On Window 3:02
2        Slightly Drowsy - Blue Maggie 4:25
3        Dadglad 3:10
4        Whistlin Tipsy 3:19
5        Rossinyol (Tradicional Catalan) 4:17
6        End Of Autumn 4:01
7        Gingerly 2:41
8        On Yer Bike 3:14
9        Flight Of Fancy 4:24
10        Hiya Jose 4:38
11        Dunedance 4:16
12        As I Roved Not 1:02
13        Slightly Drowsy (Reprise) 2:22

Tony Allen - Secret Agent (2009)

 

No hay duda de que Tony Allen es un genio, uno de los más grandes percusionistas de la historia de la música popular. Su larga carrera ha incluido un período de 15 años trabajando junto a Fela Kuti, quien una vez dijo que "sonaba como cuatro bateristas", y reconoció con razón que Allen jugó un papel clave en el desarrollo de Afrobeat. Más recientemente, se ha tomado un descanso de su carrera en solitario para tocar junto a Damon Albarn en Good the Bad and the Queen, pero ahora, con la popularidad de Afrobeat aún en aumento, Allen está de regreso con un nuevo álbum en solitario.

Hay algunas buenas canciones aquí, todas escritas por Allen, y él es el acompañante perfecto, nunca se permite solos llamativos (o cualquier solos en absoluto, para el caso). Todo lo que le falta es un buen cantante nuevo. Hace uso de una variedad de vocalistas nigerianos, desde el excelente Ayo hasta el conmovedor King Odudu, y muestra su propio canto encantador y relajado en las pistas de apertura y cierre. Pero un baterista tan bueno realmente merece un compañero de entrenamiento tan especial como Fela Kuti. 

 

Legendary drummer Tony Allen oozes Afrobeat he was a mainstay of Fela Kuti’s Africa ’70 and here he returns to his Afrobeat roots after his more recent involvement with "The Good, The Bad & The Queen".  Produced by Tony Allen and using his tight funky band this is driving afrobeat with vocals from Nigerian singers Ayo, King Odudo, Switch, Kefee Obareki, Wura Samba and Allen himself on the title track and ‘Elewon Po’.
 
Secret Agent     5:21
Ijo     5:13
Switch     4:49
Celebrate     7:54
Ayenlo     4:57
Busybody     4:34
Pariwo     5:53
Nina Lowo     5:44
Atuwaba     0:50
Alutere     3:44
Elewon Po     5:41

Catrin Finch & Seckou Keita - SOAR (2018)

 

La arpista galésa Catrin Finch y el senegales maestro de la kora Seckou Keita se conocieron por casualidad en 2012, cuando Keita fue convocado para sustituir a Toumani Diabaté en los ensayos de una gira con Finch. Un golpe militar en Mali había impedido a Diabaté abandonar el país a tiempo, así que Keita intervino para ayudar a preparar el repertorio con Finch, ella viene de la música clásica y nunca antes había visto o escuchado una kora. Por su parte, Keita, es un maestro de la kora y griot de ascendencia real, no leía música. Asi nació una maravillosa asociación musical.

En SOAR, Keita y Finch continúan explorando y celebrando las diferencias y similitudes entre sus instrumentos y culturas. Sus dúos musicales son intrincados y etéreos, llenos de un sonido de filigrana. Sus composiciones y arreglos originales combinan a la perfección elementos africanos y occidentales.

Catrin Finch - harp
Seckou Keita - kora, vocal

 

01. Clarach 06:05
02. Teranga-Bah 06:00
03. Yama Ba 05:36
04. Bach to Baisso 05:50
05. 1677 06:03
06. Listen to the Grass Grow 04:26
07. Hinna-Djulo 05:56
08. Cofiwch Dryweryn 04:53

Rubaja and Hernandez - High Plateaux (1987)

Un argentino y un mexicano que se unen para ofrecer su música en los Estados Unidos no pueden menos que plasmar en ella parte de sus raíces y actuar como emisarios y renovadores del rico folclore que portan en la sangre. Las corrientes más populares de la música en norteamérica ya habían sido aderezadas con elementos lejanos, no sólo hispanos (Carlos Santana) sino también orientales (los Beatles, al emplear el sitar en sus discos, abrieron el camino a Ravi Shankar), africanos (con Miriam Makeba como abanderada), jamaicanos (el reggae, encabezado en popularidad por Bob Marley), y por supuesto europeos, esencialmente celtas que, como la esencia africana, llevaban tiempo instalados en los Estados Unidos. La música instrumental avanzada de los grandes sellos norteamericanos también estaba dando grandes pasos hacia la fusión y la multiculturalidad, así que Windham Hill apostó por estos dos teclistas hispanoparlantes de nombre Bernardo Rubaja y César Hernández, que publicaron en 1987 un único disco juntos, "High plateaux", desapareciendo desde entonces el mexicano y manteniéndose durante unos años más Bernardo Rubaja en el panorama musical norteamericano gracias a otra mítica compañía, Narada.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2008/03/rubaja-hernndez-high-plateaux-un.html
(Hay que reconocer que Pepe hace un buen trabajo...Gracias!!)

 

Charango, Guitar – Gustavo Santaolalla
Keyboards – Bernardo Rubaja, Cesar Hernandez
Drums, Percussion – Alex Acuña
Harp – Stephanie Bennett
Producer, Trumpet, Flugelhorn, Soprano Saxophone – Mark Isham


1. Puerta Del Sol (Gate Of The Sun) 5:05
2. Forest 6:18
3. Reflective Colors 3:50
4. Indian Woman 5:25
5. Mar (The Sea) 5:25
6. Oro Blanco (White Gold) 6:32
7. Icebird 4:10
8. Dias Felices (Happy Days) 5:47
9. Pampa 5:36
10. Child's Dream 3:50

Kroke - Eden (1997)

 

“Eden” es el segundo trabajo publicado en 1997 por el grupo polaco Kroke en el sello Oriente Musik.

Kroke se inspira en la música klezmer tradicional como base de sus propios arreglos e improvisaciones, integrando también influencias contemporáneas. Haciendo uso de su profundo conocimiento de la música clásica, jazz, New age y música gitana crean un sonido inusual: único, definitivamente del "este" y maravillosamente exótico.

Kroke es la palabra yiddish con que se conoce a la ciudad polaca de Cracovia. De ahí procede este grupo creado en 1992 por tres amigos, graduados de la Academia de Música de Cracovia.

La música que interpreta Kroke parte sobre todo del sonido klezmer, vocablo que se compone de dos palabras hebreas: kley (instrumento) y zemer (cantar, interpretar música). Pero, sobre todo, klezmer es la música tradicional instrumental que interpretan los judíos de los países del Este que utilizan como lengua el yiddish. Ninguna boda o celebración puede entenderse sin la música klezmer, que atravesó los patios de los pueblos, las casas del campo y los palacios de los nobles judíos, para interpretarse en cualquier otro lugar. Durante mucho tiempo, la música klezmer se ha ido enriqueciendo con otros sonidos y ritmos, hasta convertirse en un legado sonoro de una gran riqueza. El klezmer describe las alegrías y las tristezas de la vida judía, algo que también hace el grupo Kroke, respetando la tradición y llevándola siempre un paso más allá.

 

COMPONENTES:
Tomasz Kukurba: violin, viola, vocals, percussion.
Jerzy Bawol: accordion.
Tomasz Lato: double bass.

Colaboraciones de:
Marian Lato: clarinet on "Russian Sher" and "Eden".
Dariusz Grela: piano on "Jazz Tashlik".
Dariusz Kempny: clicking on "Jazz Tashlik.

CANCIONES:
01 - The Night in the Garden of Eden
02 - Russian Sher
03 - Reb Dovidls Nign
04 - Sher
05 - The Secret of the Life Tree
06 - Fun Tashlikh
07 - Jazz Tashlikh
08 - Der Ziser Bulgar / Moldavian Medley
09 - Dafino Vino
10 - Eden

Afro Celt Sound System - Vol. 1 Sound Magic (1996)

 

 

Afro Celt Sound System, son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados, programación e ingeniero de sonido), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson lo había formado como banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, dónde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus cinco álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003) y Anatomic (2005). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos trabajan con ordenadores y cuidan el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music.

 

Afro Celt Sound System is a musical group who fuse electronic music with traditional Gaelic and West African music. Afro Celt Sound System was formed in 1995 by producer-guitarist Simon Emmerson, and feature a wide range of guest artists. In 2003 they temporarily changed their name to Afrocelts before reverting to their original name.
Volume 1: Sound Magic is the first album by Afro Celt Sound System.

 

Personal
    Ronan Browne – flute, mandolin, harmonium, uilleann pipes
    Jo Bruce – keyboards, programming
    Kauwding Cissokho – kora
    Massamba Diop – talking drum
    Simon Emmerson – guitar, programming
    James McNally – accordion, bodhran
    Iarla Ó Lionáird – vocals
    Ayub Ogada – vocals
    Martin Russell – keyboards, programming
    Davy Spillane – uilleann pipes

Adicional personal
    Malcolm Crosbie – guitar
    Simon Edwards – sintir
    Gary Finlayson – banjo
    John Fortis – bass, loops
    Angus R. Grant – fiddle
    Manu Katché – cymbals
    Caroline Lavelle – cello
    James MacKintosh – bongos
    Ian MacLeod – mandolin
    Levon Minassian – doudouk
    Myrdhin – harp
    Zil – vocal drone

1a Saor/Free
1b News From Nowhere
2 Whirl-Y-Reel 1 (Beard And Sandals Mix)
3 Inion/Daughter
4a Sure-As-Knot
4b Sure-As-Not (Jungle Segue)
5 Nil Cead Againn Dul Abhaile/We Cannot Go Home
6 Dark Moon, High Tide (Including Farewell To Eireann)
7 Whirl-Y-Reel 2 (Folk Police Mix)
8 House Of The Ancestors
9a Eistigh Liomsa Sealad/Listen To Me
9b Saor Reprise

Beautiful World - In Existence (1994)

Philip Sawyer (nacido el 8 de marzo de 1947 en Londres) es un músico inglés que fue miembro del Grupo Spencer Davis en la década de 1960 y luego grabó bajo el alias Beautiful World.

Sawyer comenzó su carrera musical como guitarrista principal y vocalista en varias bandas (Les Fleur de Lys, The Cheynes, con Mick Fleetwood, de 15 años, en la batería, y Shotgun Express, que también incluía a Fleetwood junto con un Rod Stewart anterior a la fama). . A la edad de 18 años, fue uno de los dos sustitutos de Steve y Muff Winwood en el Grupo Spencer Davis, siendo el otro otro prodigio de 18 años, Eddie Hardin. y apareció en su álbum With Their New Face On, que incluyó dos éxitos menores en Time Seller y Mr Second Class y Don't Want You No More (más tarde versionado por Allman Brothers). Sawyer dejó el grupo después de un año y fue reemplazado por Ray Fenwick.

Después de trabajar como compositor y productor discográfico para varios artistas (Florie Palmer, Sandie Shaw), comenzó a escribir música para anuncios de radio y televisión, películas corporativas, documentales y largometrajes.

Tras el éxito de dos canciones que Sawyer escribió para los anuncios de Timotei en 1992, en 1993 trabajó bajo el nombre artístico 'Beautiful World': los álbumes In Existence y Forever se vendieron internacionalmente. Los álbumes de Beautiful World fueron considerados música New Age y contaron con vocalistas como Cori Josias, Ella Harper, Russian Roulette (también conocida como Rush Winters), Beryl Marsden, ex colega de Shotgun Express de Sawyer, y Miriam Stockley, entre otros.

En ...In Existence, Sawyer combina letras en inglés y francés, así como los cantos tradicionales de los indios hopi y del swahili de África Oriental, subrayando estos elementos con música pop melódica y meditativa. Más una experiencia global y multiétnica que un lanzamiento contemporáneo para adultos fácilmente categorizable, se experimenta mejor en su totalidad, como un viaje a algún tipo de centro espiritual. Algunas de las piezas más atmosféricas reducen ligeramente el ritmo, pero la suave vibra disco de "Revolution of the Heart" redime con creces los momentos en los que la maravilla sonora domina las consideraciones melódicas.

 

 01. In The Beginning
02. In Existence
Voice - Ashley Maher
03. Evolution
04. Magicien Du Bonheur
Voice - Brigitte Sawyer
05. I Know
06. The Silk Road
07. Love Song
08. Journey Of The Ancestors
09. Revolution Of The Heart
Vocals - Ricci Price
10. The Coming Of Age
11. Spoken Word
Vocals – Ian Whitmore, Miriam Stockley
12. Wonderful World
13. The Final Emotion