Recién llegada de Música para cine y teatro, Hania Rani forma equipo con la renombrada violonchelista y amiga de la infancia Dobrawa Czocher para las exquisitas Inner Symphonies. El álbum fue concebido durante la pandemia mientras ellas consideraban cómo podrían animarse mutuamente y ofrecer esperanza a través de su música. El dicho de la abuela de Hania "Llegará la primavera, eso seguro" se refleja en el título de la pista final y en el estado de ánimo optimista del álbum. El tono pasa de sobrio y contemplativo a exuberante y desatado, como se demuestra en el contraste entre la obertura y “Con Moto” alegría agazapada detrás de un sofá. La pista presenta a una multitud de amigos en el auditorio del Teatro Juliusz Słowacki de Cracovia, el teatro bellamente iluminado. Al principio, uno es testigo de las ráfagas de notas que ahora asociamos con la interpretación de Rani. La pequeña orquesta puede estar tocando en un teatro vacío, pero la exuberancia de su sonido hace que los asientos parezcan llenos. El título significa "vivaz, con movimiento y espíritu", y estas artistas, amigas de la universidad, encarnan la definición.
Music and friendship are utterly intertwined for Hania Rani and Dobrawa
Czocher, the Polish duo who have just recorded their first album of
original music, Inner Symphonies. Friends since their teenage
years at music school in Gdansk, the pair share a spirit of adventure
and curiosity. Even as life took them on different paths – Hania as a
pianist and composer with two solo albums and a collection of songs
written for Cinema, Theatre and Art Performances to her name; Dobrawa as
solo cellist with the Szczecin Philharmonic –their friendship endured.
In 2015, they collaborated on an album Biala Flaga, featuring
their arrangements of Polish rock star Grzegorz Ciechowski’s msuic,
giving them a taste of recording success and leading to the yet more
ambitious Inner Symphonies. https://acloserlisten.com/2021/10/11/hania-rani-dobrawa-szocher-inner-symphonies/ https://www.hania-dobrawa.com/
01. Ouverture (3:55) 02. Con Moto (5:04) 03. Whale's Song (5:09) 04. Scream (4:36) 05. There Will Be Hope (4:37) 06. Anima (3:54) 07. Demons (8:34) 08. Malasana (5:22) 09. Dunkel (4:57) 10. Spring (7:41)
"Hans Joachim Roedelius fue miembro fundador de la banda electrónica alemana Cluster a principios de la década de 1970. En los años intermedios también produjo innumerables álbumes en solitario que van desde música de cámara refinada hasta experimentos sin paliativos. Tim Story es un discípulo de Roedelius que ha forjado su propia sonido de cámara ambiental desde hace dos décadas.Han estado trabajando juntos durante los últimos años y Lunz, llamado así por un lago en Austria, es el resultado poético más reciente. Es un sonido líquido y sensual que fusiona influencias clásicas con ambientes electrónicos y un don para la melodía que dejaría llorando a Erik Satie. Hay muchos artistas pseudoclásicos de la nueva era que usan estos mismos elementos para crear música fácil de escuchar. Story y Roedelius pasan por alto el sentimiento y van directamente a la yugular con melodías que emergen como recuerdos olvidados y, a veces, inquietantes. La combinación de piano acústico, violonchelo y una paleta electrónica original agrega atmósfera y vanguardia, lo que le da a Lunz una resonancia emocional profunda. Cuando el violonchelo y la electrónica se duplican en la canción principal como un gemido distante, el efecto es devastador".--John Diliberto...https://echoes.org/
Lunz fue la culminación de la amistad de 25 años entre los compositores Hans-Joachim Roedelius y Tim Story. Cuando Lunz llegó originalmente a las estanterías de las tiendas de discos de Londres en 2003, los oyentes solo sabían de la colaboración de Roedelius/Story a través de unos pocos conciertos y la música abstracta concreta de su cd de edición limitada “Persistence of Memory”. Lunz rápidamente cambió eso. 12 miniaturas atemporales y hermosas, cada una de las cuales crea una sensación única de tiempo y lugar con una mezcla surrealista de melodía, textura y estado de ánimo. Lunz habita un mundo propio, de exuberante acústica y electrónica angular, pianos translúcidos y ambientes oscuros. Es un mundo misterioso donde los inocentes y los afligidos ocupan el mismo entorno singular, fusionándose a la perfección. Incluso las señales familiares, como el piano de Roedelius y el cálido violonchelo de Martha Reikow, a menudo se modifican sutilmente para adaptarse al extraordinario paisaje. Lleno de matices y detalles, Story y Roedelius pintaron un lienzo que es a la vez mínimo y máximo, cálido y sombrío, familiar y desorientador. Recibido con elogios casi unánimes, Lunz obtuvo elogios en la prensa del Reino Unido y fue nombrada entre los 5 mejores lanzamientos del año de Amazon en su categoría. Grabado por los artistas en Austria y los EE. UU. durante un lapso de 5 años, Lunz refleja una sorprendente fusión de las sensibilidades musicales de cada compositor, sensibilidades perfeccionadas durante 50 años combinados de notable creación musical. https://www.timstory.com/music.html#
El segundo cd es reinterpretado por diferentes artistas como Alias, Elbow, Faultline, Munk o Ulrich Schnauss en un excelente segundo cd, lleno de música sugerente de diferentes estilos. Como curiosidad, LLoyd Cole canta en el tema Akimbo reinterpretado por Astrid Kane.
Lunz 1-01 Lunz 4:20 1-02 Clue 4:58 1-03 Under Mars We Were 3:15 1-04 Dew Climbs 4:45 1-05 Carnickel And Pocketboat 5:31 1-06 Uferlose Sea 1:23 1-07 Something Happened Here 4:33 1-08 Murmuring Mermaids 4:15 1-09 Wobbly Flu Twilight 3:22 1-10 Akimbo 3:21 1-11 Cloud Pull 4:12 1-12 Nevertheless 1:33
Reinterpretations 2-01 Clue (Alias Remix) 5:18 2-02 Akimbo (The Astrid Kane Remix) 3:49 2-03 Lunz (Faultline Remix) 6:37 2-04 Wobbly Flu Twilight ("The Chef's Lament" A Wobbly Flu Remix By Elbow) 4:03 2-05 Lunz (Adem's Lunz) 4:55 2-06 Lunz (Ulrich Schnauss Remix) 5:09 2-07 Murmuring Mermaids (The Tecil Tempotrope Remix By Icarus) 4:59 2-08 Dew Climbs (Half Cousin Remix) 5:05 2-09 Wobbly Flu Twilight (Lux Aeterna Remix By Alquimia) 3:21 2-10 Carnickel And Pocketboat (Millenia Nova Remix) 5:40 2-11 Something Happened Here (Munk Interpretation) 4:23 2-12 Under Mars We Were (Arkham Remix) 6:04
Paraiso (はらいそ, Haraiso) es el cuarto álbum en solitario de Haruomi Hosono y el primer álbum de Yellow Magic Band (más tarde Yellow Magic Orchestra). Este álbum continúa el estilo tropical de Hosono House, Tropical Dandy y Bon Voyage co., mientras está influenciado por la música de Hawái y Okinawa, incorporando sonidos electrónicos que luego se desarrollarían en las carreras de Hosono y YMO. YMO, The Yellow Magic Band en este momento, estaba compuesta por miembros de Tin Pan Alley y músicos de estudio, como el ex compañero de banda Happy End de Hosono, Shigeru Suzuki, y los futuros miembros de YMO, Ryuichi Sakamoto (quien luego interpretaría una versión alterada de "Asatoya Yunta " en su carrera en solitario) y Yukihiro Takahashi, así como el guitarrista Hirofumi Tokutake (que luego actuaría en Technodon y Wild Sketch Show).
Después de Tropical Dandy (1975) y Bon Voyage Co. (1976), Paraíso es la saga final de su "Trilogía tropical". El álbum puede verse como un punto de inflexión en la carrera de Haruomi Hosono, ya que el director del sello Kunihiko Murai firmó recientemente con Alfa Records. Hosono amplía los estilos de funk tropical inspirados en Van Dyke Parks explorados en los álbumes anteriores y llega a un sonido de fusión cautivador que a veces es igualmente terrenal y exótico. Haciendo alusión a los sonidos innovadores que perfeccionaría con Yellow Magic Orchestra, Hosono usa sintetizadores para proporcionar texturas de otro mundo y un trasfondo espiritual a canciones como "Femme Fatale" y la canción principal. En su interpretación al estilo caribeño de la canción folclórica de Okinawa "Asatoya Yunta" y el ejercicio de sintetizador/gamelán de "Shambhala Signal", Hosono toma melodías tradicionales y las mezcla en su propio guiso inimitable. Con una gran cantidad de músicos conocidos como Taeko Ohnuki, Hiroshi Sato y sus futuros compañeros de banda Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto, Paraiso resume perfectamente la cosmovisión excéntrica de Hosono que ha dado forma a su carrera en solitario, justo antes de que su proyecto techno-pop lo lanzara a la estratosfera. .
Todas las pistas están escritas por Haruomi Hosono, excepto "Japanese Rhumba" de Gerald F. Miller (acreditado como 'G. Miller'); "Asatoya Yunta", una canción tradicional de Okinawa y "Fujiyama Mama", escrita de Jack Hammer con letra traducida por Seiichi Ida y letra adicional escrita por Hosono. https://en.wikipedia.org/wiki/Paraiso_(Haruomi_Hosono_album)
Haruomi Hosono - Bass, Vocals, Steelpan, Marimba, Percussion, Synthesizer (Roland, Yamaha CP-30), Electric piano, Gong, Whistle, Electric guitar, Performer (Birds, Foot Steps), Production
Shigeru Suzuki & Hirofumi Tokutake - Electric Guitar (Suzuki on "Shimendōka" and "Asatoya Yunta"; Tokutake on "Femme Fatale")
Tatsuo Hayashi & Yukihiro Takahashi - Drums (Hayashi on "Tokio Rush", "Shimendōka", "Japanese Rhumba", "Asatoya Yunta", "Worry Beads" and "Paraiso"; Takahashi on "Femme Fatale")
Hiroshi Satō & Ryuichi Sakamoto - Synthesizer (Yamaha Polyphonic, Yamaha CS-80, ARP Odyssey, Rhodes Performer), Piano (both on "Tokio Rush" and "Paraiso"; Satō on "Shimendōka", "Japanese Rhumba", "Asatoya Yunta" and "Worry Beads"; Sakamoto on "Femme Fatale")
Motoya Hamaguchi & Nobu Saitō - Percussion (Hamaguchi on "Asatoya Yunta" and "Femme Fatale"; Saitō on "Tokio Rush", "Shimendōka", "Japanese Rhumba", "Worry Beads" and "Paraiso")
Masahiro Takekawa - Violin on "Worry Beads"
Teave Kamayatsu - Vocals on "Japanese Rhumba"
Taeko Ōnuki - Backing Vocals/Choir on "Tokio Rush" and "Worry Beads"
Tokyo Shyness Boys - Backing Vocals/Choir on "Tokio Rush" and "Japanese Rhumba"
Hiroshi Kamayatsu - Backing Vocals/Choir on "Japanese Rhumba"
Tomako Kawada - Backing Vocals/Choir on "Japanese Rhumba" and "Asatoya Yunta"
Esta compilación de las canciones de Roy Harper se lanzó para conmemorar su 70 cumpleaños y da inicio al relanzamiento de 18 de sus álbumes, desde el acústico Sophisticated Beggar de 1966 hasta The Green Man de 2000. Es una forma adecuada de conmemorar a un artista que compite fuertemente por el título del músico más subestimado del Reino Unido, y esto a pesar de los reconocimientos públicos durante varias décadas. Perpetuamente redescubierto, luego extraviado nuevamente, Harper fue elogiado por Led Zeppelin ("Me quito el sombrero ante (Roy) Harper") en Led Zeppelin III: los corchetes son un reconocimiento revelador de su perfil público eternamente bajo. Pink Floyd se apropió de su postura anticomercial y antidisquera en 'Have a Cigar', que canta en Wish You Were Here. Cantó voces en 'Breathing' de Kate Bush, y se asoció con Paul McCartney, Keith Moon y Nice, por nombrar solo algunos.
No está mal para un cantante de folk, pero también es un buen indicio de por qué nunca ha sido tan conocido. Harper es difícil de categorizar, desde piezas de guitarra acústica densas y punteadas a finales de los 60, que lo colocaron musicalmente junto a gente como Bert Jansch y Davey Graham, hasta música de mediados de los 70 que se deleita con la pompa y los efectos que están por todas partes. la música rock de la época. Él escribe, canta y toca su guitarra de manera totalmente individual, y el resultado es una música impresionante.
Songs of Love and Loss es un resumen de 2 CD de los 45 años de carrera de Harper, durante los cuales ha hecho muchos álbumes, sin duda más de los 18 que están listos para relanzarse. Por lo tanto, es solo una versión de su 'mejor de', y una compilación de doble disco sustancialmente diferente, Counter Culture, fue lanzada en Science Friction en 2005. Los dos se superponen en solo 5 pistas, y no hay duda de que cualquiera que intente obtener la medida de la vasta producción de Harper necesita poseer ambos. Counter Culture incluye quizás sus dos mejores y más conocidas canciones. "When An Old Cricketer Leaves the Crease" es asombrosa: pastoral, elegíaca y, de alguna manera, el lado derecho de la sensiblería. 'One of These Days in England' es una sinfonía de bolsillo de diez partes respaldada (que funciona mejor de lo que uno podría imaginar) por Wings. Tampoco incluye ningún tema de Stormcock, su disco más conocido, y solo uno de Lifemask. La ausencia de temas clave de Songs of Love and Loss impide que sea una compilación definitiva. Sin embargo, los compiladores han optado por centrarse en al menos parte de su material más oculto, e incluyen algunos temas muy buenos. El mejor material proviene de los álbumes más relajados de los 70: Flat Baroque y Beserk, Valentine y Bullingamingvase. https://www.royharper.co.uk/
Género: Rock, Folk, World, & Country Estilo: Folk Rock, Folk
Volume 1
1-1 Black Clouds 1-2 Girlie 1-3 All You Need Is 1-4 Francesca 1-5 East Of The Sun 1-6 Little Lady 1-7 North Country 1-8 I'll See You Again 1-9 Naked Flame 1-10 Commune 1-11 Frozen Moment
Volume 2
2-1 Davey 2-2 Another Day 2-3 South Africa 2-4 Hallucinating Light 2-5 Sleeping At The Wheel 2-6 Waiting For Godot 2-7 The Flycatcher 2-8 On Summer Day 2-9 Cherishing The Lonesome 2-10 My Friend 2-11 One More Tomorrow 2-12 Forever
Yiruma nació el 15 de febrero de 1978, en Seul, Corea. Es un compositor de piano sur-coreano. Esta casado con Miss Corea, SonHye-im. Yiruma comenzó a aprender a tocar el piano en su casa a la edad de 5 años. En 1988 se mudó a Inglaterra y, en diciembre de 1996, participó en el álbum The Musicians of Purcell (Decca). Se graduó en “The Purcell of Specialist Music School” (Londres) en julio de 1997 y luego en el Kings College en Junio del 2000.
Yiruma - The Rewritten Memories (2021)
The Rewrite Memories es el primer álbum de estudio orquestal de Yiruma y presenta al propio compositor al piano. “Fue una experiencia desafiante pero interesante”, dice, describiendo la grabación del álbum con la Orquesta Sinfónica de Corea durante la pandemia de Covid-19. “Todos los miembros de la orquesta no podían reunirse simultáneamente y tenían que grabar parte por parte”.
La reelaboración de su colección significó que Yiruma finalmente pudo realizar muchos de los sonidos que había imaginado cuando compuso por primera vez las obras para piano solo. "Cuando tocaba 'River Flows In You', a menudo pensaba que una melodía de flauta funcionaría bien por encima; fue maravilloso explorar esto".
The Rewrite Memories abarca música de los 20 años de carrera de Yiruma, desde First Love de 2001 hasta su reciente composición Room With A View, una pieza dedicada a la alegría de quedarse en casa que, a pesar de haber sido escrita antes de la pandemia, proporcionó una banda sonora evocadora para 2020...
01. Kiss The Rain (Orchestra Version) 02. Sunset Bird (Piano Septet Version) 03. River Flows In You (Orchestra Version) 04. Maybe Christmas (Orchestra Version) 05. Nocturnal Mind in d minor (Piano Septet Version) 06. Reminiscent of Days (Orchestra Version) 07. Room With A View (Piano Septet Version) 08. La Fotografia (Orchestra Version)
Yiruma - SOLO (2021) SOLO es la segunda parte del proyecto para celebrar el 20 aniversario de la carrera musical de Yiruma. Frente a los arreglos orquestales y de cuerdas del primer lanzamiento 'The Rewrite Memories', 'SOLO', como se muestra en el título, contiene arreglos simples de piano solo que siempre han sido amados por sus fans. Revisando los repertorios de Yiruma desde los primeros días de hacer música, las canciones incluyen 'Spring Waltz', 'Joy', 'Kiss the Rain' y 'River Flows in You'.
1. Sometimes Someone 2. Destiny Of Love 3. Lost In Island 4. Shining Smile 5. Spring Waltz 6. River Flows In You 7. Joy 8. 27 May 9. The Sunbeams,They Scatter 10. I 11. If I Could See You Again 12. It's Your Day 13. Kiss The Rain 14. Lord Hold My Hand
Después de un estupendo disco homónimo de debut en 1986, un año después llegó "Gathering pace", con el que dieron una nueva vuelta de tuerca basada en gran medida en una sublime producción a cargo de los propios miembros del grupo (Phill Cunningham sigue siendo un productor de excepción veinte años después). Este grupo, del cual Ramón Trecet siempre dijo que se adelantó a su tiempo, bien pudo significar un paso adelante en la evolución de la música folk irlandesa, y "Gathering pace" en particular es un disco elegante y casi perfecto, en el que se podría destacar cada uno de los temas, tanto vocales como instrumentales. Con todos sus miembros (aparte de su virtuosismo) en estado de gracia compositivo (Phil maravilla con algunos reels como "Blackwell court" o "Ceol Anna", Johhny nos lega una joya tan mítica como "When she sleeps", Triona y su voz nos deleitan con su típico toque personal en "Gathering pace", y Micheal ayuda en todos los terrenos), no se olvidan de arreglar temas tradicionales que suponen un gran acierto y el toque último del disco, ya que "Rosc catha na mumhan" (compuesto por Piaras Mac Gearailt), "Said Johnny to Molly" y en especial "Siún ni Dhuibhir" son canciones realmente inolvidables. Micheal O'Dohmnaill descansa ya en su irlanda natal, la tierra que amó y a la que ensalzó con su música. Junto a él, otros míticos celtas nos van dejando (Simon Jeffes -Pengí¼in cafe orchestra-, Martyn Bennett -a sus prometedores 34 años- o el mismo Johnny Cunningham) pero su música continúa con nosotros.
Accordion, Synthesizer, Vocals, Whistle – Phil Cunningham Clavinet, Synthesizer, Vocals – Tríona Ní Dhomhnaill Fiddle, Vocals – John Cunningham Guitar, Vocals – Mícheál Ó Domhnaill
1 Blackwell Court / Highland Laddies / Gillies' Taxis / The Double Rise 6:39 2 Gathering Pace 2:39 3 Rosc Catha Na Mumhan 5:16 4 Miss Tara MacAdam / The First Train To Kyle 2:56 5 Má Théid Tú ún Aonaigh 4:28 6 Siún Ni Dhuibir 4:14 7 When She Sleeps 4:49 8 Said Johhny To Molly 6:26 9 The Monday Morning Reel / Cutting A Slide / Robert The Minnow / Hogties' Reel 6:06 10 Ceol Anna / A Rìbhinn Òg Bhiel Cuimhn' Agad 8:25
El conjunto musical de HAYA Band y Daiqing Tana captura de manera encantadora la esencia primordial de una época antigua y mística. Escuchar su marca única de melodías surrealistas evoca un viaje mágico a una época vasta cuando nuestras comunidades culturales y herencia ancestral estaban alineadas con una comprensión centrada en el alma del poder asombroso y majestuoso de la tierra. En consecuencia, tal aprecio infundió en nuestros corazones una profunda reverencia por toda la creación. Al ensamblar un arreglo musical único donde el ritmo instrumental complementa una claridad vocal prístina, son capaces de inspirar de manera sublime dentro de nuestras mentes un espíritu eterno de trascendencia que incita al alma a hablarnos en un momento tranquilo de soledad. Es el cuento de un guerrero del alma lo que cantan; sin mancha, conectado con el corazón, inspirando un reflejo tranquilo de nuestra presencia divina en el interior.
Tal vez, una celebración del regreso a la inocencia pura de un pasado olvidado se revela en sus letras cuando se fusiona con una súplica que invita a despertar el alma. Escuchar sus seductoras interpretaciones lo lleva a uno a sumergirse en una búsqueda espiritual para ponderar, reflexionar y, en última instancia, entrar en un despertar de ensueño de nosotros mismos, de la familia humana y de la red de la vida. La música es el lenguaje del alma y cuando se le permite cruzar líneas de tiempo y divisiones culturales, de repente nos encontramos como embajadores de paz para la condición humana que ruega un retorno a una condición más iluminada, centrada en la tierra y armoniosa para toda la humanidad. Si escucha con atención, uno puede discernir que su música es a la vez suave y feroz al mismo tiempo en el contexto de una cadencia espiritualmente inspirada, como si el taoísta Yin y Yang estuvieran operando simultáneamente para fusionarse en una melodía perfecta.
Tras el primer álbum de Haya, Silent Sky, que despertó miles de corazones, y el desenfrenado exito de su segundo álbum Migration, este último lanzamiento ha traspasado las fronteras musicales a través de una interpretación aún más atrevida y experimental. La voz de Daiqing Tana hace un avance directo a las profundidades del corazón. Es tanto un susurro profundo como una gran resonancia. Escucha la llamada más sincero desde el corazón de un pastor nomada y reflexiona sobre la vida y la unión de todas las cosas.
1 Four Seasons 2 Samsara 3 Crazy Horse 4 Bulage 5 Bagan's Butterfly 6 White Clouds 7 The Land of Wolves 8 Inspiration 9 Crazy Horse (Alt Version) 10 Ocean 11 Sheep Song
José Antonio Ramos (Las Palmas de Gran Canaria, 1969-2008) ha sido un maestro del timple. Comenzó a los 8 años, con el maestro Totoyo Millares, toda una institución. Cursó estudios de guitarra clásica, en el Conservatorio Superior de Música de Canarias. Bebió de fuentes diversas: con maestros de improvisación, con músicas cercanas al jazz y las músicas modernas, en definitiva aprender para luego llevarlo al instrumento que fue su principal medio de expresión. Describió el timple José Antonio Ramos durante la entrevista realizada en el programa “Los sonidos del planeta azul” en febrero de 2006, como “una especie de guitarrita, del tamaño de menos media guitarra española. Según los musicólogos es un instrumento que procede de los guitarrillos ibéricos, que se repartían por muchos puntos de la península, como Aragón, Valencia y Mallorca, que a su vez procedían de la guitarra barroca europea que tenía varias tesituras entre ellas la guitarra soprano o tiple. De ahí, de la palabra tiple que derivó a timple. Se originó en Canarias pero tiene parientes en repartidos por todo el mundo como el charango andino, el cuatro venezolano, el ukekele, el cavaquinho, el timple colombiano”. José Antonio Ramos, junto a Benito Cabrera (Lanzarote) y Domingo Rodríguez “El Colorao” (Fuerteventura), son los responsables de la evolución y difusión del instrumento, de sonido brillante y alegre.
Tema incluido en el CD "Las manos del maestro" de José Antonio Ramos y Totoyo Millares.
En el disco colaboran un buen número de músicos que dan mucho colorido a las canciones: Kepa Junkera, Javier Paxariño, Mayelín, Andreas Prittwitz, Manuel Estupiñán, Héctor González, Lavinia Rodríguez, José Manuel Ramos…
01. La chamarrita de Antonio 02. Un canario en Irlanda 03. Un timple para Irina 04. Timple & Drum (Venezuela) 05. Tanto como ayer 06. Canto de arriero 07. La leyenda de Ico 08. Timple & Drum (Cuba) 09. Canari 10. Sembrando isas 11. Mar de nubes 12. Timple & Drum (Singapur) 13. El apuesto timple y la bonita imaginación 14. Seguidillas y saltonas de Artenara 15. Very Jar
En una entrevista para Mainly Piano Wayne Gratz dice que lo que más le gusta tocar es la música que aún no ha escrito. Le encanta improvisar al piano y, a menudo, se encuentra tocando hasta altas horas de la noche. La música de Wayne es extremadamente personal y se basa en sus propios sentimientos sobre las personas, los lugares y las experiencias. No suele tener una idea concreta cuando empieza a escribir una canción, pero cuando se le ocurre una idea que une la música con un lugar o sentimiento recordado, la experiencia es muy especial. Se esfuerza mucho por hacer coincidir los títulos de sus piezas con los sentimientos que describe para que otros puedan relacionarse y compartir la experiencia. Wayne Gratz tiene un don para las composiciones de piano melódicas y relajantes. Sus discos son excelentes. En su discografía, creo que hay cinco lanzamientos que destacan sobre todos los demás, Panorama, Blue Ridge, A Place Without Noise, Reminiscence y este que os presento A Gift Of The Sea, una maravilla para piano y ensemble.
Género: Classical Estilo: Modern
1 A Gift Of The Sea 5:27 2 At Sunrise 5:15 3 Oceanus 5:18 4 Steps In The Sand 4:51 5 Two Solitudes 4:03 6 Ships 4:57 7 Island 5:39 8 Spanish Galleon 4:50 9 Tidal Dance 4:54 10 By The Sea 5:39 11 Soaring 4:13 12 Shells 2:51
La contraportada de este CD indica que "Bruce Trail es el sendero más antiguo y más largo de Canadá". También es la razón de ser de una colaboración entre Mychael Danna, que tiene varias partituras de películas en su haber, así como grabaciones de sus propias composiciones más grandes, y su compatriota canadiense Tim Clement, un músico de habilidades proteicas y gustos católicos.
El sendero en sí se extiende por 100 km a lo largo de Niagara Escarpment, una Reserva Mundial de la Biosfera de la Unesco en el corazón de Ontario. Abarca una amplia diversidad de ambientes, desde los bosques del sur de Ontario en su comienzo en las Cataratas del Niágara y los tramos sureste del lago Ontario hasta los promontorios rocosos en su punto final en Tobermory en las costas de Georgian Bay.
Si bien encaja libremente bajo la rúbrica de la música new age, North of Niagara es un trabajo más incisivo y reflexivo que la mayoría de los que encontrará en esta área. Danna y Clement han bautizado su estilo combinado como "minimalismo romántico", lo que parece confirmarlo la propia música: hay una sobriedad en estas composiciones que, al tiempo que hacen un amplio uso de los recursos que ambos tienen a su disposición (y estos son dos músicos más ingeniosos), también ofrece una serie concentrada de pequeñas composiciones que evocan el estado de ánimo de una manera casi concreta. Los 12 segmentos que se ofrecen aquí brindan una destilación impresionante de las vistas, los sonidos y la sensación misma de una caminata por la naturaleza.
Esta es una música intensamente visual. Sospecho que si uno alguna vez ha caminado por el camino de Bruce, este álbum lo traería todo de vuelta. (Nunca he estado más lejos en Canadá que las tierras de cultivo del sur de Ontario, pero esta grabación me trae vívidos recuerdos de los confines de los Apalaches). Aunque en gran medida introspectiva, casi reflexiva en su estado de ánimo, esta música es cautivadora, sofisticada y bien construida. No todas las pistas son del calibre de "Mount Nemo" o "Remember Summer" (Danna tiende a dejar que sus tendencias de "música espacial" tomen el control), pero la calidad general es excepcional. Cada pieza es marcadamente individual, mientras que los puntos en común subyacentes unifican lo que podría llamarse una sinfonía en 12 movimientos. https://www.rambles.net/danna_niagara95.html
Género: Electronic Estilo: Modern Classical, Ambient
01.Cootes Paradise 02.Ravensview 03.Remember Summer 04.Old Mail Road 05.Mount Nemo 06.Silent Lake 07.Avening 08.Crooks Hollow 09.Headwater Trail 10.Crawford Lake 11.Green River Formation 12.Lookout Point
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