Pascal Schumacher (nacido el 12 de marzo de 1979 en Luxemburgo) es un músico de jazz, compositor y percusionista luxemburgués que fundó varias agrupaciones, entre ellas el Cuarteto Pascal Schumacher. También interpreta y compone música clásica de cámara. Pascal Schumacher estudió percusión clásica en el Conservatorio de Luxemburgo. Continuó sus estudios en el Conservatorio de Estrasburgo y en el departamento de jazz del Conservatorio Real de Bruselas. Obtuvo un máster en jazz-vibráfono en el Conservatorio Real de La Haya con Frits Landesbergen y en musicología en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo. Entre quienes lo ayudaron en sus estudios se encontraban Gary Burton, David Friedman, Stefon Harris y Charles Loos. https://en.wikipedia.org/wiki/Pascal_Schumacher
El galardonado vibrafonista Pascal Schumacher y la pianista de renombre internacional Danae Dörken presentan su nuevo álbum 'Glass Two', un impresionante homenaje musical a uno de los compositores más influyentes de nuestro tiempo: Philip Glass. Su inusual instrumentación para piano y vibráfono crea un mundo sonoro inigualable que da vida a las obras minimalistas de Glass de una forma nueva y refrescante. El álbum se centra en interpretaciones originales de las composiciones de Glass, complementadas con obras del propio Schumacher. Estas piezas, inspiradas en personalidades que influyeron en el compositor estadounidense, como el poeta Allen Ginsberg o el escultor Richard Serra, forman una fusión única de dos mundos musicales. Esta fusión crea una atmósfera profunda y multifacética, a la vez que minimalista y clara. Pascal Schumacher y Danae Dörken demuestran de forma impresionante que a veces menos es más: sus arreglos, elaborados con gran maestría, se caracterizan por una fascinante transparencia que captura la esencia de la música minimalista. El resultado es una experiencia auditiva cautivadora que permite que los colores y las texturas de las obras de Glass brillen bajo una nueva luz e interactúen armoniosamente. Con composiciones propias de Schumacher. Sumérgete en los paisajes sonoros de «Glass Two» y vive un viaje musical inspirador tanto por su sencillez como por su diversidad. https://www.pascalschumacher.com/projects/glass-for-two
Pascal Schumacher, vibraphone Danae Dörken, piano
01 Glass: Japura River 04:33 02 Glass: Etude 12 08:05 03 Schumacher: The Sculptor R.S. 03:57 04 Schumacher: The Director R.W. 01:58 05 Glass: Mishima Closing 02:20 06 Schumacher: Glass Mosaïque 04:15 07 Glass: Truman Sleeps 02:07 08 Glass: Opening Rework (Arr. For Piano and Vibraphone by Pascal Schumacher) 08:33 09 Schumacher: The Choreographer L.C. 01:56 10 Glass: Metamorphosis Four (Arr. For Piano and Vibraphone by Pascal Schumacher) 06:01 11 Schumacher: The Poet A.G. 03:53
El compositor Michael Whalen, dos veces ganador del premio Emmy y artista de renombre internacional, creó un nuevo y espectacular álbum para 2024. Inspirado en su pasión e influencia por la música de Windham Hill Records de los 80. Disfruta de la magistral interpretación de cinco músicos ganadores del Grammy que acompañan a Michael en este álbum: Michael Manring, Will Ackerman, Charlie Bisharat, Nancy Rumbel y Mark Isham. Es un hermoso proyecto inspirado en la belleza natural de la casa de Michael a orillas de la Bahía de Jamaica (Nueva York).
El papel principal de Michael Whalen en este álbum fue el de compositor y arreglista, y también lo grabó y mezcló. Tom Eaton (también colaborador habitual) lo masterizó. La calidad del sonido es increíble y todos los músicos tienen tiempo de sobra para brillar con su propia personalidad, manteniendo un sonido de conjunto muy cohesionado.
Desde la suave calma de "The Endless Summer" hasta las evocadoras melodías de "Winter Beach", cada composición deja una huella imborrable en el alma del oyente, recordándonos el poder perdurable de la música para elevarnos, inspirarnos y conectarnos con el mundo que nos rodea. "Watercolor Sky" es más que un simple álbum: es un testimonio de la creatividad desbordante de uno de los artistas más talentosos de la música, y una obra maestra atemporal que seguirá cautivando y encantando al público durante años. ¡Disfruta del viaje!
Michael Whalen: Piano, Electronics, Percussion Mark Isham: Trumpet, Flugelhorn Michael Manring: Bass Nancy Rumbel: English Horn, Oboe Will Ackerman: Guitar Charlie Bisharat: Violin
1. The Endless Summer 03:51 2. Ode to a Perfect Sunset 05:19 3. The Road Not Taken 04:46 4. Watercolor Sky 04:47 5. Dancing in the Wind 04:02 6. The Flood at High Tide 04:06 7. The First Frost 04:08 8. Golden Hour 04:32 9. Winter Beach 04:15
El trabajo de Paul Winter, siete veces ganador del premio Grammy, se compone de una abrumadora lista de elogios y momentos cruciales. La clave entre esas distinciones es que se le atribuye la creación de la música del mundo y la música de la tierra, dos géneros distintos que han sido aprendidos por sus colaboraciones con artistas y la naturaleza por igual. Este álbum, Concert in the Barn, fue grabado el año 2021 y sigue la larga tradición de celebraciones del solsticio de Paul Winter y sus colegas en la Catedral de St. John the Divine de Nueva York.
La historia de cómo el álbum y sus integrantes se unieron para esta presentación en particular es tan fascinante como el disco. Sin la participación de la mayoría de los miembros habituales de su banda durante los bloqueos del Covid, Winter buscó talento local para completar la banda. Esta es también la razón por la cual esta formación en particular carece de los elementos de percusión estándar y tiene la adición de un fagot. Pero esto funcionó a su favor. Sin el uso de la percusión tradicional, sino basándose en el fagot, el saxo, el violonchelo, el piano y la voz en elementos alternados, el conjunto resultante crea un entorno etéreo e inquietante. El álbum actúa como una narración de jazz, comenzando con el soplo lúgubre del invierno, el conjunto de instrumentos de aire canturreando sobre el piano, que actúa como único percusionista y orador cuando las voces aún no se han unido. El lamento de las dos primeras pistas establece el escenario de nuestro cansancio con el invierno y se desvanece con las primeras líneas del canto de los pájaros, que son imitados por la instrumentación y finalmente se convierten en un esfuerzo totalmente orquestado por parte de la banda. Sin embargo, incluso cuando la música crece, nunca perdemos el contacto con el canto de los pájaros de la criatura del mismo nombre, fusionándose en un remolino alquímico de oda auditiva al mundo natural y al mundo social en evolución en el que habitamos los humanos.
A medida que avanza el álbum, toca temas tan variados como la jeremiada, el canto de los pájaros, el cortejo y el folclore, todo en su esfuerzo por derretir el gélido estancamiento del invierno con cálidos hilos de hilo jubiloso, viento y teclas. En el momento en que suena la interpretación francamente icónica del conjunto de "Swing Low, Sweet Chariot", hay un júbilo tan claro y una exuberancia de celebración que chispea y crepita, dando la bienvenida al acercamiento del sol y la promesa de lo que depara el futuro.
La grabación tuvo lugar durante un concierto vía streaming
al amanecer en junio de 2021. Debido al cierre de la Catedral de San
Juan el Divino en Nueva York por la pandemia, la agrupación trasladó su
tradicional celebración del solsticio al granero de Winter. La música se
interpretó en una corriente continua, comenzando en total oscuridad a
las 4:30 a.m. y culminando con el primer amanecer del verano.
1. Sun Singer 2. Lamento de Aiocá 3. The Silence Of A Candle 4. The Well-Tempered Wood Thrush 5. Chora Coraçāo (Cry, My Heart) 6. Sarabande 7. Lendas Brasileiras 8. DNA 9. Air 10. How Can I Keep From Singing 11. Lavadeiras 12. Swing Low, Sweet Chariot 13. Moro Na Roça/Lapinha 14. Icarus
Colin Chin es un músico y compositor residente en Los Ángeles, conocido principalmente por crear bandas sonoras para cine y medios de comunicación.
Este nativo de San Francisco comenzó a frecuentar y finalmente a salir de gira con los miembros del Group 87, un conjunto instrumental de finales de los 70 que incluía a Mark Isham y Patrick O'Hearn. Con Isham, Chin asistió a un seminario impartido por Brian Eno sobre la aplicación de tecnología avanzada a la música. El evento fue una revelación para el joven guitarrista, quien se sintió motivado a expandir sus horizontes en el campo de la música electrónica.
Despues de su magnifico album en solitario Intruding on a Silence, Colin Chin lanzó Circadian Rhythms otra joya de composiciones espaciosas y ordenadas que exigen una escucha atenta, pero recompensan con la oportunidad de expandir la imaginación a través de sus paisajes musicales.
1 Waiting For The Rains 4:14 2 Lunch In Lotusland 4:18 3 Echoes Of Your Goodbyes 4:29 4 Miles Away 4:47 5 Covert Activity 5:09 6 Mists On The Moors 4:46 7 The Tropic Of Cancer 5:07 8 Tango With The Macabre 4:38 9 Hindu Kush 4:46 10 A Light On The Porch 3:47
Windham Hill lanzó "The Bach Variations" con una sorprendente expectación en 1994, aunque no conectó del todo como muchos de sus samplers y álbumes, incluyendo la popular serie "A Winter's Solstice". Es una lástima, ya que este álbum contiene algunas versiones excelentes y, a menudo, únicas de Bach. Incluso los oyentes familiarizados con el compositor y sus obras descubrirán nuevas perspectivas sobre su música en este álbum. Cada pieza de este álbum merece una escucha, y algunas de ellas destacarán. Admito que soy fan de la banda irlandesa Nightnoise, pero su versión de "Bourée" me impactó profundamente. Lo mismo me ocurrió con los esfuerzos del Modern Mandolin Quartet en el primer movimiento del "Brandenburg Concerto #3". En resumen, un excelente álbum que se mantiene increíblemente bien después de más de tres décadas. Muy recomendable.
01. Paul McCandless - Arioso(Sinfonia from Cantata #156) 02. Gayle Levant And Tommy Morgan - Prelude in C with Ave Maria from the Well-Tempered Clavier 03. Steve Erquiaga - Prelude in C Minor from the Well-Tempred Clavier 04. Andy Narell - Jesus, Joy of Man's Desiring 05. Nightnoise - Bourree from Suite in E Minor for Lute 06. Philip Aaberg - Prelude in F Minor from the Well-Tempered Clavier Book II 07. Modern Mandolin Quartet - Brandeburg Concerto #3.1st Movement 08. Tim Story - Siciliano from Sonata #2 for Flute in Eb Major 09. Adam Rogers - Prelude & Presto from Suite in E Minor for Lute 10. Schonhertz & Scott - Air (for the G String) 11. Alex de Grassi - Prelude from Cello Suite #1 12. Turtle Island String Quartet & Modern Mandolin Quartet - Gavotte from Partita #1 in E Major 13. Liz Story - Prelude in #C from the Well-Tempered Clavier 14. Chris Botti - Andante from Sonata #2 in A Minor for Unaccompanied Violin
Estas melodías, estas exquisitas y encantadoras piezas musicales, tienen la capacidad de llenar el corazón con una sabiduría que va más allá de los sabios del pasado y las grandes mentes del presente. "Wisdom of the Wood" no es solo una colección de notas musicales o composiciones emotivas, sino también un espacio para la meditación y la "sabiduría". Una sabiduría que no parece provenir de la mente humana, sino de las cortezas añejas de la madera. "Wisdom of the Wood" es una muestra clásica de música new age capaz de tocar el corazón.
Nueve artistas de Narada rinden homenaje a la artesanía y las cualidades musicales atemporales que ofrecen los instrumentos acústicos en "Wisdom of the Wood". David Arkenstone, Bernardo Rubaja, Spencer Brewer, Richard Souther, Alasdair Fraser, Martin Kolbe, Trapezoid, Ira Stein y Kostia son los artistas que aportan sus interpretaciones claras y frescas a estos sonidos clásicos.
Richard Souther– Saving Grace 5:19 Kostia– Sand And Water 3:57 Alasdair Fraser– Spirit Of The Gael 4:24 Paul Reisler & Trapezoid– Big Salmon 3:23 Martin Kolbe– La Couronne 5:35 Ira Stein– Davey's Song 4:46 David Arkenstone– Long Way From Home 3:47 Bernardo Rubaja– Blue Star 2:43 Spencer Brewer– My Sweet Elijah 3:45 Richard Souther– Speak Of The Morning 4:12
Gnosis es el sustantivo griego común para el conocimiento (γνῶσις, gnōsis) El término se utiliza en varias religiones y filosofías helenísticas. Se conoce mejor desde el Gnosticismo, donde significa un conocimiento o perspicacia de la verdadera naturaleza de la humanidad como divina, que conduce a la liberación de la chispa divina dentro de la humanidad de las limitaciones de la existencia terrenal.
Un monumento sublime y trascendente a uno de los primeros mentores de Zorn: Ennio Morricone. Con la conmovedora guitarra de Bill Frisell dentro de las mágicas sonoridades del vibráfono, el arpa y las campanas, la música adquiere un barrido orquestal épico con la presencia adicional del teclista invitado especial John Medeski en órgano y piano. Llena de hermosas armonías, un impulso rítmico y un lirismo impresionante, esta es una de las músicas más exuberantes y espirituales que Zorn haya escrito jamás. Verdaderamente Música de los ángeles: Música de cámara íntima para sanar un Corazón dolorido interpretada por uno de los conjuntos más etéreos del mundo.
El álbum de John Zorn Gnosis: The Inner Light sirve como un conmovedor memorial y homenaje al genio creativo de uno de los compositores más visionarios de la música moderna, Ennio Morricone, que jugó un papel vital en la configuración del camino musical de Zorn. Hace décadas, Zorn cautivó al público con The Big Gundown (Nonesuch, 1986), un lanzamiento plántumos que reimaginó audazmente las composiciones de Morricone. Ahora, con Gnosis: La Luz Interna, Zorn vuelve a rendir homenaje a la influencia perdurable del maestro, ahondando en reinos místicos y creando una colección embrujada de piezas luminosas de cámara. Con el Trío Gnóstico, con Carol Emanuel en arpa, Bill Frisell en la guitarra y Kenny Wollesen en vibúfono, así como la fascinante presencia de John Medeski en órgano y piano, Zorn elabora una experiencia musical profundamente introspectiva y espiritualmente resonante.
A pesar de su modesta instrumentación, Gnosis: La Luz Interna irradia una cualidad orquestal que envuelve con sus exuberantes armonías y paisajes musicales encantadores. La exploración de Zorn de misticismo y tradiciones místicas no sólo es evidente en la esencia espiritual del álbum, sino que también se refleja en los evocadores títulos de canciones que nos hacen señas hacia profundidades ocultas. Este álbum muestra su capacidad para traspasar fronteras y crear música cautivadora que resuene a un nivel profundo. Gnosis: La Luz Interna mezcla sin esfuerzo los géneros, evocando una gama de emociones y profundizando en temas espirituales. Su belleza embrujada, sus armonías divinas y su profundo se linaman como un testimonio del compromiso inquebranscante de Zorn para expandir los horizontes de la música contemporánea. https://www.allaboutjazz.com/gnosis-the-inner-light-john-zorn-tzadik
Featuring – The Gnostic Trio Guitar – Bill Frisell Harp – Carol Emanuel Organ, Piano, Electric Piano [Fender Rhodes] – John Medeski Vibraphone – Kenny Wollesen
1 Gnosis 6:31 2 Poimandres 4:16 3 Dance Of The Cross 8:00 4 Three Forms Of First Thought 2:08 5 Kephalaia 4:52 6 Parthian Songs 6:50 7 Prayer Of The Messenger 3:25 8 Sophia=Wisdom 3:21 9 Garment Of Light 3:12
Durante la mayor parte de su existencia, Penguin Cafe Orchestra no se parecía mucho a una orquesta. Sonaban más como la banda de la casa en una bacanal en un pasado británico imaginario y druídico, y sin importar cuánto jazz, música clásica y africana incorporaran a su sonido, escuchar canciones como "Air à Danser" y "Pythagoras's Pants" todavía se sentía como asistir a una fiesta donde todos sabían tocar un instrumento. En Union Cafe de 1993, el último álbum antes de la muerte del líder Simon Jeffes en 1997, la banda exploró un sonido majestuoso, orientado a las cuerdas, más adecuado para un salón que para una fiesta. Penguin Cafe, el sucesor dirigido por el hijo de Jeffes, Arthur, ha continuado en gran medida en esta línea al tiempo que insinúa la exuberancia folklórica del trabajo anterior. Es divertido que dejen de lado la palabra "orquesta" de su nombre dado que suenan como tal.
Arthur Jeffes toca una docena de instrumentos en el nuevo álbum de Penguin Cafe, Rain Before Seven…, entre ellos el balafón, un xilófono de África occidental con un tono terriblemente rasposo. Sin embargo, igual de crucial para el sonido del disco es Oli Langford, un arreglista de cuerdas con un trabajo constante que proporciona el violín a las bandas sonoras de éxitos de taquilla como The Batman, Divergent y Pokémon: Detective Pikachu. Este es un hombre que sabe un par de cosas sobre cómo hacer música que suene "cinematográfica", y Rain Before Seven... suena como una compilación de los temas que acompañan a los protagonistas de pueblos pequeños cuando llegan a ciudades más grandes y grandiosas de lo que jamás imaginaron. Esta es música escrita en el lenguaje de la emoción y la aventura, todo cuerdas de sierra, ritmos insistentes y mazos curiosos.
Track 3 In Re Budd esta dedicado a Harold Budd
Toda esta elevación deja poco espacio para el misterio, la psicodelia o la experimentación. Aunque el balafón de Jeffes y el bajo estilo Eberhard Weber de Andy Waterworth inyectan una agradable excentricidad, las decisiones difíciles como el compás de 15/8 en "Galahad" apenas se registran debajo de la alegría centelleante de la música. Incluso algunos momentos interesantes son desactivados por la implacabilidad del álbum, como cuando una caja de ritmos con un sonido nítido en "Find Your Feet" se subsume inmediatamente en una pared de cuerdas que produce una progresión de acordes pop probada y verdadera. Con cuerdas que ocupan casi cada centímetro del espacio disponible, hay poca sensación de espontaneidad o camaradería entre los jugadores. El PCO tenía una manera de convencerte de que su música brotaba espontáneamente de sus cabezas, incluso cuando estaba rigurosamente compuesta; Las canciones de Penguin Cafe suenan como el producto de un ensayo interminable, una formalidad menos propicia para la experimentación que condujo a maravillas fortuitas como “Telephone and Rubber Band”.
01. Welcome to London (4:49) 02. Temporary Shelter from the Storm (4:56) 03. In Re Budd (4:23) 04. Second Variety (3:54) 05. Galahad (6:11) 06. Might Be Something (6:30) 07. No One Really Leaves… (4:55) 08. Find Your Feet (4:18) 09. Lamborghini 754 (4:24) 10. Goldfinch Yodel (4:50)
Este álbum esta inspirado por el personaje del explorador de la clásica novela de la escritora estadounidense Harper Lee Publicada en 1960 Matar a un ruiseñor y muestra composiciones de John Zorn en su faceta más sutil y elegante, flotando a través de la brecha entre la literatura y la música. El Gnostic Trío se ha convertido en un grupo regular que Zorn ha convocado para interpretar algunas de sus composiciones más suaves y sutiles, con Carol Emanuel en el arpa, Bill Frisell en la guitarra y Kenny Wollesen el vibráfono y campanas.
Con las sonoridades mágicas de la guitarra de Bill Frisell, y en un tapiz celestial de arpa y vibráfono (Carol Emanuel en el arpa y Kenny Wollesen en vibráfono y campanillas), el "The Gnostic Trio" es una de las formaciones más sublimes en el universo en constante expansión de John Zorn. Su sexto CD "The Mockingbird" (Sinsonte, ave cantora), invade el aire con música de cámara preciosa e íntima que toca a los temas de la inocencia, la aventura, la infancia y el anhelo que se despliegan como una flor exótica. Inspirado por el carácter acogedor del explorador "Scout" (primer tema del CD) del clásico americano "Matar a un ruiseñor" y templado por una sencillez popular similar, Zorn y compañía tejen redes hipnóticas de belleza melódica y armonía para calmar el espíritu más inquieto.
Guitar – Bill Frisell Harp – Carol Emanuel Vibraphone, Chimes – Kenny Wollesen
1 Scout 4:14 2 Riverrun 4:37 3 Child's Play 5:07 4 Porch Swing 4:55 5 Innocence 7:14 6 Pegasus 4:18 7 A Mystery 7:04 8 The Mockingbird 5:46
Kevin Kendle, maestro de las artes curativas alternativas, en particular de la relajación, utiliza la música para afectar el estado de ánimo de sus oyentes de manera positiva, inspirando una sensación de calma y serenidad. El multiinstrumentista nacido en Inglaterra ha creado partituras para varias producciones británicas, desde teatro hasta televisión, y también ha grabado numerosos álbumes para New World Music, un sello new age con sede en Colorado, comenzando con Clouds en noviembre de 1999. El álbum demostró exitoso, y Kendle siguió con un esfuerzo similar, Flowers, en 2001. Además, grabó álbumes con temas de relajación para New World: Pure Peace (2000) y Pure Dreaming (2001), y también contribuyó con un volumen al álbum del sello. Serie Mente-Cuerpo-Alma, Tarot (2000). En 2002, New World publicó Música para yoga: yoga relajante, una grabación Kendle de una hora de duración pensada como banda sonora para el yoga.
Escápese a un mundo de sueños con esta maravillosa y relajante composición de Kevin Kendle. Ideal para quienes tienen problemas para dormir, las suaves melodías flotan sobre ti creando una profunda sensación de calma y paz interior. Piano, flauta, oboe, guitarras y teclados suaves y flotantes calman al oyente suavemente y lo llevan a un estado de profunda paz.
1-The Rise Of Spring 6:28 2-Above the Clouds 6:40 3-White Sails 6:14 4-Sunshine Valley 5:13 5-Ripples 5:57 6-Falling Leaves 3:18 7-October Trees 3:51 8-Nightingales 6:12 9-Forest of Enlightenment 7:39 10-Timeless Valley 6:07 11-Fog on the Lake 4:54 12-Asterope 13:18
Svaneborg Kardyb son Nikolaj Svaneborg - Wurlitzer, Juno, piano y Jonas Kardyb - batería, percusión, un dúo ganador de múltiples premios de Dinamarca, donde ganaron dos "grammys" en los Danish Music Awards Jazz 2019: Nuevo artista del año y Compositor del año. Basándose en la música folclórica danesa y las influencias del jazz escandinavo, incluidos Nils Frahm, Esbjörn Svennson y la histórica grabación de Jan Johansson Jazz På Svenska, su música es una fusión exquisita y alegre de hermosas melodías, minimalismo delicado, ritmos pegadizos, sutiles vibraciones electrónicas, atmósferas nórdicas y interacción orgánica, todo respaldado por la pura alegría de tocar juntos. "Comenzamos temprano en la mañana con el café más negro, a veces incluso sin hablar, solo música. Inmediatamente sentimos una conexión entre nuestro estilo personal de tocar y las composiciones surgieron como de la nada. El ambiente de estas primeras sesiones sigue siendo la columna vertebral de nuestra pequeña banda".
Svaneborg Kardyb proviene de Aalborg, en Jutlandia, en el norte de Dinamarca, donde se conocieron por primera vez en 2013 y discutieron la posibilidad de crear un dúo en conversaciones nocturnas. Pasaron los años mientras ambos exploraban otros proyectos antes de que finalmente se dieran cuenta de la idea de hacer música juntos. Al igual que sus nuevos compañeros de sello, Vega Trails, Svaneborg Kardyb son un dúo, un formato que les da mucho espacio para ocupar o dejar en blanco. "Disfrutamos de la simplicidad y el enfoque que le da a la interacción. Venimos de entornos musicales muy diferentes; Nikolaj del jazz escandinavo y Jonas de Roots, blues y folk, por lo que la música es una suma de nuestras contribuciones personales y no quiere ser otra cosa que eso. Es bastante único para nosotros tener esta lengua musical compartida y esta amistad".
Su música es intencionalmente simple a primera vista, pero evoluciona y se desarrolla a través de la escucha con el tiempo, con mucho espacio para la exploración, la reflexión y la improvisación. Su objetivo es crear música lo más honesta e íntima posible "con melodías y ritmos tan fuertes que nos quedemos solo como mensajeros". Y su química musical de rápido desarrollo les permitió pensar poco en cuáles eran sus influencias musicales. Dando a su música un encanto cautivador. "Exploramos los sonidos y las estructuras musicales que nuestra dualidad dio a luz y, a través de largas jam-sessions, encontramos pequeñas semillas de ideas que se convirtieron en melodías. Las canciones tradicionales danesas, el canto comunitario y los himnos también son una gran inspiración. Tanto el lenguaje tonal como el melodías líricas y la forma en que las generaciones pueden reunirse alrededor de la música.
Over Tage (over roofs) es su tercer álbum, después de Knob (2019) y Haven (2020) y marca su debut para Gondwana Records, un sello que destaca por trabajar con artistas como Mammal Hands, Portico Quartet y GoGo Penguin cuya música, como esa de Svaneborg Kardyb se deleita en explorar los fértiles espacios entre géneros. Para el dúo es su disco más serio y reflexivo hasta la fecha. "Puede que sea nuestro disco más sólido y honesto hasta el momento. Las dudas y la incertidumbre fueron la base de los sonidos del álbum, pero también hay esperanza y muchos momentos edificantes y estamos muy contentos con el resultado". Y es esa mezcla de elevación y consideración, honestidad e intimidad lo que hace que la música de Svaneborg Kardyb sea tan especial y que Over Tage sea tan placentero de escuchar. https://svaneborgkardyb.com/ https://www.facebook.com/svaneborgkardyb/?fref=mentions&locale=ff_NG
Jonas Kardyb - batería y percusión Nikolaj Svaneborg - Wurlitzer, sintetizador y piano Sune Pors - guitarra (pistas A2, A3 y B5) Jakob Sørensen - trompeta (pistas A2, A3, A5 y B3) Jonas Scheffler - trompeta ( pistas A2, A3, A5 y B3)
Este lanzamiento de 1995 es la colaboración entre Paul Voudouris y Chris Spheeris. Siguiendo el camino de Enchantment, esta colección de composiciones instrumentales es suave y lujosa. Europa, una mezcla de new age, pop y jazz, es un viaje que no debes perderte.
Quizás uno de mis discos favoritos tanto de Chris Spheeris como de la música new age en general. Chris Spheeris tiene un dominio tan grande de su estilo musical único que cada uno de sus álbumes es un viaje increíble y sorprendente. Un viaje a su mundo ficticio de la música new age. Al mismo tiempo, su estilo musical es tan original que se destaca entre otros intérpretes de música similar, principalmente por su profundidad, arreglos únicos y melodías aparentemente simples a primera vista. En compañía de Paul Voudouris, sus mundos se vuelven más ágiles, misteriosos y fabulosos.
Con el album Europa lo que logran el guitarrista Chris Spheeris y el teclista Paul Voudouris es conmovedor por derecho propio. A menudo, cuando el crédito del artista se factura a dos iguales, uno termina tocando todas las melodías mientras el otro proporciona alguna estructura armónica de apoyo. Aquí hay una compensación equitativa. Spheeris toma el mando acústico antes de que su compañero se escabulle para un solo prolongado, y viceversa en la siguiente pista. Como es típico de los artistas asociados con la zona gris entre el jazz y la nueva era, los dos buscan una vibracion relajante en lugar de una explosión de talento. El efecto de la percusión exótica, aunque discreta, es magníficamente hipnótico, como un ala delta elevándose hacia un terreno fértil de cielo despejado. A pesar de la apariencia suave, Spheeris se destaca como un maestro de la guitarra sorprendentemente valiente. Con el tiempo, algunas de las piezas van juntas tranquilamente. Pero para todos los efectos, es un proyecto conceptual, por lo que debe ser parte del gran diseño.
El trío de break-beat emotivo y cinematográfico GoGo Penguin está de regreso, con su nuevo álbum Everything Is Going to Be OK - 14 de abril de 2023. Rebosante de optimismo de nuevos comienzos, con un nuevo baterista, un nuevo sello discográfico (Sony Music impronta electrónica y neoclásica XXIM Records), y un sonido sutilmente actualizado y desarrollado, la banda está marcando el comienzo de una era más liberada desde el punto de vista sonoro.
Everything Is Going to Be OK nace de una época de turbulencia y pérdida. Durante un período personalmente difícil para la banda, que incluyó una profunda pérdida personal y duelo, el estudio le ofreció a la banda un santuario de la vida real. La vida tiene muchos aspectos excelentes y, a pesar de los momentos bajos, debemos estar atentos y agradecidos de celebrar los momentos buenos en todo momento. A través de nuestras dificultades, juntos, saldremos más fuertes.
GoGo Penguin es un trío de piano de Manchester, Reino Unido. Formado en 2012, el segundo álbum del trío, v2.0, fue nominado en 2014 para el Mercury Music Prize y en 2016, el trío firmó con Blue Note Records, lanzando un trío de álbumes aclamados: Man Made Object, A Humdrum Star y GoGo Penguin. así como dos EPS y un álbum de remezclas GGP/RMX. Fueron los artistas instrumentales contemporáneos más vendidos de Blue Note y vendieron más de 300.000 álbumes.
La banda compone y actúa como una unidad y los miembros de la banda se refieren a su música como “acústica-electrónica”. Su música acústica en gran medida (pero no exclusivamente) se basa en break-beats, influencias clásicas, jazz, melodías de piano minimalistas, líneas de bajo potentes, baterías inspiradas en la electrónica y riffs de himnos.
Al describir la música de GoGo Penguin, los críticos con frecuencia han hecho referencia a Esbjörn Svensson Trio, Aphex Twin, Squarepusher, Massive Attack, Brian Eno y a los compositores clásicos Shostakovich y Debussy, o incluso a compositores de música minimalista contemporánea como Philip Glass.
GoGo Penguin ha realizado numerosas giras a nivel internacional, actuando en festivales internacionales como Coachella, Outside Lands, Fuji Rock, Blue Dot, Montreal Jazz Festival, La Vienne, Pukkelpop, North Sea Jazz y muchos más, y ha agotado las entradas en lugares en todo el mundo desde The Royal Albert Hall hasta La Cigalle vía Paradiso y Bowery Ball Room. En 2015, el trío estrenó su propia música original para la película de culto "Koyaanisqatsi", y presentó el espectáculo ante un público extasiado de todo el mundo. https://gogopenguin.co.uk/
Músicos: Chris Illington (piano), Nick Blacka (contrabajo) y Jon Scott (batería)
1 You're Stronger Than You Think 2 Glimmerings 3 Saturnine 4 Glow 5 Friday Film Special 6 Soon Comes Night 7 An Unbroken Thread Of Awareness 8 We May Not Stay 9 Everything Is Going To Be OK 10 Last Breath 11 You're Stronger Than You Think (Revisit) 12 Parasite 13 Sanctuary
Gran colección de 31 piezas musicales acústicas que son simplemente hermosas. Este " Duo" ha lanzado consistentemente música hermosa para el sello Narada; mi primera prueba de su talento fue en su ahora clásico lanzamiento navideño The Gift. Sólo hizo falta escuchar ese CD para convencerme de que estas dos personas realmente están conectadas musicalmente de una manera única. Sin duda, hay una combinación de instrumentos, pero es la ejecución: el oyente "siente" la música
Conozco la música del guitarrista Eric Tingstad y la oboísta Nancy Rumbel desde hace muchos años. A través de Narada conocí mucha música y artistas nuevos, incluido este dúo. Tingstad y Rumbel hacen canciones instrumentales fáciles de escuchar. Algunas canciones, como Clancy's Heart, incluso me hacen derramar una lágrima. Una sorpresa para mí es que este álbum doble contiene una versión diferente de una de mis canciones favoritas: Oaks. La grabación que ya conocía está en el CD de Woodlands.
CD 1 01. Shenandoah 05:39 02. Elysian Fields 05:12 03. The Merced 03:43 04. Don Juan 04:26 05. Monongahela 03:11 06. Sailing 03:50 07. Blue Martini 03:36 08. La Fogata 03:06 09. Gigue 03:03 10. Pastorale 04:21 11. Lo Que Tu Quisieras (As You Wish) 03:35 12. Emerald Pavane 04:05 13. The Eyes Of Amelia 05:50 14. Sunderlal 06:09 15. Give And Take 02:49 16. Clancy's Heart 05:15
CD 2 01. Shadow Dancer 03:39 02. Galileo 05:45 03. Magnolia 03:31 04. The Children's Garden 04:26 05. The Man From Stratford 03:06 06. Shamrock 03:55 07. Medicine Tree 05:03 08. Oaks 04:53 09. Empire Builder 03:56 10. Aria 04:12 11. The Lowcountry 04:18 12. Fisherman's Dream 04:18 13. Crow And Weasel 06:18 14. Lullaby 05:52 15. The Craftsman 03:38
Positano Songs tuvo su origen en una visita de 2015 a Positano, Italia, de la cual Ackerman afirma: "He estado visitando Positano, Italia durante décadas. Está más ocupado en estos días y la temporada turística parece crecer cada vez más, pero sigue siendo una de los lugares más hermosos de la Tierra. Es donde Susan y yo elegimos casarnos, y una parte de mi corazón siempre vivirá allí". Influenciado por la belleza de la ciudad y el campo, así como por la calidez de su gente, Ackerman le dio la bienvenida a su musa, recogió algunas guitarras que le había entregado Bob Taylor de Taylor Guitars y ¡listo! "Pieza tras pieza sincera simplemente se materializó. Me fui de Italia una semana después con 26 ideas musicales prometedoras en una cinta de video". De acuerdo, una vez que regresó a Vermont, el negocio de manejar Imaginary Road significaba que grabar estas piezas no iba a suceder de la noche a la mañana. Pero como dice el refrán, "Todo es bueno para los que esperan" y Positano Songs es, de hecho, ¡una cosa buena tras otra!...Kathy Parsons https://williamackerman.com/shop/positanosongs
Will toca tres guitarras en el álbum, su Froggy Bottom K Model de seis cuerdas, la guitarra de salón Martin que le regaló el difunto Michael Hedges hace años, y una guitarra jumbo Steve Klein para las partes principales. Suman sus talentos amigos y músicos consumados como Tom Eaton (piano y bajo), Charlie Bisharat (violín), Eugene Friesen (violonchelo), Noah Wilding (voz) y Jeff Oster (Flugelhorn). Todas las canciones están compuestas por Will Ackerman.
1 Nighttime in the Chapel 2 Our Wedding Song 3 Did I Dream This 4 The End of the Day 5 For Carmine 6 This is Where It Begins 7 The Tyrrhenian Sea 8 Passing Baldo's Tower 9 For Giovanni 10 I had To Go There
La gira mundial 87-88 había encumbrado al Group como un gran valor en directo, llenando estadios por todas las ciudades del planeta. La popularidad provocó, quizá, una cierta continuidad estilística en Letter From Home, a la postre uno de los discos más vendidos en la historia del jazz. Para esta ocasión la banda utilizó por última vez la técnica consistente en montar una pequeña gira en la que mostrar al público las nuevas composiciones antes de grabarlas, y para ello contó en la parcela multiinstrumental con el guitarrista brasileño Nando Lauria (miembro de la gira de The Way Up) en sustitución de la pareja Blamires-Ledford. Finalmente, la disponibilidad de Pedro Aznar le hizo acreedor a ocupar tan vistoso puesto en la grabación del disco y directos posteriores.
Letter From Home is the first Metheny Group record to take advantage of the greater capacity of the compact disc, fashioning an album that was even more akin to a musical travelogue than any released to date. However, in the same way that much of Still Life (Talking)'s material still finds its way onto setlists of Pat Metheny Group and Metheny side projects, the fact that only "Have You Heard" would become a set-list regular—and even that has fallen off in recent years—suggests that if it's not one of the group's best efforts, it's certainly not one of their favourites either.
That being said, there's still plenty to recommend. With Blamires and Ledford gone—returning for 1995's We Live Here—Aznar was back in the fold and, just as on First Circle, his multi-instrumental talents are put to great use, not to mention there being two songs on Letter From Home that actually feature him singing lyrics instead of the wordless vocals that Metheny has typically favoured. https://www.allaboutjazz.com/a-trio-of-pat-metheny-group-reissues-by-john-kelman.php
01. Have You Heard (6:25)
02. Every Summer Night (7:13)
03. Better Days Ahead (3:02)
04. Spring Ain’t Here (6:55)
05. 45/8 (0:56)
06. 5-5-7 (7:54)
07. Beat 70 (4:53)
08. Dream of the Return (5:25)
09. Are We There Yet (7:55)
10. Vidala (3:04)
11. Slip Away (5:24)
12. Letter from Home (2:33)
La Tarantela es un baile popular del sur de Italia, de las regiones italianas de Puglia, Basilicata, Calabria, Abruzzo, Molise, Campania y Sicilia y parte de Argentina. Es un baile de origen napolitano que tiene un movimiento muy vivo, acompañado de canto. Lo más probable es que su nombre se derive de la ciudad de Tarento en Apulia, aunque popularmente se suele decir que viene de la tarántula, una araña común en la región mediterránea. Es más, durante la Edad Media, en algunas partes del sur de Italia se creía que bailar el solo de la tarantela imitando el acto de espantar a la misma curaba un tipo de locura supuestamente producida por la picadura de la mayor araña europea, la llamada araña lobo o tarántula. La primera documentación escrita se encuentra en Athanasius Kircher http://es.wikipedia.org/wiki/Athanasius_Kircher
En 1610, Matteo Zaccolini había escrito un manuscrito de los Medici, nunca publicado, debido a su "naturaleza explosiva", que trata de la danza de los afectados en relación con el color y el sonido. En 1641 Athanasius Kircher, jesuita alemán que pasó la mayor parte de su vida en Roma, publicó un tratado sobre las enfermedades y sus curas, con un capítulo sobre tarantismo; parece que la gente reacciona al veneno de la araña de diferentes maneras, por lo que los tratamientos como la música o la terapia del color que varían de persona a persona. Kircher era bien conocido por los compositores contemporáneos activos en el Palazzo Barberini, incluyendo Kapsberger y Allegri. Los ejemplos musicales en su tratado son las primeras tarantellas anotadas en la historia.
L’Arpeggiata es un excepcional conjunto dirigido por Christina Pluhar. Sus miembros son algunos de los mejores solistas de nuestro tiempo y además suele colaborar con cantantes excepcionales tanto del mundo barroco como del de las músicas tradicionales. Su objetivo es revitalizar un repertorio poco conocido, para lo que centra su trabajo especialmente en los comienzos del siglo XVII.
El trabajo de L’Arpeggiata se basa en improvisaciones instrumentales, un acercamiento diferente al canto, que se apoya en el desarrollo de interpretaciones vocales derivadas de la música tradicional, y la presentación y puesta en escena de atractivos espectáculos.
Lucilla Galeazzi - chant Marco Beasley - chant, tamburi a cornice Alfio Antico - chant, tamburi a cornice Christina Pluhar - harpe baroque, théorbe, guitare baroque, chitarra battente Eero Palviainen - archiluth, guitare baroque Edin Karamazov - colascione, archiluth Marcello Vitale - chitarra battente, guitare baroque Eduardo Eguez - guitare baroque, chitarra battente Elisabeth Seitz - psaltérion Johanna Seitz - lirone, viole Paulina Van Laarhoven - lirone, viole Pierre Boragno - cornemuse Michèle Claude - percussions
1. La Carpinese (Puglia) 2. Lu Gattu la sonava la zampogna (Ninna Nanna) (Umbria) 3. Tarantella, for lute 4. Lu Passariellu (Tarantella dell'Avena) (Puglia) 5. Lamento dei mendicanti 6. Luna Lunedda (Pizzica) 7. Ah, vita bella! 8. Tarentella del Gargano 9. Pizzicarella mia (Pizzica Tarantata) (Puglia) 10. Silenzio d'amuri 11. Tarantella calabrese (Calabrese) 12. Sogna fiore mio (Ninna nanna sopra la Tarantella) 13. Tarantella italiana 14. Tu bella ca lu tieni lu pettu tundu (Tarantella) 15. Pizzica Ucci (puglia) 16. Lu povero 'Ntonuccio (Lamento funebre) (puglia) 17. Antidotum Tarantulae
Penguin Cafe está de regreso con una reedición del décimo aniversario producida con amor de su álbum debut, titulado A Matter of Life… 2021. Además de ser completamente remasterizado y prensado en vinilo por primera vez, el disco también incluye una nueva grabación de 2021 del sencillo principal. Harry Piers, una canción que conmemora al difunto padre de Arthur Jeffes y fundador de Penguin Cafe Orchestra, Simon Jeffes.
A Matter of Life… 2021 es una oportunidad para que un ejemplo clásico de la belleza que se encuentra en la colaboración llegue a nuevos oídos, y una oportunidad para dar nueva vida a los favoritos de los fans. El álbum, interpretado por una mezcla de personalidades, incluidos Neil Codling de Suede y, en la percusión, Cass Browne de Gorillaz, incorpora la estética del PCO original, sazonado en un estilo seguro y redefinido, manteniendo ese sonido típicamente inglés, pero agregando un nueva dirección y una sensación de que están evolucionando hacia algo nuevo y muy propio.
“Originalmente escribí Harry Piers para tocar en el funeral de mi padre hace 24 años, y lo toqué al final de casi todos los conciertos (y pruebas de sonido) que hemos hecho desde entonces, así que probablemente lo haya tocado cientos si no miles de veces desde que lanzamos originalmente A Matter of Life... Así que cuando decidimos reeditar el álbum, Robert y yo pensamos que sería divertido grabar una versión actualizada de esta canción, porque ha cambiado con el tiempo y sigue evolucionando. Entonces, si bien esta sigue siendo en gran medida la misma melodía, creo que tiene muchos más matices y detalles que reflejan los años que han pasado desde 2011. Ha sido realmente maravilloso volver con estos viejos amigos, y con esta reedición Los traeré a todos para tocar en vivo nuevamente. Ahora con cuatro álbumes, y con nuestro nuevo hogar en Erased Tapes, tiene mucho sentido para nosotros regresar y sacar este disco y descartarlo por hoy”. —Arthur Jeffes
La portada también recibió una actualización en forma de una hermosa fotografía tomada por el fotógrafo británico y colaborador de mucho tiempo Alex Kozobolis, quien fue enviado a visitar a Arthur en su segundo hogar en la Toscana. El concepto de Raths para esto era no solo recrear la pintura original de Emily Young, sino también expresar el cambio generacional poniendo a Arthur y su hija en lugar del niño pequeño y la figura del pingüino emperador que sugieren padre e hijo.
1. That, Not That (4:24) 2. Landau (4:55) 3. Sundog (2:32) 4. The Fox and the Leopard (3:02) 5. Finland (4:56) 6. Pale Peach Jukebox (5:02) 7. Harry Piers 2021 (4:05) 8. Two Beans Shaker (2:02) 9. From a Blue Temple (8:40) 10. Ghost in the Pond (4:08) 11. Coriolis (2:04)
En el album Ecologie, Joaquín Lievano toma un rumbo más espiritual a la historia de la guitarra eléctrica, una verdadera aventura de viajes electrónicos a los lugares secretos de curación en nuestro hermoso planeta. Los abrasadores estallidos de luz de Lievano añaden potencia a los nobles proyectos electro-new age de sus grabaciones en el grupo Zazen, pero aquí parece más interesado en el exotismo fresco, las estructuras rítmicas fáciles y los tramos atmosféricos contemplativos. Todo lo cual hace que la colección sea mixta, según el destino. Su "African Adventure" nos hace girar furiosamente a través de la jungla y una arremolinada "Scottish Highlands Melody" nos incita a zurcir nuestros tartanes escoceses, pero más a menudo, él y su guitarra reflexionan sobre la magia de los amaneceres, los atardeceres y los milagros más silenciosos que nos rodean. Los lavados de teclado de cristal son tan comunes como los aumentos de percusión. Él y el productor Rama, sin embargo, crean algunos de los slow jams más hipnóticos que este estilo de música espiritual jamás haya visto.
En 2019 FLOW, el cuarteto vuelve con su segunda entrega, Promise y ciertamente hace honor a su título. El galardonado grupo, está formado por la pianista australiana Fiona Joy (Hawkins), el guitarrista Lawrence Blatt, el maestro flugelhorn Jeff Oster y el productor y guitarrista ganador del Grammy, Will Ackerman. Cada miembro es un virtuoso certificado de su instrumento y se ha demostrado una y otra vez en sus proyectos como solistas y colaboraciónes.
Escuchar el álbum Promise del supergrupo de música New Age FLOW me hizo pensar en cómo las promesas, grandes o pequeñas, son estrellas guía. Nos siguen dondequiera que vayamos, y nuestro bienestar está directamente relacionado con la forma en que las personas que nos rodean cumplen sus promesas y la forma en que las cumplimos con nosotros mismos. Me complace informar que también podemos confiar en FLOW. “Promise” continúa donde lo dejó su álbum de 2017, demostrando lo que la banda estaba destinada a ser. Es un segundo lanzamiento sólido como una roca, que lleva el sonido del grupo a nuevas alturas.
La primera parte de este disco es bastante contemplativa y soñadora. “Something On Tuesday” nos hace reflexionar sobre el tiempo, y cómo la vida cotidiana se llena de momentos de belleza. Su tranquila elegancia hace que el oyente se relaje y sueñe. “Adrift at Sea” es una de las mejores piezas de “Promise”. Dejarse llevar por las corrientes marinas, cuando tienes todo el tiempo del mundo y ninguna cita en tu calendario, es una experiencia fantástica. La canción comunica este sentimiento espléndidamente. Me gusta el final; la canción se desvanece mientras escuchamos las olas, los pájaros y el fliscorno de sonido solitario de Oster. Es un buen tipo de soledad. https://flowthegroup.com/listen-to-promise/
Acoustic Guitar, Electric Guitar, Ukulele, Bass – Lawrence Blatt Guitar – Will Ackerman Piano, Vocals – Fiona Joy Hawkins Trumpet, Flugelhorn – Jeff Oster
Guest, Bass, Electric Guitar, Keyboards, Accordion – Tom Eaton Guest, Percussion – Jeff Haynes, Jeff Haynes
1 Promise 3:15 2 Something On Tuesday 4:09 3 Adrift At Sea 3:50 4 All These Years 5:54 5 Last Light 4:05 6 Fresh Aur 6:47 7 Nightfall 5:00 8 Blue Umbrella 4:12 9 Chasing Secrets 4:04 10 Mémoire Du Dome 3:28
