La pianista y compositora franco-canadiense Alexandra Stréliski lanzó en 2023 su álbum, Néo-Romance.
Este proyecto marca un punto de partida para Stréliski de varias maneras, no solo en términos de tema. Al componer y grabar en Europa por primera vez, también trabajó con varios músicos y colaboradores nuevos, incluido un trío de cuerdas; miembros del Karski Quartet, y exploró el pasado de su familia. Las canciones fueron escritas principalmente en Rotterdam, donde Stréliski se mudó para estar con su pareja. Y al hacerlo, descubrió algunos datos sorprendentes y proféticos sobre la historia de su familia, sus orígenes judíos polacos y la inclinación de sus antepasados por el arte y la creatividad.
Asociada durante mucho tiempo con el movimiento neoclásico, Stréliski también quería distanciarse de una etiqueta que no refleja con precisión su trabajo. Inspirada por la idea de encapsular y expresar emociones a través del arte, y el amor de los románticos por la expresión individual por encima de las restricciones de la tradición, se dispuso a seguir su instinto. “Soy mucho más romántica en el sentido de que expreso mi propio mundo interior para dar sentido al mundo más amplio. Entonces, el hilo del que estoy tirando aquí es la idea del neo-romance, de una manera musical pero también como una forma de contemplación”.
Además, dice Stréliski, el romanticismo ha sido durante mucho tiempo parte de su vida musical. “Me crié tocando Chopin, así que está en lo más profundo de mi ser. Soy una compositora romántica. Y con un nuevo amor que me llevó de regreso a Europa, a mis raíces y estos descubrimientos, todo se unió. Tenía perfecto sentido”.
El lanzamiento acompaña a un video musical de la canción del álbum, The Breach. “The Breach se trata de desconfinarse uno mismo, con la fiebre y la fuerza que se necesita para reabrir el corazón después de un mal momento”, explica.
Alexandra Stréliski: Piano / Orgue Natalia Kotarba: Violon Fayçal Cheboub: Alto Julia Kotarba: Violoncelle Pierre-Olivier Rioux: Contrebasse
01 Ad Libre 02 Lumières 03 the first kiss 04 Dans les bois 05 Air de famille 06 Rêveries 07 In the air 08 The hills 09 one last dance 10 Prelude in Lodz 11 (ouverture) 12 The Breach 13 Élégie 14 BORDERS 15 a new romance 16 Umbra
Hace algún tiempo, Eydís Evensen escribió un poema. Este poema se convirtió en la base de una composición coral de dos partes, que describe como "una hermosa luz que se congeló", antes de concluir con un rayo de esperanza luchada. “ljósið fagra lifir enn ljósið fagra lifir enn”, insisten voces resonantes en la segunda parte de esa composición, que se traduce en inglés como “la hermosa luz aún sobrevive”. Las palabras fueron un recordatorio, para ella misma y para el mundo, de que sin importar la oscuridad que te rodea, llegará un momento en que el dolor comenzará a derretirse, por lo que siempre vale la pena aguantar. "Representa que siempre hay algo hermoso al final de incluso la experiencia más terrible", insiste la sensación de modelo convertida en piano nacida en Blönduós, "sin importar cuán terrible sea la prueba". Estas palabras resuenan en cada nota y melodía de su sorprendente segundo álbum, titulado The Light. Es un disco inspirado en la resiliencia que todos llevamos dentro, dice, nuestra capacidad para mantenernos firmes frente a una catástrofe personal y colectiva.
La joven de 29 años, que también canta en el álbum por primera vez, se enfrentó a sus propias dificultades y tristezas para crear The Light. Algunos temas nacieron de las crisis que atravesamos todos juntos: la pandemia de Covid-19; su horror por la guerra de Rusia contra Ucrania; su temor de que los glaciares y las maravillas naturales de su Islandia natal que la inspiraron a escribir música pronto sean devastados por el impacto del cambio climático. También hubo pruebas personales: fantasmas de su pasado para ser exorcizados, demonios en su armario que la empujaron a límites desafiantes. Mientras la carga de estas situaciones pesaba sobre ella, Evensen hizo lo que siempre hacía: se sentó frente a su piano, estiró los dedos y comenzó a tocar. “Siempre ha sido así”, sonríe el artista. “Recuerdo [cuando era niña] caminar hacia el piano y poder dejar salir algo tocando las teclas. Se convirtió en un terapeuta y en mi mejor amigo; siempre me sentía mejor después de tocar”.
En el "Tema de Anna" de apertura, la pianista se sienta en el piano de una iglesia, tocando con reverencia y solo. Uno tiene la sensación de que ya ha encontrado su luz interior, su expresión tranquila y serena. A la nota final se le permite un decaimiento natural. Sorprendente para un álbum de Evensen, pero no para el álbum en sí, es la siguiente pieza, escrita para la Schola Cantorum Reykjavicensis y que contiene las líneas "una hermosa luz que se congeló / la hermosa luz aún sobrevive". El coro esparce destellos de luz a través del campo sónico como rayos del amanecer sobre la nieve. Para el tema “17.03.22”, las cuerdas están involucradas, la continuación de una revelación lenta y una prueba más de que la joven compositora está creciendo exponencialmente en talento.
Ya sea que su impresión del violonchelista ganador del Grammy, David Darling, se refiera a sus inicios con Paul Winter Consort, a sus grabaciones de una profundidad incomparable para ECM o a su aclamado álbum de Hearts of Space de 1993, "Eight String Religion", nada es más cálido, lírico, contemplativo y conmovedor que la música que fluye con tanta generosidad de su álbum, "Cello Blue". La orquesta de cuerdas personal de Darling, compuesta por varios violonchelos, piano y teclados, nunca ha sonado con tanta belleza.
El álbum dedica mucho tiempo a temas espaciales que también incluyen breves y sutiles sonidos de la naturaleza, en particular el discreto canto de los pájaros presente en varios temas. Si bien musicalmente el álbum es una obra maestra, títulos como "Prayer and Word", "Thy Will Not Mine Be Done", "Serenity" y "Presence" sugieren claramente que Darling buscaba una personalidad meditativa y espiritual. Y es evidente que la música transmite serenidad y entrega. En 2002, David fue nominado a un Grammy, por su álbum Cello Blue.
1. Children 2. Prayer And Word 3. Cello Blue 4. Thy Will “Not Mine” Be Done 5. Serenity 6. Colorado Blue 7. Awakening 8. Morning 9. Presence 10. Solitude 11. Prayer
Max Richter regresa a su célebre obra magna de ocho horas SLEEP con un nuevo EP: SLEEP: Tranquility Base. Haciendo referencia al sitio de alunizaje de 1969 en el título, el EP ofrece un vistazo a parte del material original desde una perspectiva electrónica. Incluyendo remixes de Kelly Lee Owens y Alva Noto, la nueva música también se agregará a la popular aplicación SLEEP de Richter.
SLEEP: Tranquility Base es un EP de nueva música que regresa a la innovadora canción de cuna de 8 horas de Max para un mundo frenético.
“Una mirada al material desde un punto de vista más electrónico, esta es una oportunidad para mí de ver lo que esta música significa para mí ahora, en este momento…
“SLEEP es una especie de contraargumento de lo que está pasando en el mundo. Es una especie de propuesta alternativa sobre cómo podrían ser las cosas o cómo son las cosas... hacia el mundo en el que vivimos y ayuda a arrojar luz sobre las cosas que podemos hacer mejor.
Lo original que nos hizo querer hacer esta pieza fue la sensación de estar sobresaturados, con datos, con información, sobreestimulados... Todo eso es peor ahora, hay más de lo mismo, mucho más de lo mismo, y eso hace que el pieza continuamente relevante'. https://www.maxrichtermusic.com/2023/02/24/free-and-equal-copy/
Max Richter, organ, synthesizer Clarice Jensen, cello Brian Snow, cello Grace Davidson, soprano Yuki Numata, violin Ben Russell, violin Caleb Burhans, viola
1. Richter: Tranquility I (1:23) 2. Richter: Tranquility II (1:22) 3. Richter: Tranquility III (2:04) 4. Richter: Tranquility IV (1:05) 5. Richter: Tranquility V (1:53) 6. Richter: Tranquility VI (3:39) 7. Richter: Tranquility VII (2:48) 8. Richter: Tranquility VIII (2:00) 9. Richter: Tranquility IX (2:07) 10. Richter: Tranquility X (1:46) 11. Richter: Tranquility XI (2:34) 12. Richter: Tranquility XII (1:33) 13. Richter: Tranquility XIII (1:22) 14. Richter: Tranquility XIV (1:22) 15. Richter: Tranquility XV (1:12) 16. Richter: Tranquility XVI (3:46)
En su álbum "Are You Still Somewhere?", la arpista Lavinia Meijer, conocida por sus colaboraciones que cambian géneros, combina composiciones propias y piezas de compositores actuales como Ryuichi Sakamoto, Olafur Arnalds o Lambert para crear una reflexión musical sobre la soledad y alienación. Para Lavinia Meijer, todas las piezas del álbum son comentarios o pensamientos sobre escenas de alienación y soledad en la sociedad.
Destaca especialmente la pieza "Mom & Dad", que Lavinia Meijer escribió y grabó junto con la leyenda del punk Iggy Pop. La composición es una versión reducida y expresiva de un poema de Iggy Pop, que interpreta con su distintiva voz al ritmo del arpa de Lavinia Meijer. Los dos músicos han colaborado en el pasado, incluido el sensacional proyecto en vivo "An Evening with..." con el ícono del compositor Philip Glass. Otro artista invitado en "Are You Still Somewhere?" es el pianista holandés Pieter de Graaf, que acompaña a Lavinia Meijer en la pieza "DAMnation" al piano.
1. Showing Me (Lavinia Meijer) 2. Saman (Olafur Arnalds) 3. Plus Tot (Alexandra Streliski) 4. Les Marionettes (Zbigniew Preisner) 5. Are You Still Somewhere? (Lavinia Meijer) 6. Porcelain (Lambert) 7. Another Lonely Night (Lavinia Meijer) 8. Stay in the Dark (Lambert) 9. Born (Lavinia Meijer) 10. Damnation (Lavinia Meijer) Ft. Pieter De Graaf 11. Solitude (Ryuichi Sakamoto) 12. Mom & Dad (Lavinia Meijer, Iggy Pop) Ft. Iggy Pop
Therese Schroeder-Sheker es experta en música de la Baja Edad Media y directora de Ars Antiqua, un centro dedicado a la investigación y interpretación de la musicología medieval. Fue profesora asociada de música en Regis College en Denver, Colorado. El don de Schroeder-Sheker reside en su capacidad para hacer que las formas antiguas de expresión musical sean relevantes para el público del siglo XXI a través de sus actuaciones y grabaciones internacionales. La talentosa multiinstrumentista y vocalista toca arpas medievales y renacentistas, salterios, flautas dulces, campanas y órgano portátil.
Durante más de cuarenta años, la arpista, cantante, compositora y médica Therese Schroeder-Sheker ha tenido una vocación prodigiosa y única al trabajar simultáneamente en música clásica, educación superior y cuidados paliativos al final de la vida.
Therese estudió composición con Evan Copley en la Universidad de Colorado y más tarde con el ganador del Premio de Roma, Normand Lockwood, en Denver. Hizo su debut en el Carnegie Hall en 1980; Ha realizado conciertos en todo el mundo durante décadas y ha grabado para sellos estadounidenses y europeos como Curve Blue, Sony, Windham Hill, Celestial Harmonies, Hearts of Space y otros.
Fundó la modalidad médica paliativa de tanatología musical y su organización emblemática, The Chalice of Repose Project. Después de diecinueve años de investigación y desarrollo (1973 – 1992), la forma de tanatología musical de la que fue pionera fue bienvenida como modalidad médica y comenzó a integrarse en hospitales y hospicios estadounidenses a finales de 1992. Posteriormente, Therese impartió cursos y seminarios de posgrado en Universidades, colegios, seminarios e institutos estadounidenses y europeos, presidiendo o dirigiendo programas de música, teología pastoral, musicalidad contemplativa y tanatología musical. (Universidad Católica de América, Universidad de Duke, Colegio de la Santa Cruz, Seminario Teológico St. Thomas, etc.).
1 Planctus Pellegrin 5:46 2 Credo Of Ballymacoda 3:55 3 Gaude Virgo 1:16 4 Assumpta Est Maria In Coelum 3:39 5 Veni Sancte Spiritus 2:41 6 Is Milde Lomb 2:58 7 Two Villancicos 1:12 8 Choose Me 3:13 9 Amor Con Fortuna 7:30 10 Je Muir, Je Muir 1:17 11 Ah Robyn, Gentle Robyn 2:11 12 Beata Viscera 6:50 13 Domino 2:06 14 Sedona 3:58 15 Jesu dulcis memoria 5:07
Novus Magnificat: Through the Stargate fué un álbum de 1986 de la compositora, pintora, escultora y productora multimedia estadounidense Constance Demby, con contribuciones adicionales del compositor Michael Stearns. El álbum vendió más de 200.000 copias en todo el mundo. En 2002, fue nombrado uno de los "25 álbumes ambientales más influyentes de todos los tiempos".
Novus
Magnificat: Through the Stargate de Constance Demby, uno de los
primeros lanzamientos de Hearts of Space Records, es una grabación
histórica. Este álbum de música sacra sinfónica construyó el puente
entre la música clásica y coral, y lo que eventualmente se convertiría
en el género musical New Age. Esta edición del 30 aniversario en 2 CD
presenta la grabación original reeditada por el artista en once
movimientos y un segundo disco de grabaciones en vivo nunca antes
publicadas.
El album Novus Magnificat está inspirado en la música clásica y sacra occidental, Novus Magnificat se autodefinió como "Un Magnificat para orquesta digital, voces corales e imágenes electrónicas espaciales" y "Dedicado al Infinito..."
La música se interpretó utilizando el Emulator II, uno de los primeros sintetizadores de muestreo digitales disponibles, que combinaba el sonido de coros e instrumentos sinfónicos reales en un solo teclado. Estaba conectado a un Roland Juno 60 para proporcionar efectos arpegiados y sonidos mejorados.
El álbum fue compuesto y grabado directamente en 1985 por Demby al teclado, sin ninguna música escrita ni puntuada de antemano. La música fue mejorada aún más con texturas electrónicas del compositor Michael Stearns y refinada con la coproductora y cofundadora del sello Anna Turner. El resultado fue descrito como "música conjurada por el futuro, arraigada en la tradición sagrada occidental".
Constance Demby passed away last 19th March 2021.
CONSTANCE DEMBY Emulator II digital sampling synthesizer, Roland Juno 60, Yamaha C-9 concert grand piano|
MICHAEL STEARNS Serge Modular synthesizer, The Beam, Yamaha DX-7, Oberheim OB-8 synthesizers
En febrero de 1990 Televisión Española comenzaba la emisión de un programa musical dedicado a la música New Age, de moda en los años 90, que componían músicos provenientes del Pop, Rock, Jazz y el Folk. Este programa, titulado Música NA, fue dirigido por Ramón Trecet y presentado por Lara López. En este capítulo monográfico se recoge la música de Constance Demby.
Disc 1 1 Novus Magnificat, Pt. 1: Soul's Journey 2 Novus Magnificat, Pt. 1: Ascent 3 Novus Magnificat, Pt. 1: Tears Of Terra 4 Novus Magnificat, Pt. 1: Exultate 5 Novus Magnificat, Pt. 1: My Heart Doth Soar 6 Novus Magnificat, Pt. 2: The Flying Bach 7 Novus Magnificat, Pt. 2: Trust 8 Novus Magnificat, Pt. 2: Bridging Dimensions 9 Novus Magnificat, Pt. 2: Through The Stargate 10 Novus Magnificat, Pt. 2: Magnificat 11 Novus Magnificat, Pt. 2: Cosmic Carousel
Disc 2 1 Novus Magnificat: Baktun, No. 1 (Live December 21, 2012) 2 Novus Magnificat: Spring Equinox (Live December 21, 2012) 3 Novus Magnificat: Full Moon Eclipse (Live March 19, 2011) 4 Novus Magnificat: Baktun, No. 2 (Live June 26, 2010) 5 Space Bass: Baktun, No. 3 (Live December 21, 2012)
Víkingur Ólafsson (14 de febrero de 1984) es un pianista islandés.
Ólafsson ha tocado con orquestas de primer nivel en Europa y Estados Unidos, incluyendo la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Philharmonia, la Orquesta de Minnesota, la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, la Orquesta Sinfónica de Detroit y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca, y con directores como Thomas Adès, Esa-Pekka Salonen y Santtu-Matias Rouvali. Ha ganado numerosos premios por sus interpretaciones, incluyendo Álbum del Año en la edición de 2019 de los premios de la BBC Music Magazine por su disco Johann Sebastian Bach.2
Tras su álbum Philip Glass Piano Works (Obras para piano de Philip Glass), Ólafsson fue descrito como «el Glenn Gould de Islandia» por el periódico New York Times y «un pianista sorprendentemente brillante» por la revista Gramophone y elogiado por el periódico Le Monde debido a su «temperamento volcánico, gran virtuosismo y gusto por los desafíos».
Fue solista en el concierto de apertura de Harpa en Reikiavik, tocando el Concierto para piano en La menor de Grieg con la Orquesta Sinfónica de Islandia bajo la dirección de Vladímir Ashkenazi.
Durante la temporada 2019-20, Ólafsson fué artista residente en la Konzerthaus Berlin con catorce actuaciones en once proyectos diferentes, tocando conciertos de Thomas Adès, Robert Schumann, Daníel Bjarnason y Mozart, dos recitales en solitario y programas de cámara con intérpretes como Martin Fröst y Florian Boesch.
En 2016, firmó un contrato de exclusividad con Deutsche Grammophon.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (1977 – ) 1. For Jóhann 3:04 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Peter Gregson 2. Above And Below, B Minor 3:02 Víkingur Ólafsson, Peter Gregson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Ben Frost 3. Prelude, BWV 855a 6:06 Víkingur Ólafsson, Ben Frost
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Hans-Joachim Roedelius, Thomas Rabitsch 4. Bach mit Zumutungen 3:45 Víkingur Ólafsson, Hans-Joachim Roedelius, Thomas Rabitsch
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Valgeir Sigurðsson 5. Prelude, BWV 855a 4:40 Víkingur Ólafsson, Valgeir Sigurðsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (1977 – ) 6. And At The Hour Of Death 2:33 Víkingur Ólafsson
Vikingur Olafsson, piano Valgeir Sigurdsson, piano, electronics Peter Gregson, cello Hildur Guðnadóttir, cello Ryuichi Sakamoto, electronics Hans-Joachim Roedelius, electronics
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (*1977) 1. Prelude In G Major (Christian Badzura Remix) 3:55 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) 2. Widerstehe doch der Sünde, BWV 54 (Transcr. by Víkingur Ólafsson) 4:22 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Ryuichi Sakamoto (*1952) 3. BWV 974 – II Adagio 5:18 Víkingur Ólafsson, Ryuichi Sakamoto
Hildur Guðnadóttir 4. Minor C Variation (Gunnar Örn Tynes Remix) 3:08 Hildur Guðnadóttir
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Skuli Sverrisson 5. Kyriena (Albert Finnbogason Remix) 2:57 Víkingur Ólafsson, Skuli Sverrisson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit, BWV 106 (Transcr. for Piano Four Hands by György Kurtàg) 6. 1. Sonatina 2:09 Víkingur Ólafsson, Halla Oddný Magnúsdóttir
Una de las raras mujeres en el mundo neoclásico, Alexandra Stréliski crea música que cautiva a los oyentes, llenando sus mentes con ricas imágenes cinematográficas. Artista de origen judío polaco que creció entre París y Montreal, debutó con el álbum Pianoscope de 2010, pero el gran público la descubrió a través de las películas de Jean-Marc Vallée Dallas Buyers Club (2013) y Demolition (2016) y, más recientemente, el tráiler de la aclamada serie de HBO Big Little Lies (2017). Aprovechando este impulso, la compositora y músico ahora está haciendo su próxima declaración artística con el álbum INSCAPE.
“Para mí”, dice Stréliski, “Inscape fue una crisis existencial. Un año en el que todo se volcó y tuve que atravesar varios paisajes interiores, agitados, hermosos y dolorosos al mismo tiempo”. En su intento de llenar un cierto vacío emocional, sigue una pulsión creativa que apuesta por devolver al oyente a una forma de sinceridad perdida. “Un piano, por sí solo, es algo muy vulnerable y quiero compartir este momento con el oyente”.
One of the rare women in the neoclassical world, Alexandra Stréliski creates music that enthralls listeners, filling their minds with rich, cinematic images. An artist of Polish Jewish origin who grew up between Paris and Montreal, she made her debut with the 2010 album Pianoscope, but the general public discovered her via Jean-Marc Vallée’s films Dallas Buyers Club (2013) and Demolition (2016) and, more recently, the trailer of the acclaimed HBO series Big Little Lies (2017). Building on this momentum, the composer and musician is now making her next artistic statement with the album INSCAPE, out now on Secret City Records.
“To me,” says Stréliski, “Inscape was an existential crisis. A year where everything capsized and I had to go through various interior landscapes – hectic, beautiful and painful at the same time.” In her attempt to fill a certain emotional emptiness, she follows a creative urge that commits to taking the listener back to a form of lost sincerity. “A piano, on its own, is a very vulnerable thing, and I want to share this moment with the listener.” https://alexandrastrliski.bandcamp.com/album/inscape
Género: Classical Estilo: Neo-Classical
1 Plus Tôt 3:00 2 The Quiet Voice 2:28 3 Par La Fenêtre De Théo 2:54 4 Ellipse 2:18 5 Changing Winds 3:14 6 Interlude 3:34 7 Blind Vision 3:23 8 Burnout Fugue 2:52 9 Overturn 4:17 10 Revient Le Jour 3:34 11 Le Nouveau Départ 3:35
La Tarantela es un baile popular del sur de Italia, de las regiones italianas de Puglia, Basilicata, Calabria, Abruzzo, Molise, Campania y Sicilia y parte de Argentina. Es un baile de origen napolitano que tiene un movimiento muy vivo, acompañado de canto. Lo más probable es que su nombre se derive de la ciudad de Tarento en Apulia, aunque popularmente se suele decir que viene de la tarántula, una araña común en la región mediterránea. Es más, durante la Edad Media, en algunas partes del sur de Italia se creía que bailar el solo de la tarantela imitando el acto de espantar a la misma curaba un tipo de locura supuestamente producida por la picadura de la mayor araña europea, la llamada araña lobo o tarántula. La primera documentación escrita se encuentra en Athanasius Kircher http://es.wikipedia.org/wiki/Athanasius_Kircher
En 1610, Matteo Zaccolini había escrito un manuscrito de los Medici, nunca publicado, debido a su "naturaleza explosiva", que trata de la danza de los afectados en relación con el color y el sonido. En 1641 Athanasius Kircher, jesuita alemán que pasó la mayor parte de su vida en Roma, publicó un tratado sobre las enfermedades y sus curas, con un capítulo sobre tarantismo; parece que la gente reacciona al veneno de la araña de diferentes maneras, por lo que los tratamientos como la música o la terapia del color que varían de persona a persona. Kircher era bien conocido por los compositores contemporáneos activos en el Palazzo Barberini, incluyendo Kapsberger y Allegri. Los ejemplos musicales en su tratado son las primeras tarantellas anotadas en la historia.
L’Arpeggiata es un excepcional conjunto dirigido por Christina Pluhar. Sus miembros son algunos de los mejores solistas de nuestro tiempo y además suele colaborar con cantantes excepcionales tanto del mundo barroco como del de las músicas tradicionales. Su objetivo es revitalizar un repertorio poco conocido, para lo que centra su trabajo especialmente en los comienzos del siglo XVII.
El trabajo de L’Arpeggiata se basa en improvisaciones instrumentales, un acercamiento diferente al canto, que se apoya en el desarrollo de interpretaciones vocales derivadas de la música tradicional, y la presentación y puesta en escena de atractivos espectáculos.
Lucilla Galeazzi - chant Marco Beasley - chant, tamburi a cornice Alfio Antico - chant, tamburi a cornice Christina Pluhar - harpe baroque, théorbe, guitare baroque, chitarra battente Eero Palviainen - archiluth, guitare baroque Edin Karamazov - colascione, archiluth Marcello Vitale - chitarra battente, guitare baroque Eduardo Eguez - guitare baroque, chitarra battente Elisabeth Seitz - psaltérion Johanna Seitz - lirone, viole Paulina Van Laarhoven - lirone, viole Pierre Boragno - cornemuse Michèle Claude - percussions
1. La Carpinese (Puglia) 2. Lu Gattu la sonava la zampogna (Ninna Nanna) (Umbria) 3. Tarantella, for lute 4. Lu Passariellu (Tarantella dell'Avena) (Puglia) 5. Lamento dei mendicanti 6. Luna Lunedda (Pizzica) 7. Ah, vita bella! 8. Tarentella del Gargano 9. Pizzicarella mia (Pizzica Tarantata) (Puglia) 10. Silenzio d'amuri 11. Tarantella calabrese (Calabrese) 12. Sogna fiore mio (Ninna nanna sopra la Tarantella) 13. Tarantella italiana 14. Tu bella ca lu tieni lu pettu tundu (Tarantella) 15. Pizzica Ucci (puglia) 16. Lu povero 'Ntonuccio (Lamento funebre) (puglia) 17. Antidotum Tarantulae
El Greco es el decimoctavo álbum conceptual del compositor de música electrónica Vangelis, publicado en 1998 por EastWest.
Este disco es un relanzamiento mundial aumentado de la caja de edición limitada Foros Timis Ston Greco de 1995, la cual sólo fue comercializada en su día a través de una galería de arte griega.
Al igual que dicho álbum, el concepto de El Greco gira en torno a la figura del pintor y artista plástico renacentista cretense afincado en España Doménikos Theotokópoulos (gr: Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, 1541-1614). Las diferencias que esta edición guarda con el disco de 1995 son varias, la lista de temas fue alterada, portada y título fueron cambiados, y fueron agregados tres temas nuevos, sumando diez en total; la soprano Montserrat Caballé y el tenor Konstantinos Paliatsaras figuran como invitados.
Para la portada del álbum se eligió una imagen ligeramente retocada del óleo manierista "El caballero de la mano en el pecho" (circa 1578-1580), uno de los más célebres retratos de la primera etapa española del Greco.
Aquellos que dicen que Vangelis fue bueno solo en los años setenta y toman "Heaven and Hell" como una obra maestra, deberían intentarlo también con trabajos posteriores. No puede ser juzgado como un mero sentimentalismo New Age. Este homenaje al pintor religioso El Greco es un ejemplo perfecto de cómo Vangelis sigue siendo un verdadero artista que no presta atención a la comercialidad o EasyListening. La música es principalmente lenta y etérea, pero nunca se reduce a la relajación de la New Age, una especie de música de fondo de pantalla. Vangelis ha hecho una interpretación musical de la vida y obra de El Greco griego que trabajó mayoritariamente en España, siglo XVI. Me resulta difícil encontrar las palabras adecuadas para describir esta música: ¿sagrada? ¿divina? Emocionalmente profunda y fuerte. Espiritualmente edificante. Música para los ojos de la mente. Esta música debe recibir atención completa por parte del oyente que tiene cierta paciencia en primer lugar. Como músicos invitados están Montserrat Caballe y el tenor griego Konstantinos Paliatsaras, y sus Movimientos son tan divinos, nada que ver con la ópera como todo el disco.
Probablemente una de las obras más bellas de Vangelis y testimonio de su gran talento. La instrumentación es bastante escasa y permite que la música respire, ya que todo el enfoque está en la composición. En ocasiones, es comparable con algunas de sus obras de los setenta, como Heaven and Hell e Ignacio in mood. y estilo, aunque muy lejos de la electrónica progresiva de Albedo y Spiral. Esta es una música profunda y contemplativa que recompensa a su oyente. 4 estrellas sólidas, aunque con la condición de que no es realmente música progresiva sino más parecida a la música clásica.
1. Movement I (10:06) 2. Movement II (5:19) 3. Movement III (6:49) 4. Movement IV (6:26) 5. Movement V (4:26) 6. Movement VI (7:54) 7. Movement VII (3:20) 8. Movement VIII (9:44) 9. Movement IX (11:58) 10. Movement X - Epilogue (7:00)
Cuando se estrenó, Pieces of Africa estuvo sujeta a algunas de las mismas críticas de "imperialismo cultural" que se habían dirigido con más éxito a artistas como David Byrne y Paul Simon. El álbum consta de encargos de compositores africanos que trabajan a diferentes distancias de las convenciones europeas. Pero mientras que Byrne y Simon posiblemente usaron la música de Brasil o Sudáfrica como telón de fondo sobre el cual mostrar sus propios egos, los miembros del Kronos Quartet lograron sublimarse al servicio de las composiciones, sin darle al oyente ningún sentido de condescendencia. Todo lo cual quiere decir que Pieces of Africa es una grabación muy hermosa con varias obras individuales excelentes. La pieza de apertura de Dumisani Maraire de Zimbabue, "Mai Nozipo", con el compositor acompañando al cuarteto en la batería, es un himno entusiasta y triunfante con una línea melódica resonante que perdurará por mucho tiempo. Temáticamente, la mayoría de las piezas beben de fuentes africanas, muy claramente en el caso de las canciones con infusión árabe de Hassan Hakmoun y el gran compositor sudanés Hamza el Din. Como era de esperar, "White Man Sleeps" del sudafricano Kevin Volan se acerca más a las tradiciones europeas, aunque incluso esta pieza, que es hermosa e inspirada en todo momento, se inspira en los sonidos ambientales nativos. El disco se cierra con otra composición de Maraire, acompañada por un coro de gospel que hace explícito el vínculo entre la música de África y la del sur de Estados Unidos. Pieces of Africa está repleta de melodías seductoras, lo que lo convierte en uno de los proyectos más accesibles de este cuarteto y también uno de los mejores. https://www.gramophone.co.uk/review/kronos-quartet-pieces-of-africa
Kronos Quartet: David Harrington, violín John Sherba, violín Hank Dutt, viola Joan Jeanrenaud, violonchelo
With guest performances by: Dumisani Maraire (ngoma, hosho, vocal, mbira) Hassan Hakmoun (vocal, sintir) Foday Musa Suso (kora) Hamza el Din (tar) Obo Addy (donno, brekete, pretia, aksete, gidi, vocal) With: Radouane Laktib (oud vocal); Said Hakmoun, (vander, vocal); Dan Pauli (hosho); and the Oakland Interfaith Gospel Choir.
1. Mai Nozipo(Mother Nozipo) - Dumisani Maraire 2. Saade (I’m happy) - Hassan Hakmoun 3. Tilliboyo (Sunset) - Foday Musa Suso 4. Ekitundu Ekisooka (First movement) - Justinian Tamusuza 5. Escalay (Waterwheel) - Hamza el Din 6. Wawshishijay (Our beginning) - Obo Addy 7. White Man Sleeps, Mvt. I (original, unrevised version) - Kevin Volans 8. White Man Sleeps, Mvt. II (original, unrevised version) - Kevin Volans 9. White Man Sleeps, Mvt. III (original, unrevised version) - Kevin Volans 10. White Man Sleeps, Mvt. IV (original, unrevised version) - Kevin Volans 11. White Man Sleeps, Mvt. V (original, unrevised version) - Kevin Volans 12. Kutambarara (Spreading) - Dumisani Maraire
Lumobyr Melnyk (n. 20 de diciembre de 1948) es un compositor y pianista ucraniano. Es conocido por sus contribuciones a la música continua, una técnica de piano basada en notas extremadamente rápidas y series de notas complejas, usualmente sosteniendo el pedal apretado para generar sobretonos y resonancias empáticas. Estos sobretonos crean una curva o se enfrentan a los cambios armónicos. La mayoría de su música es para piano, pero también compone música de cámara y trabajos de orquesta. https://es.wikipedia.org/wiki/Lubomyr_Melnyk
Lubomyr Melnyk continúa produciendo un nuevo trabajo clásico exquisitamente hermoso, ganándose una audiencia por su técnica de "música continua" que se amplía con cada lanzamiento. Este nuevo esfuerzo, el más reciente para Erased Tapes, presenta contribuciones de otros miembros de la lista del sello. Los vocalistas Hatis Noit y David Allred y la violonchelista Anne Müller añaden más profundidad emocional a la ya conmovedora interpretación de Melnyk.
Melnyk a menudo se describe como el pianista más rápido del mundo. Ha grabado la asombrosa cantidad de más de 19 notas por segundo, simultáneamente con ambas manos. Sin embargo, esto es engañoso; sugiere un grado de agresión que está completamente ausente en su obra. En cambio, este enfoque continuo y compacto del piano produce ondas de sonido acústico que son notablemente pacíficas.
Eso no quiere decir que su trabajo sea siempre reconfortante. El "Requiem For a Fallen Tree" de este nuevo álbum es un ejemplo de cuán emocionalmente agotador es su trabajo a veces. Una pieza anterior, "Concierto-Réquiem para violín y piano" de 1983, estaba "dedicada a las víctimas del terrorismo bolchevique en 1933". Es profundamente conmovedor. https://exclaim.ca/music/article/lubomyr_melnyk-fallen_trees
Cello – Anne Müller Piano – Lubomyr Melnyk Voice – Hatis Noit Voice [Additional Voices] – David Allred, Lubomyr Melnyk, Robert Raths
1 Requiem For A Fallen Tree 7:14 2 Son Of Parasol 7:37 3 Barcarolle 8:01 Fallen Trees 4.1 Part I: Preamble 4:22 4.2 Part II: Existence 3:23 4.3 Part III: Apparition 6:29 4.4 Part IV: They Are Down 3:45 4.5 Part V: Not Forgotten 3:22
Craig Armstrong Nace en Glasgow, Escocia, Reino Unido en 1959. Compositor, orquestador, arreglista y programador de sintetizadores. Ha trabajado con numerosos artistas y grupos como Madonna, U2 y Massive Attack. Tras sus primeros trabajos para el mundo del cine, salta a primera línea gracias a su trabajo en Moulin Rouge (2001), de Bazh Lurhman. En el citado título por el que ganó el Globo de Oro en 2002 hace una excelente labor adaptando y arreglando las canciones, además de componer piezas nuevas. Paralelamente a su carrera en el cine ha desarrollado una exitosa carrera como músico en solitario publicando conocidos albumes instrumentales como "The Space Between Us" y "As If to Nothing". Muchos de los temas de estos discos han sido utilizados posteriormente en películas. En su disco "Piano Works", interpreta personalmente sus temas más conocidos al piano. En su trabajos predominan el piano y la cuerda, melodías intimistas e instrospectivas, con frecuencia melancólicas. La percusión electrónica no es infrecuente en su obra, usándola de apoyo a la orquesta en trabajos como Kiss of The Dragon, Ray o Plunkett y Mcleane. Con "El Increíble Hulk" (The Incredible Hulk, 2008), Armstrong entra en nuevos territorios de mayores sonidos orquestales. la fuente http://www.criticascine.com
Sin duda una bella portada que ilustra a la perfección el título del disco The space between us, el espacio entre nosotros. Ese espacio que nos une o nos separa. Cuando los límites entre el uno y el otro se entrelazan y confunden para al final, desparecer...
En 1997 Craig Armstrong nos presentaba este soberbio disco que hacía que el espacio entre la electrónica y la clásica llegara casi a desaparecer, Apoyado por algunos de los miembros de Massive Attack, al fin y al cabo los dueños del sello en el que grababa (Melankolic), se lanzaba a una propuesta innovadora y diferente para esos años. Pero quizá lo más importante era la capacidad de frontera del trabajo. Y frontera como línea invisible que para los que viven en esos territorios carece de sentido.
Cruzan de un lado a otro, son de aquí, son de allá. Lo que en manos de otros sería una mera propuesta oportunista para llenar un target del mercado que estaba vacío, en las manos de este hombre se convertía en una obra soberbia y profunda en donde cada una de las partes cumplía a la perfección su función sin eclipsar al resto. La voz de Elisabeth Frazer en This Love no oculta la belleza de la pieza, la instrumentación pausada y profunda, el tempo que te absorbe. Tan solo es un ejemplo pero que si reseguimos cada uno de los temas, veremos que es la gran virtud de este bello trabajo. El toque experimental y futurista, pero a la vez muy audible, de After the Storm
Todo el trabajo está lleno de cielos nublados, lluvia, frío, los humos de una gran ciudad, el ritmo imparable de la vida moderna, pedazos de noche, nubes giradas en cielos con lunas crepusculares, El peso emotivo del disco es tan real como cuando te golpean la cara My father con esas primeras notas llenas de sufrimiento y perdida, luego nostalgia, recuerdo y sobretodo, un vacío grande ante la perdida de los seres queridos.
La belleza, la tersura de Balcony scene que aparecía en la película Romeo and Juliet. Rise con ese piano y ese ritmo del que no puedes escapar, una máquina, una fábrica, el hombre, la persona, en algún rincón, buscar por si lo encontráis, y que se levante "Glasgow", el retrato de su ciudad, emotivo pero implacable
This Love - Craig Armstrong Feat Elizabeth Fraser
Y el disco concluye con 3 temas muy diferentes, pero ligados emocionalmente. Los tres nos hablan de vida y esperanza, ser felices pese a todo lo anterior, tener fe en los niños, o quizá ver el mundo como cuando eramos pequeños Y al final un pequeño pero sincero himno para los hombres, para el amor, para Dios.....La Fuente L'Arbre de les 1000 musiques
Craig Armstrong - vocals, conductor, piano, keyboards, programming Marius De Vries - programming Richard T. Norris Also: Elizabeth Fraser, Paul Buchanan
Género: Electronic, Classical Estilo: Modern Classical, Downtempo
1. Weather Storm 2. This Love - (featuring Elizabeth Fraser) 3. Sly II 4. After the Storm 5. Laura's Theme 6. My Father 7. Balcony Scene (Romeo and Juliet) 8. Rise 9. Glasgow 10. Let's Go Out Tonight - (featuring Paul Buchanan) 11. Childhood 12. Hymn
En su segundo álbum "Home", Hania Rani agrega voces y electrónica sutil a su música, además de estar acompañado en algunas pistas por el bajista Ziemowit Klimek y el baterista Wojtek Warmijak. El álbum la reúne con los ingenieros de grabación Piotr Wieczorek e Ignacy Gruszecki (Monochrom Studio), y las pistas fueron mezcladas nuevamente por Gijs van Klooster en su estudio en Amsterdam y por Piotr Wieczorek en Varsovia (Ombelico y Come Back Home). Home fue dominada por Zino Mikorey en Berlín (conocido por su trabajo en álbumes de artistas como Nils Frahm y Olafur Arnalds).
“Uno puede perderse pero puede encontrar un hogar en su parte interna, lo que puede significar muchas cosas: alma, imaginación, mente, intuición, pasión. Creo firmemente que cuando estamos en tiempos de incertidumbre y vivimos una vida inestable, aún podemos alcanzar la paz con nosotros mismos y poder encontrar 'hogar' en cualquier lugar '. Esto es lo que me gustaría expresar con mi música: uno puede viajar por todo el mundo No veo nada. No es a dónde vamos, sino cuánto podemos ver y escuchar lo que sucede a nuestro alrededor ”. - Hania Rani
Rani creció en Gdansk con sus padres (médico y arquitecto) y rodeada de música y películas. Inicialmente inspirada para estudiar música clásica, se introdujo en el jazz y la electrónica en la escuela de música, ampliando sus intereses y, como dice, "mezclando Chopin y Schostakovitch con Dave Brubeck y Moderat". Otras inspiraciones incluyen compositores como Max Richter, Esbjorn Svensson, Miles Davis, Nils Frahm, Murcof, Portico Quartet, Radiohead e incluso The Beatles. "Es lo que conecta a todos estos artistas lo que me inspira, su enfoque especial de la música y el sonido. Para mí tienen corazones grandes y mentes enormes ".
Pero las inspiraciones de Rani no son solo musicales, se ha inspirado en los lugares que ha vivido y visitado. "Se trata del sentimiento, la atmósfera general, a veces de recuerdos. Al mudarme a Berlín (donde tienes la libertad de ser tú mismo), explorar Islandia y las montañas salvajes en Bieszczady, el sudeste de Polonia, todo me cambió como persona, así que supongo que también me afectó como artista”. Y la inspiración llega También de las artes visuales. Su padre era arquitecto y las artes siguen siendo muy importantes para Rani. “Me parece que lo que realmente inspira mi música no es la música, sino todas las demás cosas. Me inspiro en la forma de mis propias piezas de arquitectura y diseño. Luego traduzco este idioma "extranjero" a mi propia música y el resultado es mucho más interesante para mí que simplemente obtenerlo de la música. De hecho, para Rani a menudo es primero una imagen o un color, lo que ella llama una imagen de sonido. “Realmente puedo sentir los colores, el estado de ánimo, al igual que con la fotografía. Si la imagen es lo suficientemente fuerte, los sonidos aparecen muy rápidamente, tratando de construir la imagen correcta atrapada en mi cabeza. La música llena el espacio, la música trae nuevos mundos, nuevos espacios. http://haniarani.com/
01. Leaving (4:50) 02. Buka (5:03) 03. Nest (4:20) 04. Letter to Glass (3:32) 05. Home (4:49) 06. Zero Hour (5:26) 07. F Major (4:52) 08. Summer (5:22) 09. Rurka (2:13) 10. Tennen (6:05) 11. I’ll Never Find Your Soul (3:26) 12. Ombelico (2:59) 13. Come Back Home (4:41)
Stephen Morgan Fisher (nacido el 1 de enero de 1950, Mayfair , Londres) es un tecladista y compositor inglés, y es más conocido como miembro de Mott the Hoople a principios de los años setenta. Sin embargo, su carrera ha abarcado una amplia gama de actividades musicales, y todavía está activo en la industria de la música. De 1973 a 1976, después de un breve enlace con Third Ear Band, se unió a la banda británica de rock Mott the Hoople. En 1985, Fisher se mudó a Japón y comenzó a hacer música ambiental e improvisada. Se convirtió en un compositor de música comercial de televisión, incluyendo canciones escritas o arregladas para Cat Power, Karin Krog, José Feliciano, Zap Mama y Swing Out Sister. Los artistas japoneses con los que ha trabajado incluyen Yoko Ono, Dip in the Pool, The Boom, Heat Wave, Shoukichi Kina, Haruomi Hosono y Kokoo.
Esta reedición del CD de 1998 agrega las tres pistas de Morgan de "A Slice Of Life" y, al igual que "Flow Overflow", fue bellamente remasterizado y reenvasado con fotografía de la reconocida fotógrafa estadounidense, Regina Deluise. (Nota: el nombre Veetdharm que aparece en la carpeta del LP fue dado a Morgan por su maestro espiritual en ese momento). En 2018, Sacred Summits en el Reino Unido reeditó este álbum en vinilo de 180 gm con una cubierta serigrafiada.
Erik Satie (1866-1925) es uno de los compositores favoritos de Morgan. Un hombre extraño, excéntrico y surrealista, nunca fue tan aclamado como los maestros establecidos, pero influyó no solo en los gustos de Debussy sino también en muchos de los artistas de Dada. En este álbum Morgan tocó su música libremente después de un breve vistazo a las partituras. El álbum fue grabado en solo tres días y presenta piano, melódica, sintetizadores y el sistema de demora de cinta favorito de Morgan. Muchos oyentes han comentado que esta es una de las pocas interpretaciones de la música de Satie (a diferencia de las actuaciones directas) que se mantiene fiel al espíritu del compositor, a diferencia de varias versiones de su música de jazz, rock y techno que se han grabado. Un viaje verdaderamente íntimo y alegre dentro de la mente de este pionero musical único. http://www.morgan-fisher.com/discogpages_e/satie.html
Género: Electronic, Classical Estilo: Modern, New Age Composed By – Erik Satie Composed By [Based On Themes By Erik Satie] – Morgan Fisher
Claudio Monteverdi es la inspiración para todo el proyecto, pero sólo cinco de las pistas son representaciones de madrigales de Monteverdi, e incluso los que están en su mayor parte muy modificada en formas muy inesperadas. Básicamente se trata de un álbum que combina la música barroca temprana y el jazz de una manera experimental. Godard agrega líneas de serpiente a las piezas de Monteverdi y para las otras obras en el álbum, todos los instrumentales, que derivan de Monteverdi en formas no muy obvias: tal vez el motivo de una progresión armónica, tal vez sólo en el estado de ánimo. Los músicos no han tratado de presentar un producto terminado, coherente, pero en lugar de forzar tradiciones distintas juntos y ver donde comienzan a mezclarse; en palabras de Godard, "el proyecto fue tratar de hacer que cada músico entienda el idioma del otro y que se respete este idioma lo suficiente para que juntos podamos tratar de encontrar un lenguaje común." Los otros músicos que improvisan son el saxofonista Gavino Murgia y el bajista Steve Swallow, más conocido por sus colaboraciones con la pianista de jazz Carla Bley. Sus contrapartes son la cantante Guillemette Laurens, que suena muy bien en Monteverdi, el violinista Fanny Paccoud, y el interprete de tiorba Bruno Helstroffer......Allmusic
La grabación se realizó en una antigua abadía, y la acústica es lo que cabría esperar de este lugar. Los seis músicos utilizan tanto los instrumentos del Renacimiento como los modernos, así como la voz de la cantante Guillemette Laurens a veces se complementa con el canto de garganta realizado por Gavino Murgia, que también toca el saxofón.
Michel Godard - serpent, bass, composer
Steve Swallow - bass, composer
Guillemette Laurens - voice
Gavino Murgia - saxophone, voice
Fanny Paccoud - violin
Bruno Helstroffer - tiorba
1. Act III: Pur ti miro
2. L'Abbesse
3. Soyeusement
4. A trace of grace
5. Zefiro torna e di soavi accenti, SV 251
6. Prelude in F major
7. Roma
8. Les effets de manches
9. Pianto della Madona, SV 288
10. Doppo il lamento
11. Si dolce e'l tormento, SV 332
12. Doppo il tormento
13. Act II: Oblivion soave
Nightbook es un álbum creado por el compositor italiano Ludovico Einaudi y lanzado en 2009. El álbum vio a Einaudi tomar una nueva dirección con su música al incorporar sonidos sintetizados junto con su piano en solitario. Se podría ver un nuevo enfoque con temas como "Nightbook" y "Lady Labyrinth", donde el elemento de percusión se utilizó a lo largo del piano, actuando como una fuerza impulsora durante toda la canción. En Italia, el álbum se convirtió en oro con más de 35,000 copias vendidas. Einaudi describe este álbum como "Un paisaje nocturno. Un jardín apenas visible bajo el brillo apagado del cielo nocturno. Algunas estrellas que salpican la oscuridad arriba, las sombras de los árboles a su alrededor. La luz brilla desde una ventana detrás de mí Lo que puedo ver es familiar, pero parece extraño al mismo tiempo. Es como un sueño: puede pasar cualquier cosa". https://en.wikipedia.org/wiki/Nightbook
01. In Principio (02:51) 02. Lady Labyrinth (05:30) 03. Nightbook (05:50) 04. Indaco (05:21) 05. The Snow Prelude N. 15 (04:29) 06. Eros (05:37) 07. The Crane Dance (03:04) 08. The Snow Prelude N. 2 (04:09) 09. The Tower (04:41) 10. Rêverie (04:40) 11. Bye Bye Mon Amour (07:37) 12. The Planets (07:07) 13. Solo (08:46)
Ludovico Einaudi - Piano, Electric Piano, Celestra, Cembalo, Tubular Bells, Acoustic Guitars Marco Decimo - Cello Antonio Leofreddi - Viola Alberto Martini - Violin Laura Riccardi - Violin Robert Lippok - Live Electronics, Percussions, Bass Drum, Snare Drum Mauro Durante - Frame Drums Paolo Giudici - Live Electronics Harald Kündgen - Marimba, Vibraphone
En el album The Perfect Flaw, Tim Story añade ricos colores tonales de (oboe, corno inglés, clarinete y chelo) a sus orquestaciones de piano y sintetizador inspiradas en Satie. Música de cámara moderna.Un álbum maravilloso para propósitos meditacionales o creativos, lleno de espacio para respirar con texturas flotantes que atraen al oyente y le invitan a relajarse, esponjar una almohada y alejarse lentamente.....felizmente.
Tim Story (piano, synthesizer, sampler, sound effects) Martha Reikow (cello) Ron Samuels (clarinet) Kimberly Bryden (oboe, English horn)
1. The Perfect Flaw (Intro)
2. A Broken Alphabet
3. Lydia
4. After 4 O'Clock
5. Liquid Shadow Night
6. Rill
7. Sister Of The Flood
8. Terzetto
9. Riverine
10. The Color Of Vowels
11. The Perfect Flaw
12. Until She Fades Away
Yo podría comparar mi música a la luz blanca que contiene todos los colores.
Sólo un prisma puede dividir los colores y hacer que parezcan; este prisma
podría ser el espíritu del oyente. (Arvo Pärt)
Arvo Pärt: A Portrait, es una colección de las actuaciones de la violinista canadiense Angèle Dubeau y su conjunto de cuerdas de La Piedad, es una de los mejores grabaciones dedicadas a la música instrumental de Pärt. Incluye sus más conocidas obras para cuerdas, con la excepción de los Fratres, en espectáculos de excepcional pureza que se interponen en el corazón de su música especialmente sencilla, casta, y directamente comunicativa. Dubeau puede deslumbrar con facilidad con el virtuosismo de su técnica y el magnetismo de su personalidad, pero se pone a sí misma de todo corazón al servicio de la estética de Pärt y provoca interpretaciones de la misma clase de la sensibilidad y la moderación de La Pietá. Solista y conjunto maravillosamente logran el sonido blanco que Pärt describe como esencial para su música, una blancura que no es la ausencia de color, sinó una brillante, blancura luminiscente. Esta actuación de Tabula rasa, para dos violines, cuerdas y piano preparado tiene una reverencia silenciosa que la convierte en la experiencia mística que el compositor quería que fuera. Cantus en memoria de Benjamin Britten, una de las partituras más milagrosamente simples del compositor, se juega con una intensidad desgarradora que da voz elocuente de la profundidad de su dolor. La rareza en el disco es Wallfahrtslied, ajuste excéntrico de parte del Salmo 121, para voces y cuerdas de los hombres al unísono, en el que las voces cantan en un solo tono para largos tramos a la vez, cambian el tono sólo cuatro veces en el transcurso de la pieza. La parte de cadena no es menos inescrutable, con poca relación aparente con el texto, pero incluso en su rareza, la obra tiene un poder misterioso, sobre todo cuando se toca y canta con la convicción de que aquí. Spiegel im Spiegel, una de las obras más populares del compositor, cierra el CD, como una bendición, con un estado de ánimo de dulzura y serenidad radiante.
AllMusic..
1. Summa
2. Cantus In Memoriam Benjamin Britten
3. Tabula Rasa - I. Ludus
4. Tabula Rasa - II. Silentium
5. Wallfahrstlied
6. Mozart - Adagio
7. Spiegel Im Spiegel
