La música de Klaus Schønning se caracteriza por el empleo de un gran rango de instrumentos acústicos tradicionales que integra con la multitud y variada diversidad de los sonidos electrónicos. El resultado, como dijo en una ocasión la crítica, es una música que es sinfónica y lírica, ilustrativa y a la vez provocativa. Música que, por sus propios méritos, transmite una gran belleza.
Co-producer, Electric Guitar – Peter Brander Mixed By – Hjörtur Blöndal Vocals – Suzanne Menzel Genre: Electronic Style: Synth-pop, Ambient
El innovador compositor, intérprete y productor de música clásica moderna, Ólafur Arnalds, reúne a un grupo diverso de amigos y colaboradores para ‘some kind of peace -piano reworks-’, Con el piano central en cada pista, el mundo sonoro del álbum abarca desde cuerdas clásicas hasta electrónica ambiental.
Ólafur invita a estos diez artistas a experimentar y recrear su último álbum ‘some kind of peace’, un álbum que incluía dos temas de Ólafur nominados al Grammy, ‘The Bottom Line’ (feat. Bonobo) y ‘Loom’ (feat. Josin).
La colaboración es la piedra angular del trabajo de Ólafur. Haciendo un llamado a su comunidad creativa, cree que la música puede vivir como un organismo que se mueve y respira. Como él señala, “El corazón de una canción vive en el intérprete”. Lanzado en octubre, este distintivo álbum de 10 pistas celebra el carácter, el sonido y la interpretación individual de cada artista como la esencia de cada canción.
La formación abarca los mundos de la música clásica moderna, electrónica, jazz y alternativa, interpretada por el pianista y compositor surcoreano admirado en todo el mundo Yiruma, el pianista y compositor estadounidense Dustin O’Halloran, el pianista, productor y rapero de jazz del Reino Unido que desdibuja el género, Alfa Mist, la música electrónica el alter ego del productor Machinedrum, Tstewart, el cantautor, productor y compositor JFDR, el pianista, productor y compositor de Berlín Lambert, la pianista y compositora australiana Sophie Hutchings, la pianista y compositora cinematográfica Eydís Evensen y el pianista, compositor y productor de géneros cruzados Magnús Jóhann.
1 Loom – piano reworks - Eydís Evensen 2 Woven Song – piano reworks - Hania Rani 3 Spiral – piano reworks - Dustin O’Halloran 4 Still / Sound – piano reworks - Sophie Hutchings 5 Back To The Sky – piano reworks - Lambert 6 Zero – piano reworks - Alfa Mist 7 New Gras – piano reworks – TStewart 8 The Bottom Line – piano reworks - JFDR 9 We Contain Multitudes – piano reworks - Yiruma 10 Undone – piano reworks - Magnús Jóhann
Música para desaparecer dentro es el título de un disco recopilatorio que apareció en 1991 y marco un antes y después en la música new age. Por aquel entonces había escuchado a Enya y a Bill Douglas, pero con este disco descubrí algunas músicas y compositores que ofrecían nuevos sonidos y estilos que sonaban a jazz, a música folk, había sonidos etéreos creados con sintetizadores o estimulantes ambientes. Tuvo mucho éxito y le acompañaron tres recopilaciones posteriores con una buena acogida. Lee la magnifica reseña de Pepe Cantos en su blog Solsticio de Invierno!!! http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2012/07/varios-artistas-musica-para-desaparecer.html
CD 1 1 Raphael: Disappearing into you 2 Bill Douglas: Highland 3 Richard Burmer: Across the view 4 Serah: Moments of Christmas 5 Himekami: Into blue snows 6 Paul Horn: Earth song 7 Constance Demby: Waltz of joy 8 Yas-Kaz: Camino blanco 9 Robert Rich & Steve Roach: Forever 10 Els Trobadors: Can vei la lauzeta 11 Mark Sloniker: Bright wish 12 Walton Ornato: Spring waltz 13 Christian Buehner & Helge Schroeder: Sun dance
CD 2 1 Ray Lynch: Celestial soda pop 2 Enya: I Want Tomorrow 3 Jim Chappell: Heartsong 4 Oystein Sevag: Horizon 5 Merl Saunders: Sunrise over Haleakala 6 Chris Spheeris & Paul Voudouris: Enchantment 7 Mychael Danna: Durga 8 Thierry Fervant: Merlin the magician 9 The Telling: Blue solitaire 10 Blue Chip Orchestra: Bolero du nouvel age 11 Steve Roach, Kevin Braheny & Michael Stearns: The canyon´s embrace 12 Robert J. Resetar: Nada´s dance 13 Therese Schroeder-Sheker: For the roses 14 Tim Clark: Silver caravan
And Winter Came... es el séptimo álbum de estudio de la cantante, intérprete y compositora irlandesa Enya. El álbum fue anunciado por Enya a través de su sitio oficial el 12 de septiembre de 2008, posteriormente se publicó el 10 de noviembre del mismo año. Las canciones presentes en el álbum poseen un ambiente en torno a la Navidad y al invierno. Desde su lanzamiento, el disco ha vendido más de tres millones de copias. Contenido
El álbum consta de 12 temas (trece en la edición de iTunes): diez son composiciones originales de Enya, y las dos restantes son interpretaciones de conocidos villancicos navideños, como la versión irlandesa de «Noche de paz», "Oíche Chiúin (Chorale)".
Después de 20 años Enya vuelve a realizar una interpretación del ya conocido villancico navideño «Noche de paz» en este disco. La primera vez fue en 1988, grabó este tema para incluirlo en su sencillo «Evening Falls...», tema extraído de su más connotado y popular álbum Watermark. Al año siguiente se estrenó esta canción como un nuevo sencillo en su discografía, bajo el nombre «Oíche Chiún (Silent Night)» como una promoción de su EP 6 Tracks en el cual se encontraba presente el mencionado tema.
«And Winter Came...» es una versión modificada y editada de su otra composición «Midnight Blue», originalmente publicada en 2001 en su sencillo «Wild Child».
Un anuncio en el sitio web oficial de Enya el 18 de septiembre de 2008, confirmó que el primer sencillo oficial del disco sería la canción «Trains and Winter Rains» (no cuenta «White Is in the Winter Night» ya que éste es un sencillo promocional) publicada en la misma fecha del disco.
01 - And Winter Came, 03:15 02 - Journey Of The Angels, 04:47 03 - White Is The Winter Night, 03:00 04 - O Come, O Come, Emmanuel, 03:40 05 - Trains And Winter Rains, 03:44 06 - Dreams Are More Precious, 04:25 07 - Last Time By Moonlight, 03:57 08 - One Toy Soldier, 03:54 09 - Stars And Midnight Blue, 03:08 10 - The Spirit Of Christmas Past, 04:18 11 - My! My! Time Flies!, 03:02 12 - Oiche Chiuin (Chorale), 03:49
Michel Genest es un creador de música edificante y relajante, que realza
y redefine el ambiente de la escucha. A través de la mezcla de sonidos,
estilos y técnicas inusuales, su musica ofrece una experiencia
sensorial de audio única. Michel Genest estuvo con el sello Sona Gaia de
Narada durante varios años. En 1984 surgió con su primer álbum espacial
electrónico, Crystal Fantasy. Este título fue muy popular y recibió el
reconocimiento internacional. Además, Michel también ha lanzado otros
títulos como Ascension, Riddle of the Sphinx con Anton Mizerak,
Harmonic 33, Angels in Our Midst con Anton Mizerak, y Lift Your Spirits.
Michel Genest - Crystal Fantasy (1984)
Este compositor electrónico francés comenzó su carrera en 1984 con el
increíble álbum, Crystal Fantasy. Su música profundamente meditativa ha
influido en varios compositores durante los últimos 20 años.
1 Most Holy Trinosophia 5:17 2 Sunrise - First Light 2:54 3 Octavia 3:39 4 Magical Iridescence 2:36 5 Dream Odyssey 2:32 6 The Mystic Wanderer 3:10 7 Reflections On A Moonlit Stream 2:35 8 Crystal Fantasy 3:00 9 Ancient A'bode 3:05 10 Sacred Temple Dance 3:56 11 Radiant Rainbow Prism 4:50 12 Land Of Enchantment 2:45 13 Keepers Of The Flame 3:57
Michel Genest - Ascension (1986)
En el album Ascension tambien grabado para el sello Sona Gaia de Narada Michel
utiliza una variedad de software informático y teclados electrónicos
para crear un exquisito tapiz de música y sonidos, proporcionando una
experiencia de escucha verdaderamente única.
1 Ascension 5:11 2 Garden Of Ecstacy 3:03 3 Pegasus 5:08 4 Ancient Prophecies 6:07 5 Crystal Cave 3:01 6 Shangrila 4:57 7 Angel Presence 3:42 8 Islands Of Paradise 6:06 9 Sea Of Light 3:25 10 The Open Door 5:00
A Winter Garden es un álbum EP de la cantante e instrumentalista canadiense Loreena McKennitt.
Grabado y publicado en 1995, éste contiene solo cinco temas navideños: tres villancicos tradicionales, un canto tradicional de Inglaterra llamado Seeds Of Love y una adaptación del poema "Snow" de Archibald Lampman, tema el cual produjo ocho años antes para su segundo disco llamado To Drive The Cold Winter Away.
Varias personas han dicho que este CD es demasiado corto, pero hay que entender que no se trata de un álbum real, sino de un EP. También hay que recordar que esto lo hizo al mismo tiempo que ella estaba haciendo "The Book of Secrets" y no tuvo tiempo suficiente para hacer un álbum navideño completo.
De todos modos, esta es una colección de música muy hermosa, que dura exactamente 22:28 minutos. Realmente me encantó el ritmo de Medio Oriente de "God Rest Ye Merry, Gentlemen", ¡un estilo único! También me encantó el antiguo sonido tradicional celta de "Good King Winceslas", Estoy muy contento de que haya podido incluir flautas uilleanas en la música, ya que le dio a la música un sentimiento y un estilo antiguo. Loreena también hizo una nueva versión de "Snow" que sonó muy bien, pero encontré que tenía un ritmo demasiado rápido. También me gustó "Coventry Carol", pero me pareció demasiado rápida. Pero también está el tradicional inglés "Seeds of Love", que realmente me ENCANTÓ. Suena tan tradicional, claro, simple y encantador. Aunque la música es muy diferente a la versión original, suena tan antigua y tradicional como la versión real. "Seeds of Love" no es una canción navideña (aunque le da significado al título 'A Winter Garden', sino una canción tradicional inglesa sobre el amor y la tristeza. Las flores están destinadas a simbolizar características. La violeta simboliza la modestia, el lirio es pureza y el rosa es cortesía. La rosa roja significa amor verdadero y el sauce retorcido es tristeza. Tengo que irme ahora, pero déjame decirte que este es un muy buen álbum navideño.
1.- Coventry Carol - 2:21 (Tradicional/McKennitt) 2.- God Rest Ye Merry Gentlemen - 6:49 (Tradicional/McKennitt) 3.- Good King Wenceslas - 3:19 (Tradicional/McKennitt) 4.- Snow - 5:04 (Archibald Lampman/McKennitt) 5.- Seeds Of Love - 4:57 (Tradicional/McKennitt)
El grupo Montreux era considerado la "all-star-band" del sello Windham Hill, compuesto por cuatro de sus artistas más ilustres: Darol Anger (violín), Mike Marshall (mandolina/guitarra), Barbara Higbie (piano) y Michael Manring (bajo). Sign Language marca la primera grabación de estudio del grupo, habiendo sido precedida por una grabación en vivo bien recibida, y se construyó sobre el profundo vínculo que Higbie y Anger ya habían desarrollado en una serie de lanzamientos anteriores como Tideline y Live at Montreux. El grupo estaba formado por amigos cercanos que habían pasado tiempo juntos en proyectos individuales, experimentando y tocando. A los cuatro núcleos de Sign Language se unen los músicos invitados Will Kennedy (batería), Andy Narell (Steel pans), Benjy Wertheimer (tabla) y Frank Holder (percusión).
El tema "To Be" fue nominado a un Grammy.
Darol Anger violin, low violin, voice Mike Marshall acoustic steel strings, classical and high string guitars, electric classical guitar, mandolin, octave mandolin Barbara Higbie piano, synthesizers, voice Michael Manring bass, high bass, voice, percussion, synthesizer on 2,8, synth programming Special Guests: William Kennedy drums Andy Narell steel pans on 4 Benjy Wertheimer tabla on 2,5 Frank Holder percussion on 1,6
1 Skywriting 4:06 2 Sign Language 4:53 3 Sweet Intentions 4:25 4 Jacob Do Bandolim 5:28 5 In The Shadow Of The Blimp 5:54 6 To Be 3:36 7 Grant Wood 5:29 8 Circular Birds 4:30 9 Just Walking 6:28
Will Ackerman (fundador del sello Windham Hill), Jeff Oster y Tom Eaton, tres de las superestrellas del género musical llamado "new age", y músicos que a menudo trabajan juntos en proyectos de otros artistas, dando un sonido distintivo a cualquier proyecto musical producido por Will Ackerman y Tom Eaton. "Brothers" es el primer proyecto colaborativo de los tres artistas que tocan su propia música original, ¡y qué brillante primera vez! Con Ackerman a la guitarra acústica, Oster al fliscorno y trompeta, y Eaton al piano, teclados, bajo, guitarra eléctrica y percusión, las ocho pistas figuran como compuestas por los tres. Perfecta, relajante y mágica, Un álbum acústico silencioso que te recordará los mejores lanzamientos de Windham Hill.
A quiet acoustic album that will remind you of the finest of the Windham Hill releases. It comes by its pedigree rightly, as Will Ackerman is the founder of Windham Hill Records. It combines Will Ackerman’s Grammy Award winning acoustic guitar, Jeff Oster’s signature and soulful flugelhorn, with Tom Eaton’s artistic musical sensibilities on piano, keyboard, and bass guitar. This is a perfect peaceful respite for a world that sorely needs it.
1 Wild Bird 4:12 2 The Golden Hour 4:58 3 While There's Time 4:09 4 Head For The Sky 5:05 5 Three Trees 5:17 6 The Confluence 5:18 7 It Had To Be Like That 4:40 8 You Make My Heart 4:10
Vapor Drawings (1983) es el álbum debut en solitario del trompetista / sintetista estadounidense Mark Isham.
Fue el primer álbum lanzado en el sello Windham Hill para pertenecer al género de la música electrónica. Este álbum se centra más en los talentos de Isham como compositor electrónico que en futuros lanzamientos. "Something Nice for My Dog" es puramente electrónico y "Men Before the Mirror" solo presenta un breve segmento de trompeta al principio.
El tono del álbum va desde la melancolía de ("On the Threshold of Liberty”, “In the Blue Distance") hasta ligero y humorístico ("Something Nice for My Dog”, “Mr. Moto’s Penguin").
La pieza más experimental del álbum es "Sympathy and Acknowledgement", el título completo de la canción es "Thank you for your Sympathy and Acknowledgement of my Disease". Esta pieza se centra en una disposición compleja de secuencias electrónicas y grabaciones de trompeta y piano procesadas.
La pieza más famosa del álbum es una marcha de estilo militar titulada "On the Threshold of Liberty". Con los años, esta pieza ha aparecido en varias compilaciones de Windham Hill. Una reelaboración de esta pieza se utilizó como tema de la película de 2000 Reglas de compromiso protagonizada por Samuel L. Jackson y Tommy Lee Jones. "On the Threshold of Liberty" toma su título de una pintura de 1929 del surrealista belga René Magritte.
Toda la instrumentación fue realizada por Isham, excepto la percusión electrónica adicional y la caja del antiguo baterista del Grupo 87 Peter Van Hooke.
1. Many Chinas 4:05 2. Sympathy and Acknowledgement 8:17 3. On the Threshold of Liberty 7:27 4. When Things Dream 2:43 5. Raffles in Rio 4:38 6. Something Nice for My Dog 2:49 7. Men Before the Mirror 6:07 8. Mr. Moto's Penguin (who'd be an Eskimo's wife?) 3:18 9. In the Blue Distance 4:06
Narada. Collection series.
Nombrado por la tradicional canción Navajo "Shi Ni Sha", I Am Walking recopila lo mejor de la música nativa americana contemporánea, combinando la belleza aireada de los flautistas Andrew Vasquez, Joseph Fire Crow, Gary Stroutsos y R. Carlos Nakai con cantantes notables como Joanne Shenandoah y la familia Coolidge de Walela. El resultado es rico con la belleza espiritual de los antiguos Navajo, Hopi, Oneida y otras culturas nativas. Demasiados puntos brillantes dominan esta colección para enumerarlos a todos, pero entre los temas más especiales se encuentran "Wash Your Spirit Clean" de Walela (flotando con voces angelicales, guitarra brillante y percusión y batería nítidas) y "Oweegon" de Jim Wilson Little Wolf Band, que envía la voz de Priscilla Coolidge y el canto nativo que fluye a través de ritmos electrónicos picantes como el agua fría a través de las rocas de los ríos.
01 - Andrew Vasquez - Through My Eyes (Edit) ...3:44 02 - Gary Stroutsos - Shi Na Sha ...3:50 03 - Little Wolf Band - Oweegon ...4:34 04 - R Carlos Nakai, Wind Travelin' Band, Oki Kano - KAMUI ...3:48 05 - Gary Stroutsos & David Lanz - Lost Bird ...3:01 06 - Andrew Vasquez - Across The River ...4:32 07 - Joseph Fire Crow - Wolf Song ...1:49 08 - Gary Stroutsos - Night of the Sun ...4:11 09 - Joanne Shenandoah - Tekanatsyaslitha ...3:56 10 - Sacred Spirits - Yeha Noha - Tor-Cheney-Nahana ...7:01 11 - Walela - Wash Your Spirit Clean (Rita Coolidge, Priscilla Coolidge, and Laura Satterfield) ...4:23 12 - R Carlos Nakai, William Eaton & Will Clipman - Feather, Light & Stone ...4:17 13 - Gary Stroutsos & David Lanz - Serenade ...3:55
La carrera en solitario de O'Hearn fue impulsada en gran parte por Peter Baumann, exmiembro de Tangerine Dream y fundador en 1984 del sello Private Music, que había concebido su nuevo sello como una plataforma para mostrar música instrumental progresiva, un nicho antes explorado por Group 87. De este modo O'Hearn fue fichado como uno de los primeros músicos del nuevo sello junto con el violinista Jerry Goodman, de Mahavishnu Orchestra, el teclista Eddie Jobson, integrante de Roxy Music, y los compositores Yanni y Suzanne Ciani. En 1985 se publicó el primer disco en solitario de O'Hearn: Ancient Dreams. Algunos de los aspectos básicos del disco se han repetido en su trayectoria posterior: predominio de instrumentos de percusión, hipnóticos patrones del bajo eléctrico o acústico, la utilización de armonías minimalistas y sintetizados. A menudo O'Hearn añade elementos vinculados al jazz sobre todo en el uso frecuente del bajo eléctrico, a menudo un bajo sin trastes, como la voz principal.
Patrick O'Hearn - Ancient Dreams (1985) 1.- At First Light 5:35 2.- Beauty In Darkness 4:34 3.- Unusual Climate 4:31 4.- Life Along The Rriver Vaal 4:46 5.- Ancient Dreams 6:04 6.- Malevolent Landscape 4:50 7.- Last Performance 1:48
O'Hearn tras Ancient Dreams publicó tres discos más en tres años: Between Two Worlds (1987), que le otorgó su primera nominación a los Premios Grammy, y Rivers Gonna Rise (1988). Con estos álbumes comenzó a recibir más difusión en estaciones de radio dedicado al jazz y otras músicas. El cuarto álbum, Eldorado (1989), es una aproximación al género de la World Music con ritmos y timbres influidos de zonas como Suramérica y Oriente Medio. Los arreglos de O'Hearn incorporaron una gama más amplia de la instrumentación, como el canto humano o el solo de violín (sobre todo en la canción "Black Delilah".) Comercialmente obtuvo una buena respuesta y algunas pistas siguen siendo populares en emisoras dedicadas al jazz. Simultáneamente O'Hearn comenzó a coproducir varias pistas para Intruding on a Silence, del guitarrista Colin Chin, que también contó con la colaboración de Mark Isham.
Después de Rivers Gonna Rise, Peter Baumann (ex-Tangerine Dream) comenzó a colaborar con O'Hearn produciendo y mezclando sus álbumes. La influencia de Peter Baumann se puede encontrar fuertemente en Between Two Worlds, Ancient Dreams e Indigo. La música aquí se acerca a la nueva era, más oscura, más melancólica, pero aún así no faltan los elementos alegres y divertidos de Rivers... o El Dorado, particularmente en "Forever the Optimist". Cada pista aquí tiene un impacto en el oyente dependiendo de la interpretación y solo PH puede hacerlo. Muchas de las canciones aquí te llevarán a la cima y luego te dejarán deslizándote con satisfacción. La música aquí es atemporal y su mejor representación es la portada de un mundo sobre tierra firme. El mundo es esperanza y alegría y la tierra del crack es el lado melancólico de este álbum.
Patrick O'Hearn - Between Two Worlds (1987) 1 Rain Maker 3:58 2 Sky Juice 4:48 3 Cape Perpetual 5:36 4 Gentle Was The Night 4:00 5 Fire Ritual 5:06 6 87 Dreams Of A Lifetime 6:00 7 Dimension D 4:57 8 Forever The Optimist 5:07 9 Journey To Yoroba 3:49 10 Between Two Worlds 4:45
Durante los últimos años, Nils Frahm ha estado construyendo un nuevo estudio en Berlín para hacer su séptimo álbum de estudio titulado All Melody, que se lanzó el 26 de enero de 2018 a través de Erased Tapes, antes de que Nils emprendiera su primera gira mundial desde 2015, Desde el día en que Nils se encontró por primera vez con el impresionante estudio de un amigo de la familia, había previsto crear uno propio a una escala tan grande. Nils es ahora el orgulloso anfitrión de Saal 3, que forma parte del histórico edificio Funkhaus de Alemania del Este de 1950, junto al río Spree.
Es aquí donde ha pasado la mayor parte de su tiempo deconstruyendo y reconstruyendo todo el espacio desde el cableado y la electricidad hasta la carpintería, antes de pasar a los elementos más finos; construyendo un órgano de tubos y creando una mesa de mezclas desde cero con la ayuda de sus amigos. Es en este lugar donde se puede nutrir la música y no descuidarla, y donde de alguna manera puede cumplir su propósito de presentar música al mundo lo más cerca posible de su imaginación. Sus álbumes anteriores a menudo han sido acompañados con una historia, como Felt (2011) donde colocó fieltro sobre los martillos del piano por cortesía a sus vecinos cuando grababa a altas horas de la noche en su antiguo estudio de dormitorio, y el siguiente álbum Screws ( 2012) cuando lesionó su pulgar lo obligó a jugar con solo nueve dedos. Su nuevo álbum nace de la libertad que proporcionaba su nuevo entorno, permitiendo a Nils explorar sin restricciones y mantenerlo todo sobre la melodía. A pesar de estar confinado dentro de las cuatro paredes majestuosas de la Funkhaus, enterrado en sus cámaras de reverberación, o en un antiguo pozo seco en Mallorca, All Melody es, de hecho, la prueba de que la música es ilimitada, atemporal, y refleja las capacidades de Nils . Desde el sueño de un niño hasta el restablecimiento de los parámetros de la música en sí. http://www.nilsfrahm.com/all-melody-2018/
Genero: Electronic, Ambient, Modern Classical
01. The Whole Universe Wants to Be Touched 02. Sunson 03. A Place 04. My Friend the Forest 05. Human Range 07. All Melody 08. #2 06. Forever Changeless 09. Momentum 10. Fundamental Values 11. Kaleidoscope 12. Harm Hymn
Yann Tiersen (nacido el 23 de junio de 1970) es un músico y compositor francés. Su carrera musical se divide entre álbumes de estudio, colaboraciones y bandas sonoras de películas. Su música involucra una gran variedad de instrumentos; principalmente la guitarra, el piano, el sintetizador o el violín junto con instrumentos como la melódica, el xilófono, el piano de juguete, el clavecín, el acordeón y la máquina de escribir.
A menudo se confunde a Tiersen con un compositor de bandas sonoras, y él mismo dice: "No soy compositor y realmente no tengo formación clásica", pero su verdadera atención se centra en las giras y los álbumes de estudio que, a menudo, resultan adecuados para el cine. . Su banda sonora más famosa para la película Amélie se compuso principalmente de temas extraídos de sus tres primeros álbumes de estudio.
Kerber, el álbum de Yann Tiersen, es un álbum basado en piano bellamente texturizado, altamente inmersivo y cuidadosamente construido, fusionado con música electrónica. Las penetrantes teclas del piano se fusionan con paisajes sonoros arremolinados, mientras Tiersen explora las posibilidades de la pequeñez infinita. El álbum fue creado y grabado en The Eskal, el estudio que construyó en Ushant (la isla donde vive), y 'Kerber' lleva el nombre de una capilla en un pequeño pueblo de la isla, mientras que cada pista mapea sonoramente el paisaje que rodea el hogar de Tiersen.
Inspirándose en las cuatro estaciones de Japón, Kosemura dedica 12 canciones (3 canciones para cada estación) y expresa la belleza de varios momentos en el país de rica naturaleza: flores de cerezo, temporada de lluvias, hojas caídas y paisajes nevados. Con este álbum, Kosemura elabora su identidad musical como japonés en su muy aclamado formato de piano solo.
“Este álbum comenzó a principios del verano de 2020, cuando Decca Records me contactó”, dice Kosemura. “Las semillas de ideas que surgieron de nuestras conversaciones sobre los demás y nuestros proyectos futuros crecieron gradualmente dentro de mí. Esta es una especie de música isleña, en la que trato de reexaminar el mundo que tengo frente a mí, que es muy universal y precioso para mí, sintiendo el olor, el tacto y los recuerdos de la tierra donde crecí y mantengo mi memoria. los ojos abiertos incluso para los pequeños cambios que podría pasar por alto. Eso me llevó a este disco”.
“Traté de captar las notas tal como soy, y no expresarlas para evitar el exceso de creatividad”, explica Kosemura. “Para lograr eso, el formato de piano solo fue la forma más honesta para mí de dibujar un simple boceto a lápiz, no una pintura colorida con muchos pigmentos en una paleta”. https://akirakosemura.bandcamp.com/album/seasons
01 – Where Life Comes from and Returns 02 – Dear Sunshine 03 – Fallen Flowers 04 – Niji No Kanata 05 – Faraway 06 – Vega 07 – Gentle Voice 08 – Zoetrope 09 – Left Behind 10 – Passage of Light 11 – Towards the Dawn 12 – Hereafter
Nausicaä del Valle del Viento (japonés: 風の谷のナウシカ: Kaze no Tani no Naushika) es una película de fantasía de anime japonés de 1984 escrita y dirigida por Hayao Miyazaki, basada en su manga de 1982. Fue animado por Topcraft para Tokuma Shoten y Hakuhodo, y distribuido por Toei Company. Joe Hisaishi, en su primera colaboración con Miyazaki, compuso la partitura. La película está protagonizado por las voces de Sumi Shimamoto, Gora Naya, Yáji Matsuda, Yoshiko Sakakibara e Iemasa Kayumi. Urcado en un mundo futurista postnuclear, cuenta la historia de (Shimamoto), las princesas adolescentes del Valle del Viento que se ven envueltas en una lucha con Tolmekia, un reino que trata de usar un arma antigua para erradicar una selva llena de insectos mutantes gigantes.
Nausicaä del Valle del Viento fue lanzado en Japón el 11 de marzo de 1984. La película recibió aclamación crítica, con elogios dirigidos a la historia, temas, personajes y animación. Es el anime japonés de mayor rango en una encuesta publicada por la Agencia de Asuntos Culturales de Japón en 2007.
Una de las películas más innovadoras estrenadas durante el auge del anime japonés de la década de 1980, Nausicaä del Valle del Viento (japonés: 風の谷のナウシカ) fue la primera película escrita y dirigida por el ahora aclamado fundador y director de Studio Ghibli. Hayao Miyazaki (宮崎 駿). Además de su historia épica y respetuosa con el medio ambiente, también contó con su primera colaboración con el compositor de cine Joe Hisaishi (久石 譲), quien se convertiría en uno de los compositores de cine más prolíficos y respetados de Japón. En cierto modo, la exitosa historia de colaboración de Miyazaki e Hisaishi es comparable a la del trabajo conjunto de Steven Spielberg y John Williams.
La música de la película fue compuesta por Joe Hisaishi, mientras que el tema principal "Kaze no Tani no Naushika" fue escrito por Takashi Matsumoto, compuesto por Haruomi Hosono y cantado por Narumi Yasuda. Además, la canción "Nausicaä's Requiem" fue interpretada por Mai Fujisawa, que entonces tenía cuatro años, la hija de Joe Hisaishi, quien también ha colaborado con Studio Ghibli en el álbum vocal de Kiki's Delivery Service y el álbum de imágenes de Ponyo on the Cliff. junto al mar. Se han lanzado numerosas bandas sonoras y álbumes relacionados con la película.
01. Nausicaa Of The Valley Of Wind (Opening) (Kaze No Tani No Naushika) [0:04:39.52] 02. An Ohmu Stampede (Ohmu No Bousou) [0:02:35.48] 03. The Valley Of Wind (Kaze No Tani) [0:03:14.00] 04. The Princess Who Loves Insects (Mushi Mezuru Hime) [0:03:12.00] 05. Kushana's Invasion (Kushana No Shinryaku) [0:03:29.00] 06. Battle (Sentou) [0:03:15.50] 07. Interchange With The Ohmu (Ohmu To No Kouryuu) [0:01:39.65] 08. In The Sea Of Corruption (Fukai Nite) [0:02:33.42] 09. Annihilation Of Pejite (Pejite No Zenmetsu) [0:03:51.23] 10. A Battle Between Mehve And Corvette (Mehve To Korubetto No Tatakai) [0:01:17.52] 11. The Resurrection Of The God Warrior (Yomigaeru Kyoshinhei) [0:03:29.05] 12. Nausicaa - Requiem (Naushika - Rekuiemu) [0:02:55.50] 13. Bird Person (Ending) (Tori No Hito) [0:03:48.55]
Hania Rani es una pianista, compositora y músico que divide su vida entre Varsovia, donde tiene su hogar, y Berlín, donde estudió y a menudo trabaja. Ha escrito musica para cuerdas, piano, voz y electrónica y ha colaborado con artistas como Christian Löffler, Dobrawa Czocher y Hior Chronik. Ha actuado en algunos de los lugares más prestigiosos de Europa, desde la Filarmónica Nacional de Varsovia hasta Funkhaus en Berlín, The Roundhouse en Londres y en festivales como Open’er, Scope Festival y Eurosonic. Sus composiciones para piano solo nacieron de una fascinación con el piano como instrumento, y su deseo de interpretar su sonido y sus posibilidades armónicas en su totalidad y a su manera.
Escribir música para cine y teatro siempre ha sido una parte importante del mundo musical de Hania Rani. También es una parte del proceso creativo que puede estar tentadoramente fuera del alcance de los oyentes, ya sea que el proyecto no se haga realidad o la música simplemente no esté disponible fuera de la película o la obra. Desde las primeras colaboraciones con amigos hasta las dos bandas sonoras del año pasado para largometrajes (xAbo: Father Boniecki dirigida por Aleksandra Potoczek y I Never Cry dirigida por Piotr Domalewski '), Rani ha estado involucrada en muchos proyectos de este tipo, cada uno representando un paso importante en su vida. desarrollo artístico y vida como compositor y artista. https://haniarani.bandcamp.com/album/music-for-film-and-theatre
1 Prayer (From Xabo: Father Boniecki) 3:31 2 In Between (From Xabo: Father Boniecki) 3:10 3 Journey (From Xabo: Father Boniecki) 4:26 4 Trip To Ireland (From I Never Cry) 1:51 5 The Beach (From I Never Cry) 2:56 6 The Locker Room (From I Never Cry) 2:26 7 At The Hospital (From I Never Cry) 1:03 8 Waiting (From At Home) 1:40 9 Wildfires (From Truth in Fire) 5:15 10 Ghosts (From Pradziady) 3:03 11 Soleil Pâle 3:53 12 Nora (From Nora) 5:15
Novus Magnificat: Through the Stargate fué un álbum de 1986 de la compositora, pintora, escultora y productora multimedia estadounidense Constance Demby, con contribuciones adicionales del compositor Michael Stearns. El álbum vendió más de 200.000 copias en todo el mundo. En 2002, fue nombrado uno de los "25 álbumes ambientales más influyentes de todos los tiempos".
Novus
Magnificat: Through the Stargate de Constance Demby, uno de los
primeros lanzamientos de Hearts of Space Records, es una grabación
histórica. Este álbum de música sacra sinfónica construyó el puente
entre la música clásica y coral, y lo que eventualmente se convertiría
en el género musical New Age. Esta edición del 30 aniversario en 2 CD
presenta la grabación original reeditada por el artista en once
movimientos y un segundo disco de grabaciones en vivo nunca antes
publicadas.
El album Novus Magnificat está inspirado en la música clásica y sacra occidental, Novus Magnificat se autodefinió como "Un Magnificat para orquesta digital, voces corales e imágenes electrónicas espaciales" y "Dedicado al Infinito..."
La música se interpretó utilizando el Emulator II, uno de los primeros sintetizadores de muestreo digitales disponibles, que combinaba el sonido de coros e instrumentos sinfónicos reales en un solo teclado. Estaba conectado a un Roland Juno 60 para proporcionar efectos arpegiados y sonidos mejorados.
El álbum fue compuesto y grabado directamente en 1985 por Demby al teclado, sin ninguna música escrita ni puntuada de antemano. La música fue mejorada aún más con texturas electrónicas del compositor Michael Stearns y refinada con la coproductora y cofundadora del sello Anna Turner. El resultado fue descrito como "música conjurada por el futuro, arraigada en la tradición sagrada occidental".
Constance Demby passed away last 19th March 2021.
CONSTANCE DEMBY Emulator II digital sampling synthesizer, Roland Juno 60, Yamaha C-9 concert grand piano|
MICHAEL STEARNS Serge Modular synthesizer, The Beam, Yamaha DX-7, Oberheim OB-8 synthesizers
En febrero de 1990 Televisión Española comenzaba la emisión de un programa musical dedicado a la música New Age, de moda en los años 90, que componían músicos provenientes del Pop, Rock, Jazz y el Folk. Este programa, titulado Música NA, fue dirigido por Ramón Trecet y presentado por Lara López. En este capítulo monográfico se recoge la música de Constance Demby.
Disc 1 1 Novus Magnificat, Pt. 1: Soul's Journey 2 Novus Magnificat, Pt. 1: Ascent 3 Novus Magnificat, Pt. 1: Tears Of Terra 4 Novus Magnificat, Pt. 1: Exultate 5 Novus Magnificat, Pt. 1: My Heart Doth Soar 6 Novus Magnificat, Pt. 2: The Flying Bach 7 Novus Magnificat, Pt. 2: Trust 8 Novus Magnificat, Pt. 2: Bridging Dimensions 9 Novus Magnificat, Pt. 2: Through The Stargate 10 Novus Magnificat, Pt. 2: Magnificat 11 Novus Magnificat, Pt. 2: Cosmic Carousel
Disc 2 1 Novus Magnificat: Baktun, No. 1 (Live December 21, 2012) 2 Novus Magnificat: Spring Equinox (Live December 21, 2012) 3 Novus Magnificat: Full Moon Eclipse (Live March 19, 2011) 4 Novus Magnificat: Baktun, No. 2 (Live June 26, 2010) 5 Space Bass: Baktun, No. 3 (Live December 21, 2012)
Gran colección de 31 piezas musicales acústicas que son simplemente hermosas. Este " Duo" ha lanzado consistentemente música hermosa para el sello Narada; mi primera prueba de su talento fue en su ahora clásico lanzamiento navideño The Gift. Sólo hizo falta escuchar ese CD para convencerme de que estas dos personas realmente están conectadas musicalmente de una manera única. Sin duda, hay una combinación de instrumentos, pero es la ejecución: el oyente "siente" la música
Conozco la música del guitarrista Eric Tingstad y la oboísta Nancy Rumbel desde hace muchos años. A través de Narada conocí mucha música y artistas nuevos, incluido este dúo. Tingstad y Rumbel hacen canciones instrumentales fáciles de escuchar. Algunas canciones, como Clancy's Heart, incluso me hacen derramar una lágrima. Una sorpresa para mí es que este álbum doble contiene una versión diferente de una de mis canciones favoritas: Oaks. La grabación que ya conocía está en el CD de Woodlands.
CD 1 01. Shenandoah 05:39 02. Elysian Fields 05:12 03. The Merced 03:43 04. Don Juan 04:26 05. Monongahela 03:11 06. Sailing 03:50 07. Blue Martini 03:36 08. La Fogata 03:06 09. Gigue 03:03 10. Pastorale 04:21 11. Lo Que Tu Quisieras (As You Wish) 03:35 12. Emerald Pavane 04:05 13. The Eyes Of Amelia 05:50 14. Sunderlal 06:09 15. Give And Take 02:49 16. Clancy's Heart 05:15
CD 2 01. Shadow Dancer 03:39 02. Galileo 05:45 03. Magnolia 03:31 04. The Children's Garden 04:26 05. The Man From Stratford 03:06 06. Shamrock 03:55 07. Medicine Tree 05:03 08. Oaks 04:53 09. Empire Builder 03:56 10. Aria 04:12 11. The Lowcountry 04:18 12. Fisherman's Dream 04:18 13. Crow And Weasel 06:18 14. Lullaby 05:52 15. The Craftsman 03:38
Víkingur Ólafsson (14 de febrero de 1984) es un pianista islandés.
Ólafsson ha tocado con orquestas de primer nivel en Europa y Estados Unidos, incluyendo la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Philharmonia, la Orquesta de Minnesota, la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, la Orquesta Sinfónica de Detroit y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca, y con directores como Thomas Adès, Esa-Pekka Salonen y Santtu-Matias Rouvali. Ha ganado numerosos premios por sus interpretaciones, incluyendo Álbum del Año en la edición de 2019 de los premios de la BBC Music Magazine por su disco Johann Sebastian Bach.2
Tras su álbum Philip Glass Piano Works (Obras para piano de Philip Glass), Ólafsson fue descrito como «el Glenn Gould de Islandia» por el periódico New York Times y «un pianista sorprendentemente brillante» por la revista Gramophone y elogiado por el periódico Le Monde debido a su «temperamento volcánico, gran virtuosismo y gusto por los desafíos».
Fue solista en el concierto de apertura de Harpa en Reikiavik, tocando el Concierto para piano en La menor de Grieg con la Orquesta Sinfónica de Islandia bajo la dirección de Vladímir Ashkenazi.
Durante la temporada 2019-20, Ólafsson fué artista residente en la Konzerthaus Berlin con catorce actuaciones en once proyectos diferentes, tocando conciertos de Thomas Adès, Robert Schumann, Daníel Bjarnason y Mozart, dos recitales en solitario y programas de cámara con intérpretes como Martin Fröst y Florian Boesch.
En 2016, firmó un contrato de exclusividad con Deutsche Grammophon.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (1977 – ) 1. For Jóhann 3:04 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Peter Gregson 2. Above And Below, B Minor 3:02 Víkingur Ólafsson, Peter Gregson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Ben Frost 3. Prelude, BWV 855a 6:06 Víkingur Ólafsson, Ben Frost
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Hans-Joachim Roedelius, Thomas Rabitsch 4. Bach mit Zumutungen 3:45 Víkingur Ólafsson, Hans-Joachim Roedelius, Thomas Rabitsch
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Valgeir Sigurðsson 5. Prelude, BWV 855a 4:40 Víkingur Ólafsson, Valgeir Sigurðsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (1977 – ) 6. And At The Hour Of Death 2:33 Víkingur Ólafsson
Vikingur Olafsson, piano Valgeir Sigurdsson, piano, electronics Peter Gregson, cello Hildur Guðnadóttir, cello Ryuichi Sakamoto, electronics Hans-Joachim Roedelius, electronics
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (*1977) 1. Prelude In G Major (Christian Badzura Remix) 3:55 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) 2. Widerstehe doch der Sünde, BWV 54 (Transcr. by Víkingur Ólafsson) 4:22 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Ryuichi Sakamoto (*1952) 3. BWV 974 – II Adagio 5:18 Víkingur Ólafsson, Ryuichi Sakamoto
Hildur Guðnadóttir 4. Minor C Variation (Gunnar Örn Tynes Remix) 3:08 Hildur Guðnadóttir
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Skuli Sverrisson 5. Kyriena (Albert Finnbogason Remix) 2:57 Víkingur Ólafsson, Skuli Sverrisson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit, BWV 106 (Transcr. for Piano Four Hands by György Kurtàg) 6. 1. Sonatina 2:09 Víkingur Ólafsson, Halla Oddný Magnúsdóttir
Positano Songs tuvo su origen en una visita de 2015 a Positano, Italia, de la cual Ackerman afirma: "He estado visitando Positano, Italia durante décadas. Está más ocupado en estos días y la temporada turística parece crecer cada vez más, pero sigue siendo una de los lugares más hermosos de la Tierra. Es donde Susan y yo elegimos casarnos, y una parte de mi corazón siempre vivirá allí". Influenciado por la belleza de la ciudad y el campo, así como por la calidez de su gente, Ackerman le dio la bienvenida a su musa, recogió algunas guitarras que le había entregado Bob Taylor de Taylor Guitars y ¡listo! "Pieza tras pieza sincera simplemente se materializó. Me fui de Italia una semana después con 26 ideas musicales prometedoras en una cinta de video". De acuerdo, una vez que regresó a Vermont, el negocio de manejar Imaginary Road significaba que grabar estas piezas no iba a suceder de la noche a la mañana. Pero como dice el refrán, "Todo es bueno para los que esperan" y Positano Songs es, de hecho, ¡una cosa buena tras otra!...Kathy Parsons https://williamackerman.com/shop/positanosongs
Will toca tres guitarras en el álbum, su Froggy Bottom K Model de seis cuerdas, la guitarra de salón Martin que le regaló el difunto Michael Hedges hace años, y una guitarra jumbo Steve Klein para las partes principales. Suman sus talentos amigos y músicos consumados como Tom Eaton (piano y bajo), Charlie Bisharat (violín), Eugene Friesen (violonchelo), Noah Wilding (voz) y Jeff Oster (Flugelhorn). Todas las canciones están compuestas por Will Ackerman.
1 Nighttime in the Chapel 2 Our Wedding Song 3 Did I Dream This 4 The End of the Day 5 For Carmine 6 This is Where It Begins 7 The Tyrrhenian Sea 8 Passing Baldo's Tower 9 For Giovanni 10 I had To Go There
La gira mundial 87-88 había encumbrado al Group como un gran valor en directo, llenando estadios por todas las ciudades del planeta. La popularidad provocó, quizá, una cierta continuidad estilística en Letter From Home, a la postre uno de los discos más vendidos en la historia del jazz. Para esta ocasión la banda utilizó por última vez la técnica consistente en montar una pequeña gira en la que mostrar al público las nuevas composiciones antes de grabarlas, y para ello contó en la parcela multiinstrumental con el guitarrista brasileño Nando Lauria (miembro de la gira de The Way Up) en sustitución de la pareja Blamires-Ledford. Finalmente, la disponibilidad de Pedro Aznar le hizo acreedor a ocupar tan vistoso puesto en la grabación del disco y directos posteriores.
Letter From Home is the first Metheny Group record to take advantage of the greater capacity of the compact disc, fashioning an album that was even more akin to a musical travelogue than any released to date. However, in the same way that much of Still Life (Talking)'s material still finds its way onto setlists of Pat Metheny Group and Metheny side projects, the fact that only "Have You Heard" would become a set-list regular—and even that has fallen off in recent years—suggests that if it's not one of the group's best efforts, it's certainly not one of their favourites either.
That being said, there's still plenty to recommend. With Blamires and Ledford gone—returning for 1995's We Live Here—Aznar was back in the fold and, just as on First Circle, his multi-instrumental talents are put to great use, not to mention there being two songs on Letter From Home that actually feature him singing lyrics instead of the wordless vocals that Metheny has typically favoured. https://www.allaboutjazz.com/a-trio-of-pat-metheny-group-reissues-by-john-kelman.php
01. Have You Heard (6:25)
02. Every Summer Night (7:13)
03. Better Days Ahead (3:02)
04. Spring Ain’t Here (6:55)
05. 45/8 (0:56)
06. 5-5-7 (7:54)
07. Beat 70 (4:53)
08. Dream of the Return (5:25)
09. Are We There Yet (7:55)
10. Vidala (3:04)
11. Slip Away (5:24)
12. Letter from Home (2:33)
Kepa Junkera (Bilbao, España; 10 de abril de 1965) es un músico español. Maestro de la trikitixa, ha editado hasta la fecha 30 álbumes, ganando en 2004 el premio Grammy Latino al Mejor Álbum Folk por su disco en directo 'K'.
Kepa Junkera ejemplifica, actualizándolo, el carácter viajero y aventurero del pueblo vasco. Como los viejos arrantzales (pescadores), conquistadores y misioneros, el artista vizcaino ha desplegado al viento la vela de su triki (acordeón diatónico) para viajar por los cinco continentes hasta convertirse en el músico más internacional que ha dado la comunidad autónoma del País Vasco. Su árbol genealógico más cercano, su aitite (abuelo) y su ama, creció fuerte y bien alimentado por la tradición de la música en euskera, los bailes de romería y los acordeones y panderos aprendidos en grupos de danza de barrio. De su barrio, Rekalde, al que ya homenajeó en su primer disco, un trabajo compartido editado en 1987 en el que ya incluyó "Mugarik gabe", un instrumental clarividente que podría traducirse por "sin fronteras". Tras su debut con Kepa, Zabaleta eta Motriku, repleto de ritmos folk vascos (arin arin, fandangos, jotas...) pero que ya incluía composiciones originales de Kepa, este músico autodidacta amplió los horizontes de sus gustos de la música popular más cercana al jazz. Se retiró un poco la txapela (boina) para ver más lejos y dejó para la historia los discos Triki up (1990) y Trikitixa Zoom (1991). Aunque son tiempos de aprendizaje, ya por entonces resultaba complicado seguir los veloces dedos de Kepa dibujando ritmos frenéticos sobre las teclas de la triki.
Como todos los músicos inquietos, el paso siguiente, Kalejira Al-Buk (1994), supone, con el paso del tiempo, toda una curiosidad en su abultada discografía, ya que los sonidos de raíz se abren a la electricidad de guitarras, bajos y teclados en una suerte de folk rock con aportaciones vocales en inglés y con entrada de músicos foráneos como David D. Passinghan y de reputados escritores y bertsolaris vascos como Jon Sarasua, Andoni Egaña y Edorta Jiménez. Kepa iba cumpliendo sus sueños, desde conocer a su admirado Iribar, portero de su Athletic de Bilbao, a colaborar regularmente con sus admirados Oskorri o ganar la Muestra de Folk Estatal para Nuevos Intérpretes. Sus dos discos siguientes, Trans Europe Diatonique (1992) y el delicioso, acústico y sensible Lau Eskutara (1995), grabados junto al inglés John Kirkpatrick y el italiano Riccardo Tesi, en el primer caso, y con el mago de las cuerdas portugués Julio Pereira, en el segundo, le ponen en contacto con artistas foráneos y le encaminan a grabar la que es la primera de sus obras esenciales. trikitixa
Su trabajo Bilbao 00.00 h (1998) se convirtió en un hito por las ventas logradas desde un sello independiente como Resistencia. Además, le obligó a coger la maleta semana sí y semana no. Disco doble en el que profesa su amor a su ciudad natal, "Bilbao..." es el disco de la expansión internacional de Kepa en una doble vertiente: la comercial y la artística. Y es que el álbum, que incluía el popero "Del Hierro a Madagascar", cantado por Pedro Guerra, supone, además de su salto definitivo a la world music, un abrazo solidario y enriquecedor a los sonidos de medio mundo, de Canarias al Mediterráneo, Québec, Centroeuropa, África, Galicia, Portugal, Irlanda... Junkera puso Bilbao en el mapa en una labor de promoción sólo comparable a la realizada por el Museo Guggenheim. Su proyección continuó con su trabajo posterior, Maren (2001), dedicado a una de sus hijas, ya grabado junto a una multinacional y que supuso su confirmación internacional gracias al ritmo contagioso de canciones como "Bok-Espok" y "Ny Hirahira", en el que lo vasco se alía con los aires folk de Armenia, Bulgaria y Albania. Con dos Discos de Oro en sus alforjas y una nominación a los Latin Grammy Awards en 2002 por Maren, Kepa empieza a tener su punto de residencia entre Bizkaia y los hoteles de medio mundo.
CD 1 1. Arin Quebec 2. Del Hierro A Madagascar 3. Fasio & Lurra-Terra 4. Maitia Nun Zira? 5. Bok-Espok 6. Santimamineko Fandangoa & Ioaeoe 7. Muskerraren Balsa & La Balso De Combouscuro 8. Justin Lagun 9. Arin-Novo 10. Gesala 11. Gaztelugatxeko Martxa
CD2 1. Fali-Faly 2. Karola De Mar 3. Piti & Iturrigorri 4. Loriak Udan 5. Arin-Oskorrri 6. Zumaia 7. Sodade 8. Zugarramurdi Dantza 9. Berhueta 10. Tandremo 11. Nondik Jo Maurizia 12. Arin-Argineta & Ortigueira Dantza
