El nuevo cuarteto Sissoko Segal Parisien Peirani presenta "Les Égarés" (El deambular), un disco grabado por dos dúos virtuosos (Sissoko-Segal y Peirani-Parisien), que durante años se han destacado en el arte de cruzar sonidos y trascender géneros.
Les Egarés es más que un disco. Es un espacio de juego, un lugar de vida musical, un asilo poético habitado por dos dúos: Ballaké Sissoko (kora) y Vincent Segal (violonchelo) por un lado y Vincent Peirani (acordeón) y Émile Parisien (saxo) por el otro. En el caso de estos magos, 2 + 2 ya no es 4, es 1. Porque lo que urden es en definitiva una unidad de espíritu, un sonido único y fluido que desdeña toda forma de competitividad egoísta y pone a cada participante al servicio de un bien musical común. Ni jazz, ni tradicional, ni de cámara, ni vanguardista, sino un poco de todo a la vez, Les Egarés es el tipo de álbum que hace del oído el rey de todos los instrumentos, un álbum donde el virtuosismo se expresa en el arte de la complicidad, donde la simple y grandiosa idea de escucharse unos a otros da como resultado el nacimiento de una espléndida canción a cuatro voces. Un disco sin voz solista que nunca deja de cantar. “Caminas sin saber a dónde vas, dejándote llevar y dándote el placer de perderte”, resume Vincent Segal. https://sissokosegalparisienpeirani.bandcamp.com/album/les-gar-s-3
Ballaké Sissoko, kora Vincent Segal, cello Emile Parisien, soprano saxophone Vincent Peirani, accordion, accordina
1. Ta Nyé 2. Izao 3. Amenhotep 4. Orient Express 5. La Chanson des Egarés 6. Esperanza 7. Dou 8. Nomad’s Sky 9. Time Bum 10. Banja
Nacida en Michigan en 1958 y criada en Indiana, pasó varios años de su
juventud en Ghana junto a su familia. En París, conoció al violinista
Darol Anger y creó una fructífera colaboración musical. Juntos grabaron
el álbum Tideline (1982), uno de los primeros álbumes exitosos de
Windham Hill. Dos años después se reunieron con los músicos Mike
Marshall, Todd Phillips y Andy Narrel para presentarse en el reputado
Montreux Jazz Festival. El concierto fue considerado un éxito, llegando
incluso a ser grabado y publicado en un álbum en vivo titulado Live at
Montreux–Darol Anger/Barbara Higbie Quintet. Luego de grabar dos álbumes
de estudio, Sign Language y Let Them Say, el grupo se separó.
Ha grabado discos con los sellos Windham Hill, Olivia/Second Wave y Slowbaby Records. Sus géneros varían entre el folk, jazz y pop, y destaca por sus melódicas ejecuciones de piano en el jazz. Ha realizado giras nacionales e internacionales desde la década de 1980. Grabó un álbum aclamado por la crítica junto a la cantante Teresa Trull llamado Unexpected en 1983.1 Higbie y Trull se reunieron de nuevo en 1997 para grabar un álbum titulado Playtime. Desde 1990, Barbara Higbie ha publicado varios trabajos discográficos con los sellos Windham Hill y Slowbaby. Barbara ha colaborado además con artistas y bandas como Bonnie Raitt, Terry Riley, The Kronos Quartet, Jaron Lanier, Cris Williamson, Holly Near, Teresa Trull y Ferron. Murmuración: grupo numeroso de aves, generalmente estorninos, que vuelan, se lanzan en picado y cambian de dirección juntas; La clave matemática para que la bandada se mueva con gracia a través de la incertidumbre es que cada ave realiza un seguimiento de exactamente otras siete aves. Estas imágenes describen la impresionante y evocadora grabación instrumental de 2021 de la maestra músico y compositora Barbara Higbie. Como continuación de su aclamado álbum Resonance de 2019, se refiere a Murmuration como la parte II de su "Chillogy", una trilogía de álbumes relajantes, una medicina perfecta y muy necesaria para mantener la calma, pero al mismo tiempo alerta, durante estos intensos momentos.
Barbara Higbie - Resonance (2019)
01. Resonance (05:01) 02. Made It Through (03:48) 03. Great Blue Heron (04:48) 04. Atakpame (04:43) 05. Generous Heart (03:13) 06. The Land (04:12) 07. Morning on the Lake (08:38) 08. Trees I’ve Known (05:09) 09. Water Lilies (03:23) 10. Celtic Roots (04:11)
Barbara Higbie - Murmuration (2021)
01. Trees Unknown (04:33) 02. Tango Aurelio (04:59) 03. Patrick (03:34) 04. Middle of the Night (04:17) 05. Frances (04:04) 06. Rydin Road (06:37) 07. Stillness (03:16) 08. Inspiration Point (05:21) 09. Murmuration (04:13) 10. North Fork (03:22)
Gnosis es el sustantivo griego común para el conocimiento (γνῶσις, gnōsis) El término se utiliza en varias religiones y filosofías helenísticas. Se conoce mejor desde el Gnosticismo, donde significa un conocimiento o perspicacia de la verdadera naturaleza de la humanidad como divina, que conduce a la liberación de la chispa divina dentro de la humanidad de las limitaciones de la existencia terrenal.
Un monumento sublime y trascendente a uno de los primeros mentores de Zorn: Ennio Morricone. Con la conmovedora guitarra de Bill Frisell dentro de las mágicas sonoridades del vibráfono, el arpa y las campanas, la música adquiere un barrido orquestal épico con la presencia adicional del teclista invitado especial John Medeski en órgano y piano. Llena de hermosas armonías, un impulso rítmico y un lirismo impresionante, esta es una de las músicas más exuberantes y espirituales que Zorn haya escrito jamás. Verdaderamente Música de los ángeles: Música de cámara íntima para sanar un Corazón dolorido interpretada por uno de los conjuntos más etéreos del mundo.
El álbum de John Zorn Gnosis: The Inner Light sirve como un conmovedor memorial y homenaje al genio creativo de uno de los compositores más visionarios de la música moderna, Ennio Morricone, que jugó un papel vital en la configuración del camino musical de Zorn. Hace décadas, Zorn cautivó al público con The Big Gundown (Nonesuch, 1986), un lanzamiento plántumos que reimaginó audazmente las composiciones de Morricone. Ahora, con Gnosis: La Luz Interna, Zorn vuelve a rendir homenaje a la influencia perdurable del maestro, ahondando en reinos místicos y creando una colección embrujada de piezas luminosas de cámara. Con el Trío Gnóstico, con Carol Emanuel en arpa, Bill Frisell en la guitarra y Kenny Wollesen en vibúfono, así como la fascinante presencia de John Medeski en órgano y piano, Zorn elabora una experiencia musical profundamente introspectiva y espiritualmente resonante.
A pesar de su modesta instrumentación, Gnosis: La Luz Interna irradia una cualidad orquestal que envuelve con sus exuberantes armonías y paisajes musicales encantadores. La exploración de Zorn de misticismo y tradiciones místicas no sólo es evidente en la esencia espiritual del álbum, sino que también se refleja en los evocadores títulos de canciones que nos hacen señas hacia profundidades ocultas. Este álbum muestra su capacidad para traspasar fronteras y crear música cautivadora que resuene a un nivel profundo. Gnosis: La Luz Interna mezcla sin esfuerzo los géneros, evocando una gama de emociones y profundizando en temas espirituales. Su belleza embrujada, sus armonías divinas y su profundo se linaman como un testimonio del compromiso inquebranscante de Zorn para expandir los horizontes de la música contemporánea. https://www.allaboutjazz.com/gnosis-the-inner-light-john-zorn-tzadik
Featuring – The Gnostic Trio Guitar – Bill Frisell Harp – Carol Emanuel Organ, Piano, Electric Piano [Fender Rhodes] – John Medeski Vibraphone – Kenny Wollesen
1 Gnosis 6:31 2 Poimandres 4:16 3 Dance Of The Cross 8:00 4 Three Forms Of First Thought 2:08 5 Kephalaia 4:52 6 Parthian Songs 6:50 7 Prayer Of The Messenger 3:25 8 Sophia=Wisdom 3:21 9 Garment Of Light 3:12
¿Combinación del sonido oriental con el occidental? El maestro de Oud, vocalista y compositor Dhafer Youssef está a la vanguardia de un movimiento en la música contemporánea que une Oriente y Occidente. Él está construyendo puentes entre diferentes músicas. Como uno de los intérpretes de Oud más inventivos, ha liberado el instrumento de su papel tradicional y lo ha llevado al jazz.
Dhafer Youssef ha tocado con músicos de todo el mundo, incluidos Herbie Hancock, Husnu Senlendirici y Zakir Hussain. Ganó dos veces el prestigioso premio Dutch Edison y los BBC Music Awards. Su voz aguda de muecín y su voluptuoso laúd le valieron la atención en el Echo Jazz. Como figura en la escena del jazz fusión contemporáneo, la belleza extraña y fascinante de su música es un viaje a través del diálogo entre Oriente y Occidente.
En Street of Minarets, Dhafer ofrece un regalo para los soñadores, los amantes, los luchadores y los oscuros. Lo que alguna vez fue un proyecto inconcluso que sintió que le faltaba el alma que su música suele tener, superando los obstáculos de la ansiedad y la cirugía vocal durante la pandemia reavivaría su eterno amor por la música y le brindaría la motivación que necesitaba para reescribir y reorganizar. el record. El resultado es un viaje identificable de sufrimientos y éxitos, que en última instancia destaca la capacidad de recuperación inspiradora de Dhafer.
Bansuri – Rakesh Chaurasia Bass Guitar – Marcus Miller Double Bass – Dave Holland Drums – Vinnie Colaiuta Electric Guitar – Nguyên Lê Grand Piano, Synthesizer – Herbie Hancock Oud, Vocals – Dhafer Youssef Percussion – Adriano Dos Santos Trumpet – Ambrose Akinmusire
1. Street of Minarets 2. Bal d'me 3. SharQ Serenade ("SharQ" Suite) 4. Funky SharQ ("SharQ" Suite) 5. Flying Dervish Intro ("Omar Khayyam" Suite) 6. Flying Dervish ("Omar Khayyam" Suite) 7. Flying Dervish Outro ("Omar Khayyam" Suite) 8. Sudra Funk 9. Whirling in the Air 10. Spinning Hermit 11. Herbie's Dance 12. Ondes of Chakras
Svaneborg Kardyb son Nikolaj Svaneborg - Wurlitzer, Juno, piano y Jonas Kardyb - batería, percusión, un dúo ganador de múltiples premios de Dinamarca, donde ganaron dos "grammys" en los Danish Music Awards Jazz 2019: Nuevo artista del año y Compositor del año. Basándose en la música folclórica danesa y las influencias del jazz escandinavo, incluidos Nils Frahm, Esbjörn Svennson y la histórica grabación de Jan Johansson Jazz På Svenska, su música es una fusión exquisita y alegre de hermosas melodías, minimalismo delicado, ritmos pegadizos, sutiles vibraciones electrónicas, atmósferas nórdicas y interacción orgánica, todo respaldado por la pura alegría de tocar juntos. "Comenzamos temprano en la mañana con el café más negro, a veces incluso sin hablar, solo música. Inmediatamente sentimos una conexión entre nuestro estilo personal de tocar y las composiciones surgieron como de la nada. El ambiente de estas primeras sesiones sigue siendo la columna vertebral de nuestra pequeña banda".
Svaneborg Kardyb proviene de Aalborg, en Jutlandia, en el norte de Dinamarca, donde se conocieron por primera vez en 2013 y discutieron la posibilidad de crear un dúo en conversaciones nocturnas. Pasaron los años mientras ambos exploraban otros proyectos antes de que finalmente se dieran cuenta de la idea de hacer música juntos. Al igual que sus nuevos compañeros de sello, Vega Trails, Svaneborg Kardyb son un dúo, un formato que les da mucho espacio para ocupar o dejar en blanco. "Disfrutamos de la simplicidad y el enfoque que le da a la interacción. Venimos de entornos musicales muy diferentes; Nikolaj del jazz escandinavo y Jonas de Roots, blues y folk, por lo que la música es una suma de nuestras contribuciones personales y no quiere ser otra cosa que eso. Es bastante único para nosotros tener esta lengua musical compartida y esta amistad".
Su música es intencionalmente simple a primera vista, pero evoluciona y se desarrolla a través de la escucha con el tiempo, con mucho espacio para la exploración, la reflexión y la improvisación. Su objetivo es crear música lo más honesta e íntima posible "con melodías y ritmos tan fuertes que nos quedemos solo como mensajeros". Y su química musical de rápido desarrollo les permitió pensar poco en cuáles eran sus influencias musicales. Dando a su música un encanto cautivador. "Exploramos los sonidos y las estructuras musicales que nuestra dualidad dio a luz y, a través de largas jam-sessions, encontramos pequeñas semillas de ideas que se convirtieron en melodías. Las canciones tradicionales danesas, el canto comunitario y los himnos también son una gran inspiración. Tanto el lenguaje tonal como el melodías líricas y la forma en que las generaciones pueden reunirse alrededor de la música.
Over Tage (over roofs) es su tercer álbum, después de Knob (2019) y Haven (2020) y marca su debut para Gondwana Records, un sello que destaca por trabajar con artistas como Mammal Hands, Portico Quartet y GoGo Penguin cuya música, como esa de Svaneborg Kardyb se deleita en explorar los fértiles espacios entre géneros. Para el dúo es su disco más serio y reflexivo hasta la fecha. "Puede que sea nuestro disco más sólido y honesto hasta el momento. Las dudas y la incertidumbre fueron la base de los sonidos del álbum, pero también hay esperanza y muchos momentos edificantes y estamos muy contentos con el resultado". Y es esa mezcla de elevación y consideración, honestidad e intimidad lo que hace que la música de Svaneborg Kardyb sea tan especial y que Over Tage sea tan placentero de escuchar. https://svaneborgkardyb.com/ https://www.facebook.com/svaneborgkardyb/?fref=mentions&locale=ff_NG
Jonas Kardyb - batería y percusión Nikolaj Svaneborg - Wurlitzer, sintetizador y piano Sune Pors - guitarra (pistas A2, A3 y B5) Jakob Sørensen - trompeta (pistas A2, A3, A5 y B3) Jonas Scheffler - trompeta ( pistas A2, A3, A5 y B3)
Castalia (1988) es un álbum del trompetista estadounidense y sintesista Mark Isham. El título se refiere a la mítica primaveral Castalia en el Monte Parnasso en Grecia.
Este álbum cuenta con un conjunto más grande de músicos que los anteriores álbumes de Isham. Entre los artistas que actuaron en este álbum se encuentran los guitarristas David Torn y Peter Maunu, el bajista Patrick O'Hearn, el baterista Terry Bozzio y el vocalista Gayle Moran. O'Hearn, Bozzio y Maunu estaban todos en la banda de Isham Grupo 87. El trabajo de guitarra atmosférica de Torn y el bajo de O'Hearn hacen una contribución importante al estilo único de este álbum. La mayoría de las piezas se encuentran en un formato largo, a menudo comenzando con sutiles texturas y estallando en composiciones más activas. La canción "In the Warmth of Your Night" solo está disponible en el CD.
Mark Isham - trumpets, keyboards, electronics, percussion David Torn - guitars, treatments Mick Karn - bass Terry Bozzio - drums Paul McCandless - oboe, english horn, bass clarinet, saxophones [soprano & sopranino] Peter Maunu - guitar Patrick O'Hearn - bass Kurt Wortmann - drums Bill Douglass - ac. bass Gayle Moran - vocals John Isham - highland bagpipes
1 The Grand Parade 05:52 2 Tales From the Maidan 06:37 3 In the Warmth of Your Night 09:19 4 My Wife With Champagne Shoulders 05:31 5 A Meeting With The Parabolist 13:15 6 A Dream of Three Acrobats 08:01 7 The Gracious Core 09:02
El quinto álbum de Tom Waits para Asylum presagiaba cambios que alterarían su carrera durante los próximos seis años. Señala una inquietud musical que alimentó sus siguientes dos discos (Blue Valentine y Heartattack and Vine), y resultó en que escribiera una banda sonora para una película y dejara el sello para Island, donde se le dio un mayor control artístico. Se apoya menos en el alivio cómico aquí y más en canciones de historias completamente formadas. El álbum contiene más baladas que la mayoría de sus discos, pero fueron los vehículos más efectivos para el tipo de narración a la que estaba tratando de llegar. La canción "Perfect Strangers" inspiró al director Francis Ford Coppola a dar forma a los personajes de su película One from the Heart (también convenció a Waits para que hiciera la música, lo que llevó a la icónica colaboración de Waits con Crystal Gayle).
Producido y diseñado por Bones Howe, Foreign Affairs fue grabado en vivo en el estudio por un quinteto que incluía a los jazzistas de la costa oeste Jack Sheldon en la trompeta, el saxofonista Frank Vicari, el bajista Jim Hughart y la baterista Shelly Manne. El acompañamiento adicional estuvo a cargo de una orquesta arreglada y dirigida por Bob Alcivar. Introducido por el instrumental "Cindy's Waltz", que suena como una señal cinematográfica, es seguido por el anhelo blues, solo-en-un-sábado-por-la-noche expresado en "Muriel". El mencionado "Perfect Strangers" es un dueto con Bette Midler. Ofrece un diálogo lírico entre dos veteranos asediados que se encuentran (nuevamente) como los últimos clientes en un bar a la hora del cierre. Su ingenioso y directo intercambio es endulzado por florituras ahumadas de saxo tenor, cuerdas hinchadas y trampas cepilladas detrás del piano de Waits. Aunque no descarta sus influencias Beat Generation. Mira el popurrí oscilante de su "Jack & Neal", con "California, Here I Come" de Al Jolson como una guía de viaje para un viaje por carretera que se fue. Los rastros fantasmales de "Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)" se escuchan en una melodía prestada de un vals de salón con una copa de nostalgia agridulce en la encantadora "A Sight for Sore Eyes". El largo "Potters Field" revisa las tablas armónicas del tema de Richard Rodgers para Slaughter on Tenth Avenue y "Rhapsody in Blue" de Gershwin (con el clarinete de Gene Cipriano) antes de profundizar en el blues-jazz escaso y noirish. Su letra es tan oscura y dramática como "Small Change (Got Rained on with His Own 38)", creando una narrativa digna de una película de Sam Fuller. "Burma Shave" es un solo de piano y un canto vocal a los recuerdos de los impulsos que Waits tomó con su padre a través del lado sórdido de la vida. Mientras que el funky blues-cum-rhumba de "Barber Shop" agrega arrogancia y pop al lirismo posterior al ritmo de Waits, la canción que da título al cierre regresa a la balada para ofrecer una meditación agridulce sobre la perspectiva del "hogar": lo que representa en el corazón a diferencia de lo que realmente es, todo de un tipo que vive en el Tropicana Motor Hotel. Foreign Affairs es uno de los títulos más injustificadamente pasados por alto en el catálogo de Waits. Mantiene su atractivo, y suena menos anticuado, que muchas de sus entradas más populares.
Bones Howe, el productor de Foreign Affairs, dijo sobre el concepto original del álbum y el enfoque de la producción: Waits me habló sobre hacer este material. Dijo que iba a hacer primero los demos, y después me dejaría escucharlos. Luego me decía lo que deberían llegar a ser. Escuché el material y dije que era como una película en blanco y negro. De ahí salió la portada, la idea de que iba a ser como una película en blanco y negro". El álbum incluye a Bette Midler cantando a dúo con Waits en "I Never Talk to Strangers".
Retratada junto a Waits en la portada está una mujer llamada Marchiela, que trabajó en la oficina de The Troubadour en Los Ángeles.Según Howe: "Para la portada Waits quería transmitir el estado de ánimo de la mayoría de las canciones. El retratista veterano George Hurrell fue contratado para fotografiar a Waits, tanto solo como con una mujer sombreada, cuyo anillo con incrustaciones en la mano derecha sujeta un pasaporte en el pecho de Waits.
Gene Cipriano: clarinete "Potter's Field" Jim Hughart: bajo Shelly Manne: batería Bette Midler: voz en "I Never Talk to Strangers" Jack Sheldon: trompeta Frank Vicari: saxofón tenor Tom Waits: piano y voz
1 Cinny's Waltz 2 Muriel 3 I Never Talk To Strangers Featuring – Bette Midler 4 Medley: Jack & Neal / California, Here I Come 5 A Sight For Sore Eyes 6 Potter's Field Clarinet, Soloist – Gene Cipriano 7 Burma-Shave 8 Barber Shop 9 Foreign Affair
El trío de break-beat emotivo y cinematográfico GoGo Penguin está de regreso, con su nuevo álbum Everything Is Going to Be OK - 14 de abril de 2023. Rebosante de optimismo de nuevos comienzos, con un nuevo baterista, un nuevo sello discográfico (Sony Music impronta electrónica y neoclásica XXIM Records), y un sonido sutilmente actualizado y desarrollado, la banda está marcando el comienzo de una era más liberada desde el punto de vista sonoro.
Everything Is Going to Be OK nace de una época de turbulencia y pérdida. Durante un período personalmente difícil para la banda, que incluyó una profunda pérdida personal y duelo, el estudio le ofreció a la banda un santuario de la vida real. La vida tiene muchos aspectos excelentes y, a pesar de los momentos bajos, debemos estar atentos y agradecidos de celebrar los momentos buenos en todo momento. A través de nuestras dificultades, juntos, saldremos más fuertes.
GoGo Penguin es un trío de piano de Manchester, Reino Unido. Formado en 2012, el segundo álbum del trío, v2.0, fue nominado en 2014 para el Mercury Music Prize y en 2016, el trío firmó con Blue Note Records, lanzando un trío de álbumes aclamados: Man Made Object, A Humdrum Star y GoGo Penguin. así como dos EPS y un álbum de remezclas GGP/RMX. Fueron los artistas instrumentales contemporáneos más vendidos de Blue Note y vendieron más de 300.000 álbumes.
La banda compone y actúa como una unidad y los miembros de la banda se refieren a su música como “acústica-electrónica”. Su música acústica en gran medida (pero no exclusivamente) se basa en break-beats, influencias clásicas, jazz, melodías de piano minimalistas, líneas de bajo potentes, baterías inspiradas en la electrónica y riffs de himnos.
Al describir la música de GoGo Penguin, los críticos con frecuencia han hecho referencia a Esbjörn Svensson Trio, Aphex Twin, Squarepusher, Massive Attack, Brian Eno y a los compositores clásicos Shostakovich y Debussy, o incluso a compositores de música minimalista contemporánea como Philip Glass.
GoGo Penguin ha realizado numerosas giras a nivel internacional, actuando en festivales internacionales como Coachella, Outside Lands, Fuji Rock, Blue Dot, Montreal Jazz Festival, La Vienne, Pukkelpop, North Sea Jazz y muchos más, y ha agotado las entradas en lugares en todo el mundo desde The Royal Albert Hall hasta La Cigalle vía Paradiso y Bowery Ball Room. En 2015, el trío estrenó su propia música original para la película de culto "Koyaanisqatsi", y presentó el espectáculo ante un público extasiado de todo el mundo. https://gogopenguin.co.uk/
Músicos: Chris Illington (piano), Nick Blacka (contrabajo) y Jon Scott (batería)
1 You're Stronger Than You Think 2 Glimmerings 3 Saturnine 4 Glow 5 Friday Film Special 6 Soon Comes Night 7 An Unbroken Thread Of Awareness 8 We May Not Stay 9 Everything Is Going To Be OK 10 Last Breath 11 You're Stronger Than You Think (Revisit) 12 Parasite 13 Sanctuary
El grupo Montreux era considerado la "all-star-band" del sello Windham Hill, compuesto por cuatro de sus artistas más ilustres: Darol Anger (violín), Mike Marshall (mandolina/guitarra), Barbara Higbie (piano) y Michael Manring (bajo). Sign Language marca la primera grabación de estudio del grupo, habiendo sido precedida por una grabación en vivo bien recibida, y se construyó sobre el profundo vínculo que Higbie y Anger ya habían desarrollado en una serie de lanzamientos anteriores como Tideline y Live at Montreux. El grupo estaba formado por amigos cercanos que habían pasado tiempo juntos en proyectos individuales, experimentando y tocando. A los cuatro núcleos de Sign Language se unen los músicos invitados Will Kennedy (batería), Andy Narell (Steel pans), Benjy Wertheimer (tabla) y Frank Holder (percusión).
El tema "To Be" fue nominado a un Grammy.
Darol Anger violin, low violin, voice Mike Marshall acoustic steel strings, classical and high string guitars, electric classical guitar, mandolin, octave mandolin Barbara Higbie piano, synthesizers, voice Michael Manring bass, high bass, voice, percussion, synthesizer on 2,8, synth programming Special Guests: William Kennedy drums Andy Narell steel pans on 4 Benjy Wertheimer tabla on 2,5 Frank Holder percussion on 1,6
1 Skywriting 4:06 2 Sign Language 4:53 3 Sweet Intentions 4:25 4 Jacob Do Bandolim 5:28 5 In The Shadow Of The Blimp 5:54 6 To Be 3:36 7 Grant Wood 5:29 8 Circular Birds 4:30 9 Just Walking 6:28
La gira mundial 87-88 había encumbrado al Group como un gran valor en directo, llenando estadios por todas las ciudades del planeta. La popularidad provocó, quizá, una cierta continuidad estilística en Letter From Home, a la postre uno de los discos más vendidos en la historia del jazz. Para esta ocasión la banda utilizó por última vez la técnica consistente en montar una pequeña gira en la que mostrar al público las nuevas composiciones antes de grabarlas, y para ello contó en la parcela multiinstrumental con el guitarrista brasileño Nando Lauria (miembro de la gira de The Way Up) en sustitución de la pareja Blamires-Ledford. Finalmente, la disponibilidad de Pedro Aznar le hizo acreedor a ocupar tan vistoso puesto en la grabación del disco y directos posteriores.
Letter From Home is the first Metheny Group record to take advantage of the greater capacity of the compact disc, fashioning an album that was even more akin to a musical travelogue than any released to date. However, in the same way that much of Still Life (Talking)'s material still finds its way onto setlists of Pat Metheny Group and Metheny side projects, the fact that only "Have You Heard" would become a set-list regular—and even that has fallen off in recent years—suggests that if it's not one of the group's best efforts, it's certainly not one of their favourites either.
That being said, there's still plenty to recommend. With Blamires and Ledford gone—returning for 1995's We Live Here—Aznar was back in the fold and, just as on First Circle, his multi-instrumental talents are put to great use, not to mention there being two songs on Letter From Home that actually feature him singing lyrics instead of the wordless vocals that Metheny has typically favoured. https://www.allaboutjazz.com/a-trio-of-pat-metheny-group-reissues-by-john-kelman.php
01. Have You Heard (6:25)
02. Every Summer Night (7:13)
03. Better Days Ahead (3:02)
04. Spring Ain’t Here (6:55)
05. 45/8 (0:56)
06. 5-5-7 (7:54)
07. Beat 70 (4:53)
08. Dream of the Return (5:25)
09. Are We There Yet (7:55)
10. Vidala (3:04)
11. Slip Away (5:24)
12. Letter from Home (2:33)
Steve Kindler es un violinista, teclista y guitarrista estadounidense, un virtuoso del violín de renombre internacional. Es el primer músico en tocar el violín eléctrico de nueve cuerdas, hecho especialmente para él por John Jordan (un famoso luthier). El violín de Kindler tiene la gama de todos los instrumentos de cuerda. Steve Kindler proviene de una familia de músicos y era el menor de cinco hermanos. Desde temprana edad, pues desde los tres años, como un "niño prodigio", comenzó a aprender a tocar el violín bajo la supervisión del gran maestro Raphael Spiro (un judío emigrante de Polonia), alumno de Leopold Auer. A la edad de 10 años, tocó en la Orquesta Filarmónica Juvenil de Portland, con la que viajó a muchos países del mundo. Seis años después, recibió una beca para estudiar en el Instituto Tanglewood con Leonard Bernstein y Seigi Ozawa. Estudió en privado con Eugene Lehner y Roman Totenberg. Durante varios años fue violinista principal de la Orquesta Sinfónica de Honolulu.
A la edad de 18 años, fue invitado a unirse al famoso grupo de jazz-rock Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, tocando, entre otros. con Jean-Luc Ponty y Narada Michael. Participó en la grabación del disco Visions Of The Emerald Beyond (Columbia; 1974). También fue miembro de la formación Jeff Beck/Jan Hammer, a la que fue invitado por el pianista Jan Hammer. Durante tres años, como miembro de esta formación, realizó varias giras de conciertos con ella y grabó discos: The First Seven Days, Oh Yeah y Melodies, y con el guitarrista Jeff Beck el disco Jeff Beck Live. En los años 1974-1979, Steve Kindler, durante su estancia en Nueva York, tocó con personalidades como: Cat Stevens, Perry Robinson, Brubeck Brothers, Oregon Collin Walcot (Glen Moore y Paul McCandless) y Kenny Werner (pianista de jazz). En 1975, recibió el primer violín eléctrico de cuerdas múltiples de Barcus-Berry. Durante este período tocó con la banda Spring Flowers, con el maestro de sarod Vasanti Rai. Después de mudarse a Hawái, se unió a la Orquesta Sinfónica de Honolulu, donde tocó el primer violín. Durante este período, tiene la oportunidad de tocar con grandes de la música como: Robert La Marchina, Leonard Paneiro, Maksym Shostakovich, Dimitri Shostakovich, YoYoMa, Shlomo Mintz y muchos otros.
La década de 1970 fue la época del nacimiento del género de música electrónica denominada ambiental, caracterizada por un alejamiento de la línea melódica desarrollada linealmente, característica de la música electrónica clásica (Vangelis, Kitaro), a favor de una composición suelta de parches sonoros. Los géneros ambientales relacionados son el chillout y el downtempo, y el dark ambient es un subgénero. En la década de 1980, Steve Kindler se convirtió en el principal exponente de la música ambiental. Ha realizado una serie de grabaciones innovadoras e influyentes con músicos como Zakir Hussein, Randy Jackson, Juaquin Lievano, Susan Cianni, David Friesen, Georgia Kelly, Paul Horn, Teja Bell, Casey Scheuerell, Jim Berenger, Carlos Reyes y muchos más. La grabación de Kindler "Dolphin Smiles" con Teja Bell de este período estuvo en el "10" de las listas de Billboard durante 7 semanas. Las grabaciones con la arpista Georgia Kelly también fueron muy apreciadas. También estuvo en la portada de la revista Billboard. Ha producido numerosos álbumes de música de varios artistas en el sello CBS-Sony.
En la década de 1980, junto con el baterista de Berkeley Clay Henry, fundó la banda de música étnica Barfoot. La música innovadora de la banda fue determinante para muchos otros músicos y para la dirección musical, que pronto se denominó World Music, abarcando principalmente música étnica, o música inspirada en ella, pero también música estilísticamente similar a la música popular, creada en países exóticos. En 1983, trabajó con el maestro luthier Steve Klein para diseñar y fabricar su primer violín eléctrico de seis cuerdas. A fines de la década de 1980, Steve Kindler, como violinista, fue invitado a la primera gira occidental por Masanori Takahashi, conocido como Kitaro, un músico, compositor, multiinstrumentista, creador de música de cine y new age japonés. El violín se escucha en el álbum Kitaro Kojiki (1990). En 1991, Steve Kindler se vio muy afectado. El fuego consumió el estudio y su residencia, destruyendo todo junto con todo su contenido, como instrumentos, equipos de estudio, cintas maestras, manuscritos de composiciones, grabaciones de conciertos. El propio músico escapó con un violín y una caja de casetes. Desde entonces, Steve Kindler, además de dar conciertos, ha trabajado enseñando la historia del violín barroco.
En 1993 lanzó Paradise Lost, con Zakir Hussain a la tabla, Peter Apfelbaum al saxofón y Kim Atkinson a la percusión, acentúa el tono visionario de este estilode musica en la frontera entre el jazz y el clásico.
Peter Apfelbaum (saxophone) Kim Atkinson (percussion) Baron Chase (drums) Zakir Hussain (table) Steve Kindler (composer, drums, guitar, percussion, piano, synthesizer, violin) Tom Martin (contrabass, contrabass trombone) S.S. Ellis Blue Schildson (synthesizer)
1 Portal Of Hunab-Ku 3:26 2 Glass Houses 7:51 3 Half Moon Bay 5:20 4 Hymn For Bosnia (From Balkan Folk Song) 6:32 5 The Elephant's Child 5:15 6 Poem 4:08 7 Paradise Lost 3:54 8 A Life Like Love 7:10 9 Lake Of Tears 4:15 10 Beyond Sorrow 8:12
The White Horse Sessions es un álbum en vivo de Nightnoise. El álbum fue lanzado por Windham Hill Records en 1997.
Este CD es una joya, que revela a Nightnoise bajo una luz diferente, ya que amplían sus considerables habilidades interpretativas en esta grabación en directo. Las pistas brillan con energía y exhiben la cohesión musical que solo es posible cuando un equipo de veteranos experimentados está en su apogeo creativo.
La música, a menudo llamada una fusión de música tradicional irlandesa, jazz y música de cámara, suena refrescante y vigorizante. La pista de apertura, Silky Flanks, prepara el escenario con todos pateando grandes licks y solos (me gustan especialmente la flauta y los silbidos de Brian Dunning). Shadow of Time en vivo no pierde nada de su ternura, y en todo caso, las voces de Triona Ni Dhomhnaill son más tristemente agridulces aquí que en el CD de estudio que lleva este nombre. La guitarra dotada de Michael O'Dhomhnaill ancla toda la sesión, y Johnny Cunningham toca el violín con moderación, es decir, proporciona una dosis de estilo cuando es necesario, pero no cae en el tipo de solos prolongados e irritantes de los que muchos buenos violinistas son presa. en grabaciones en vivo.
Nightnoise ha establecido un alto estándar de excelencia en la música nueva que solo ellos han igualado y elevado. Siempre elegante, sofisticado, perfecto, encantador con una influencia neocelta equilibrada y de buen gusto que, lamentablemente, nunca ha sido igualada en estilo o perfección.
White Horse Sessions marca el final de Nightnoise, entonces no puede haber mejor signo de exclamación sobre lo que fue una racha estelar de unos 14 años y 7 grabaciones.....Web
Concierto grabado en el Teatro Lope de Vega de Sevilla para el programa dirigido por Ramón Trecet "Dialogos 3".
En directo sonaron de manera impresionante.
Programa especial emitido en Dialogos 3 presentado por Ramon Trecet tras la aparicion del album en directo The White Horse Sessions.
John Cunningham violin Triona Ni Dhomhnaill vocals, flute, and clavinet Mícheál Ó Domhnaill guitar and piano Brian Dunning flute
Written-By Brian Dunning (tracks: 1, 5) Johnny Cunningham (tracks: 6, 11), Mícheál Ó Domhnaill (tracks: 4, 10) Tríona Ní Dhomhnaill (tracks: 2, 3, 7, 9, 12)
1 Silly Flanks 4:55 2 Shadow Of Time 3:32 3 Jig Of Sorts 3:52 4 Shuan 5:50 5 Do We? 4:43 6 Murrach Na Gealaich (Murdo Of The Moon) 3:59 7 Hugh 4:11 8 Moondance 6:28 9 Heartwood 4:32 10 The Cricket's Wicket 6:23 11 Night In That Land 3:39 12 At The Races 3:33
First Noel es un álbum navideño que ofrece veinticinco clásicos y tres nuevas composiciones que Maalouf compuso especialmente para la primera Navidad de su hijo, y una en honor a la última Navidad de su abuela Odette. Los recuerdos navideños que tiene están llenos de hermosos momentos, por eso insistió en grabar este disco, manteniéndose fiel a la magia de estos instantes. A Maalouf se unen colaboradores de mucho tiempo: François Delporte (guitarra), Frank Woeste (piano) y Sofi Jeannin (director de coro). Jeannin seleccionó ocho cantantes con voces celestiales y sublimes para completar el conjunto. Maalouf dice: “Grabamos en dos lugares mágicos: el estudio de mi amigo Armand Amar, donde tuve la oportunidad de trabajar en mis primeros álbumes (Babel Studios en Montreuil), y la Iglesia de Saint-Julien-le-Pauvre. Siendo esta última la iglesia más antigua de París, a solo unos metros de la Catedral de Notre-Dame, siempre ha estado en el centro de momentos significativos de nuestra historia familiar en Francia”. “Have Yourself a Merry Little Christmas” abre el álbum con la trompeta profundamente entonada de Maalouf tocando la melodía con claridad mientras el conjunto lo apoya a través de la forma. El arreglo se construye con el coro, agregando una rica textura con la guitarra y el piano. El fraseo y los adornos de la melodía de Maalouf también son excelentes. Aunque conocido por los fanáticos como un ejemplo de la combinación de los estilos actuales con un sentido del jazz contemporáneo, aquí Maalouf se entrega a sus impulsos pop/clásicos. “Holly Jolly Christmas” es un buen ejemplo de cómo Maalouf se enfoca en el núcleo de sus ideologías musicales y temáticas para crear un arreglo clásico de estilo y gracia con el tema de la bossa nova. Al resaltar el elemento melódico de su sonido, Maalouf nos acerca al amor extático destinado a ser compartido durante las fiestas, que se puede escuchar y sentir en “O Holy Night”. En general, First Noel es un disco cohesivo que le permite a Maalouf expresar su amplia gama de influencias: una mezcla perfecta de minimalismo clásico, pop, jazz, world y clásico moderno. Estos estilos se unen para crear un álbum de paz interior. La interpretación de la guitarra y el piano es excelente, y el coro canta maravillosamente mientras la trompeta de Maalouf lo seducirá con su tono y forma de tocar. https://www.staccatofy.com/pop/ibrahim-maalouf-first-noel-review/
Ibrahim Maalouf - trumpet François Delporte - guitar Frank Woeste - piano Sofi Jeannin and eight choristers
01. Have Yourself a Merry Little Christmas (3:13) 02. Mon beau sapin (3:16) 03. Holly Jolly Christmas (3:03) 04. Il est ne le divin enfant (3:12) 05. O Holy Night (2:40) 06. Petit Papa Noel (2:29) 07. Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! (2:46) 08. The First Noel (2:30) 09. Ave Maria (Charles Gounod) (2:56) 10. Santa Claus Is Coming to Town (2:20) 11. Winter Wonderland (1:41) 12. Silent Night (1:40) 13. Jingle Bells (2:16) 14. It's Beginning to Look a Lot Like Christmas (2:32) 15. Hark! The Herald Angels Sing (1:18) 16. I'll Be Home for Christmas (2:52) 17. White Christmas (2:06) 18. Ave Maria (Franz Schubert) (2:44) 19. All I Want for Christmas Is You (2:25) 20. What a Wonderful World (3:03) 21. Light a Candle in the Chapel (3:37) 22. Adeste Fideles (1:47) 23. God Rest Ye Merry, Gentlemen (3:01) 24. We Wish You a Merry Christmas (2:00) 25. Shubho Lhaw Qolo (2:28) 26. Noel for Nael (2:33) 27. Christmas 2009 (2:26) 28. The Last Christmas Eve (4:31)
Noir Lac es un proyecto extraordinario que combina la estética de un balafonista maliense, un vibrafonista de jazz, un coro polifónico de música contemporánea y una cantante de soul estadounidense. Un viaje de ensueño y sonoro, Noir Lac es llevado por cuatro encarnaciones musicales. En dúo desde 2005 con sus primos instrumentos, David Neerman en vibráfono y Lansiné Kouyaté en balafón trascienden la libertad del jazz y la tradición Mandingo. A su alrededor, el Ensemble Sequenza 9.3 embellece con sus polifonías el timbre cálido y profundo de la cantante de soul Krystle Warren. Sus composiciones originales y sus versiones de Pink Floyd o Led Zeppelin tejen un repertorio ecléctico y conmovedor que los sitúa en la encrucijada de los sonidos africanos, el soul y la música minimalista o contemporánea. https://lerocherdepalmer.fr/artistes/noir.lac/
David Neerman : vibraphone, composition Lansiné Kouyaté : balafon Krystle Warren : voix Manuel Peskine : arrangements pour les voix
1. In my craft or sullen art 2. A house with no mirror 3. Dawn in New York 4. Us and them 5. By the river 6. Friends 7. Mali Sadjo 8. Christmas or apocalypse
Ira Stein, el pianista del dúo Stein y Walder, lanzó en 1992 su primera grabación en solitario, titulada Carousel. Stein describe su música como "jazz de cámara": la intimidad de un pequeño grupo de cámara acentuado con la espontaneidad del jazz. Este lanzamiento acústico principal es elegante y evocador, sofisticado y conmovedor. Ira Stein formó un nuevo grupo con el original rasgo de combinar el piano, el violonchelo y el saxofón soprano. La nueva música es altamente melódica y acústica una mezcla donde se encuentra el Jazz y la música clásica, un equilibrio entre la forma y la improvisación. El grupo saco Carousel (1992) y luego Spur Of The Moment (1994) con el sello Narada Records.
Personal: Ira Stein (piano, synthesizer) Tom Valtin (acoustic guitar) Hans Christian Reumschuessel (classical guitar, cello, bass) Charlie Bisharat (violin) Daniel Zinn (soprano & tenor saxophones) Bill Douglass (acoustic bass) John Loose (percussion). Recorded at Different Fur Recording, San Francisco from June 4 to 29, 1992. All songs composed by Ira Stein except "Carousel" (I.Stein/Charlie Bisharat).
Tracks:
1. Briarcombe 2. High Country 3. Continuum 4. Who's to Say 5. Carousel 6. Another Country (Another Soul) 7. An Open Door 8. A Place Without Words 9. Sevilla 10. Jonathan's Lullaby
En el extraordinariamente ambicioso y majestuoso Celtic Crossroads, el barco estilístico de Doug Cameron se detiene en Irlanda para una exploración de la música celta tradicional y moderna. Basándose en su rica herencia escocesa y su simple amor por el género, mezcla ingeniosamente las alegrías y las tristezas de la muica Celta con su propia mezcla característica de jazz, pop, hip-hop y influencias latinas. Hay algo para todos en Celtic Crossroads. Los tradicionalistas adorarán sus giros en canciones irlandesas clásicas como "Drowsie Maggie" y "Mason's Apron", mientras que los fanáticos pop-celtas modernos disfrutarán con el triunfante "Book of Days" de Enya, la seductora "Mummer's Dance" de Loreena McKennitt y el himno "Runaway, "una balada popularizada por The Corrs. Algunos temas son medleys largos e ininterrumpidos de la música de los espectáculos "Riverdance" y "Lord of the Dance", ambas poderosas declaraciones del alcance mundial de la música y la danza celtas modernas. Cameron se divierte agregando un ritmo de hip hop muy activo en "Reel Around the Sun", una canción independiente de "Riverdance"; también mezcla con proporciones desgarradoras en la fusión irlandés-cubana de "Havana Reel". Otros aspectos destacados son el exuberante tributo a "John Jr." (producido por David Foster), el irreprimible "The Jig Set" y una poderosa lectura romántica del tema del Titanic.
1. Dublin Groove 3:59:20 2. Lord Of The Dance Medley 8:08:67 3. Book Of Days 2:58:55 4. Drowsie Maggie 1:34:05 5. John Jr. 4:11:25 6. Mummer's Dance 5:01:18 7. Time To Say Goodbye 4:54:72 8. Havana Reel 5:10:55 9. Runaway 4:41:28 10. Medley 7:18:05 11. My Heart Will Go On 4:41:59 12. The Jig Set Medley 3:19:28 13. Heart Of Ireland 5:18:13 14. Reel Around The Sun (Cameron Hip-Hop Version) 3:20:62 15. Mason's Apron 1:59:05
La inquietud no es una cualidad a menudo asociada con George Winston, pero el adjetivo se adapta a su álbum de 2019 Restless Wind. Construido como un viaje de impresión a lo largo de la historia de América, Restless Wind desdibuja las distinciones entre el pasado y el presente, el arte alto y bajo, la ciudad y la vida en el campo. Winston favorece los grandes gestos y las conexiones en exceso sobre la oscuridad. Muchas de las canciones que ha elegido para grabar en Restless Wind son familiares: "A Change Is Gonna Come" de Sam Cooke es seguido por "Summertime" de Gershwin, "Stills" de Stephen Stills y "The Unknown Soldier" de The Doors Is Over) "hacen apariciones, y termina el álbum con una mezcla de" The Wayward Wind (The Restless Wind) "y" Que Sera Sera ". Lo que le da a Restless Wind su impacto es el contexto y la ejecución. Al rodear estos artículos familiares con "Cancion Mixteca (Lamentación del inmigrante)" de 1915 y el tema de The Times of Harvey Milk, un documental de 1984 sobre el pionero de los derechos de los homosexuales, Winston deja en claro que Restless Wind es una protesta silenciosa contra el estrecho , visión reductiva de América a finales de la década de 2010. Lo que da a Restless Wind su poesía es cómo Winston encuentra el punto medio entre James Booker y Steve Reich, los dos músicos que cita como inspiración para su canción original. A lo largo de Restless Wind, Winston logra una elegancia expansiva y elástica que casi cuelga suspendida, sin embargo, aporta sus cualidades más airadas con una mano izquierda hábil y rítmica que le da fuerza a la música. Es un logro notable que atrae por igual a la cabeza y al corazón. https://www.allmusic.com/album/restless-wind-mw0003262648 http://www.georgewinston.com/
1. Autumn Wind (Pixie #11) by George Winston 2. Judge, Judge by George Brooks, 1927 3. A Change Is Gonna Come by Sam Cooke, 1963 4. Summertime by George Gershwin, Ira Gershwin, and Dubose Edwin Heyward, 1935 5. Canción Mixteca (Immigrant's Lament) by José López Alavez, 1915 6. The Good Earth by Jimmy Wisner, 1962 7. For What It's Worth by Stephen Stills, 1967 8. Medley: Muskrat Ramble/ I Feel Like I’m Fixin' To Die Rag/ Stop The Bleeding by Edwin (Kid) Ory, 1921/ Country Joe McDonald, 1965/ George Winston 9. The Times Of Harvey Milk by Mark Isham, 1984 10. The Unknown Soldier by the Doors, 1968 11. The Wayward Wind by Stanley Lebowsky & Herb Newman, 1956
Solstice Live! es un álbum en vivo lanzado por Paul Winter en 1993. El álbum es una grabación de una actuación de la celebración anual del solsticio de invierno de Paul Winter, que tiene lugar en la Catedral de San Juan el Divino en la ciudad de Nueva York. El concierto es una celebración contemporánea de la noche más larga del año y el regreso del sol. Cuenta con símbolos contemporáneos para varias partes de la celebración creada por Winter. Estos símbolos son tanto una representación visual artística de algo como un instrumento musical que se toca durante la actuación. Estos símbolos incluyen el Sun Gong, un gong gigante que se ilumina con luz amarilla y roja, y se eleva 100 pies hasta la parte superior del techo de la catedral, junto con su interprete. Otro es el Árbol del Solsticio, una gran escultura de un árbol de hoja perenne, sobre el que se cuelgan varios platillos, campanas y gongs. La actuación siempre cuenta con Paul Winter Consort y otros músicos invitados especiales que Paul Winter ha conocido o con los que ha colaborado, lo que la convierte en una celebración de la gente del mundo y su música. https://en.wikipedia.org/wiki/Solstice_Live!
La catedral más grande del mundo, San Juan el Divino de Nueva York, también se conoce como "la catedral verde". En las décadas de 1980 y 1990, se convirtió en el centro de un foro mundial de pensadores y buscadores que trabajaban en temas de ecología, medio ambiente y paz mundial. En 1980, el entonces Decano de la catedral, el Reverendísimo James Parks Morton, invitó a Paul Winter a convertirse en artista residente, para construir puentes entre la espiritualidad y el medio ambiente con su música. El cosmólogo padre Thomas Berry influyó en gran medida en la visión musical-ecológica de Paul y ayudó a dar forma a su intención de despertar en las personas un sentido de relación con la comunidad de vida en general. https://paulwinter.xyz/cathedral-solstice/
The Paul Winter Consort celebrates the Winter Solstice with a musical journey through the longest night of the year, recorded live in the stunning acoustics of the world's largest Gothic cathedral, New York's St. John the Divine. SOLSTICE LIVE! features the Paul Winter Consort and a community of 20 guests, including the Dmitri Pokrovsky Ensemble from Russia, Andes Manta from Ecuador, Galician bagpiper Nando Casals, Celtic vocalist Nóirín Ní Riain, and gospel singer Kecia Lewis-Evans. https://paulwinter.bandcamp.com/album/solstice-live https://open.spotify.com/album/7EAfR025mmEqWink8zF2hR
Paul Winter Consort Paul Winter – soprano sax Rhonda Larson – flute Mark Perchanok – heckelphone Paul Halley – piano, pipe organ Dorothy Papadakos – pipe organ Eugene Friesen – cello Russ Landau – bass Eliot Wadopian – double bass Jamey Haddad – drums, percussion Ted Moore – drums Café – congas, percussion Sammy Figueroa – congas, percussion Gordon Gottlieb – timpani, Brazilian surdos, percussion Glen Velez – frame drum, percussion Guests Andes Manta Nando Casals Dimitri Donders Kecia Lewis-Evans Nóirín Ní Riain Dmitri Pokrovsky Ensemble
A mediados y finales de la década de 1980, el sello Windhamm Hill alcanzó notoriedad con sus muchos álbumes llamados «new age». Nunca entendí de dónde venía ese nombre, pero a pesar de todo, disfruté (y coleccioné) un montón de álbumes de esa época. No los he vuelto a comprar todos en CD, pero compré varios de ellos de Scott Cossu, incluido este. El sonido de Cossu no es new-age, sino un sonido jazzy y melódico al frente del piano.
«She Describe Infinity» (lanzado originalmente en 1987; 11 temas; 47 min.) culmina los álbumes anteriores de Scott Cossu, es lo que yo llamaría su obra maestra. Todo se une en este álbum, donde el pianista Scott Cossu y su banda de acompañamiento traen una mezcla fascinante de canciones, escucha al conmovedor tema que abre el álbum «Bajun Carnival» y «Red Silk», uno de los mejores temas del album. Otras canciones muestran la interpretación del piano de Scott, como «Rice Paper» y «Arctic Hymn», simplemente hermosas.
Acoustic Guitar, Electric Guitar, Guitar [Classical] – Van Manakas Composed By – Scott Cossu (pistas: 1 to 4, 6 to 11), Van Manakas (pistas: 5) Electric Bass – Abraham Laboriel Percussion – Jim Brock Percussion, Drums – Alex Acuña Programmed By [Synclavier And Synthesizers] – Michael Hoenig Synthesizer, Piano, Synthesizer [Synclavier] – Scott Cossu Synthesizer, Synthesizer [Synclavier] – Tom Canning
Género: Jazz Estilo: New Age, Smooth Jazz, Contemporary Jazz
1 Bajun Carnival 5:12 2 Angel Steps 3:17 3 The Triumph 5:49 4 Red Silk 5:17 5 Rice Paper 2:27 6 Arctic Hymn 3:07 7 Releve 6:29 8 Nepali Anthem 4:29 9 Christo's Theme 3:22 10 Visual Promise 4:26 11 She Describes Infinity 2:53
Nigel Kennedy (nacido el 28 de diciembre de 1956) es un violinista y violista de origen británico. Nació en Brighton, East Sussex. Fué un niño prodigio, a los 10 años tocaba melodías de Fats Waller en el piano después de escuchar los discos de jazz de su padrastro. Fue alumno de la Escuela de Música Yehudi Menuhin y más tarde estudió en la Juilliard School de Nueva York con Dorothy DeLay. Hizo su carrera temprana en el campo clásico y ha interpretado y grabado la mayoría de los conciertos de violín más importantes. Posteriormente incluyó jazz, klezmer y otros géneros en su repertorio. https://es.wikipedia.org/wiki/Nigel_Kennedy
East Meets East es un álbum de estudio colaborativo lanzado a través de EMI Classics en 2003 por el violinista Nigel Kennedy y la banda Kroke (Jerzy Bawoł en acordeón, Tomasz Kukurba en viola y Tomasz Lato en contrabajo), rodeado de varios artistas invitados de reputación internacional como Natacha Atlas, Mo Foster y la Orquesta Filarmónica de Cracovia. El álbum retoma algunas canciones tradicionales y nuevas composiciones, que abarcan la tradición musical de Europa central y oriental, así como las influencias árabes.
La segunda esposa de Nigel Kennedy, Agnieszka, es polaca y pasan mucho tiempo en Cracovia, donde Kennedy es el director artístico de la Orquesta de Cámara Polaca. En el verano de 2001, Kennedy, que había conocido a Jerzy Bawoł, Tomasz Kukurba y Tomasz Lato por separado en sesiones de improvisación en los clubes de jazz de Cracovia, y Kroke se conocen durante una gira de conciertos en Cornualles. Kennedy presentó inmediatamente al grupo una oferta de cooperación. El resultado fue East Meets East. East Meets East se grabó entre mayo de 2002 y enero de 2003 en los estudios de grabación NLD y S-5 en Cracovia, y en los estudios The Town House y Abbey Road en Londres. En consecuencia, el álbum fue mezclado en mayo siguiente por Andy Green, Dariusz Grela y Hugo Nicholson en los estudios Eden, Metropolis, Town House y Mayfair de Londres, y masterizado por Ian Cooper en el estudio Metropolis. El álbum, publicado por Oriente Musik y distribuido internacionalmente a través del sello de música clásica de EMI desde junio de 2003, fue producido por John Stanley y Jaz Coleman. East Meets East ha estado en lo más alto de las listas clásicas desde su lanzamiento, Kroke fue nominado para el premio BBC Radio 3 en la categoría World Music, y tanto Kroke como Kennedy tocaron juntos en numerosos festivales europeos para promocionarlo y recibieron un aplauso entusiasta. Después de East Meets East, Kroke lanzó Ten Pieces to Save the World ", y el siguiente disco de Kennedy vio un regreso a" Vivaldi "con su álbum de 2004 Vivaldi II.
Nigel Kennedy (violin, electric violin)
The Kroke band Jerzy Bawoł (accordion, additional vocals) Tomasz Kukurba (viola, vocals, flute, percussion) Tomasz Lato (double bass)
Guest performers Natacha Atlas (vocals on "Ajde Jano") Mo Foster (electric bass on "T 4.2", "Vino") Miles Bould (additional percussion on "T 4.2", "One Voice", "Time 4 Time", "Vino") Kraków Philharmonic Orchestra (additional strings on "One Voice") Aboud Abdul Aal (second violin on "One Voice")
1 Ajde Jano 4:24 Vocals, Natacha Atlas 2 Lullaby For Kamila 3:24 3 T 4.2 6:11 Electric Bass, Mo Foster 4 Eden 6:06 Written-By – Harry Kandel, Trad. 5 Dafino 2:51 6 Jovano Jovanke 4:25 7 Ederlezi 5:47 Written-By – Goran Bregovic 8 Kazimierz 3:28 9 One Voice 4:54 Strings, Kraków Philharmonic, Violin, Aboud Abdul Aal 10 Tribute To Maria Tanase 3:11 11 Time 4 Time 5:21 12 Vino 6:04 Electric Bass, Mo Foster 13 Lost In Time 4:22 14 Kukush 4:42
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