Steve Kindler - Paradise Lost (1993)

 

Steve Kindler es un violinista, teclista y guitarrista estadounidense, un virtuoso del violín de renombre internacional. Es el primer músico en tocar el violín eléctrico de nueve cuerdas, hecho especialmente para él por John Jordan (un famoso luthier). El violín de Kindler tiene la gama de todos los instrumentos de cuerda.
Steve Kindler proviene de una familia de músicos y era el menor de cinco hermanos. Desde temprana edad, pues desde los tres años, como un "niño prodigio", comenzó a aprender a tocar el violín bajo la supervisión del gran maestro Raphael Spiro (un judío emigrante de Polonia), alumno de Leopold Auer. A la edad de 10 años, tocó en la Orquesta Filarmónica Juvenil de Portland, con la que viajó a muchos países del mundo. Seis años después, recibió una beca para estudiar en el Instituto Tanglewood con Leonard Bernstein y Seigi Ozawa. Estudió en privado con Eugene Lehner y Roman Totenberg. Durante varios años fue violinista principal de la Orquesta Sinfónica de Honolulu.

A la edad de 18 años, fue invitado a unirse al famoso grupo de jazz-rock Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, tocando, entre otros. con Jean-Luc Ponty y Narada Michael. Participó en la grabación del disco Visions Of The Emerald Beyond (Columbia; 1974). También fue miembro de la formación Jeff Beck/Jan Hammer, a la que fue invitado por el pianista Jan Hammer. Durante tres años, como miembro de esta formación, realizó varias giras de conciertos con ella y grabó discos: The First Seven Days, Oh Yeah y Melodies, y con el guitarrista Jeff Beck el disco Jeff Beck Live. En los años 1974-1979, Steve Kindler, durante su estancia en Nueva York, tocó con personalidades como: Cat Stevens, Perry Robinson, Brubeck Brothers, Oregon Collin Walcot (Glen Moore y Paul McCandless) y Kenny Werner (pianista de jazz).
En 1975, recibió el primer violín eléctrico de cuerdas múltiples de Barcus-Berry. Durante este período tocó con la banda Spring Flowers, con el maestro de sarod Vasanti Rai.
Después de mudarse a Hawái, se unió a la Orquesta Sinfónica de Honolulu, donde tocó el primer violín. Durante este período, tiene la oportunidad de tocar con grandes de la música como: Robert La Marchina, Leonard Paneiro, Maksym Shostakovich, Dimitri Shostakovich, YoYoMa, Shlomo Mintz y muchos otros.

La década de 1970 fue la época del nacimiento del género de música electrónica denominada ambiental, caracterizada por un alejamiento de la línea melódica desarrollada linealmente, característica de la música electrónica clásica (Vangelis, Kitaro), a favor de una composición suelta de parches sonoros. Los géneros ambientales relacionados son el chillout y el downtempo, y el dark ambient es un subgénero. En la década de 1980, Steve Kindler se convirtió en el principal exponente de la música ambiental. Ha realizado una serie de grabaciones innovadoras e influyentes con músicos como Zakir Hussein, Randy Jackson, Juaquin Lievano, Susan Cianni, David Friesen, Georgia Kelly, Paul Horn, Teja Bell, Casey Scheuerell, Jim Berenger, Carlos Reyes y muchos más. La grabación de Kindler "Dolphin Smiles" con Teja Bell de este período estuvo en el "10" de las listas de Billboard durante 7 semanas. Las grabaciones con la arpista Georgia Kelly también fueron muy apreciadas. También estuvo en la portada de la revista Billboard. Ha producido numerosos álbumes de música de varios artistas en el sello CBS-Sony.

 

En la década de 1980, junto con el baterista de Berkeley Clay Henry, fundó la banda de música étnica Barfoot. La música innovadora de la banda fue determinante para muchos otros músicos y para la dirección musical, que pronto se denominó World Music, abarcando principalmente música étnica, o música inspirada en ella, pero también música estilísticamente similar a la música popular, creada en países exóticos.
En 1983, trabajó con el maestro luthier Steve Klein para diseñar y fabricar su primer violín eléctrico de seis cuerdas.
A fines de la década de 1980, Steve Kindler, como violinista, fue invitado a la primera gira occidental por Masanori Takahashi, conocido como Kitaro, un músico, compositor, multiinstrumentista, creador de música de cine y new age japonés. El violín se escucha en el álbum Kitaro Kojiki (1990).
En 1991, Steve Kindler se vio muy afectado. El fuego consumió el estudio y su residencia, destruyendo todo junto con todo su contenido, como instrumentos, equipos de estudio, cintas maestras, manuscritos de composiciones, grabaciones de conciertos. El propio músico escapó con un violín y una caja de casetes. Desde entonces, Steve Kindler, además de dar conciertos, ha trabajado enseñando la historia del violín barroco.

En 1993 lanzó Paradise Lost, con Zakir Hussain a la tabla, Peter Apfelbaum al saxofón y Kim Atkinson a la percusión, acentúa el tono visionario de este estilode musica en la frontera entre el jazz y el clásico.



Peter Apfelbaum (saxophone)
Kim Atkinson (percussion)
Baron Chase (drums)
Zakir Hussain (table)
Steve Kindler (composer, drums, guitar, percussion, piano, synthesizer, violin)
Tom Martin (contrabass, contrabass trombone)
S.S. Ellis Blue Schildson (synthesizer)

1        Portal Of Hunab-Ku    3:26
2        Glass Houses    7:51
3        Half Moon Bay    5:20
4        Hymn For Bosnia (From Balkan Folk Song)    6:32
5        The Elephant's Child    5:15
6        Poem    4:08
7        Paradise Lost    3:54
8        A Life Like Love    7:10
9        Lake Of Tears    4:15
10        Beyond Sorrow    8:12

Metamora - The Great Road (1987)

 

Metamora fué el trío de Gray Larsen, Malcolm Dalglish y Pete Sutherland. Actuaron y grabaron activamente durante la década de 1980.

The Great Road es un album Inspirador y edificante, tiene un sonido maravilloso. Si te gusta la música folclórica de ritmo más rápido con músicos muy talentosos que armonizan bien entre sí, te encantará este álbum.

Más composición de canciones de la naturaleza marcan este ingenioso esfuerzo de 1987 del trío Metamora. La inclusión de sintetizadores que reproducen dulces sonidos debajo de las melodías hace que este lanzamiento esté más en la categoría de "nueva era" que sus trabajos anteriores. Las canciones vocales se han eliminado por completo, lo que permite que el grupo brille únicamente con su virtuosismo instrumental. Más un guiño a las tradiciones populares estadounidenses y europeas en lugar del sonido más contemporáneo que se encuentra en trabajos anteriores. La energía en su conjunto es más equilibrada. Las canciones en sí mismas son deliciosas: Larsen está por todas partes con la flauta, y el violín de Sutherland produce algunos sonidos irlandeses asesinos. Este lanzamiento hizo madurar su contrato inminente con Windham Hill Records.

 Tema de su album Morning Walk en Windham Hill Records

Pete Sutherland - Synthesizer,Fiddle,Piano,Guitar
Grey Larsen - Synthesizer,Flute,Concertina,Whistle,Piano,Fiddle
Malcolm Dalglish - Dulcimer [Hammer Dulcimer]

    01 -    Johnny Court The Widow    3:30
    02 -    Big Scioty    3:30
    03 -    The Great Road    3:25
    04 -    Seven Seas    3:30
    05 -    Bicycling (Medley: Bicycling To Sassor / Rhubarb)    4:30
    06 -    Cooper's Caper    2:25
    07 -    Old Man Winter    4:05
    08 -    The Jug Of Punch    3:05
    09 -    Flemish Tunes    4:00
    10 -    The Empire Builder (Medley: The Great High Wind / Poor Little Mary)    5:10
    11 -    Where Is The Gem?    3:25

Fumio Miyashita (宮下文夫) - Tenkawa Isuzu (1986) + On-yaku (Sound Medicine) (1995)

 

Músico, musicoterapeuta y fundador de Healing Music en Japón.
Fumio Miyashita comenzó su carrera musical en 1966.
En 1969, fue miembro original del musical de rock 'Hair', en Tokio. Formó los grupos de rock progresivo Far Out y Far East Family Band, lanzando álbumes innovadores y realizando giras internacionales.

Interesado siempre por la filosofía oriental desde que estudió karate a una edad temprana (se convirtió en cinturón negro en la escuela secundaria), se interesó por la medicina oriental después de una lesión en el escenario que solo se curó después de someterse a una acupuntura.
En 1977, emigró a los Estados Unidos, donde continuó estudiando medicina oriental, filosofía, los cinco elementos chinos y también comenzó, en serio, a investigar la musicoterapia.
En 1981, decidió regresar a Japón, se mudó a Shinshu Iizuna Highlands y estableció Biwa Studio.
Una razón para elegir Iizuna Highlands fue porque su altitud es de 1.250 metros y durante sus estudios aprendió que esta es una altitud muy positiva y saludable para que resida el cuerpo humano. Allí creó numerosos trabajos, incluidos CD de música y videos de imágenes.
Su pasión era crear música que fuera útil para las personas y su tema recurrente en sus obras era la relajación y la curación de la mente y el cuerpo.
Llamó a su música 'Música curativa' y estableció su propio estilo único de musicoterapia.
Su obra más importante, la largamente vendida 'Meditación', ha vendido más de 600.000 Copias.
Los albums, 'Tanjo' y 'Yasuragi', han vendido más de 300.000 copias.
Tuvo el privilegio de actuar especialmente para lugares como el Santuario Ise, el Santuario Kashiwara, el Santuario Tenkawa, el Santuario Kasuga, el Santuario Asukaimasu y el Templo Zenkoji. Con múltiples talentos, ayudó a muchos deportistas con el entrenamiento mental, actuó como músico y realizó seminarios como terapeuta.
Se habló mucho de sus 'Conciertos para dormir' y 'Música para el cuidado prenatal'.
Falleció en 2003, pero en su vida grabó y lanzó más de 130 obras.

Fumio Miyashita (宮下文夫) - Tenkawa Isuzu (1986)

Fumio Miyashita comenzó con la música curativa en el Santuario Tenkawa Benzaiten en Yoshino, Prefectura de Nara, que se convirtió en sus raíces. El album es una obra sintoísta que representa esa energía milagrosa.
Podrás sentir otra cara de Fumio Miyashita, quien continúo actuando en este santuario durante muchos años.

El Tenkawa Isuzu, como su nombre lo indica, se inspiró en un viaje de Fumio al Santuario Tenkawa Dai-Benzaiten en el sur de Osaka. Allí, uno podía experimentar un templo que correspondía a la diosa de todo lo que fluye viscoso y terrenal: arroyos ondulantes, terrazas sinuosas, puentes delgados y hermosas vistas montañosas que sirven de fondo para intrigantes conciertos, actuaciones y otras festividades. Uno de los espacios más sagrados de Japón, durante siglos ha sido fuente de inspiración para músicos y artistas que viajan hasta allí para adivinar un sentimiento.

Lo que escuchará tiende a evocar los sonidos que se encuentran en los templos. Es New Age japonés, a lo largo de este álbum, se utilizan varios programas de sintetizador para simular el tañido de las campanas, las gotas de agua o samon, los jingles de la percusión agitada como escuchará en "Seiryune", "Ten No Sato" y "Amatsuzumi". Las almohadillas flotantes y los instrumentos con mazos retorcidos se encuentran en el corazón de canciones como "Ama", "Kami" y "Uzu No Suzumai". Al final y al principio, escuchamos el timbre especial del isuzu de Tenkawa que inspira tanto a Fumio.

 

Y supuso que sí, ya que Fumio podía oír el "isuzu", o tesoro sagrado del templo, una rareza para cualquier visitante. En este caso, era la campana Tenkawa Dai (que se muestra en la portada del album), que se suponía que debía sonar "otodama", a diferencia de cualquier otra cosa en Japón. En consecuencia, este lanzamiento suena como un poco de lo que ha lanzado desde entonces.
En la portada del disco de Tenkawa Isuzu se puede ver una réplica de esta campana triangular. En la portada del álbum, también puedes ver algunas fotos de los lugares a los que Fumio viajó y luego regresó a su estudio de pueblo para componer con el propósito de describir la música auditivamente.

Lo que escuchas tiende a evocar sonidos que se encuentran en los templos. Esto es new age japonés con mayúscula, Se utilizan varios programas de sintetizador a lo largo del álbum para generar impacto: campanas que suenan, gotas de agua o luz de la luna, jingles de percusión agitada que escuchará en "Seiryune", "Ten No Sato" y "Amatsuzumi". Las almohadillas flotantes y los instrumentos forjados giratorios están en el corazón de canciones como "Ama", "Kami" y "Uzu No Suzumai". Al final y al principio, escuchamos un timbre especial de Isuzu Tenkawa que tanto inspira a Fumio.
El "yo" en el que está tratando de concentrarse son los muchos arpegios que Fumio usa para crear un sentido hipnótico de musicalidad, y tal vez algo de otro mundo de Tenkawa Isuzu. Después de todo, Fumio lo hace bien: la meditación puede tratarse tanto de lo que hay allí... como de lo que hay aquí... La curación siempre parece requerir un poco de concentración sin esfuerzo.

Género:    Electronic
Estilo:    New Age, Ambient

1        天/Ama
2        照/Terasu
3        大/Oh
4        神/Kami
5        宇受の鈴舞/Uzu No Suzumai
6        静流音/Seiryune
7        能舞花/Nomaika
8        天鼓/Amatsuzumi
9        天の里/Ten No Sato
10        風姿花~五十鈴/Fushika~Isuzu

 

 

 Fumio Miyashita - On-yaku (Sound Medicine) (1995)

La meditación en sí toma muchas formas. Primero, la más famosa, la meditación interior, una práctica pasiva. Esta calma de mente/cuerpo comienza con el cierre de ambos ojos; tratando de encontrar la divinidad, perdiéndote a ti mismo, a través de la autoconciencia. La segunda, la menos conocida, pero inconscientemente la más practicada, la meditación en movimiento. El yoga, el tai chi, el senderismo, los baños de bosque (idea japonesa) implican el uso del movimiento para desviar la atención de nosotros mismos y centrarnos en la acción que tenemos delante. La idea de "drishti", una mirada enfocada a algo que se puede explorar para desviar nuestra atención, puede surgir cuando hacemos algo tan simple como salir a caminar, admirar una planta en particular... y luego tomarnos un tiempo para como dicen, "Oler las rosas", o trata de mantenerte en un pie mientras miras algún objeto fijo en la pared. La música para la meditación, según Fumio, es ideal para el segundo caso. Resuelto, cautivador, claramente te atrae cuando realmente te enfocas en él.

 

Género:    Electronic
Estilo:    New Age, Ambient

1        C Vibration
2        D Vibration
3        E Vibration
4        F Vibration
5        G Vibration
6        A Vibration
7        B Vibration
8        息吹
9        心のやすらぎ

El Cometa de Madrid - Various – El Aurora II (1989)

 

El Aurora II es una recopilación de los discos editados en España bajo el sello El Cometa de Madrid.

El Cometa de Madrid fue creado por el músico español Luis Delgado como un sub sello de Grabaciones Accidentales. Una etiqueta que produjo una serie de registros españoles bellamente diseñados a lo largo de los años 80 con una mezcla de la guitarra española tradicional combinado con sonido ambiente, el Mediterráneo y Asia con todos los discos producidos por el propio Delgado.

Segunda recopilación del sello realizada para el sello mejicano "Exilio", dirigido por Jorge Reyes. En ella realiza una remasterización digital de los temas grabados en sistema analógico y se continua la línea del disco a precio medio con carácter promocional, incluyendo todos los artistas publicados hasta la fecha. En España se editó en CD con otro diseño de carpeta.

EL AURORA es el barco que partió en 1941, bajo el mando del capitán Haddock, Tintin y Milú se embarcan en el M.S. Aurora, navío dirigido por el amigo de Tintin, el capitán Haddock en busca de la Estrella Misteriosa

 

Género:    Electronic
Estilo:    Ambient, Experimental, New Age

1    Ishinohana –    Lucia
2    Luis Delgado –    El llanto De Nouronihar
3    Miguel Herrero –    Templo Griego En El Techo De Madrid
4    Patricia Escudero –    Gymnopedie II
5    Enrique Mateu De Villavicencio –    Mina
6    Luis Paniagua –    Neptuno
7    Mecanica Popular –    Conceptos Básicos
8    Macias –    Mirando A Una Planta
9    Luis Lozano –    Hacia El Palacio

Luis Paniagua - Fragmentos (2003)

Luis Paniagua nació el 9 de marzo de 1957, en Madrid.

Formó parte de Atrium Musicae, grupo de música antigua europea dirigido por su hermano y maestro Gregorio Paniagua. Con esta formación debutó en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York a los quince años de edad y realizó giras por Estados Unidos de América, Canadá, Francia, España, Bélgica, Alemania, Austria, Finlandia, Polonia y la antigua URSS. Con Atrium Musicae grabó 14 discos publicados en Europa, América y Japón.

Está especializado en instrumentos de cuerda de hace 4.000 años de antigüedad, lira, kithara y arpa arqueada, tocados en la cuenca del Mediterráneo antiguo y en otras culturas coetáneas como Mesopotámia y el valle del río Indo. También esta especializado en el tratamiento de técnicas e instrumentos actuales para desarrollar otra vía de composición musical abierta y sinfónica para danza, teatro y cine. Desde 1998, y después de tocar numerosos instrumentos como: lira, kithara, arpa arqueada, sitar, dilruba, pipa, ud, guimbri, cuencos, chirimía, psalterio, guitarras, cuatro, sintetizador, electrónica, macetas, sartenes, tubófonos, muelles, papeles, piedras, tierra, agua, viento, fuego, percusiones del mundo y voz, se dedica casi exclusivamente a tocar la lira y la voz, haciendo que su música sea más profunda como para conmover el cuerpo, alma y espíritu de los que le escuchan en sus conciertos.

   

Fragmentos es una compilación creativa de su obra musical editada desde el año 1982 hasta el 2002. Sus 78 minutos de música son una sucesión armoniosa de melodías con numerosos instrumentos acústicos como el arpa arqueada o la lira de 4.000 años de antigüedad. Espectaculares paisajes sonoros que nos transportan a la Grecia antigua, a Mesopotamia o a otros mundos perdidos o por descubrir, nos hacen respirar profundamente por su delicada belleza.

01. Mi propio cuerpo [8:59]
02. Árbol de cenizas [8:07]
03. Africana [2:41]
04. Por el interés [1:39]
05. ¡Atención muy frágil! [1:52]
06. A empezar [3:42]
07. El regalo (2ª parte) [4:51]
08. El cuarto de los niños [3:00]
09. Me llaman [4:04]
10. Se acabó esto pues (versión) [1:38]
11. Agua [4:15]
12. Muchas cosas [8:24]
13. Harim [5:40]
14. Torero [4:07]
El caballo alado [7:56]
15. 1ª parte [0:58]
16. 2ª parte [0:57]
17. 3ª parte [0:25]
18. 4ª parte [0:28]
19. 5ª parte [0:47]
20. 6ª parte [0:55]
21. 7ª parte [0:29]
22. 8ª parte [0:39]
23. 9ª parte [0:57]
24. 10ª parte [0:59]
25. Y nazco [2:55]
26. Neptuno [4:51]

Trapezoid - Moon Run (1990)

 

Paul Reisler y su grupo Trapezoid ofrece ingeniosos y profundos temas antiguos y nuevas canciones. Su sonido es liso, pulido y claro, haciendo hincapié en la acústica con la electrónica, pero en forma de guitarras y sintetizadores. Gama de estilos de composición de ensueño a algo de jazz. Cada una de las pistas y sobre todo, la progresión de todos ellas juntas traen a la superficie emociones que no sabía que tenía, explora con honestidad y profundidad y a continuación, les permite disiparse suavemente como ondas en un estanque. Los temas cantados se caracterizan por las exquisitas armonías vocales de Cheryl Hurwitz y Anne Louise White. Los instrumentos utilizados son la guitarra, el saxofón, martilló dulcimer, violín, clarinete, arpa, mandolina y percusión.

Este cd fué editado en 1990 en Narada Records por Trapezoid. En su segunda encarnación, la banda estaba formada por Paul Reisler en guitarra, Bobby Read en lengüetas y teclados, Cheryl Hurwitz en violín y voz, Ann Louise White en voz y Tim Valdés en percusión y mandolina. El folk de cámara es el género en el que siempre se ha movido esta banda, y este cd lo demuestra , además de una fuerte instrumentación y voces, un poco de influencia del rock.

    

01 Even Love 4:38
02 Moon Run 3:42
03 4 Am 3:51
04 Persephone Rising 4:23
05 Marsyandi 5:00
06 Tell Me How 3:57
07 Hazel 4:09
08 Crow On The Cradle 4:20
09 In The Hills Of Shiloh 4:06

Martin Kolbe & Ralf Illenberger - Essentials (2017)

 

Martin Kolbe y Ralf Illenberger fueron considerados la pareja de ensueño de la escena de la guitarra acústica alemana en los años 70 y 80. La etiqueta de "mejor dúo alemán de guitarras" se les impuso en el primer año de su colaboración y se quedó con ellos hasta el final del dúo en 1987, aunque siempre rechazaron esta etiqueta.

Martin Kolbe dice:
Con este doble CD se hizo realidad un viejo sueño de Ralf y Martin. En el pasado, hubo algunas recopilaciones de "Lo mejor de" que se armaron con bastante descuido y sin nuestro permiso para su publicación. Ahora pudimos hacer nuestra propia elección. No fue tan fácil decidir qué pistas incluir, ya que todavía nos gusta cada nota que grabamos una vez, y cada una de nuestras composiciones significa algo muy especial para nosotros. Afortunadamente no tuvimos que excluir demasiadas pistas porque la capacidad de dos CD nos permitió documentar casi todo nuestro trabajo de estudio conjunto.
Todas las pistas fueron cuidadosamente remasterizadas por Hans-Jörg Maucksch.

Escuchar a viejos amigos puede ser muy agradable. "Essentials" deja claro que la música tiene casi cuarenta años -"Waves" se lanzó en 1978 pero no ha envejecido en absoluto.
Cualquiera que haya seguido la música de Martin Kolbe y Ralf Illenberger en ese entonces se sentirá como la primera vez que los escuchabas. La música de este dúo no ha envejecido, pero crea una especie de flashback.
http://martin-kolbe.com/en/musik/discobiographie/2017-essentials.html

 

Martin Kolbe (acoustic guitars, electric guitars, percussion, gongs, bass, drums, vocals)
Ralf Illenberger (acoustic guitars, electric guitars, percussion, gongs, piano, synthesizer, vocals)
Wolfgang Dauner (synthesizer, piano, clavinet)
Friedemann Witecka (acoustic guitar)
Eberhard Weber (bass)
Anne Haigis (vocals)

CD 1
01 Break
02 G'schteinigt
03 Music
04 Namenlos
05 Waves
06 In der Halle des Bergkönigs
07 Sommerabend
08 What About The Nose?
09 Free Man In't Harde
10 Walzer
11 Genève
12 Veits Tanz
13 Emotions
14 Ball In Play
15 Colouring The Leaves
16 Röckchen
17 Mittags im Hotel

 

 CD2
01 Birdland
02 Andreas
03 Der fliegende Teppich
04 Saurian
05 Flieger
06 Tronic
07 Osterspaziergang
08 Das Wesen des Wassers
09 Warum 12?
10 Fun Tango
11 Happy Hour
12 5 vor 3/4 4
13 The Other Sides
14 Annalisa
15 Seven Seas

Aukai - Aukai (2016)

 

Aukai, palabra hawaiana que significa marinero o viajero, también es usada como nombre propio y las personas que reciben el nombre de “Aukai” tienden a ser de naturaleza introspectiva, filosófica, mística. Por todo lo descrito, Aukai es el nombre perfecto para el nuevo álbum y proyecto del multi-instrumentista y compositor Markus Sieber, parte del premiadísimo y reconocido dúo Mirabai Ceiba.

Aukai recoge una colección de trece paisajes acústicos de carácter inmensamente calmados, donde guitarras, predominantes cuerdas y casi inapreciables teclados ambientales transportan al oyente hacia un viaje al interior, lugar de sosiego y serena belleza.

 

Sieber nació en 1974 y creció cerca de Dresden, Alemania. Participó en varios grupos de música de rock por los años 90 antes de desarrollar su carrera como actor en Berlín y San Petersburgo. En uno de sus viajes, México lo puso en contacto con la música más indígena lo que despertó en el músico nueva misión musical que le llevó a dar la vuelta al mundo en varias ocasiones.
https://www.reviewsnewage.com/2016/06/20/markus-sieber-publica-su-primer-album-en-solitario-aukai/

El Ronroco es un primo del charango, un instrumento de cuerda de América del Sur que se encuentra en las regiones andinas de Bolivia, Perú y Argentina. Es nieto de la vihuela, de la que nació la mandolina, el laúd, y sí, la guitarra clásica. Los colonos españoles introdujeron el instrumento en algún momento del siglo XVIII, y algunos creen que su pequeña caja de resonancia en forma de armadillo surgió como resultado de que los nativos lo escondieron de los conquistadores. En los años siguientes, el roncoco desarrolló su propio diseño y sonido únicos, con diez cuerdas de nailon afinadas típicamente con GCEAE. El sonido que emite desde su base de madera ovalada (se puede hacer con Jacaranda, Naranjillo e incluso Palo Santo) es un rasgueo punteado suave, reverberante, de tono medio a alto.

Angelika Baumbach - piano, pump organ, harp
Anne Müller - cello
Alexander Nickmann - fender rhodes, piano, synthesizer, programming
Ben Wittman - percussion
Bogdan Djukic - violin
Jamshied Sharifi - b3, piano, wurlitzer, prophet-5, dx7, vl1
Martyn Heyne - juno-60, piano, pump organ
Markus Sieber - ronroco, guitar, pump organ, piano, glockenspiel

 

 

01. Last Day
02. Alto Paraíso
03. Agua Azul
04. Colors Of Dawn
05. Cachoeira
06. Hidden
07. Snow
08. First Of March

09. Wind Runner
10. Feather
11. Fled Away
12. Childhood
13. Night Rain

Michael Stearns – The Lost World (1995)

 

 

 Michael Stearns es compositor de cine, compositor de música ambiental, diseñador de sonido y productor de bandas sonoras para películas de gran formato, películas teatrales, documentales, comerciales y atracciones temáticas. Sus galardonadas partituras de las obras maestras del cine global no verbal de Ron Fricke, "Chronos" y "Baraka", se han reproducido ante audiencias de todo el mundo. La música de Michael ha sido utilizada por Laserium, la NASA y coreografiada por el Berkshire Ballet. A través de su productora de bandas sonoras, Michael Stearns Productions, ha creado las bandas sonoras de "Back To The Future, The Ride" de Universal y "Star Trek, The Experience" de Paramount.

Michael Stearns nos transporta a un "Mundo Perdido" de rara belleza y poder.

Stearns ha podido incorporar los sonidos indígenas de este reino prehistórico en un entorno auditivo que nos permite compartir la anticipación, la euforia y la sorpresa de este viaje. Nueve mil pies sobre el nivel del mar, en la salvaje esquina sureste de Venezuela, una antigua mesa de arenisca se eleva inquietantemente entre la niebla y la niebla densa y arremolinada. Uno de los muchos tepuyes extraños e inquietantes que se elevan sobre matorrales casi impenetrables de la selva tropical, el monte Roraima se mantuvo en gran aislamiento durante más de un millón de años antes de que los primeros exploradores europeos se atrevieran a ascender a su imponente cumbre.

Cuatro años después de que un artículo de National Geographic de 1990 le recordara el monte Roraima y el Mundo Perdido, Michael Stearns  hizo realidad un sueño que comenzó en su niñez: viajar a las "Islas en el Tiempo" de Venezuela y experimentar un dominio natural que permanece asombrosamente alejado de los estragos y complejidades de la civilización moderna.

Con cada pista de The Lost World, doblamos otra esquina, nos maravillamos con una extraordinaria especie autóctona de orquídea o mariposa, conquistamos un pico elevado y experimentamos la anticipación, el temor y la euforia de una odisea hacia lo desconocido. "El Gran Saban" no es todo atmósferas etéreas; rebosa de vida tropical y rituales humanos, y Stearns capta los sonidos de la tierra, los animales y las tribus que habitan allí. Con piedras 'cantantes', flautas de madera, silbatos, percusión, grabaciones ambientales in situ, arpas de viento y la magnífica voz de Keri Rushtoi, Stearns evoca la majestuosidad natural del lugar. Capta el tono enigmático de los mitos e historias que escuchó de los nativos Pemón y Warao. Al hacerlo, nos brinda una perspectiva completamente nueva sobre nuestra propia relación con los mundos perdidos y encontrados.
https://heartsofspacerecords.bandcamp.com/album/the-lost-world

1. Kama Meru (2:14)
2. Lost World Theme (5:08)
3. Imu Paru (5:03)
4. Maripak: The Last Pterodactyl (6:39)
5. Matawi: Killer Of Men (4:54)
6. Sabana (4:20)
7. Volcano (4:31)
8. Auyan (2:34)
9. Warao (4:58)
10. St. Francis (5:52)
11. Crystal Canyon (3:48)
12. Lost World Reprise (4:27)

Shiho Yabuki - The Body Is a Message of the Universe (1987) + Purple Sails (1989)

 

 Shiho Yabuki - The Body Is a Message of the Universe (1987, Subliminal Sounds)

Por primera vez, una reedición especial de edición limitada de este raro e inusualmente soñador álbum electrónico ambient new age. 1.000 copias en todo el mundo impresas en vinilo rosa transparente. Originalmente creado y lanzado en una pequeña edición en Japón en 1987 por el misterioso músico/mago Shiho.

The Body Is A Message Of The Universe presenta texturas de sintetizador flotantes y brillantes. Es único y extraordinariamente sereno con colores de tonos cambiantes y texturas espaciales que llevan al oyente a un lugar mágico especial. Es tan hermoso como cautivador. También hay un borde inquietante en partes del álbum que suenan como lo que originalmente podría haber influido en David Lynch y Angelo Badalamenti cuando compusieron la banda sonora de la serie Twin Peaks original. “La creatividad es el despliegue de los reinos desconocidos dentro del yo. A través de nuestras formas de expresión elegidas, cada uno de nosotros crea diariamente un universo único, un entorno único. El universo creado por todos y cada uno de los seres en repetición sin fin son mensajes del universo. El aliento de esta música, expresado desde mi entorno actual, fluyendo a través de una miríada de lugares, ya que la música ambiental es mi expresión de El cuerpo es un mensaje del universo”. Parte del álbum también tuvo un lanzamiento limitado en CD en EE. UU. a fines de la década de 1980, lo cual es difícil de conseguir hoy en día. Aunque Shiho Yabuki continuó su carrera en Japón, como músico y mago, y se convirtió en pionera de la música curativa en Asia, para la mayoría de los oyentes occidentales era como si Shiho fuera uno de esos artistas misteriosos que saca un álbum y nunca se sabe nada de él. de nuevo. Este lanzamiento también presenta un par de pistas especiales originalmente compuestas y grabadas por Shiho a fines de la década de 1980 para el Laboratorio de Investigación de Belleza Japonés Kanebo.

 

Género: Electronic
Estilo: Ambient

1     Tomoshibi 灯     7:01
2     Samadhi 三味     9:44
3     Shiunkai 紫雲界     4:23
4     Tenshingoso 天真五相     5:13
5     Ki No Nagare 気の流れ     3:49
6     Eikoh 栄光     1:59
7     Tawamure 戯れ     4:58
8     Karada Wa Uchu No Message からだは宇宙のメッセージ      7:21

 

 Shiho Yabuki - Purple Sails (1989, Hearts of Space)

Este es un álbum de texturas flotantes de sintetizador y melodías suaves tocadas en un buen equipo de sintetizador de los 80 como el conocido Yamaha DX7. Es tan hermoso como cautivador. Purple Sails es extraordinariamente sereno con colores de tonos cambiantes y texturas espaciales que llevan al oyente a un lugar de paz.

Género: Electronic
Estilo: New Age, Ambient 

1     Samadhi     9:44
2     Red Sunlight     3:38
3     Sakura     4:43
4     Shunkai     4:23
5     Tenshingoso     5:13
6     Forest Land     6:40
7     Tomoshibi     7:01
8     Cosmic Dance     4:58
9     Energy Flow     3:48