"Autumn" es el segundo álbum de George Winston y el duodécimo lanzado por Windham Hill. Este es el lanzamiento innovador que impulsó a Windham Hill de un pequeño y apasionado sello "folk" a un sello de ventas multiplatino que define el género, y por una buena razón.
En el contexto del desarrollo del sello, este fue realmente solo el primer álbum con un atractivo cruzado: El album December de Winston y, más tarde, los álbumes de Winter Solstice llevaron a Windham Hill cada vez más a la conciencia general.
Autumn encontró una audiencia a la que le había encantado el popular The Koln Concert de Keith Jarrett de 1976, y quería más. De hecho, hay una gran similitud en el estado de ánimo, el arte y la sensación general. Pero donde Jarrett estaba improvisando, Winston escribió composiciones densamente ricas que se basaron en influencias folk, rock y clásicas en algo nuevo. Los estados de ánimo cambian y los tempos varían, dando vida a la naturaleza seria de las composiciones. Durante los últimos 30 años, Winston ha seguido desarrollando sus interpretaciones de la mayoría de las piezas aquí con gran éxito. Pocos son los artistas que pueden reinventar actuaciones tan icónicas en algo significativamente mejor que el original, pero Winston lo hace. O tal vez simplemente escuché el álbum hasta la saciedad: ha sido un compañero mío tan habitual que es difícil encontrar algo nuevo en él. Sin embargo, si solo has tenido una experiencia pasajera con Autumn, considera que esta es una grabación esencial que recompensará volver a visitarla.
Al igual que Alex De Grassi, Winston escribe música que pretende evocar un lugar. Que tiene un éxito brillante lo demuestra la miríada de personas que publican videos en YouTube de caminos nevados, paisajes de alta definición y arroyos de montaña con la banda sonora de Autumn. Para Winston, la propia Montana es la musa. Seguro que los álbumes tienen títulos de temporada, pero es la temporada como se vive en Montana. https://windhamhillrecords.com/2010/02/whs-c-1012-george-winston-autumn/
En 2019 FLOW, el cuarteto vuelve con su segunda entrega, Promise y ciertamente hace honor a su título. El galardonado grupo, está formado por la pianista australiana Fiona Joy (Hawkins), el guitarrista Lawrence Blatt, el maestro flugelhorn Jeff Oster y el productor y guitarrista ganador del Grammy, Will Ackerman. Cada miembro es un virtuoso certificado de su instrumento y se ha demostrado una y otra vez en sus proyectos como solistas y colaboraciónes.
Escuchar el álbum Promise del supergrupo de música New Age FLOW me hizo pensar en cómo las promesas, grandes o pequeñas, son estrellas guía. Nos siguen dondequiera que vayamos, y nuestro bienestar está directamente relacionado con la forma en que las personas que nos rodean cumplen sus promesas y la forma en que las cumplimos con nosotros mismos. Me complace informar que también podemos confiar en FLOW. “Promise” continúa donde lo dejó su álbum de 2017, demostrando lo que la banda estaba destinada a ser. Es un segundo lanzamiento sólido como una roca, que lleva el sonido del grupo a nuevas alturas.
La primera parte de este disco es bastante contemplativa y soñadora. “Something On Tuesday” nos hace reflexionar sobre el tiempo, y cómo la vida cotidiana se llena de momentos de belleza. Su tranquila elegancia hace que el oyente se relaje y sueñe. “Adrift at Sea” es una de las mejores piezas de “Promise”. Dejarse llevar por las corrientes marinas, cuando tienes todo el tiempo del mundo y ninguna cita en tu calendario, es una experiencia fantástica. La canción comunica este sentimiento espléndidamente. Me gusta el final; la canción se desvanece mientras escuchamos las olas, los pájaros y el fliscorno de sonido solitario de Oster. Es un buen tipo de soledad. https://flowthegroup.com/listen-to-promise/
Acoustic Guitar, Electric Guitar, Ukulele, Bass – Lawrence Blatt Guitar – Will Ackerman Piano, Vocals – Fiona Joy Hawkins Trumpet, Flugelhorn – Jeff Oster
Guest, Bass, Electric Guitar, Keyboards, Accordion – Tom Eaton Guest, Percussion – Jeff Haynes, Jeff Haynes
1 Promise 3:15 2 Something On Tuesday 4:09 3 Adrift At Sea 3:50 4 All These Years 5:54 5 Last Light 4:05 6 Fresh Aur 6:47 7 Nightfall 5:00 8 Blue Umbrella 4:12 9 Chasing Secrets 4:04 10 Mémoire Du Dome 3:28
Gettel comenzó a componer mientras asistía a la escuela secundaria, creando canciones con letras y arreglándolas para otros instrumentos. Se sentía muy atraído por la natureleza y disfrutaba de ir de mochilero casi todos los veranos con su padre en Gore Range, cerca de Vail. La experiencia de estar aislado en la naturaleza, así como las visitas a uno de sus sitios de inspiración más sublimes, Mesa Verde, dieron a Gettel el incentivo para capturar los paisajes en su música. Eso luego surgió en su grabación, Skywatching.
Skywatching es un exuberante poema de amor musical cargado de imágenes sobre el suroeste americano y su cultura nativa, Gettel explora la región con pasión y ambiente cada canción rebosa de perfección y belleza. La música de Gettel es pegadiza, memorable y altamente rítmica, capaz de reflejar suavemente la elocuencia acústica en cada tema, y luego explosiva y energíca conectada para el siguiente tema. La interpretación solitaria de saxofon de Richard Warner es exquisita, pero son los amigos del sello Narada David Lanz y Paul Speer (con una guitarra eléctrica tan iluminadora y crepitante como una tormenta eléctrica de Arizona) quienes proporcionan la verdadera chispa de la grabacion.
El sexto álbum de Michael Gettel Skywatching es una de sus mejores grabaciones. Cada canción rebosa perfección y belleza, y es imposible que no te guste. Siéntese, cierre los ojos y deje que las exquisitas melodías de este álbum lo envíen en un viaje a la vasta belleza de los cañones de Arizona... https://www.facebook.com/www.sanluismusic.org/?locale=es_LA
Piano, Synthesizer – Michael Gettel Soprano Saxophone – Richard Warner Acoustic Guitar, Guitar [Steel String] – Phil Sheeran Drums, Percussion – Dan Chase Electric Bass – Sandy Wilson Electric Guitar – Paul Speer Flute – Richard Warner Harmonica [Chromatic] – Grant Dermody Oboe, English Horn, Ocarina – Nancy Rumbel
1 Anasazi Roads 4:26 2 Skywatching 5:15 3 Windows And Walls 5:10 4 Prelude: First Snow 3:04 5 Sacred Site (In Ruins) 4:33 6 Wellspring 5:04 7 Prelude: Kiva 1:58 8 Sipapu 4:06 9 Tekohananae (To The Morning) 5:00 10 Prelude: Stillness 4:55 11 Scent Of Rain 4:56 12 Where The Road Meets The Sky 4:58
It's Not Too Late es un álbum de Zbigniew Preisner y Lisa Gerrard. Hace seis años, la pareja grabó música en una pequeña sinagoga en Bobowa, Polonia. Preisner explicó lo que pretendía hacer con la música interpretada libremente, con un cierto tema que defender, Gerrard respondiendo con naturalidad y también improvisando. La grabación de 45 minutos de la voz de Gerrard se archivó y terminó en 2022. En este proceso, en lugar de que Gerrard siguiera el ejemplo de Preisner, Preisner comenzó a seguir lo que se ocultó de la grabación, su interpretación vocal y respondiendo a su voz con su uso idiosincrásico de la grabación. , solista y electrónica, creado en su estudio en Polonia. Lisa Gerrard, conocida por crear su propia voz y lenguaje, guiada por una variedad de pensamientos y sentimientos consistentes, universales y profundamente emergentes, en algún momento conoció a Preisner, y los dos conectaron. Preisner, una voz ya establecida para componer películas, también comenzó a emprender muchos más proyectos sin música, explorando nuevos pensamientos y nuevos sonidos. Se han hecho amigos, colaborando regularmente en conciertos, álbumes conceptuales, proyectos de música clásica moderna, así como partituras, para los cuales el factor constante fue, entre otras cosas, un pensamiento compartido sobre lo que la música puede comunicar.
En colaboración, la pareja había trabajado en obras muy memorables, como Diaries of Hope (con Archie Buchanan), numerosos conciertos, Man of God, Skyggenes dal (Valleys of Shadows) y Melodies of my Youth (con Dominik Wania).
It's Not Too Late fue terminado y lanzado en un momento que refleja perfectamente sus pensamientos sobre lo que está pasando en el mundo; cómo Putin comenzó la guerra contra Ucrania, las consecuencias se sintieron dramáticamente en otros lugares, así como la comunicación (musical) sobre los valores de la vida y una visión de lo que está por venir, que es nublada y desconcertante, pero también esperanzadora en su alcance. Se requiere poca imaginación para sentir algunos de estos pensamientos al escuchar el álbum.Video dirigido y editado por Antoni Orlof
1 Hear Me Out 3:43 2 I'm Praying For Silence 5:32 3 If Dreams Were Life 5:04 4 Belive In Yourself 4:39 5 It's Not All Lost 3:17 6 If You Could Get Back To The Roots 4:28 7 It's Not Too Late 4:35 8 Searching For A Lost World 4:38 9 Into The Light 4:20
El pianista George Winston lanzó su decimosexto álbum de piano solo, NIGHT, en RCA Records el 6 de mayo de 2022. NIGHT es una mirada vívida al mundo nocturno de Winston, donde la vida comienza cuando el sol se pone cada día. NIGHT presenta cuatro composiciones originales de Winston, así como interpretaciones de "Freedom For The Stallion" del difunto pianista de Nueva Orleans Allen Toussaint, "Hallelujah" de Leonard Cohen, además de interpretaciones adicionales. Con dos décadas de desarrollo, NIGHT convierte la oscuridad en un prisma de colores. “La noche tiene muchos colores, solo que son más sutiles. Y yo soy nocturno”, dice George.
La NOCHE es donde las cosas realmente cobran vida para George. Ya sea en un escenario, en una sesión de grabación de medianoche, practicando a altas horas de la noche, conduciendo solo por espacios rurales o urbanos de la ciudad, o presenciando la naturaleza crecer bajo la luz de la luna, celebra sus 50 años de carrera con esta grabación.
“NIGHT es una colección de canciones que grabé en cinco estudios diferentes”, dice George Winston. “Hay una maravilla natural que solo ocurre en la noche y NIGHT básicamente escala el reloj desde la medianoche hasta las 7 am. Con cada hora oscura que pasa, el día llegará antes. El sol brilla sobre la tierra todo el día, calienta los océanos y los bosques, y despierta a la mayoría de los habitantes de la tierra, y al atardecer los animales nocturnos se despiertan para las actividades nocturnas, y hay sentimientos de soledad e incertidumbre. Todo esto se traduce bien como inspiración para composiciones e interpretaciones de piezas de otros compositores. https://www.georgewinston.com/recordings/night-2022-24/
George Winston participó activamente en la filantropía, actuando con frecuencia en conciertos para diversas causas benéficas.
Padecía varios tipos de cáncer, incluidos cáncer de tiroides, cáncer de piel y síndrome mielodisplásico, el último de los cuales se resolvió después de un trasplante de médula ósea en 2013. Murió de cáncer en Williamsport, Pensilvania, el 4 de junio de 2023, a la edad de 74 años.
Night is the 16th solo piano album (and 20th overall) by New Age pianist George Winston, released in the U.S. on May 6, 2022 by RCA/Dancing Cat records. It reached number 16 on the Billboard Jazz Albums chart.
1 Beverly Songwriter [Song By] – George Winston 3:13 2 Freedom For The Stallion Songwriter [Song By] – Allen Toussaint 5:00 3 Blues For Richard Folsom Songwriter [Song By] – John Creger 2:23 4 Hallelujah Songwriter [Song By] – Leonard Cohen 5:28 5 Making A Way Songwriter [Song By] – Roderick Taylor 1:48 6 He's A Runner Songwriter [Song By] – Lyra Nyro 5:16 7 Kai Forest Songwriter [Song By] – George Winston 2:45 8 Wahine Hololio Songwriter [Song By] – Traditional Hawaiian 6:14 9 At Midnight Songwriter [Song By] – George Winston 4:21 10 Pua Sadinia [Not To Be Forgotten] Songwriter [Song By] – David Nape 5:51 11 Dawn Songwriter [Song By] – George Winston 3:04 12 Hana [A Flower For Your Heart] Songwriter [Song By] – Shoukichi Kina 7:11
Steve Kindler es un violinista, teclista y guitarrista estadounidense, un virtuoso del violín de renombre internacional. Es el primer músico en tocar el violín eléctrico de nueve cuerdas, hecho especialmente para él por John Jordan (un famoso luthier). El violín de Kindler tiene la gama de todos los instrumentos de cuerda. Steve Kindler proviene de una familia de músicos y era el menor de cinco hermanos. Desde temprana edad, pues desde los tres años, como un "niño prodigio", comenzó a aprender a tocar el violín bajo la supervisión del gran maestro Raphael Spiro (un judío emigrante de Polonia), alumno de Leopold Auer. A la edad de 10 años, tocó en la Orquesta Filarmónica Juvenil de Portland, con la que viajó a muchos países del mundo. Seis años después, recibió una beca para estudiar en el Instituto Tanglewood con Leonard Bernstein y Seigi Ozawa. Estudió en privado con Eugene Lehner y Roman Totenberg. Durante varios años fue violinista principal de la Orquesta Sinfónica de Honolulu.
A la edad de 18 años, fue invitado a unirse al famoso grupo de jazz-rock Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, tocando, entre otros. con Jean-Luc Ponty y Narada Michael. Participó en la grabación del disco Visions Of The Emerald Beyond (Columbia; 1974). También fue miembro de la formación Jeff Beck/Jan Hammer, a la que fue invitado por el pianista Jan Hammer. Durante tres años, como miembro de esta formación, realizó varias giras de conciertos con ella y grabó discos: The First Seven Days, Oh Yeah y Melodies, y con el guitarrista Jeff Beck el disco Jeff Beck Live. En los años 1974-1979, Steve Kindler, durante su estancia en Nueva York, tocó con personalidades como: Cat Stevens, Perry Robinson, Brubeck Brothers, Oregon Collin Walcot (Glen Moore y Paul McCandless) y Kenny Werner (pianista de jazz). En 1975, recibió el primer violín eléctrico de cuerdas múltiples de Barcus-Berry. Durante este período tocó con la banda Spring Flowers, con el maestro de sarod Vasanti Rai. Después de mudarse a Hawái, se unió a la Orquesta Sinfónica de Honolulu, donde tocó el primer violín. Durante este período, tiene la oportunidad de tocar con grandes de la música como: Robert La Marchina, Leonard Paneiro, Maksym Shostakovich, Dimitri Shostakovich, YoYoMa, Shlomo Mintz y muchos otros.
La década de 1970 fue la época del nacimiento del género de música electrónica denominada ambiental, caracterizada por un alejamiento de la línea melódica desarrollada linealmente, característica de la música electrónica clásica (Vangelis, Kitaro), a favor de una composición suelta de parches sonoros. Los géneros ambientales relacionados son el chillout y el downtempo, y el dark ambient es un subgénero. En la década de 1980, Steve Kindler se convirtió en el principal exponente de la música ambiental. Ha realizado una serie de grabaciones innovadoras e influyentes con músicos como Zakir Hussein, Randy Jackson, Juaquin Lievano, Susan Cianni, David Friesen, Georgia Kelly, Paul Horn, Teja Bell, Casey Scheuerell, Jim Berenger, Carlos Reyes y muchos más. La grabación de Kindler "Dolphin Smiles" con Teja Bell de este período estuvo en el "10" de las listas de Billboard durante 7 semanas. Las grabaciones con la arpista Georgia Kelly también fueron muy apreciadas. También estuvo en la portada de la revista Billboard. Ha producido numerosos álbumes de música de varios artistas en el sello CBS-Sony.
En la década de 1980, junto con el baterista de Berkeley Clay Henry, fundó la banda de música étnica Barfoot. La música innovadora de la banda fue determinante para muchos otros músicos y para la dirección musical, que pronto se denominó World Music, abarcando principalmente música étnica, o música inspirada en ella, pero también música estilísticamente similar a la música popular, creada en países exóticos. En 1983, trabajó con el maestro luthier Steve Klein para diseñar y fabricar su primer violín eléctrico de seis cuerdas. A fines de la década de 1980, Steve Kindler, como violinista, fue invitado a la primera gira occidental por Masanori Takahashi, conocido como Kitaro, un músico, compositor, multiinstrumentista, creador de música de cine y new age japonés. El violín se escucha en el álbum Kitaro Kojiki (1990). En 1991, Steve Kindler se vio muy afectado. El fuego consumió el estudio y su residencia, destruyendo todo junto con todo su contenido, como instrumentos, equipos de estudio, cintas maestras, manuscritos de composiciones, grabaciones de conciertos. El propio músico escapó con un violín y una caja de casetes. Desde entonces, Steve Kindler, además de dar conciertos, ha trabajado enseñando la historia del violín barroco.
En 1993 lanzó Paradise Lost, con Zakir Hussain a la tabla, Peter Apfelbaum al saxofón y Kim Atkinson a la percusión, acentúa el tono visionario de este estilode musica en la frontera entre el jazz y el clásico.
Peter Apfelbaum (saxophone) Kim Atkinson (percussion) Baron Chase (drums) Zakir Hussain (table) Steve Kindler (composer, drums, guitar, percussion, piano, synthesizer, violin) Tom Martin (contrabass, contrabass trombone) S.S. Ellis Blue Schildson (synthesizer)
1 Portal Of Hunab-Ku 3:26 2 Glass Houses 7:51 3 Half Moon Bay 5:20 4 Hymn For Bosnia (From Balkan Folk Song) 6:32 5 The Elephant's Child 5:15 6 Poem 4:08 7 Paradise Lost 3:54 8 A Life Like Love 7:10 9 Lake Of Tears 4:15 10 Beyond Sorrow 8:12
Metamora fué el trío de Gray Larsen, Malcolm Dalglish y Pete Sutherland. Actuaron y grabaron activamente durante la década de 1980.
The Great Road es un album Inspirador y edificante, tiene un sonido maravilloso. Si te gusta la música folclórica de ritmo más rápido con músicos muy talentosos que armonizan bien entre sí, te encantará este álbum.
Más composición de canciones de la naturaleza marcan este ingenioso esfuerzo de 1987 del trío Metamora. La inclusión de sintetizadores que reproducen dulces sonidos debajo de las melodías hace que este lanzamiento esté más en la categoría de "nueva era" que sus trabajos anteriores. Las canciones vocales se han eliminado por completo, lo que permite que el grupo brille únicamente con su virtuosismo instrumental. Más un guiño a las tradiciones populares estadounidenses y europeas en lugar del sonido más contemporáneo que se encuentra en trabajos anteriores. La energía en su conjunto es más equilibrada. Las canciones en sí mismas son deliciosas: Larsen está por todas partes con la flauta, y el violín de Sutherland produce algunos sonidos irlandeses asesinos. Este lanzamiento hizo madurar su contrato inminente con Windham Hill Records.
Tema de su album Morning Walk en Windham Hill Records
01 - Johnny Court The Widow 3:30 02 - Big Scioty 3:30 03 - The Great Road 3:25 04 - Seven Seas 3:30 05 - Bicycling (Medley: Bicycling To Sassor / Rhubarb) 4:30 06 - Cooper's Caper 2:25 07 - Old Man Winter 4:05 08 - The Jug Of Punch 3:05 09 - Flemish Tunes 4:00 10 - The Empire Builder (Medley: The Great High Wind / Poor Little Mary) 5:10 11 - Where Is The Gem? 3:25
Músico, musicoterapeuta y fundador de Healing Music en Japón. Fumio Miyashita comenzó su carrera musical en 1966. En 1969, fue miembro original del musical de rock 'Hair', en Tokio. Formó los grupos de rock progresivo Far Out y Far East Family Band, lanzando álbumes innovadores y realizando giras internacionales.
Interesado siempre por la filosofía oriental desde que estudió karate a una edad temprana (se convirtió en cinturón negro en la escuela secundaria), se interesó por la medicina oriental después de una lesión en el escenario que solo se curó después de someterse a una acupuntura. En 1977, emigró a los Estados Unidos, donde continuó estudiando medicina oriental, filosofía, los cinco elementos chinos y también comenzó, en serio, a investigar la musicoterapia. En 1981, decidió regresar a Japón, se mudó a Shinshu Iizuna Highlands y estableció Biwa Studio. Una razón para elegir Iizuna Highlands fue porque su altitud es de 1.250 metros y durante sus estudios aprendió que esta es una altitud muy positiva y saludable para que resida el cuerpo humano. Allí creó numerosos trabajos, incluidos CD de música y videos de imágenes. Su pasión era crear música que fuera útil para las personas y su tema recurrente en sus obras era la relajación y la curación de la mente y el cuerpo. Llamó a su música 'Música curativa' y estableció su propio estilo único de musicoterapia. Su obra más importante, la largamente vendida 'Meditación', ha vendido más de 600.000 Copias. Los albums, 'Tanjo' y 'Yasuragi', han vendido más de 300.000 copias. Tuvo el privilegio de actuar especialmente para lugares como el Santuario Ise, el Santuario Kashiwara, el Santuario Tenkawa, el Santuario Kasuga, el Santuario Asukaimasu y el Templo Zenkoji. Con múltiples talentos, ayudó a muchos deportistas con el entrenamiento mental, actuó como músico y realizó seminarios como terapeuta. Se habló mucho de sus 'Conciertos para dormir' y 'Música para el cuidado prenatal'. Falleció en 2003, pero en su vida grabó y lanzó más de 130 obras.
Fumio Miyashita (宮下文夫) - Tenkawa Isuzu (1986)
Fumio Miyashita comenzó con la música curativa en el Santuario Tenkawa Benzaiten en Yoshino, Prefectura de Nara, que se convirtió en sus raíces. El album es una obra sintoísta que representa esa energía milagrosa. Podrás sentir otra cara de Fumio Miyashita, quien continúo actuando en este santuario durante muchos años.
El Tenkawa Isuzu, como su nombre lo indica, se inspiró en un viaje de Fumio al Santuario Tenkawa Dai-Benzaiten en el sur de Osaka. Allí, uno podía experimentar un templo que correspondía a la diosa de todo lo que fluye viscoso y terrenal: arroyos ondulantes, terrazas sinuosas, puentes delgados y hermosas vistas montañosas que sirven de fondo para intrigantes conciertos, actuaciones y otras festividades. Uno de los espacios más sagrados de Japón, durante siglos ha sido fuente de inspiración para músicos y artistas que viajan hasta allí para adivinar un sentimiento.
Lo que escuchará tiende a evocar los sonidos que se encuentran en los templos. Es New Age japonés, a lo largo de este álbum, se utilizan varios programas de sintetizador para simular el tañido de las campanas, las gotas de agua o samon, los jingles de la percusión agitada como escuchará en "Seiryune", "Ten No Sato" y "Amatsuzumi". Las almohadillas flotantes y los instrumentos con mazos retorcidos se encuentran en el corazón de canciones como "Ama", "Kami" y "Uzu No Suzumai". Al final y al principio, escuchamos el timbre especial del isuzu de Tenkawa que inspira tanto a Fumio.
Y supuso que sí, ya que Fumio podía oír el "isuzu", o tesoro sagrado del templo, una rareza para cualquier visitante. En este caso, era la campana Tenkawa Dai (que se muestra en la portada del album), que se suponía que debía sonar "otodama", a diferencia de cualquier otra cosa en Japón. En consecuencia, este lanzamiento suena como un poco de lo que ha lanzado desde entonces. En la portada del disco de Tenkawa Isuzu se puede ver una réplica de esta campana triangular. En la portada del álbum, también puedes ver algunas fotos de los lugares a los que Fumio viajó y luego regresó a su estudio de pueblo para componer con el propósito de describir la música auditivamente.
Lo que escuchas tiende a evocar sonidos que se encuentran en los templos. Esto es new age japonés con mayúscula, Se utilizan varios programas de sintetizador a lo largo del álbum para generar impacto: campanas que suenan, gotas de agua o luz de la luna, jingles de percusión agitada que escuchará en "Seiryune", "Ten No Sato" y "Amatsuzumi". Las almohadillas flotantes y los instrumentos forjados giratorios están en el corazón de canciones como "Ama", "Kami" y "Uzu No Suzumai". Al final y al principio, escuchamos un timbre especial de Isuzu Tenkawa que tanto inspira a Fumio. El "yo" en el que está tratando de concentrarse son los muchos arpegios que Fumio usa para crear un sentido hipnótico de musicalidad, y tal vez algo de otro mundo de Tenkawa Isuzu. Después de todo, Fumio lo hace bien: la meditación puede tratarse tanto de lo que hay allí... como de lo que hay aquí... La curación siempre parece requerir un poco de concentración sin esfuerzo.
Género: Electronic Estilo: New Age, Ambient
1 天/Ama 2 照/Terasu 3 大/Oh 4 神/Kami 5 宇受の鈴舞/Uzu No Suzumai 6 静流音/Seiryune 7 能舞花/Nomaika 8 天鼓/Amatsuzumi 9 天の里/Ten No Sato 10 風姿花~五十鈴/Fushika~Isuzu
Fumio Miyashita - On-yaku (Sound Medicine) (1995)
La meditación en sí toma muchas formas. Primero, la más famosa, la
meditación interior, una práctica pasiva. Esta calma de mente/cuerpo
comienza con el cierre de ambos ojos; tratando de encontrar la
divinidad, perdiéndote a ti mismo, a través de la autoconciencia. La
segunda, la menos conocida, pero inconscientemente la más practicada, la
meditación en movimiento. El yoga, el tai chi, el senderismo, los baños
de bosque (idea japonesa) implican el uso del movimiento para desviar
la atención de nosotros mismos y centrarnos en la acción que tenemos
delante. La idea de "drishti", una mirada enfocada a algo que se puede
explorar para desviar nuestra atención, puede surgir cuando hacemos algo
tan simple como salir a caminar, admirar una planta en particular... y
luego tomarnos un tiempo para como dicen, "Oler las rosas", o trata de
mantenerte en un pie mientras miras algún objeto fijo en la pared. La
música para la meditación, según Fumio, es ideal para el segundo caso.
Resuelto, cautivador, claramente te atrae cuando realmente te enfocas en
él.
Género: Electronic Estilo: New Age, Ambient
1 C Vibration 2 D Vibration 3 E Vibration 4 F Vibration 5 G Vibration 6 A Vibration 7 B Vibration 8 息吹 9 心のやすらぎ
El Aurora II es una recopilación de los discos editados en España bajo el sello El Cometa de Madrid.
El Cometa de Madrid fue creado por el músico español Luis Delgado como un sub sello de Grabaciones Accidentales. Una etiqueta que produjo una serie de registros españoles bellamente diseñados a lo largo de los años 80 con una mezcla de la guitarra española tradicional combinado con sonido ambiente, el Mediterráneo y Asia con todos los discos producidos por el propio Delgado.
Segunda recopilación del sello realizada para el sello mejicano "Exilio", dirigido por Jorge Reyes. En ella realiza una remasterización digital de los temas grabados en sistema analógico y se continua la línea del disco a precio medio con carácter promocional, incluyendo todos los artistas publicados hasta la fecha. En España se editó en CD con otro diseño de carpeta.
EL AURORA es el barco que partió en 1941, bajo el mando del capitán Haddock, Tintin y Milú se embarcan en el M.S. Aurora, navío dirigido por el amigo de Tintin, el capitán Haddock en busca de la Estrella Misteriosa
Género: Electronic Estilo: Ambient, Experimental, New Age
1 Ishinohana – Lucia 2 Luis Delgado – El llanto De Nouronihar 3 Miguel Herrero – Templo Griego En El Techo De Madrid 4 Patricia Escudero – Gymnopedie II 5 Enrique Mateu De Villavicencio – Mina 6 Luis Paniagua – Neptuno 7 Mecanica Popular – Conceptos Básicos 8 Macias – Mirando A Una Planta 9 Luis Lozano – Hacia El Palacio
Luis Paniagua nació el 9 de marzo de 1957, en Madrid.
Formó parte de Atrium Musicae, grupo de música antigua europea dirigido por su hermano y maestro Gregorio Paniagua. Con esta formación debutó en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York a los quince años de edad y realizó giras por Estados Unidos de América, Canadá, Francia, España, Bélgica, Alemania, Austria, Finlandia, Polonia y la antigua URSS. Con Atrium Musicae grabó 14 discos publicados en Europa, América y Japón.
Está especializado en instrumentos de cuerda de hace 4.000 años de antigüedad, lira, kithara y arpa arqueada, tocados en la cuenca del Mediterráneo antiguo y en otras culturas coetáneas como Mesopotámia y el valle del río Indo. También esta especializado en el tratamiento de técnicas e instrumentos actuales para desarrollar otra vía de composición musical abierta y sinfónica para danza, teatro y cine. Desde 1998, y después de tocar numerosos instrumentos como: lira, kithara, arpa arqueada, sitar, dilruba, pipa, ud, guimbri, cuencos, chirimía, psalterio, guitarras, cuatro, sintetizador, electrónica, macetas, sartenes, tubófonos, muelles, papeles, piedras, tierra, agua, viento, fuego, percusiones del mundo y voz, se dedica casi exclusivamente a tocar la lira y la voz, haciendo que su música sea más profunda como para conmover el cuerpo, alma y espíritu de los que le escuchan en sus conciertos.
Fragmentos es una compilación creativa de su obra musical editada desde el año 1982 hasta el 2002. Sus 78 minutos de música son una sucesión armoniosa de melodías con numerosos instrumentos acústicos como el arpa arqueada o la lira de 4.000 años de antigüedad. Espectaculares paisajes sonoros que nos transportan a la Grecia antigua, a Mesopotamia o a otros mundos perdidos o por descubrir, nos hacen respirar profundamente por su delicada belleza.
01. Mi propio cuerpo [8:59] 02. Árbol de cenizas [8:07] 03. Africana [2:41] 04. Por el interés [1:39] 05. ¡Atención muy frágil! [1:52] 06. A empezar [3:42] 07. El regalo (2ª parte) [4:51] 08. El cuarto de los niños [3:00] 09. Me llaman [4:04] 10. Se acabó esto pues (versión) [1:38] 11. Agua [4:15] 12. Muchas cosas [8:24] 13. Harim [5:40] 14. Torero [4:07] El caballo alado [7:56] 15. 1ª parte [0:58] 16. 2ª parte [0:57] 17. 3ª parte [0:25] 18. 4ª parte [0:28] 19. 5ª parte [0:47] 20. 6ª parte [0:55] 21. 7ª parte [0:29] 22. 8ª parte [0:39] 23. 9ª parte [0:57] 24. 10ª parte [0:59] 25. Y nazco [2:55] 26. Neptuno [4:51]
