El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que significa "la familia de Dore"; el grupo fue fundado por la familia Brennan en 1970. Máire, Ciarán y Pól Brennan (la versión inglesa de su nombre familiar gaélico) se unieron a sus tíos Noel y Pádraig Duggan y empezaron a tocar en la taberna de su padre Leo. La hermana de Máire, Eithne, se unió a la banda en 1979 y la abandonó tres años más tarde para seguir una exitosa carrera en solitario conocida como Enya. Máire también ha llevado en paralelo su propia carrera en solitario, iniciada con un álbum en 1992 titulado "Máire".
Anam (que significa "alma" en irlandés) es el undécimo álbum de estudio del grupo de folk celta irlandés Clannad, lanzado originalmente el 8 de octubre de 1990. Este disco consolidó el sonido místico característico de la banda al fusionar de manera impecable la música tradicional irlandesa con el pop contemporáneo, el new age y estructuras de rock progresivo.
- Brídín Brennan / harmony vocals - Anton Drennan / electric guitar, dobro - Ian Parker / keyboards - Paul Ridout / programming - Mel Collins / saxophones - Vinnie Kilduff / bansuri - Paul Moran / drums, percussion - Bono / vocal duet (bonus #2)
01. Rí Na Cruinne (4:05) 02. Anam (4:05) 03. In Fortune's Hand (3:57) 04. Poison Glen (3:55) 05. Wilderness (instrumental) (2:08) 06. Why Worry? (4:30) 07. Úirchill An Chreagáin (4:25) 08. Love and Affection (4:59) 09. You're the One (3:57) 10. Dobhar (instrumental) (2:39)
El I Ching, Yijing o I King (en chino tradicional: 易經; en chino simplificado: 易经; en pinyin: yì jīng) es un libro oracular chino cuyos primeros textos se suponen escritos hacia el 1200 a. C. Es uno de los Cinco Clásicos confucianos.
El término i ching significa ‘libro de las mutaciones’. El texto fue aumentado durante la dinastía Zhou y posteriormente por comentaristas de la escuela de Confucio, pero su contenido original es de procedencia taoísta y no confucianista. Se cree que describe o interpreta la situación presente de quien lo consulta y aconseja el modo en que se puede resolver el futuro si se adopta ante él la posición correcta. Es un libro oracular, sapiencial y moral, a la vez que por su estructura y simbología es un libro filosófico y cosmogónico.
Frank Steiner, Jr. nació en Friburgo, Alemania, en 1966, donde creció estudiando piano clásico, trompeta y teoría musical. Tras experimentar con numerosos proyectos musicales y tocar con una gran variedad de grupos, Steiner fundó su propio grupo de jazz-rock, pero actualmente se centra principalmente en la composición.
En 1990, Steiner conoció a Ulrich Gitschier, productor y propietario de un estudio en el sur de Alemania, con quien entabló amistad y colaboración. De Gitschier aprendió sobre los orígenes de las religiones, las raíces culturales y la música del Lejano Oriente. Steiner quedó fascinado con sus nuevos conocimientos, especialmente con la música india y china, y comenzó a componer obras con estas influencias étnicas.
La profunda comprensión que Steiner logró asimilar del texto milenario del I Ching se evidencia en la Sinfonía del I Ching. Durante la grabación de esta obra, Steiner trabajó con músicos que tocaban instrumentos acústicos y electrónicos, dotando a la pieza de un aire tradicional y contemporáneo, en armonía con la naturaleza contemplativa del antiguo oráculo.
Incluso la idea básica de componer su música para el famoso Libro de los Cambios es tan ingeniosa como obvia; es asombroso que se haya materializado recién ahora. Aún más sorprendente es que el compositor y multiinstrumentista Frank Steiner Jr. no se limitó a crear una música curativa, confiando en la efectividad del título, sino que se involucró en la complejidad del tema en términos de contenido musical y presentar de manera convincente todos los aspectos en una obra sinfónica unificada, eso ya es una obra maestra más allá de su versátil aplicabilidad práctica, la música también es un placer para el oído, permite descubrir cosas nuevas una y otra vez y establece nuevos estándares con su valor artístico.
La Sinfonía del I Ching da vida a las imágenes del oráculo milenario del I Ching o Libro de los Cambios. Estas ocho piezas, sensibles y a veces dinámicas, que corresponden a los ocho pilares del I Ching, ofrecen un viaje mágico e inspirador a través de la naturaleza, dejando al oyente renovado y, de alguna manera, más sabio.
T with the Maggies son Tríona & Maighread Ní Dhomhnaill, Mairéad Ní Mhaonaigh & Moya Brennan
En mayo de 2007, una notable reunión de músicos y cantantes tradicionales irlandeses se reunió en Vicar Street en Dublín para celebrar la vida y la música de Mícheál Ó Domhnaill, quien, con Skara Brae y The Bothy Band, había sido una fuerza pionera en la música irlandesa.
Entre los muchos artistas y grupos que se reunieron esa noche se encontraba una actuación evocadora de cuatro de las mejores cantantes de Irlanda. A Tríona y Maighread Ní Dhomhnaill (las dos hermanas de Míchaél, organizadoras de conciertos y co-miembros de Skara Brae y The Bothy Band) se unieron Mairéad Ní Mhaonaigh de Altan y Moya Brennan de Clannad. Así nació una de las colaboraciones más inspiradoras y conmovedoras de la música tradicional irlandesa.
Tríona, Maighread, Mairéad y Moya, T with the Maggies, provienen de la misma región del condado de Donegal (con el gaélico como lengua materna) y cuentan con una brillante trayectoria profesional. Cada una aporta una interpretación única y diversa de su herencia musical, dando como resultado una de las mejores fusiones de voces femeninas irlandesas. ¡Son auténticas mujeres celtas!
Su primer concierto en enero de 2009, en el Temple Bar Tradfest de Dublín, agotó las entradas de inmediato, y posteriormente actuaron en la Cumbre Económica Global Irlandesa del año pasado. Sam Shepard les encargó una nueva grabación de su tema favorito, «Two Sisters», para su obra de teatro «Ages of the Moon».
Sobre el escenario, las Maggies irradiaban una mezcla de voz instintiva, armonía y un gran sentido del humor. Cada una aporta su selección de canciones, pero las integran al grupo con una sonoridad única de voz, piano, violín y arpa. Se nota que son grandes amigas.
«T with the Maggies» es el primer álbum del grupo, que reúne más de cuatro décadas de experiencia musical. Con arreglos sutiles, el álbum pone de relieve cuatro voces que han dado forma a la música tradicional, folk y celta irlandesa actual.
01. Wedding Dress 02. Domhnach na Fola 03. Thugamar Fhéin an Samhradh Linn 04. Bíodh Orm Anocht 05. Mother's Song 06. Ógánaigh Uasail 07. Cuach mo Londubh Buí 08. Ceol an Phíobaire 09. 'Stór, A Stór, A Ghrá 10. Farewell, Farewell 11. An Mhaighdeán Mhara
René Aubry nos cuenta en Facebook... Rara vez empiezo con un concepto o proyecto específico cuando compongo para un nuevo álbum. La música surge o no surge, sin que yo sepa realmente por qué. La dejo surgir, desarrollarse, sin intentar limitarla. Simplemente la sigo. A menos que sea al revés. Al final, elijo algunas, las que más resuenan, las que parecen querer coexistir. Este nuevo álbum nació sin ninguna intención en particular, pero con la libertad que me impulsa a crear. Una serie de piezas que, sin querer, quizá cuentan algo. O nada. Acaban contando una historia, o más bien sugiriendo mil más, según el oído y la imaginación de cada uno. Así que os dejo descubrir esta música tal como me llegó: de forma sencilla y espontánea. Esta dedicado a mi nieto Ulises.
(02:39) 01. Cannaregio (feat. VENTY) (02:56) 02. Ti Voglio Bene (03:13) 03. Dawn by Low (03:30) 04. Ulysse dans la vallee (01:59) 05. Angry Birds (02:04) 06. Give Me a Chance for Another Dance (02:28) 07. Jour apres jour (04:08) 08. The Cloud (04:07) 09. Joyeux qui comme Ulysse (02:35) 10. Rebetiko a Chicago (02:29) 11. Magic Light
Formado en 2011 en Rosemount, Condado de Westmeath, Irlanda, The Gloaming era un supergrupo compuesto por el seis veces campeón de violín de toda Irlanda Martin Hayes, el guitarrista de folk-rock Dennis Cahill, el violinista de Hardanger Caoimhín Ó Raghallaigh, el productor y pianista Thomas Bartlett (alias Doveman) y el cantante Iarla Ó Lionáird, quizás mejor conocido por su trabajo con los íconos mundiales del beat, Afro-Celt Sound System. Fusionando formas de música tradicional irlandesa con rock e influencias clásicas contemporáneas, con Ó Lionáird cantando en irlandés en todo momento, el grupo obtuvo una entusiasta aclamación de la crítica y varios premios por su álbum debut homónimo de 2013, lanzado en Real World Records de Peter Gabriel. Producido por Bartlett, más conocido por su trabajo con bandas de indie rock como The National, el álbum tomó como punto de partida la música tradicional irlandesa, pero la amplió con simpatía con estilos vocales pop/rock y arreglos de piano increíblemente hermosos en una vena posclásica. Ganó el premio Meteor Choice 2014 al Álbum irlandés del año, superando a artistas como U2, Sinéad O'Connor y Damien Rice. El grupo realizó giras por todo el mundo, tocando en importantes festivales como Womad y agotando las entradas del centro de artes Barbican de Londres.
Iarla Ó Lionaird, Thomas Bartlett, Caoimhín Ó Raghallaigh, Martin Hayes & Dennis Cahill.
Estos cinco músicos virtuosos se reunieron por primera vez para explorar nueva música en el West Grouse Lodge Studios en West Meath, Irlanda, a principios de 2011. Cada uno veía a la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente en la rica herencia musical y tradiciones La música que empezaron a crear era escasa y preciosa, auténtica y llena de melodía, la música que llegó a ser descrito por The Irish Times como de un matiz totalmente diferente. ni tradicional ni deliberadamente contemporánea.
1. Song 44 2. Allistrum’s March 3. An Muince Dreoilíní (The Necklace of Wrens) 4. The Girl Who Broke My Heart 5. Saoirse (Freedom) 6. The Sailor’s Bonnet 7. The Old Bush 8. Opening Set: An Chúil Daigh Ré / Elizabeth Kelly's Delight / Billy O'Rourke Is the Boy / The Millstream / Rolling in the Barrel / The Tap Room / Tom Doherty's Reel 9. Hunting the Squirrel 10. Samhradh Samhradh
The Gloaming - 2 (2016)
Fiddle – Martin Hayes Guitar – Dennis Cahill Hardingfele [Hardanger d’Amore] – Caoimhín Ó Raghallaigh Piano – Thomas Bartlett Vocals – Iarla Ó Lionáird
1 The Pilgrim's Song 6:54 2 Fáinleog (Wanderer) 7:16 3 The Hare 3:05 4 Oisin's Song 6:14 5 The Booley House 5:02 6 Repeal The Union 3:08 7 Casadh An tSúgáin 5:17 8 The Rolling Wave 7:17 9 Cucanandy 6:01 10 Mrs Dwyer 6:41 11 Slán Le Máighe 8:45 12 The Old Favourite 4:10
The Gloaming - The Gloaming 3 (2019)
El mundialmente famoso supergrupo irlandés estadounidense The Gloaming regreso con su tercer álbum de estudio. Producido por Thomas Bartlett (Sufjan Stevens, St. Vincent), el álbum fue grabado en la ciudad de Nueva York en Reservoir Studios. Al igual que sus predecesores, reinventa ricamente la lengua vernácula de la música tradicional irlandesa a través de un prisma moderno a través de elementos de post-rock, jazz, música clásica contemporánea, cámara y minimalismo.
Fiddle – Martin Hayes Guitar – Dennis Cahill Piano – Thomas Bartlett Hardingfele [Hardanger d'Amore] – Caoimhín Ó Raghallaigh Voice – Iarla Ó Lionáird
01 – The Weight of Things 02 – The Lobster 03 – Athas 04 – The Pink House 05 – Reo 06 – The Old Road to Garry 07 – Sheehan’s Jigs 08 – My Lady who has Found the Tomb Unattended 09 – Doctor O’Neill 10 – The Song of the Glens
Ancient Future fue fundada en 1978 por el guitarrista Matthew Montfort. Sus melodías cautivadoras, instrumentos exóticos y texturas étnicas han contribuido a popularizar la fusión de músicas del mundo.
A lo largo de los años, Ancient Future ha expandido su visión musical a través de colaboraciones con músicos maestros de más de dos docenas de países, culturas y tradiciones musicales que ahora son una parte integral de lo que es más que una banda. Ancient Future ha crecido hasta convertirse en un gran conjunto de música multinacional con muchos conjuntos más pequeños dentro de él, lo que permite a Ancient Future realizar su misión principal de crear música fusión mundial. A través del intercambio intercultural, Ancient Future se ha convertido en una aldea global de músicos ... de África, India, Asia, América y Medio Oriente. Las melodías incluidas son diversas, pero igualmente cautivadoras, evocando todo lo que es más atractivo de la música de un pueblo global
Dreamchaser establece a Ancient Future como un grupo musical de clase mundial. Se escucha una deslumbrante variedad de instrumentos, desde sitares y guitarras hasta violines (acústicos y eléctricos) y teclados, e instrumentos de percusión, desde tambores parlantes africanos hasta dumbek, gamelan, platillos y kalimba. Este es un álbum emocionante que realmente conmueve y presenta un tema con el espíritu de los Andes.
1. Edge Of A Memory 2. Chant Of The C Shell 3. Andean Dream 4. Gamarock 5. So Near, So Far 6. Promise To The River 7. Ode To Ajanta
El trabajo de Paul Winter, siete veces ganador del premio Grammy, se compone de una abrumadora lista de elogios y momentos cruciales. La clave entre esas distinciones es que se le atribuye la creación de la música del mundo y la música de la tierra, dos géneros distintos que han sido aprendidos por sus colaboraciones con artistas y la naturaleza por igual. Este álbum, Concert in the Barn, fue grabado el año 2021 y sigue la larga tradición de celebraciones del solsticio de Paul Winter y sus colegas en la Catedral de St. John the Divine de Nueva York.
La historia de cómo el álbum y sus integrantes se unieron para esta presentación en particular es tan fascinante como el disco. Sin la participación de la mayoría de los miembros habituales de su banda durante los bloqueos del Covid, Winter buscó talento local para completar la banda. Esta es también la razón por la cual esta formación en particular carece de los elementos de percusión estándar y tiene la adición de un fagot. Pero esto funcionó a su favor. Sin el uso de la percusión tradicional, sino basándose en el fagot, el saxo, el violonchelo, el piano y la voz en elementos alternados, el conjunto resultante crea un entorno etéreo e inquietante. El álbum actúa como una narración de jazz, comenzando con el soplo lúgubre del invierno, el conjunto de instrumentos de aire canturreando sobre el piano, que actúa como único percusionista y orador cuando las voces aún no se han unido. El lamento de las dos primeras pistas establece el escenario de nuestro cansancio con el invierno y se desvanece con las primeras líneas del canto de los pájaros, que son imitados por la instrumentación y finalmente se convierten en un esfuerzo totalmente orquestado por parte de la banda. Sin embargo, incluso cuando la música crece, nunca perdemos el contacto con el canto de los pájaros de la criatura del mismo nombre, fusionándose en un remolino alquímico de oda auditiva al mundo natural y al mundo social en evolución en el que habitamos los humanos.
A medida que avanza el álbum, toca temas tan variados como la jeremiada, el canto de los pájaros, el cortejo y el folclore, todo en su esfuerzo por derretir el gélido estancamiento del invierno con cálidos hilos de hilo jubiloso, viento y teclas. En el momento en que suena la interpretación francamente icónica del conjunto de "Swing Low, Sweet Chariot", hay un júbilo tan claro y una exuberancia de celebración que chispea y crepita, dando la bienvenida al acercamiento del sol y la promesa de lo que depara el futuro.
La grabación tuvo lugar durante un concierto vía streaming
al amanecer en junio de 2021. Debido al cierre de la Catedral de San
Juan el Divino en Nueva York por la pandemia, la agrupación trasladó su
tradicional celebración del solsticio al granero de Winter. La música se
interpretó en una corriente continua, comenzando en total oscuridad a
las 4:30 a.m. y culminando con el primer amanecer del verano.
1. Sun Singer 2. Lamento de Aiocá 3. The Silence Of A Candle 4. The Well-Tempered Wood Thrush 5. Chora Coraçāo (Cry, My Heart) 6. Sarabande 7. Lendas Brasileiras 8. DNA 9. Air 10. How Can I Keep From Singing 11. Lavadeiras 12. Swing Low, Sweet Chariot 13. Moro Na Roça/Lapinha 14. Icarus
Nacida en Egipto de padres griegos, Alkistis Protopsalti tiene una de esas voces absolutamente maravillosas, con la que es capaz de adentrarse en los géneros más diversos con una solvencia que está al alcance de unos pocos privilegiados. Una voz que parece descender directamente de los dioses del Olimpo, como si saliera de unos tiempos legendarios, clásicos, cincelada según los más puros cánones del clasicismo a los que dieron forma, entre otros, Fidias y Mirón. El público griego le ha concedido, con total merecimiento, el estatus de diva musical, con todo lo que ello conlleva tras de sí, honor al que Alkisitis ha sabido responder con lo mejor de su talento.
La voz va acompañada de una gestualidad que tiene mucho de teatral, en el sentido de estar llena de matices, de contenidos que sólo por medio de la expresión corporal se puede transmitir al espectador atento, dejando el alma en cada canción, en cada estrofa. Letras detrás de las cuales se esconde en muchas ocasiones, la poetisa Lisa Nikolakopoulou, en una de esas colaboraciones de una fertilidad extraordinaria.
En Alkistis se reúnen las tradiciones del Asia Menor, lugar de origen paterno, y de la isla de Chios, de donde era originaria su madre, a lo que se unen los años pasados en la ciudad egipcia de Alejandría, de la que nuestra cantante recuerda "el olor del mar, las puestas de sol, el murmullo de las palmeras, los pescadores con sus redes, el tranvía, los dulces, los viajes en coche al Sahara". Elementos que le servirán a Alkistis para desarrollar la peculiar sensibilidad que se recoge en sus canciones.
"San Ifestio Pou Xipná" ("Como un volcán que despierta", 1997), con música de Nikos Antipas sobre letras de su amiga Lina Nikolakopoulou
01. Διθέσιο - (03:58) 02. Λάβα - (04:55) 03. Μόνο Του - (04:10) 04. Εμείς Οι Δυο - (04:15) 05. Τριανταφυλλιά Του Κόσμου - (03:08) 06. Μωρό - (03:22) 07. Καθρέφτης - (03:34) 08. Συνεργείο - (03:34) 09. Πορτοκάλι - (03:33) 10. Δόξα Να Λες - (04:26) 11. Post Love - (02:43) 12. Αιγαίο - (04:24) 13. Επίλογος - (00:58)
Con el lanzamiento de su muy esperado álbum en solitario Dhá Phingin Spré - No Dowry, el mundo recordó el poder de la voz de Maighread Ní Dhomhnaill. Aunque había insinuado sus puntos fuertes como miembro de Skara Brae, un conjunto gaélico que compartía con su hermano Michael O'Domhnaill, su hermana Tríona Ní Dhomhnaill y el multiinstrumentista Daithi Sproule, Ní Dhomhnaill había mantenido un perfil bajo desde la desaparición del grupo a principios de los años 80. Originaria de Rann na Feireste (Ranafast), Condado de Donegal, Ní Dhomhnaill se crio en Kells, Condado de Meath. La música jugó un papel esencial en su vida familiar temprana. Su padre y su tía eran ávidos coleccionistas de canciones tradicionales irlandesas.
Maighread Ni Dhomnaill es de Dublín y creció en una familia de músicos, donde se convirtió en una cantante potente y de voz clara con un amplio conocimiento de la música tradicional. En No Dowry la acompañan su hermana Triona y su hermano Micheal, quienes también colaboraron con algunos arreglos. Otros músicos incluyen a Philip Begley, Donal Lunny y Liam O'Flynn. Todo el proyecto fue producido por Donal Lunny y su nombre en los créditos prácticamente garantiza que el resultado será, como mínimo, interesante. Es un maestro del bouzouki y un excelente teclista y bodhrán. Sin embargo, es como productor que se ha hecho famoso en todo el mundo en las últimas tres décadas. Su capacidad para empatizar con los cantantes y sacar lo mejor de ellos nunca se ha demostrado mejor que aquí.
El álbum contiene diez canciones, seis de ellas cantadas en irlandés y las otras cuatro en inglés. El libreto del CD contiene traducciones al inglés y al japonés de las canciones en irlandés, pero no es necesario consultarlo, ya que las emociones que generan las canciones y la interpretación son suficientes para cautivar al oyente. Esto se aprecia con mayor claridad en dos increíbles interpretaciones: «A Mhaithrin Dhileas» e «Is Fada Liom Iaim I», pero todo el álbum es una auténtica belleza. Los músicos se deslizan junto a la vocalista como un barco que navega por el océano. También hay una canción sin acompañamiento en inglés: «The Green Wood Laddie».
Maighread Ní Dhomhnaill – Vocals Donal Lunny – Bouzouki, Mandolin, Bodhran, Keyboards Tríona Ni Dhomhnaill – Backing Vocals, Keyboards Mícheál Ó Domhnaill – Guitar Liam O’Flynn – Uilleann Pipes, Whistle Philip Begley y Skip Parenti - violín
1 Amhrán Pheadar Breathnach 4:12 2 A Mháithrín Dhíleas 2:23 3 An Cailín Gaelach 4:46 4 Colm Cille Na Féille 4:49 5 The Green Wood Laddie 6:24 6 Is Fada Liom Uaim Í 3:54 7 Martha, The Flower Of Sweet Strabane 6:26 8 Knickers Of Corduroy 2:18 9 An Clár Bog Deal 5:02 10 The Lily Of The West 5:37
Hace casi treinta años, Narada Records lanzó una colección de piezas para guitarra solista llamada "Guitar Fingerstyle". Presenta a algunos de los guitarristas más talentosos del mundo, cuya original fusión de folk, blues, jazz, pop y música clásica le dio un nuevo significado a la palabra "unplugged". El álbum fue tan popular que Narada lanzó una segunda colección con otra impresionante selección de grandes guitarristas acústicos.
Los guitarristas de fingerstyle, como Don Ross, siguen los pasos de pioneros de la guitarra moderna como Chet Atkins, Leo Kottke y John Fahey. Sus raíces son profundas, remontándose al blues, el ragtime, el country y el gospel que surgieron de las orillas del río Misisipi y los patios traseros de los Montes Apalaches. La guitarra fingerstyle incluso tiene sus raíces en la música celta.
Entonces, ¿qué es la guitarra fingerstyle? Según John Schroeter, editor de la revista Fingerstyle Guitar, se trata de "una técnica que utiliza los dedos de la mano derecha para pulsar las cuerdas individualmente, en lugar de usar una púa plana para rasguearlas o tocarlas. La melodía", dice Schroeter, "combinada con líneas de bajo que se mueven de forma independiente crea un sonido completo, casi orquestal".
Me encanta este album. Tanto este como el segundo volumen son maravillosos para añadir a cualquier colección. Una gran mezcla de diferentes estados de ánimo. El primer volumen es un poco más suave, pero ambos son geniales de escuchar, y la habilidad y el talento de las canciones son increíbles. Es realmente difícil encontrar una recopilación como esta.
Tracklist: 01 - Tim Farrell - Little Martha ...02:59 02 - Edward Gerhard - Crow ...03:47 03 - Billy Mclaughlin - South By Winterwest ...02:58 04 - Pat Kirtley - Daisy Goes A Dancing ...02:28 05 - Don Ross - That'll Be The Phone ...03:40 06 - Benjamin Woolman - Soul Discovery ...03:37 07 - Laurence Juber - Lunar Eclipse ...05:07 08 - Muriel Anderson - To B Or Not To B ...03:30 09 - Stephen Bennett - Perestroika ...03:04 10 - D. R. Auten - If Only I Had Wings ...04:28 11 - Don Ross - The First Ride ...03:36 12 - Muriel Anderson - It Never Gets Easier ...02:45 13 - Billy Mclaughlin - Helms Place ...05:08 14 - Tommy Jones - Only My Heart ...03:37 15 - D. R. Auten - Angela ...03:47 16 - Pat Kirtley - Grandpa's Lullaby ...02:42
Con la ayuda de algunos de los mejores músicos irlandeses, Paul Winter presentaba Celtic Solstice, su carta de amor sonora a la tradición musical celta. Entre el saxo soprano con tintes new age de Winters, la voz suave de Karan Casey y la nítida calidad de la producción, se percibe un fuerte toque de la música irlandesa, etérea y tenue, propia de Clannad. La violinista Eileen Ivers y el gaitero Davy Spillane suenan más atmosféricos de lo habitual, menos incisivos. También se incorporan toques de músicas del mundo y jazz, para desdibujar aún más la frontera entre lo que es y lo que no es "celta". Si tu gusto se inclina por lo tradicional en la música irlandesa, puede que te distraiga la preponderancia de influencias externas, pero si te gusta la conglomeración de estilos de Winter, Celtic Solstice seguramente te conquistará.
- Soprano sax, Paul Winter - Renowned Uilleann piper Davy Spillane, of the original 'Riverdance' cast - Fiddler Eileen Ivers, an original and current 'Riverdance' soloist - Vocalist Karan Casey, from the band 'Solas' - Whistle-player and flutist Joanie Madden, founder of the group 'Cherish the Ladies' - Piper Jerry O'Sullivan - Paul Winter Consort members Paul Halley on pipe organ and piano, along with percussionist Jamey Haddad - Zan McLeod on guitar - Carol Thompson on Celtic harp and Welsh triple harp - Austin McGrath on bodhran - South African bassist Bakithi Kumalo, featured with Paul Simon for many years since playing on Simon's Graceland album
01. Triumph (7:06) 02. Golden Apples of the Sun (6:23) 03. Hollow Hills (1:55) 04. O'Farrell's Welcome to Limerick (4:37) 05. Dawnwalker (6:43) 06. My Fair and Faithful Love/Blarney Pilgrim (5:26) 07. Sweet Comeraghs (3:57) 08. After the Fleadh/Running Through the Woods with Keetu (6:46) 09. The Minstrel's Adieu (2:10) 10. Farewell to Govan (3:00) 11. Golden Apples of the Sun (Reprise) (7:05) 12. Dawnwalker (Reprise) (2:32)
Nightingale se formó en 1993 por Jeremiah McLane (acordeón, piano), Keith Murphy (voz, guitarra, mandolina, piano, percusión de pie) y Becky Tracy (violín). El ruiseñor es una figura poética que aparece en canciones tradicionales de muchos lugares, incluyendo partes del norte de Europa, Canadá y Estados Unidos. Por lo tanto, el ruiseñor era un símbolo apropiado para una banda comprometida con inspirarse en un amplio territorio musical que abarca Irlanda, Francia, Escandinavia, Terranova y Quebec.
McLane, Murphy y Tracy eran músicos consolidados de la escena tradicional de contradanza de Nueva Inglaterra cuando se conocieron, y Nightingale se convirtió rápidamente en una banda de baile muy solicitada en Nueva Inglaterra. Sin embargo, desde sus inicios, Nightingale exploró la música más allá de los límites de la contradanza neoinglesa y nunca pudo ser catalogada como una simple banda de baile. Las canciones de Quebec y Terranova eran un elemento básico de su repertorio y en sus conciertos expandían el formato de la música de baile tradicional. Aun así, su experiencia como músicos de baile generó una obsesión por la integridad rítmica y el pulso sostenido que es la esencia de la música de baile. El oyente siempre percibía la fuerza subyacente de gran parte de la música de Nightingale.
La primera grabación de la banda, The Coming Dawn, se realizó en 1994, apenas un año después de su formación. Fue producida por Pete Sutherland y capturó la energía fresca y cruda de la banda, además de consolidar la sofisticación de Nightingale como intérpretes y arreglistas de una mezcla ecléctica de música tradicional.
Menos de dos años después, la banda se embarcó en un proyecto discográfico más ambicioso: Sometimes When the Moon is High, producido por Grey Larsen. El álbum se grabó en Joliette, Quebec, en el estudio (recién terminado) del pianista de La Bottine Souriante, Denis Frechette. Con una mayor complejidad musical y arreglos más precisos, este álbum les valió el reconocimiento de un público más amplio.
Pero finalmente, tras seis años de giras intensivas, la banda necesitaba un descanso, rejuvenecerse y considerar la siguiente etapa. En 1999, la banda comenzó un periodo sabático de nueve meses durante el cual los tres integrantes exploraron otros proyectos musicales. En el año 2000, Nightingale se reunió y comenzó a reelaborar su repertorio, recurriendo más extensamente a composiciones originales de sus compañeros Jeremiah McLane y Keith Murphy. Estas composiciones sintetizan frecuentemente elementos del repertorio tradicional de la banda con sutiles referencias a la música contemporánea. Con este nuevo repertorio, el sonido y la energía del grupo también evolucionaron, demostrando una vez más la capacidad creativa de la banda.
Este trabajo culminó con la tercera grabación de Nightingale, Three, publicada en junio de 2004. El CD fue producido por Denis Frechette de La Bottine Souriante y grabado en Brattleboro, Vermont. Reflejaba el pasado de Nightingale a la vez que innovaba.
Por esa época, Nightingale actuó en la radio CBC de Canadá y fue seleccionado para la serie "Conoce al Compositor" en Saranac, Nueva York. La banda continuó presentándose en festivales, centros de artes escénicas, clubes folclóricos y grandes eventos de danza en todo el mundo.
Becky Tracy - fiddle Jeremiah McLane - piano accordion and piano. Keith Murphy - lead vocals, guitar, mandolin, foot percussion and piano. (Peregrination and Out of Jewett)
1. Hills / Mulqueen's (04:09) 2. Peregrination (03:03) 3. Eric & the Angels / Jenny's Welcome to Charlie / Mariposa (04:59) 4. Rond a Emile Leffondre / Mardi Gras Song / Breton Plinn (04:55) 5. Out of Jewett / Raoulf's (06:21) 6. Battle of Naskeag / Hurry Over / the Flying Tent (05:18) 7. Regain / Psalm of Life / Plant un Chou (06:52) 8. The Green Bushes (03:36) 9. Slang Polska / Alain Pennec's / Breton Hanter Dro (05:05) 10. La Belle Rose (03:38) 11. Mazurka / Le Gradlon (04:30) 12. The Waiting Game / Raze (06:07)
Es inevitable en la vida que algunas cosas sean más importantes que otras. Por supuesto, la forma en que las percibimos puede variar enormemente, ya que la naturaleza humana encuentra diferentes maneras de ver las cosas a través de la visión a menudo borrosa de la humanidad. El último álbum de Anouar Brahem, ocho años después del maravilloso "Blue Maqams", y su duodécimo lanzamiento con el sello ECM, conlleva, al menos en mi opinión, una relevancia, claridad e importancia que van más allá de la propia música. Quizás no haría tal comentario si la música no fuera tan profundamente conmovedora como sin duda lo es, pero con la tragedia de Gaza muy presente en la mente del compositor al escribir e interpretar esta impresionante música, resulta particularmente pertinente en este caso.
El título del álbum proviene de una pregunta que el poeta palestino Mahmoud Darwish planteó en uno de sus poemas: "¿Adónde deberíamos ir tras las últimas fronteras? ¿Adónde deberían volar los pájaros tras el último cielo?" Este pensamiento resuena profundamente al escuchar la introspección, a menudo melancólica, de este álbum a través de una música tan inspiradora. En sus perspicaces notas, Adam Shatz analiza la música de Anouar Brahem en el contexto de este continuo estético-literario, así como de la lucha continua por los derechos palestinos. En una conversación con Shatz, Brahem comenta: «La música, y en particular la instrumental, es por naturaleza un lenguaje abstracto que no transmite ideas explícitas. Se centra más en las emociones, las sensaciones, y su percepción varía de una persona a otra. Lo que puede evocar tristeza en una persona puede despertar nostalgia en otra… Invito a los oyentes a proyectar sus propias emociones, recuerdos o imaginaciones, sin intentar «dirigirlas»». Y creo que hay una cuestión interesante aquí: podemos escuchar esta música sin la influencia de las palabras, los pensamientos ni la comprensión de por qué se compuso, ya que, de todos modos, se sostiene por sí misma. Y a menudo es una de las cosas más conmovedoras de la vida cuando escuchamos música y la interpretamos con pensamiento y emoción a nuestra manera. Para mí, personalmente, leer sobre la relevancia de la música simplemente añade mayor profundidad y significado, profundizando mi conexión con ella.
En "After The Last Sky", el bajista Dave Holland y el pianista Django Bates vuelven a formar parte del cuarteto internacional del maestro tunecino del laúd, junto ahora a la violonchelista Anja Lechner. La conexión de Brahem con Holland es evidente. "La forma de tocar de Dave me da alas", ha dicho Brahem, una observación que se confirma en la impactante improvisación a dúo "The Eternal Olive Tree". De hecho, a lo largo del álbum, desde los límites exploratorios de "Endless Wandering", una pieza que vibra de emoción, hasta la impulsiva energía de "Dancing Under the Meteorites", los conmovedores impulsos del bajo de Holland dan lugar a algunas de las interpretaciones más destacadas del laudista. También es un placer especial escuchar las sonoridades combinadas de laúd, bajo y violonchelo, que se combinan con un efecto impresionante a lo largo de toda la grabación, cálidamente acogidas por la acústica receptiva del estudio de Lugano, creando un sonido de conjunto excepcional. https://ukvibe.org/album_reviews/anouar-brahem-2/
Anouar Brahem - oud Anja Lechner - violoncello Django Bates - piano Dave Holland - double bass
01. Remembering Hind (Brahem) - 1:53 02. After the Last Sky (Brahem) - 5:42 03. Endless Wandering (Brahem) - 8:12 04. The Eternal Olive Tree (Brahem-Holland) - 4:00 05. Awake (Brahem) - 8:49 06. In the Shades of Your Eyes (Brahem) - 4:27 07. Dancing Under the Meteorites (Brahem) - 4:26 08. The Sweet Oranges of Jaffa (Brahem) - 7:13 09. Never Forget (Brahem) - 7:50 10. Edward Said's Reverie (Brahem) - 2:58 11. Vague (Brahem) - 3:13
Puck Fair se fundó originalmente en Nueva York en 1984 y en 2008 comenzó una nueva vida en Dublín. Más de veinte años después de su debut, y único, álbum, vuelven con Forgotten Carnival. Además de Brian Dunning en la flauta, la banda cuenta con Sean Whelan en la guitarra, el laúd y el bajo y Robbie Harris se encarga de la parte de percusión. En algunas pistas han invitado a músicos al violín, la voz, las cuerdas y el bajo. Su música es una especie de música celta jazzera y el CD contiene todas, excepto una, composiciones nuevas. La primera vez que escuché el CD me recordó a la banda holandesa Flairck y especialmente al flautista Peter Weekers, que tiene el mismo estilo de tocar. Forgotten Carnival tiene una atmósfera agradable y relajada con un jazz-folk acústico relajado. Muy bonita la cancion tradicional catalana Rossinyol. Mi tema favorito es Dunedance con un bonito toque árabe tanto en el trabajo de cuerdas como en la percusión y las voces. Creo que este es un CD que gustará más a aquellos que aman el sonido de la flauta, ya que ocupa un lugar muy destacado en la música de Puckfair.
Back with their first album in 21 years, Brian Dunning’s Puck Fair featuring Sean Whelan and Robbie Harris make a comeback with “Forgotten Carnival.” The band is acoustic and the music is inspired equally by the driving rhythms of Celtic music with the freedom and spontaneity of jazz. Founded in New York in 1984 and reformed in Dublin, Puck Fair mainly plays original music by Brian Dunning as well as music by such artists as Van Morrison and John Coltrane. Dunning has a breathtaking command of the flute, coupled with a most personal approach to jazz improvisation and traditional music. He returns here to the repertoire of one of his most successful projects, bringing him together with the versatile guitar of Sean Whelan, the infectious grooves of percussionist Robbie Harris,
Brian Dunning: Flute, whistles, panpipes, bodhrán Sean Whelan: Guitars, oud, shamisen Robbie Harris: Percussion, bodhrán John Fitzpatrick: Violin Lídia Pujol: Vocals
1 Fog On Window 3:02 2 Slightly Drowsy - Blue Maggie 4:25 3 Dadglad 3:10 4 Whistlin Tipsy 3:19 5 Rossinyol (Tradicional Catalan) 4:17 6 End Of Autumn 4:01 7 Gingerly 2:41 8 On Yer Bike 3:14 9 Flight Of Fancy 4:24 10 Hiya Jose 4:38 11 Dunedance 4:16 12 As I Roved Not 1:02 13 Slightly Drowsy (Reprise) 2:22
V.S. Unión publicó "Isla menor" en 1997, un álbum que contenía doce composiciones de intenciones similares a las de su primera entrega. No fue sin embargo en la capital hispalense donde se grabó y realmente se fraguó "Isla menor", pues toma el nombre de una comarca de marismas e islas del Guadalquivir a varios kilómetros de Sevilla, donde estaban situados los Estudios Isla. A pesar del esfuerzo que supuso el contínuo desplazamiento de músicos hasta allí, no cabe duda de que el entorno natural influyó definitivamente en la calidad de un trabajo completísimo, de producción y arreglos propios y un intenso aroma a azahar. Reseña del año 2013 de Pepe Cantos en su blog...Gracias!! https://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2013/03/vs-union-isla-menor.html
Los conciertos de Radio 3, 28 Abril 1998, con la formación V.S. UNIÓN. Muchas influencias reconocemos aquí, todas positivas, desde Michael Nyman hasta el Paul Winter Consort, pasando por unos Nightnoise, Shadowfax, Andy Narell o Scott Cossu, lo mejor de cada casa. También, y aunque parezca un disparate, ciertas partes nos traen a la memoria la banda sonora de Rumble Fish, compuesta por Stewart Copeland. Lo que no tiene nombre es que desde el mismo programa interrumpan el último tema con esa parrafada que te corta todo el rollo, cuando para esos menesteres la marquesina inferior de texto sobraba. Comentario de mi buen amigo Tiamak de la actuacion de V.S. Union en los conciertos de Radio 3...Gracias!!
1 Siglo XXI 4:38 2 Isla Menor 7:07 3 Estrella Del Norte 4:46 4 Vértigo 7:11 5 Miletto 6:53 6 Terciopelo 4:03 7 Equinoccio 5:13 8 Danza De Las Medusas 5:45 9 Tras La Ventana 6:05 10 Nómadas 4:10 11 Amante 5:16 12 Tres Cantos 5:03
La arpista galésa Catrin Finch y el senegales maestro de la kora Seckou Keita se conocieron por casualidad en 2012, cuando Keita fue convocado para sustituir a Toumani Diabaté en los ensayos de una gira con Finch. Un golpe militar en Mali había impedido a Diabaté abandonar el país a tiempo, así que Keita intervino para ayudar a preparar el repertorio con Finch, ella viene de la música clásica y nunca antes había visto o escuchado una kora. Por su parte, Keita, es un maestro de la kora y griot de ascendencia real, no leía música. Asi nació una maravillosa asociación musical.
En SOAR, Keita y Finch continúan explorando y celebrando las diferencias y similitudes entre sus instrumentos y culturas. Sus dúos musicales son intrincados y etéreos, llenos de un sonido de filigrana. Sus composiciones y arreglos originales combinan a la perfección elementos africanos y occidentales.
Catrin Finch - harp Seckou Keita - kora, vocal
01. Clarach 06:05 02. Teranga-Bah 06:00 03. Yama Ba 05:36 04. Bach to Baisso 05:50 05. 1677 06:03 06. Listen to the Grass Grow 04:26 07. Hinna-Djulo 05:56 08. Cofiwch Dryweryn 04:53
Caoilfhionn Rose, de Manchester, ha alcanzado la mayoría de edad como artista, investigando profundamente para encontrar nuevas formas experimentales de expresar su asombro ante la belleza de la naturaleza, su amor por la música en toda su diversidad y su creencia en los poderes restauradores que ambos ofrecen en el turbulento mundo post-cultural. Mundo COVID. Vigorosa, investigadora y siempre curiosa, Caoilfhionn ha encontrado una voz a la vez antigua y moderna, explorando intrépidamente la tecnología contemporánea para transformar la artesanía tradicional para mediados de la década de 2020.
La música de Caoilfhionn tiene sus raíces en el conocimiento del folk, el jazz y todos los músicos clásicos del siglo XX, y parece crear un espacio mágico y de otro mundo de su propia imaginación, mezclando el piano principal de Caoilfhionn con sintetizadores y contrastando una sección rítmica en vivo y adornos de saxofón. muestras ambientales y técnicas de producción de cara al futuro.
Coproducida por Kier Stewart de The Durutti Column luego de los esfuerzos de colaboración de Rose con ellos en su álbum Chronicle LX:XL, la composición de las canciones del músico se basa en una paleta diversa de influencias, incluidas Building Instrument, Rachel Sermanni, Alabaster dePlume y Broadcast. Rose también profesa su amor por la música hermosa, sencilla y basada en piano, como Dustin O'Halloran y su compañera de sello Hania Rani. https://caoilfhionnrose.co.uk/ https://www.facebook.com/caoilfhionnrose/
Genre: Rock, Pop, Folk, World, & Country Style: Folk, Ambient, Alternative Rock, Psychedelic Rock, Indie Rock, Indie Pop
1. Flourish [03:01] 2. To Me [03:42] 3. Tubercular Skies [03:27] 4. Fireflies [04:10] 5. Every Waking Minute [02:39] 6. Point in Time [02:46] 7. Readiness Is All [03:28] 8. Paths [03:33] 9. Truly [02:54] 10. Hold Your Own [03:14] 11. All That Light [02:09] 12. Garden (Secret Track) [04:16] 13. Fireflies (Acoustic version) [03:27] 14. Truly (Acoustic version) [03:13] 15. Better Weather (Secret Track) [01:39]
Finis Africae fue una banda española de música ambiental, formada en 1982, que publicó dos discos en la primera mitad de los años 80 y siguió esporádicamente en activo hasta 2000. Por ella pasaron músicos vinculados al folk, la new age y la canción de autor, como Juan Alberto Arteche Gual, Luis Delgado, Javier Bergia, Javier Paxariño, Markus Breuss y Juan Carlos Fernández Puerta. El grupo toma su nombre de la novela de Umberto Eco El nombre de la rosa, en la que Finis Africae es una zona secreta de la biblioteca de un monasterio, en la que se ocultan libros que el bibliotecario estima peligrosos para la fe cristiana.
Hacia 1990 ve la luz el tercer trabajo, esta vez, el itinerario es la 'Amazonia', donde se vuelcan los momentos vividos en un viaje iniciático por los pulmones de la Tierra, con la compañía de Javier Paxariño como invitado especial
Únase al español Juan Alberto Arteche Guel y a sus compañeros de aventuras musicales en su barco Finis Africae en un viaje musical imaginario por el Amazonas. Este es su álbum de 1990, un clásico balear raro y muy buscado, la obra maestra de Finis Africae fue parte del florecimiento musical que surgió al final del régimen de Franco, y este álbum, guiado por el visionario Guel, captura los resultados de esa era de apertura y libertad recién descubiertas. Capturando las habilidades de producción de Guel en su apogeo, "Amazonia" está inspirada por Jon Hassell y Brian Eno y su idea de una música del "cuarto mundo". Los arreglos, que son espaciosos y apropiadamente acuáticos, presentan instrumentos electrónicos y acústicos en piezas temáticas que a veces fluyen libremente y otras son ondulantes y percusivas. Vívidamente imaginado y bellamente grabado, este es un viaje agradable y memorable.
01 Suite Amazónica 5:28 02 El Abrazo De La Selva 4:45 03 Carauari 7:56 04 El Hechicero 3:01 05 Hombres Trueno 3:40 06 Dança Do Corpo 5:14 07 Remontando El Purus 7:56 08 Hassell, El Oso Hormiguero 2:03 09 Hombres Lluvia 3:47 10 Adiós A Puerto España 4:20
Nacida en Michigan en 1958 y criada en Indiana, pasó varios años de su
juventud en Ghana junto a su familia. En París, conoció al violinista
Darol Anger y creó una fructífera colaboración musical. Juntos grabaron
el álbum Tideline (1982), uno de los primeros álbumes exitosos de
Windham Hill. Dos años después se reunieron con los músicos Mike
Marshall, Todd Phillips y Andy Narrel para presentarse en el reputado
Montreux Jazz Festival. El concierto fue considerado un éxito, llegando
incluso a ser grabado y publicado en un álbum en vivo titulado Live at
Montreux–Darol Anger/Barbara Higbie Quintet. Luego de grabar dos álbumes
de estudio, Sign Language y Let Them Say, el grupo se separó.
Ha grabado discos con los sellos Windham Hill, Olivia/Second Wave y Slowbaby Records. Sus géneros varían entre el folk, jazz y pop, y destaca por sus melódicas ejecuciones de piano en el jazz. Ha realizado giras nacionales e internacionales desde la década de 1980. Grabó un álbum aclamado por la crítica junto a la cantante Teresa Trull llamado Unexpected en 1983.1 Higbie y Trull se reunieron de nuevo en 1997 para grabar un álbum titulado Playtime. Desde 1990, Barbara Higbie ha publicado varios trabajos discográficos con los sellos Windham Hill y Slowbaby. Barbara ha colaborado además con artistas y bandas como Bonnie Raitt, Terry Riley, The Kronos Quartet, Jaron Lanier, Cris Williamson, Holly Near, Teresa Trull y Ferron. Murmuración: grupo numeroso de aves, generalmente estorninos, que vuelan, se lanzan en picado y cambian de dirección juntas; La clave matemática para que la bandada se mueva con gracia a través de la incertidumbre es que cada ave realiza un seguimiento de exactamente otras siete aves. Estas imágenes describen la impresionante y evocadora grabación instrumental de 2021 de la maestra músico y compositora Barbara Higbie. Como continuación de su aclamado álbum Resonance de 2019, se refiere a Murmuration como la parte II de su "Chillogy", una trilogía de álbumes relajantes, una medicina perfecta y muy necesaria para mantener la calma, pero al mismo tiempo alerta, durante estos intensos momentos.
Barbara Higbie - Resonance (2019)
01. Resonance (05:01) 02. Made It Through (03:48) 03. Great Blue Heron (04:48) 04. Atakpame (04:43) 05. Generous Heart (03:13) 06. The Land (04:12) 07. Morning on the Lake (08:38) 08. Trees I’ve Known (05:09) 09. Water Lilies (03:23) 10. Celtic Roots (04:11)
Barbara Higbie - Murmuration (2021)
01. Trees Unknown (04:33) 02. Tango Aurelio (04:59) 03. Patrick (03:34) 04. Middle of the Night (04:17) 05. Frances (04:04) 06. Rydin Road (06:37) 07. Stillness (03:16) 08. Inspiration Point (05:21) 09. Murmuration (04:13) 10. North Fork (03:22)
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