Music To Disappear In fué el primer lanzamiento del multiinstrumentista estadounidense Raphael para el sello Hearts of Space, sinónimo de new age y música ambiental. Este álbum tiene una larga historia de milagros y es uno que la gente escucha a diario, por su conexión con el espíritu. Raphael utiliza el piano y los teclados como voz central, creando una relajante red de sonidos de cuerda atmosféricos, complementados con flauta y percusión. Utilizado desde hace mucho tiempo por terapeutas corporales, Music To Disappear In es la definición misma de la música de relajación New Age. ¡Un clásico! No sé si alguien desapareció al escuchar este álbum, pero lo que sí sé es que te expone a un arcoíris de sonidos celestiales, es una obra ambiental muy bien elaborada en apariencia. Relajante y colorida, nunca monótona ni aburrida. A posteriori, te resultará relajante; la mente puede seguir cada nota sin esfuerzo. Contiene piano sanador, percusiones de medicina tribal y cantos gregorianos extáticos.
Las últimas cuatro piezas de Music to Disappear In se vuelven más terrenales y sensuales, incorporando tambores, flautas de bambú, arpas y violines gitanos en danzas de trance como "Serpent". El romance sublime y los ritmos sensuales hacen que las ocho composiciones del álbum sean verdaderamente únicas.
1. Disappearing Into You (8:48) 2. In Paradiso (5:06) 3. Resurrection (8:07) 4. In Paradiso (3:10) 5. Primitive Silence (2:10) 6. Serpent (8:43) 7. I Say Rock And Roll Prayers To A Dancing God (6:58) 8. Spirit Guides (6:58) 9. Silence (3:39)
La pianista y compositora italiana Oliva Belli comparte su segundo álbum, Intermundia, Escrito para piano y trío de cuerdas, Belli grabó con los principales
miembros del Max Richter Ensemble, Louisa Fuller, John Metcalfe y Chris
Worsey. En su segundo lanzamiento de larga duración, Olivia Belli va más allá de su profunda conexión con el mundo natural para explorar el lado espiritual de la naturaleza, algo más allá de lo físico, conocido como el “mundo de los lugares delgados”. Estos lugares son profundamente espirituales y relajantes, como los describe Belli, afirmando: "Sólo eres tú y tu alma". Para Intermundia, Belli eligió ocho ubicaciones, todas muy cerca de su casa en Le Marche, en el centro de Italia. Todos estos lugares tienen un significado personal en la exploración espiritual y artística de Belli. “Estamos encarnados en espíritu, y por eso es fundamental redescubrir y cuidar nuestra naturaleza espiritual. Estos son simplemente los lugares que me dieron la oportunidad de hacerlo. Cada uno de nosotros tenemos nuestros lugares, donde podemos percibir mejor esa parte más preciada de nosotros mismos, y sólo tenemos que encontrarlos”. Olivia Belli
01 Anima I 02 Bet Ha-Chaim 03 Respiro 1 04 Valadier 05 Diomedea 06 Respiro 2 07 Mirando 08 Anima II 09 Pian Perduto 10 Respiro 3 11 Amber Maze 12 Frater 13 Respiro 4 14 Sibyl
Frame es el décimo álbum de Yiruma lanzado en 2017 en el año 2019 fué reeditado como Winter Repackage, con la adición de la nueva canción 'Nocturnal Mind', El album captura el anhelo que nos viene a la mente cuando estamos a solas en una noche de invierno con las melodías de piano de Yiruma.
El famoso pianista coreano Yiruma aprovechó en 2019 para presentar la versión de reempaquetado de su décimo álbum de estudio que incluye los 11 títulos originales y 3 canciones inéditas, incluida la canción Nocturnal Mind. Nocturnal Mind está en el álbum número 16 de Yiruma, Frame Winter Repackage (2019).
Este invierno, espero que se convierta en una cálida música de fondo durante tu tiempo a solas lleno de añoranza...
01. Nocturnal Mind 02. f l o w e r 03. Walking In The Forest 04. f r a m e d (Piano ver.) 05. Autumn Finds Winter 06. s t e l l a 07. A Moonlight Song 08. Walking In The Forest (Piano ver.) 09. Serenade in E 10. f r a m e d (String ver.) 11. Picture Me (‘f r a m e’ ver.) 12. River Flows In You (‘f r a m e’ ver.) 13. Kiss The Rain (‘f r a m e’ ver.) 14. Letter (Winter ver.)
Este álbum mezcla música, poesía y retratos fotográficos clásicos de los poetas. La conexión surge a través del compositor Michael Hoppe, que redescubrió la colección de 5.000 imágenes de su abuelo, el famoso fotógrafo de retratos E.O. Hoppe (1878-1972). Cada una de las once piezas para violonchelo solista (interpretadas por el violonchelista suizo Martin Tillman) se inspiró en un poema diferente; las notas del álbum hacen coincidir el poema con el retrato. Las composiciones de Hoppe son clásicamente románticas, la esencia de un Schumann o un Brahms, pero sin su agitada tempestad. Aunque el violonchelo tiene un amplio rango, e incluso puede gruñir cuando la ocasión lo requiere, Hoppe no lleva al violonchelo a esos lugares no sonoros; cuando la gente dice que ama el violonchelo, es esta voz, este rango, este romance, este timbre lo que aman. La mayoría de los conciertos románticos tienen secciones dramáticas y grandilocuentes, una prueba de destreza, sin duda, pero la mayoría de los oyentes aprecian realmente los tiernos pasajes de redención, amor o pureza. La orquesta se calla y el violonchelo llora tiernas lágrimas. Hoppe ofrece un álbum entero de esos momentos. Tillman toca con extrema calidez y sensibilidad; los arreglos de Hoppe para piano y conjunto de cuerdas de cámara en el teclado presentan al violonchelo como el huevo de un petirrojo azul en el nido*. Hoppe dice que las piezas fueron ensayadas completamente y tocadas en vivo en el estudio, de principio a fin sin sobregrabaciones; el álbum tiene esa inmediatez e integridad.
Por supuesto, cada poema tiene su propio ambiente. "Some Other Time" (Carl Sandberg/"The Great Hunt") expresa un anhelo dolorosamente simple. "Moon Ghosts" (Aldous Huxley/"A Sunset") ofrece un tema desgarrador donde el poeta solitario reaviva un momento de deseo. "Diamonds of Rain" (Edward Thomas/"It Rains") también reflexiona sobre el romance perdido. El poema de Hoppe "A Minor Bird" de Robert Frost tiene la sencillez campestre de una composición de Aaron Copland. La pieza más rapsódica ("Riddles") está basada en el poema más corto, un enigma sobre un amor ahogado titulado "Juliet" de Hilaire Belloc. Otros poetas representados incluyen a Kahil Gibran, A.E. Houseman, Alice Meynell, Sara Teasdale, G.K. Chesterton y Walter de la Mare.
1. Some Other Time (For Carl Sandburg) 2. Moon Ghosts (For Aldous Huxley) 3. Diamonds Of Rain (For Edward Thomas) 4. Flight (For Robert Frost) 5. Renouncement (For Alice Meynell) 6. Hidden In The Heart (For Sara Teasdale) 7. Riddles (For Hilaire Belloc) 8. Prayer (For Kahil Gibran) 9. Changes (For A. E. Housman) 10. Gold Leaves (For G. K. Chesterton) 11. Shadows (For Walter De La Mare)
Durante la mayor parte de su existencia, Penguin Cafe Orchestra no se parecía mucho a una orquesta. Sonaban más como la banda de la casa en una bacanal en un pasado británico imaginario y druídico, y sin importar cuánto jazz, música clásica y africana incorporaran a su sonido, escuchar canciones como "Air à Danser" y "Pythagoras's Pants" todavía se sentía como asistir a una fiesta donde todos sabían tocar un instrumento. En Union Cafe de 1993, el último álbum antes de la muerte del líder Simon Jeffes en 1997, la banda exploró un sonido majestuoso, orientado a las cuerdas, más adecuado para un salón que para una fiesta. Penguin Cafe, el sucesor dirigido por el hijo de Jeffes, Arthur, ha continuado en gran medida en esta línea al tiempo que insinúa la exuberancia folklórica del trabajo anterior. Es divertido que dejen de lado la palabra "orquesta" de su nombre dado que suenan como tal.
Arthur Jeffes toca una docena de instrumentos en el nuevo álbum de Penguin Cafe, Rain Before Seven…, entre ellos el balafón, un xilófono de África occidental con un tono terriblemente rasposo. Sin embargo, igual de crucial para el sonido del disco es Oli Langford, un arreglista de cuerdas con un trabajo constante que proporciona el violín a las bandas sonoras de éxitos de taquilla como The Batman, Divergent y Pokémon: Detective Pikachu. Este es un hombre que sabe un par de cosas sobre cómo hacer música que suene "cinematográfica", y Rain Before Seven... suena como una compilación de los temas que acompañan a los protagonistas de pueblos pequeños cuando llegan a ciudades más grandes y grandiosas de lo que jamás imaginaron. Esta es música escrita en el lenguaje de la emoción y la aventura, todo cuerdas de sierra, ritmos insistentes y mazos curiosos.
Track 3 In Re Budd esta dedicado a Harold Budd
Toda esta elevación deja poco espacio para el misterio, la psicodelia o la experimentación. Aunque el balafón de Jeffes y el bajo estilo Eberhard Weber de Andy Waterworth inyectan una agradable excentricidad, las decisiones difíciles como el compás de 15/8 en "Galahad" apenas se registran debajo de la alegría centelleante de la música. Incluso algunos momentos interesantes son desactivados por la implacabilidad del álbum, como cuando una caja de ritmos con un sonido nítido en "Find Your Feet" se subsume inmediatamente en una pared de cuerdas que produce una progresión de acordes pop probada y verdadera. Con cuerdas que ocupan casi cada centímetro del espacio disponible, hay poca sensación de espontaneidad o camaradería entre los jugadores. El PCO tenía una manera de convencerte de que su música brotaba espontáneamente de sus cabezas, incluso cuando estaba rigurosamente compuesta; Las canciones de Penguin Cafe suenan como el producto de un ensayo interminable, una formalidad menos propicia para la experimentación que condujo a maravillas fortuitas como “Telephone and Rubber Band”.
01. Welcome to London (4:49) 02. Temporary Shelter from the Storm (4:56) 03. In Re Budd (4:23) 04. Second Variety (3:54) 05. Galahad (6:11) 06. Might Be Something (6:30) 07. No One Really Leaves… (4:55) 08. Find Your Feet (4:18) 09. Lamborghini 754 (4:24) 10. Goldfinch Yodel (4:50)
La Blue Chip Orchestra estuvo formada por los músicos austriacos Hubert Bognermayr y Harald Zuschrader. Su álbum debut de 1988 obtuvo instantáneamente el reconocimiento internacional. Hubert Bognermayr fue el fundador de la Blue Chip Orchestra, además de su diseñador de proyectos, ingeniero y especialista en informática Fairlight. Bognermayr, pionero de la música acústica por computadora, programó y tocó sintetizadores y samplers, y creó tratamientos de sonido. En la década de 1970 dirigió el famoso grupo austriaco de rock sinfónico Eela Craig y, junto con Ulrich Rutzel (presidente de Erdenklang Records y productor de Blue Chip Orchestra), fundó el festival de artes electrónicas Ars Electronica en Linz, Austria, en 1979. Bognermayr también fue el director de la Academia Blue Chip. Harald Zuschrader fue socio musical de Bognermayr desde 1970. Zuschrader compone y toca todas las guitarras, además de teclados y percusión. Además, ha realizado diseño de sonido, programación, ingeniería y mezclas para Blue Chip Orchestra.
Los sonidos digitales filarmónicos del proyecto Danubio Azul se basan en la rica herencia orquestal de la región austriaca, en este vanguardista homenaje a algunos de los más dinámicos y brillantes compositores clásicos europeos. Blue Chip Orchestra es una idea original de Hubert Bognermayr que ha fusionado este juego de instrumentistas y solistas de formación clásica en la era del ordenador "Blue Danube" es una obra encargada por PCD Polymere/Austria con motivo del 500 aniversario de la ciudad de Linz, Austria. Genre:Electronic, Classical Style:Modern Classical, Neo-Romantic, Experimental, Contemporary
1 Molltau 3:49 2 Tam Tam (Alla Turca Mix) 4:27 3 Austrian Groove 2:51 4 Donau So Blau 6:43 5 Mozart 3:15 6 Maestro K. 3:42 7 Anton 3:42 8 Kravallerie 3:44 9 Vergeldsgott 3:37 10 Strawanski (Morris Strawanski Tanzt Igor Ravel Von 3 - 4) 4:55 11 Uhrsprung 3:32 12 Wienerwitz Polka 3:06 13 Kaiserwalze (Schönbrunner Mix) 3:02
El 15 de febrero de 2003, el mundo dijo que no a la guerra. La humanidad se unió a lo que el New York Times llamó una "cadena global de margaritas" de manifestaciones pacíficas contra la invasión estadounidense de Irak. Fue la mayor protesta contra la guerra en la historia, con hasta 30 millones de personas manifestándose en todo el mundo. Max Richter estuvo entre los que tomaron las calles ese día. Aproximadamente una semana después hizo su segundo álbum, The Blue Notebooks. Se grabó en solo tres horas, con un quinteto de cuerdas y la actriz Tilda Swinton leyendo los textos de Franz Kafka y el poeta Czesław Miłosz, ganador del Premio Nobel, "for a token fee". Cuando el LP salió un año después, en marzo de 2004, el asesinato de cuatro contratistas de Blackwater en Fallujah provocó un período renovado de sangrienta violencia.
La protesta silenciosa es el corazón latente de The Blue Notebooks, que ahora ha sido reeditado en su 15 aniversario con material adicional. "Es un intento de que la música comente sobre la sociedad", dijo Richter. "Específicamente, es un disco contra la violencia". "Shadow Journal" es la canción de protesta del álbum. En los compases de apertura, que se rellenan con una charla de fondo ambiental, Swinton recita el poema "Al amanecer de la Tierra inalcanzable" de Miłosz, un texto alucinante sobre una ciudad y alguna catástrofe sin nombre, escrito en una confusión de tiempo pasado y presente. La composición encantada que sigue emula el ensueño lúcido de la escritura y sus proyecciones de incertidumbre a través de retumbos de bajo siniestros y bucles turbios yuxtapuestos con una melodía de violín penetrante. Captura el espíritu de la "política de la irrealidad" que, según Richter, surgió en 2003 alrededor de Irak. https://www.residentadvisor.net/reviews/22569
Disc 1 01. The Blue Notebooks 02. On The Nature Of Daylight 03. Horizon Variations 04. Shadow Journal 05. Iconography 06. Vladimir's Blues 07. Arboretum 08. Old Song 09. Organum 10. The Trees 11. Written On The Sky
Disk 2 01. A Catalogue Of Afternoons 02. On The Nature Of Daylight (Orchestral Version) 03. Vladimir's Blues 2018 04. On The Nature Of Daylight (Entropy) 05. Vladimir's Blues (Jlin Remix) 06. Iconography (Konx-Om-Pax Remix) 07. This Bitter Earth / On The Nature Of Daylight 08. Cypher
Olivia Belli es la pianista italiana más prometedora del momento. Nacida en Mantua pero crecida en Trieste, Olivia estudió piano clásico en el conservatorio y pronto desarrolló su afinidad con compositores de los siglos XX y XXI como Glass, Ligeti, Reich y Stockhausen y Ludovico Einaudi. Desde niña ha estado rodeada de música y esta pasión la ha acompañado siempre a lo largo de su vida. A principios de la década de 2000, ella y su marido, Enrico Belli, también músico, fundaron el festival «Perpianosolo Meeting«, en el que trabajaban en colaboración con otros artistas, como bailarines, actores, fotógrafos, escritores y pintores, reflejando su amor por las artes.
Sol Novo un album de La pianista y compositora italiana Olivia Belli. El título ‘Sol Novo’ significa ‘nuevo sol’ o ‘Nuevo día’. Teniendo muy presentes sus raíces italianas, Belli eligió el título de "La divina comedia" de Dante (1265-1321), cuyo 700º aniversario se celebra este año. No obstante, también es una referencia a la hora de la mañana que tanto le gusta y a los numerosos tipos de luz natural que uno puede presenciar en su región natal. "Sol Novo" está repleto de pistas y referencias al campo, los pueblos y las montañas que rodean a la artista por un lado, y el océano, la playa y la costa por el otro
Olivia Belli ha pasado de compositora de granja a estrella internacional, pero su música sigue siendo tan íntima como el sol sobre las montañas. La intimidad está presente en sus sencillos de vídeo, que a menudo la retratan sola al piano. Sol Novo fue anunciado en primavera, y cada mes ha surgido un nuevo sencillo, arrojando luz sobre una faceta diferente del proyecto general.
El título del álbum puede significar New Sun o New Day, y refleja el momento favorito de Belli para componer. Los niños todavía pueden estar durmiendo mientras el sol se cuela sobre los campos en un lado de su casa de campo y el mar en el otro. Esto suena como un lugar increíble para vivir. La mañana trae reflexividad y una sensación de serenidad, transmitida a través de piezas tiernas. Metafóricamente, el mundo también está esperando un nuevo día: la esperanza de aterrizar en una orilla de relativa paz y seguridad, removido del encierro y el aislamiento, la acritud y la guerra. https://oliviabelli.com/sol-novo
01 - Sol Novo (00:03:32) 02 - Upland (00:02:58) 03 - Lea (00:03:15) 04 - Two Seas (00:03:32) 05 - Island I (00:02:10) 06 - Open Air (00:02:49) 07 - Bora (00:03:48) 08 - Grain Moon (00:03:23) 09 - Island II (00:02:23) 10 - Bilico (00:03:42) 11 - Fingers, Be Rain (00:03:24) 12 - Grembo (00:03:54) 13 - Visions to Come (00:03:00) 14 - Bleak (00:03:10) 15 - As I Was (00:03:27) 16 - The Light Endures (00:03:38)
El innovador compositor, intérprete y productor de música clásica moderna, Ólafur Arnalds, reúne a un grupo diverso de amigos y colaboradores para ‘some kind of peace -piano reworks-’, Con el piano central en cada pista, el mundo sonoro del álbum abarca desde cuerdas clásicas hasta electrónica ambiental.
Ólafur invita a estos diez artistas a experimentar y recrear su último álbum ‘some kind of peace’, un álbum que incluía dos temas de Ólafur nominados al Grammy, ‘The Bottom Line’ (feat. Bonobo) y ‘Loom’ (feat. Josin).
La colaboración es la piedra angular del trabajo de Ólafur. Haciendo un llamado a su comunidad creativa, cree que la música puede vivir como un organismo que se mueve y respira. Como él señala, “El corazón de una canción vive en el intérprete”. Lanzado en octubre, este distintivo álbum de 10 pistas celebra el carácter, el sonido y la interpretación individual de cada artista como la esencia de cada canción.
La formación abarca los mundos de la música clásica moderna, electrónica, jazz y alternativa, interpretada por el pianista y compositor surcoreano admirado en todo el mundo Yiruma, el pianista y compositor estadounidense Dustin O’Halloran, el pianista, productor y rapero de jazz del Reino Unido que desdibuja el género, Alfa Mist, la música electrónica el alter ego del productor Machinedrum, Tstewart, el cantautor, productor y compositor JFDR, el pianista, productor y compositor de Berlín Lambert, la pianista y compositora australiana Sophie Hutchings, la pianista y compositora cinematográfica Eydís Evensen y el pianista, compositor y productor de géneros cruzados Magnús Jóhann.
1 Loom – piano reworks - Eydís Evensen 2 Woven Song – piano reworks - Hania Rani 3 Spiral – piano reworks - Dustin O’Halloran 4 Still / Sound – piano reworks - Sophie Hutchings 5 Back To The Sky – piano reworks - Lambert 6 Zero – piano reworks - Alfa Mist 7 New Gras – piano reworks – TStewart 8 The Bottom Line – piano reworks - JFDR 9 We Contain Multitudes – piano reworks - Yiruma 10 Undone – piano reworks - Magnús Jóhann
Durante los últimos años, Nils Frahm ha estado construyendo un nuevo estudio en Berlín para hacer su séptimo álbum de estudio titulado All Melody, que se lanzó el 26 de enero de 2018 a través de Erased Tapes, antes de que Nils emprendiera su primera gira mundial desde 2015, Desde el día en que Nils se encontró por primera vez con el impresionante estudio de un amigo de la familia, había previsto crear uno propio a una escala tan grande. Nils es ahora el orgulloso anfitrión de Saal 3, que forma parte del histórico edificio Funkhaus de Alemania del Este de 1950, junto al río Spree.
Es aquí donde ha pasado la mayor parte de su tiempo deconstruyendo y reconstruyendo todo el espacio desde el cableado y la electricidad hasta la carpintería, antes de pasar a los elementos más finos; construyendo un órgano de tubos y creando una mesa de mezclas desde cero con la ayuda de sus amigos. Es en este lugar donde se puede nutrir la música y no descuidarla, y donde de alguna manera puede cumplir su propósito de presentar música al mundo lo más cerca posible de su imaginación. Sus álbumes anteriores a menudo han sido acompañados con una historia, como Felt (2011) donde colocó fieltro sobre los martillos del piano por cortesía a sus vecinos cuando grababa a altas horas de la noche en su antiguo estudio de dormitorio, y el siguiente álbum Screws ( 2012) cuando lesionó su pulgar lo obligó a jugar con solo nueve dedos. Su nuevo álbum nace de la libertad que proporcionaba su nuevo entorno, permitiendo a Nils explorar sin restricciones y mantenerlo todo sobre la melodía. A pesar de estar confinado dentro de las cuatro paredes majestuosas de la Funkhaus, enterrado en sus cámaras de reverberación, o en un antiguo pozo seco en Mallorca, All Melody es, de hecho, la prueba de que la música es ilimitada, atemporal, y refleja las capacidades de Nils . Desde el sueño de un niño hasta el restablecimiento de los parámetros de la música en sí. http://www.nilsfrahm.com/all-melody-2018/
Genero: Electronic, Ambient, Modern Classical
01. The Whole Universe Wants to Be Touched 02. Sunson 03. A Place 04. My Friend the Forest 05. Human Range 07. All Melody 08. #2 06. Forever Changeless 09. Momentum 10. Fundamental Values 11. Kaleidoscope 12. Harm Hymn
Yann Tiersen (nacido el 23 de junio de 1970) es un músico y compositor francés. Su carrera musical se divide entre álbumes de estudio, colaboraciones y bandas sonoras de películas. Su música involucra una gran variedad de instrumentos; principalmente la guitarra, el piano, el sintetizador o el violín junto con instrumentos como la melódica, el xilófono, el piano de juguete, el clavecín, el acordeón y la máquina de escribir.
A menudo se confunde a Tiersen con un compositor de bandas sonoras, y él mismo dice: "No soy compositor y realmente no tengo formación clásica", pero su verdadera atención se centra en las giras y los álbumes de estudio que, a menudo, resultan adecuados para el cine. . Su banda sonora más famosa para la película Amélie se compuso principalmente de temas extraídos de sus tres primeros álbumes de estudio.
Kerber, el álbum de Yann Tiersen, es un álbum basado en piano bellamente texturizado, altamente inmersivo y cuidadosamente construido, fusionado con música electrónica. Las penetrantes teclas del piano se fusionan con paisajes sonoros arremolinados, mientras Tiersen explora las posibilidades de la pequeñez infinita. El álbum fue creado y grabado en The Eskal, el estudio que construyó en Ushant (la isla donde vive), y 'Kerber' lleva el nombre de una capilla en un pequeño pueblo de la isla, mientras que cada pista mapea sonoramente el paisaje que rodea el hogar de Tiersen.
Hania Rani es una pianista, compositora y músico que divide su vida entre Varsovia, donde tiene su hogar, y Berlín, donde estudió y a menudo trabaja. Ha escrito musica para cuerdas, piano, voz y electrónica y ha colaborado con artistas como Christian Löffler, Dobrawa Czocher y Hior Chronik. Ha actuado en algunos de los lugares más prestigiosos de Europa, desde la Filarmónica Nacional de Varsovia hasta Funkhaus en Berlín, The Roundhouse en Londres y en festivales como Open’er, Scope Festival y Eurosonic. Sus composiciones para piano solo nacieron de una fascinación con el piano como instrumento, y su deseo de interpretar su sonido y sus posibilidades armónicas en su totalidad y a su manera.
Escribir música para cine y teatro siempre ha sido una parte importante del mundo musical de Hania Rani. También es una parte del proceso creativo que puede estar tentadoramente fuera del alcance de los oyentes, ya sea que el proyecto no se haga realidad o la música simplemente no esté disponible fuera de la película o la obra. Desde las primeras colaboraciones con amigos hasta las dos bandas sonoras del año pasado para largometrajes (xAbo: Father Boniecki dirigida por Aleksandra Potoczek y I Never Cry dirigida por Piotr Domalewski '), Rani ha estado involucrada en muchos proyectos de este tipo, cada uno representando un paso importante en su vida. desarrollo artístico y vida como compositor y artista. https://haniarani.bandcamp.com/album/music-for-film-and-theatre
1 Prayer (From Xabo: Father Boniecki) 3:31 2 In Between (From Xabo: Father Boniecki) 3:10 3 Journey (From Xabo: Father Boniecki) 4:26 4 Trip To Ireland (From I Never Cry) 1:51 5 The Beach (From I Never Cry) 2:56 6 The Locker Room (From I Never Cry) 2:26 7 At The Hospital (From I Never Cry) 1:03 8 Waiting (From At Home) 1:40 9 Wildfires (From Truth in Fire) 5:15 10 Ghosts (From Pradziady) 3:03 11 Soleil Pâle 3:53 12 Nora (From Nora) 5:15
Penguin Cafe está de regreso con una reedición del décimo aniversario producida con amor de su álbum debut, titulado A Matter of Life… 2021. Además de ser completamente remasterizado y prensado en vinilo por primera vez, el disco también incluye una nueva grabación de 2021 del sencillo principal. Harry Piers, una canción que conmemora al difunto padre de Arthur Jeffes y fundador de Penguin Cafe Orchestra, Simon Jeffes.
A Matter of Life… 2021 es una oportunidad para que un ejemplo clásico de la belleza que se encuentra en la colaboración llegue a nuevos oídos, y una oportunidad para dar nueva vida a los favoritos de los fans. El álbum, interpretado por una mezcla de personalidades, incluidos Neil Codling de Suede y, en la percusión, Cass Browne de Gorillaz, incorpora la estética del PCO original, sazonado en un estilo seguro y redefinido, manteniendo ese sonido típicamente inglés, pero agregando un nueva dirección y una sensación de que están evolucionando hacia algo nuevo y muy propio.
“Originalmente escribí Harry Piers para tocar en el funeral de mi padre hace 24 años, y lo toqué al final de casi todos los conciertos (y pruebas de sonido) que hemos hecho desde entonces, así que probablemente lo haya tocado cientos si no miles de veces desde que lanzamos originalmente A Matter of Life... Así que cuando decidimos reeditar el álbum, Robert y yo pensamos que sería divertido grabar una versión actualizada de esta canción, porque ha cambiado con el tiempo y sigue evolucionando. Entonces, si bien esta sigue siendo en gran medida la misma melodía, creo que tiene muchos más matices y detalles que reflejan los años que han pasado desde 2011. Ha sido realmente maravilloso volver con estos viejos amigos, y con esta reedición Los traeré a todos para tocar en vivo nuevamente. Ahora con cuatro álbumes, y con nuestro nuevo hogar en Erased Tapes, tiene mucho sentido para nosotros regresar y sacar este disco y descartarlo por hoy”. —Arthur Jeffes
La portada también recibió una actualización en forma de una hermosa fotografía tomada por el fotógrafo británico y colaborador de mucho tiempo Alex Kozobolis, quien fue enviado a visitar a Arthur en su segundo hogar en la Toscana. El concepto de Raths para esto era no solo recrear la pintura original de Emily Young, sino también expresar el cambio generacional poniendo a Arthur y su hija en lugar del niño pequeño y la figura del pingüino emperador que sugieren padre e hijo.
1. That, Not That (4:24) 2. Landau (4:55) 3. Sundog (2:32) 4. The Fox and the Leopard (3:02) 5. Finland (4:56) 6. Pale Peach Jukebox (5:02) 7. Harry Piers 2021 (4:05) 8. Two Beans Shaker (2:02) 9. From a Blue Temple (8:40) 10. Ghost in the Pond (4:08) 11. Coriolis (2:04)
Svalbard fue escrito en el invierno de finales de 2018 a 2019 en el archipiélago noruego, lejos de su lugar de nacimiento en Hamburgo. Las islas están aisladas y sus paisajes cambiantes relativamente rápidos muestran efectos inmediatos y visibles del cambio climático. Estos pensamientos pesan mucho en el corazón y la mente del artista de 25 años, cuyo proceso se vio enriquecido por el entorno que eligió para escribir. Niklas se acomodó de inmediato en la paleta azul oscuro del invierno: un piano lo esperaba y trajo el acordeón del abuelo y un nuevo armonio eléctrico junto con una pequeña cantidad de otros instrumentos. Una vez que Niklas terminó de escribir, llevó estas composiciones a Andy Barlow de Lamb (U2, Fink y Willie Nelson). En Brighton trabajaron juntos y Andy grabó, produjo y mezcló Svalbard hasta su estado final. Svalbard abre con “If”, una canción que articula las huellas que estos entornos han dejado en la mente de Niklas: algo apremiante está presente en la música. Todas estas impresiones provienen de una pieza musical que es a la vez melancólica y positiva, algo que puede acunarnos de la ansiedad. 'Svalbard' equilibra una perspectiva turbulenta con abrazos pacíficos. Una relación inspirada en el archipiélago noruego situado en el Océano Ártico, lugar donde el cambio climático un tema querido por el compositor alemán y su generación- es más evidente.
Recién llegada de Música para cine y teatro, Hania Rani forma equipo con la renombrada violonchelista y amiga de la infancia Dobrawa Czocher para las exquisitas Inner Symphonies. El álbum fue concebido durante la pandemia mientras ellas consideraban cómo podrían animarse mutuamente y ofrecer esperanza a través de su música. El dicho de la abuela de Hania "Llegará la primavera, eso seguro" se refleja en el título de la pista final y en el estado de ánimo optimista del álbum. El tono pasa de sobrio y contemplativo a exuberante y desatado, como se demuestra en el contraste entre la obertura y “Con Moto” alegría agazapada detrás de un sofá. La pista presenta a una multitud de amigos en el auditorio del Teatro Juliusz Słowacki de Cracovia, el teatro bellamente iluminado. Al principio, uno es testigo de las ráfagas de notas que ahora asociamos con la interpretación de Rani. La pequeña orquesta puede estar tocando en un teatro vacío, pero la exuberancia de su sonido hace que los asientos parezcan llenos. El título significa "vivaz, con movimiento y espíritu", y estas artistas, amigas de la universidad, encarnan la definición.
Music and friendship are utterly intertwined for Hania Rani and Dobrawa
Czocher, the Polish duo who have just recorded their first album of
original music, Inner Symphonies. Friends since their teenage
years at music school in Gdansk, the pair share a spirit of adventure
and curiosity. Even as life took them on different paths – Hania as a
pianist and composer with two solo albums and a collection of songs
written for Cinema, Theatre and Art Performances to her name; Dobrawa as
solo cellist with the Szczecin Philharmonic –their friendship endured.
In 2015, they collaborated on an album Biala Flaga, featuring
their arrangements of Polish rock star Grzegorz Ciechowski’s msuic,
giving them a taste of recording success and leading to the yet more
ambitious Inner Symphonies. https://acloserlisten.com/2021/10/11/hania-rani-dobrawa-szocher-inner-symphonies/ https://www.hania-dobrawa.com/
01. Ouverture (3:55) 02. Con Moto (5:04) 03. Whale's Song (5:09) 04. Scream (4:36) 05. There Will Be Hope (4:37) 06. Anima (3:54) 07. Demons (8:34) 08. Malasana (5:22) 09. Dunkel (4:57) 10. Spring (7:41)
Yiruma nació el 15 de febrero de 1978, en Seul, Corea. Es un compositor de piano sur-coreano. Esta casado con Miss Corea, SonHye-im. Yiruma comenzó a aprender a tocar el piano en su casa a la edad de 5 años. En 1988 se mudó a Inglaterra y, en diciembre de 1996, participó en el álbum The Musicians of Purcell (Decca). Se graduó en “The Purcell of Specialist Music School” (Londres) en julio de 1997 y luego en el Kings College en Junio del 2000.
Yiruma - The Rewritten Memories (2021)
The Rewrite Memories es el primer álbum de estudio orquestal de Yiruma y presenta al propio compositor al piano. “Fue una experiencia desafiante pero interesante”, dice, describiendo la grabación del álbum con la Orquesta Sinfónica de Corea durante la pandemia de Covid-19. “Todos los miembros de la orquesta no podían reunirse simultáneamente y tenían que grabar parte por parte”.
La reelaboración de su colección significó que Yiruma finalmente pudo realizar muchos de los sonidos que había imaginado cuando compuso por primera vez las obras para piano solo. "Cuando tocaba 'River Flows In You', a menudo pensaba que una melodía de flauta funcionaría bien por encima; fue maravilloso explorar esto".
The Rewrite Memories abarca música de los 20 años de carrera de Yiruma, desde First Love de 2001 hasta su reciente composición Room With A View, una pieza dedicada a la alegría de quedarse en casa que, a pesar de haber sido escrita antes de la pandemia, proporcionó una banda sonora evocadora para 2020...
01. Kiss The Rain (Orchestra Version) 02. Sunset Bird (Piano Septet Version) 03. River Flows In You (Orchestra Version) 04. Maybe Christmas (Orchestra Version) 05. Nocturnal Mind in d minor (Piano Septet Version) 06. Reminiscent of Days (Orchestra Version) 07. Room With A View (Piano Septet Version) 08. La Fotografia (Orchestra Version)
Yiruma - SOLO (2021) SOLO es la segunda parte del proyecto para celebrar el 20 aniversario de la carrera musical de Yiruma. Frente a los arreglos orquestales y de cuerdas del primer lanzamiento 'The Rewrite Memories', 'SOLO', como se muestra en el título, contiene arreglos simples de piano solo que siempre han sido amados por sus fans. Revisando los repertorios de Yiruma desde los primeros días de hacer música, las canciones incluyen 'Spring Waltz', 'Joy', 'Kiss the Rain' y 'River Flows in You'.
1. Sometimes Someone 2. Destiny Of Love 3. Lost In Island 4. Shining Smile 5. Spring Waltz 6. River Flows In You 7. Joy 8. 27 May 9. The Sunbeams,They Scatter 10. I 11. If I Could See You Again 12. It's Your Day 13. Kiss The Rain 14. Lord Hold My Hand
En una entrevista para Mainly Piano Wayne Gratz dice que lo que más le gusta tocar es la música que aún no ha escrito. Le encanta improvisar al piano y, a menudo, se encuentra tocando hasta altas horas de la noche. La música de Wayne es extremadamente personal y se basa en sus propios sentimientos sobre las personas, los lugares y las experiencias. No suele tener una idea concreta cuando empieza a escribir una canción, pero cuando se le ocurre una idea que une la música con un lugar o sentimiento recordado, la experiencia es muy especial. Se esfuerza mucho por hacer coincidir los títulos de sus piezas con los sentimientos que describe para que otros puedan relacionarse y compartir la experiencia. Wayne Gratz tiene un don para las composiciones de piano melódicas y relajantes. Sus discos son excelentes. En su discografía, creo que hay cinco lanzamientos que destacan sobre todos los demás, Panorama, Blue Ridge, A Place Without Noise, Reminiscence y este que os presento A Gift Of The Sea, una maravilla para piano y ensemble.
Género: Classical Estilo: Modern
1 A Gift Of The Sea 5:27 2 At Sunrise 5:15 3 Oceanus 5:18 4 Steps In The Sand 4:51 5 Two Solitudes 4:03 6 Ships 4:57 7 Island 5:39 8 Spanish Galleon 4:50 9 Tidal Dance 4:54 10 By The Sea 5:39 11 Soaring 4:13 12 Shells 2:51
La contraportada de este CD indica que "Bruce Trail es el sendero más antiguo y más largo de Canadá". También es la razón de ser de una colaboración entre Mychael Danna, que tiene varias partituras de películas en su haber, así como grabaciones de sus propias composiciones más grandes, y su compatriota canadiense Tim Clement, un músico de habilidades proteicas y gustos católicos.
El sendero en sí se extiende por 100 km a lo largo de Niagara Escarpment, una Reserva Mundial de la Biosfera de la Unesco en el corazón de Ontario. Abarca una amplia diversidad de ambientes, desde los bosques del sur de Ontario en su comienzo en las Cataratas del Niágara y los tramos sureste del lago Ontario hasta los promontorios rocosos en su punto final en Tobermory en las costas de Georgian Bay.
Si bien encaja libremente bajo la rúbrica de la música new age, North of Niagara es un trabajo más incisivo y reflexivo que la mayoría de los que encontrará en esta área. Danna y Clement han bautizado su estilo combinado como "minimalismo romántico", lo que parece confirmarlo la propia música: hay una sobriedad en estas composiciones que, al tiempo que hacen un amplio uso de los recursos que ambos tienen a su disposición (y estos son dos músicos más ingeniosos), también ofrece una serie concentrada de pequeñas composiciones que evocan el estado de ánimo de una manera casi concreta. Los 12 segmentos que se ofrecen aquí brindan una destilación impresionante de las vistas, los sonidos y la sensación misma de una caminata por la naturaleza.
Esta es una música intensamente visual. Sospecho que si uno alguna vez ha caminado por el camino de Bruce, este álbum lo traería todo de vuelta. (Nunca he estado más lejos en Canadá que las tierras de cultivo del sur de Ontario, pero esta grabación me trae vívidos recuerdos de los confines de los Apalaches). Aunque en gran medida introspectiva, casi reflexiva en su estado de ánimo, esta música es cautivadora, sofisticada y bien construida. No todas las pistas son del calibre de "Mount Nemo" o "Remember Summer" (Danna tiende a dejar que sus tendencias de "música espacial" tomen el control), pero la calidad general es excepcional. Cada pieza es marcadamente individual, mientras que los puntos en común subyacentes unifican lo que podría llamarse una sinfonía en 12 movimientos. https://www.rambles.net/danna_niagara95.html
Género: Electronic Estilo: Modern Classical, Ambient
01.Cootes Paradise 02.Ravensview 03.Remember Summer 04.Old Mail Road 05.Mount Nemo 06.Silent Lake 07.Avening 08.Crooks Hollow 09.Headwater Trail 10.Crawford Lake 11.Green River Formation 12.Lookout Point
Kiasmos es el proyecto conjunto de dos amigos, el feroés Janus Rasmussen y el islandés Ólafur Arnalds. Estos dos amigos llevaban colaborando y coincidiendo juntos varios años hasta que decidieron comenzar este proyecto común en 2009 paralelo a sus respectivas carreras.
Ólafur es un compositor, productor y multi-instrumentista que comenzó como batería de hardcore hasta que, en 2004 les pasó su demo de composiciones caseras a los metaleros alemanes Heaven Shall Burn que, unos meses más tarde, le pidieron que hiciera varias intros instrumentales para sus álbumes. Fue el inicio de una carrera polifacética por la que ha ganado un BAFTA. Por su parte, Janus es integrante del cuarteto de electropop islandés Bloodgroup.
Juntos como Kiasmos han publicado split “65/Milo” (2009), dos EPs, “Thrown” (2012) y “Looped” (2015) y un esperado álbum homónimo “Kiasmos” (2014) de minimalismo experimental muy bailable grabado con un cuarteto de cuerda, batería, piano sintetizadores y cajas de ritmo. https://www.erasedtapes.com/artist/kiasmos
Kiasmos is the 2014 debut album by the Icelandic minimal experimental techno duo Kiasmos,composed of Ólafur Arnalds and Janus Rasmussen. It was released on 27 October 2014 on Erased Tapes Records. It's well-documented that neo-classical experimentalist Ólafur Arnalds and Bloodgroup's Janus Rasmussen form Kiasmos, an ambient techno project. The two are renowned musicians in their own rights, and Kiasmos doesn't stray far from what the pair do for their day jobs - it's all very atmospheric, structured and verging on the avante-garde.
Género: Electronic Estilo: Minimal Techno, Modern Classical
Matthias James Thurow (nacido el 25 de agosto de 1949 en Tübingen) es un músico (guitarra, bajo, teclados, sintetizador, también violín, sitar) y compositor alemán, que se desarrolló desde el rock hasta la música ambiental y también en el campo de la música teatral y cinematográfica.
Thurow tocaba la guitarra en la banda escolar Royal Servants a fines de la década de 1960; dio lugar a la banda de Krautrock Eulenspygel, que fue una de las primeras bandas de rock alemanas en trabajar con letras en alemán. Después de los dos primeros álbumes de Eulenspygel 2 y Committee, se fue, cambió al bajo y trabajó en la banda de fusión Et Cetera de Wolfgang Dauner. También trabajó para Dave Pike Set y Attila Zoller.
Thurow trabajó para la televisión mientras estudiaba literatura y ciencias políticas en la Universidad de Tübingen. Escribió artículos y guiones y compuso música para películas. Junto con Melchior Schedler, Wolfgang Dauner y Fred Braceful, la serie de televisión de cuatro partes Glotzmusik fue creada para ARD en 1974. A partir de 1976 Thurow empezó a trabajar para el teatro; contribuyó con más de 100 composiciones a varias obras de teatro. Entre 1978 y 1982 Thurow dirigió la música incidental en el Landestheater Esslingen. También estuvo de gira con su proyecto de rock Turo's Tutti y presentó el LP Halbzeit. Luego comenzó a trabajar en música acústica por computadora. En 1982 presentó el disco Agent Orange como Turo; la canción principal llegó a varias antologías de NDW.
Thurow continuó trabajando en teatro, radio, televisión y cine. Además, los álbumes Cornucopia y Melancholia fueron lanzados en el sello Erdenklang de Ulrich Rützel. A fines de la década de 1990 se mudó a Italia. En 2005 lanzó el álbum Ich bin, nuevamente grabado íntegramente por él mismo. También se le puede escuchar en álbumes de Friedemann, Anita Sarawak y Peter Rübsam.
Cornucopia o cuerno de la abundancia... Amáltheia era una ninfa o una cabra que con su leche alimentaba al niño Zeus. Zeus convirtió uno de los cuernos rotos de Amáltheia, del que antes había brotado néctar y ambrosía, en el cuerno inagotable y generoso de la abundancia. Como símbolo de sobreabundancia y prosperidad, produce todo lo que su propietario desea... Teclados, computadora y programación de sonido de última generación, trabajando con la computadora como una paleta de pintor.
Matthias Thurow dice:
El trabajo en este album me reveló un nuevo método de procedimiento que antes de esto lo había adoptado sin querer y por coincidencia. No concebí ni compuse la música de la manera convencional, pero traté de hacer uso del considerable trabajo y experiencia con computadoras como un pintor. Es decir, aplicar colores de tono, pintarlos, reagruparlos y luego volver a borrarlos, De esta manera resultaron piezas musicales que, desde mi punto de vista, tienen un estilo de escritura completamente nuevo. Todavía puedo recordar muy claramente una entrevista con Picasso. La cámara trató de capturar una fase de trabajo del maestro que, armado con una botella de vino tinto, se sentó en su estudio y simplemente comenzó a pintar, se dejó llevar, aparentemente hizo alternaciones arbitrarias, dibujó líneas, hizo manchas, y pronto algo fue creado que era fascinante; y aunque uno veía el proceso formativo, no podía captarlo. Este asunto de dejarse llevar, encontrarse y dejarse caer viene precedido de un largo proceso personal de experiencia y desarrollo al que me gustaría dedicarle mucho más espacio en mi trabajo. Para mí, este estilo de trabajo es creatividad sin restricciones, la expresión del sonido sin restricciones..
Género: Electronic Estilo: Ambient, New Age, Modern Classical
