Lucia Hwong - House Of Sleeping Beauties (1985) + Secret Luminescence (1987)

 

 

Lucia Hwong - House Of Sleeping Beauties (1985)

House of Sleeping Beauties es el primer álbum de Lucia Hwong. De sabor asiático, pero nada tradicional, su música me recuerda a una mezcla de Philip Glass y Klaus Schultze. Las melodías son ricas, dinámicas y a veces etéreas. Lo que me gustó tanto de su álbum House of Sleeping Beauties es su combinación de instrumentación new age, arreglos contemporáneos y una partitura claramente asiática. La musica de Lucia Hwong puede ser a veces muy ocupada, llena de energia desenfrenada... solo para cambiar a una paz zen que hace eco de la serenidad de la portada de su album. Creo que Philip Glass resume mejor el sonido de la Sra. Hwong cuando dice: “Lucia Hwong es una joven representante de la tradición dual que no se limita a tomar prestado de una cultura o a integrar los sonidos de la otra, sino que logra una fusión de las culturas oriental y occidental que resulta verdaderamente refrescante e innovadora, a la vez que cautivadora y evocadora”. Este es un buen elogio de uno de los compositores más innovadores de nuestros días.
La musica de Lucia Hwong contiene una extraordinaria cantidad de energia, un tanto matizada con influencias occidentales minimalistas, en una perfecta fusion con su peculiar homenaje a sus ancestrales raices chinas. Recibió su licenciatura en Artes en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), con estudios de posgrado en etnomusicología en la Universidad de Columbia (New York). Su doctorado en música se centró en las óperas de Philip Glass.

1        Tibet Suite: In The Dream, Part 1    1:50
2        Tibet Suite: In The Dream, Part 2    1:31
3        Tibet Suite: Journey To Lhasa    3:49
4        Tibet Suite: Children Of Johkan Temple    1:38
5        Tibet Suite: Sunset Over Sakya    2:26
6        Tibet Suite: Everest At Sunrise    2:54
7        Tibet Suite: Himalayan Twilight    2:40
8        Tibet Suite: Reflections Lunar Light    2:19
9        Virgin Dance    6:16
10        Midnight Lullaby    2:58
11        Dragon Dance    5:00
12        The Spell    4:47


 

 

 Born in Hawaii and raised in Los Angeles is Chinese American composer/instrumentalist Lucia Hwong. From scoring broadway musicals, film and television while also exploring her own experimentations through ambient / new age recordings, her career is just as mutifaceted as her sounds, with Philip Glass regarding her as an artist that not just borrows from tradition but truly blends Eastern and Western music. This is the second release on Peter Bauman's Private Music imprint. A delicate restraint on new age sounds with influences from China, Japan, Bali and Haitian percussion. 'Body Current' features Ryuchi Sakamoto on piano. 

 

Lucia Hwong - Secret Luminescence (1987)

Como muchas formas de música del mundo, la música asiática (china, japonesa, coreana, tailandesa o vietnamita) tiene tanto a sus tradicionalistas como a sus pensadores avanzados. Lucia Hwong se encuentra entre los pensadores avanzados; Secret Luminescence, su segundo álbum, tiene un pie en la cultura asiática y el otro en el mundo occidental, no asiático. La compositora/arreglista nunca fue una purista asiática; este lanzamiento de 1987 no es música asiática tradicional, sino que combina elementos asiáticos (chinos y otros) con la nueva era y la electrónica. Las inquietantes y evocadoras propuestas de Hwong son esencialmente instrumentales; A veces se emplean voces de fondo sin palabras, pero para todos los efectos, Secret Luminescence es un álbum instrumental. A lo largo de este esfuerzo memorable, Hwong favorece un contraste electrónico/acústico. Los sintetizadores son una gran parte de su sonido, pero también lo son los instrumentos asiáticos tradicionales que van desde las campanas tibetanas (que toca la propia californiana del sur) hasta el shakuhachi (una flauta de bambú que se inventó en China pero que ha sido el instrumento de viento más destacado de Japón durante siglos). Y todo se combina muy bien; en Secret Luminescence, los sintetizadores de alta tecnología de la década de 1980 suenan perfectamente naturales junto con los instrumentos asiáticos que se inventaron siglos antes de que Hwong naciera. Debido a que la música de Hwong es tan tranquila, Secret Luminescence es muy apreciada en los círculos de la nueva era. Pero este álbum es mucho más sustancioso y sustancial que gran parte de la música instrumental que se consideraba nueva era en 1987. 
 

 

1. Poetry And Passion (7:10)
2. Generic Actress #3 (4:41)
3. Lunar Seas (8:34)
4. Body Current (5:31)
5. Loretta's Dance (8:27)
6. Paper Angels (6:52)

David Neerman with Ensemble Sequenza 9.3, Catherine Simonpietri, Krystle Warren & Lansiné Kouyaté - Noir Lac (2020)

 

Noir Lac es un proyecto extraordinario que combina la estética de un balafonista maliense, un vibrafonista de jazz, un coro polifónico de música contemporánea y una cantante de soul estadounidense.
Un viaje de ensueño y sonoro, Noir Lac es llevado por cuatro encarnaciones musicales. En dúo desde 2005 con sus primos instrumentos, David Neerman en vibráfono y Lansiné Kouyaté en balafón trascienden la libertad del jazz y la tradición Mandingo. A su alrededor, el Ensemble Sequenza 9.3 embellece con sus polifonías el timbre cálido y profundo de la cantante de soul Krystle Warren. Sus composiciones originales y sus versiones de Pink Floyd o Led Zeppelin tejen un repertorio ecléctico y conmovedor que los sitúa en la encrucijada de los sonidos africanos, el soul y la música minimalista o contemporánea.
https://lerocherdepalmer.fr/artistes/noir.lac/

David Neerman : vibraphone, composition
Lansiné Kouyaté : balafon
Krystle Warren : voix
Manuel Peskine : arrangements pour les voix

Ensemble vocal Sequenza 9.3 :
Soprano : Armelle Humbert, Céline Boucard / Alto : Alice Fagard, Clothilde Cantau / Tenor : Safir Behloul, Laurent David / Basses : Jean-Sébastien Nicolas, Xavier Margueritat / Catherine Simonpietri : direction

1. In my craft or sullen art
2. A house with no mirror
3. Dawn in New York
4. Us and them
5. By the river
6. Friends
7. Mali Sadjo
8. Christmas or apocalypse

Ryuichi Sakamoto - Ongaku Zukan (1984 - 2015 Midi-Japan)

 

"Ongaku Zukan"（音楽図鑑...Illustrated Musical Encyclopedia）

Ongaku Zukan fué lanzado originalmente en 1984. Cuarto álbum en solitario de Ryuichi Sakamoto, considerado uno de sus mejores. Incluye 'Tibetan Dance', que toca en vivo regularmente, y 'Etude', que es un tema musical para la organización benéfica que apoya la educación musical de los niños. Los invitados incluyen a Haruomi Hosono, Tatsuro Yamashita, Yukihiro Takahashi, Akiko Yano, Yan Tomita, Keni Inoue, Chuei Yoshikawa, Yasuaki Shimizu, Thomas Dolby y David Van Tieghem. Remasterizado digitalmente. El CD 2 es de temas inéditos.

El CD 2 fue preparado especialmente para esta "Enciclopedia Musical Ilustrada -Edición 2015-", y contiene 12 canciones seleccionadas de la gran cantidad de tomas descartadas que quedaron durante el período de producción de la "Enciclopedia Musical Ilustrada". Durante el largo período de producción de 1 año y 8 meses, los resultados diarios se mantuvieron como mezclas preliminares en carretes abiertos y cintas de casete, y recientemente el propio Sakamoto los escuchó todos y tomó las decisiones:
“Estaba pensando en seleccionar solo las cosas que nunca se habían lanzado, y escuchaba las cosas inéditas, Es por eso que decidío mezclar diferentes versiones de las que ya estaban disponibles".
De las 12 canciones recopiladas como resultado, 7 son inéditas. Tienen sus números M especificados al comienzo de los títulos. Además, se agregó la fecha de grabación y el número de versión a las 5 canciones en una versión diferente. Por ejemplo, Self Portrait - 04A (feat. Minako Yoshida)  es la versión en la que Minako Yoshida estuvo a cargo del coro antes de la presentación de FAIRLIGHT C.M.I.

 

 

 Yellow Magic Orchestra 2008 Live - Tibetan Dance
 

El CD 1 incluye el álbum original completo, con bonus tracks de edición limitada y el EP promocional "Life In Japan" (todo el material publicado anteriormente). El CD 2 es inédito.
Genero: Electronic, Synth-pop, Contemporary Classical, Ambient

CD 1
01. Tibetan Dance
02. Etude
03. Paradise Lost
04. Self Portrait
05. Tabi No Kyokuhoku
06. M.A.Y. In The Backyard
07. Hane No Hayashi De
08. Mori No Hito
09. A Tribute To N.J.P.
10. Replica
11. Ma Mere L'Oie
12. Kimi Ni Tsuite
13. Yoru No Gaspar
14. Aopenki No Naka No Boku No Namida
15. Tibetan Dance (Version)

CD 2
01. M2 Bill
02. M4 Tod
03. Self Portrait - 04A (feat. Minako Yoshida)
04. Ryogan Bisyo - 0011-02
05. M11 Bruc
06. M16 Untitled
07. Tabi No Kyokuhoku - 0016-03
08. M23 Ballad
09. Hane No Hayashi De - 0013-04A
10. Ma Mere L'Oie - 0014-02-May16
11. M31 Tokyo Melody
12. M33 Untitled

Joe Hisaishi Meets Kitano Films (2001 -Japan Edition)

 

Joe Hisaishi Meets Kitano Films es un álbum recopilatorio lanzado en 2001 para celebrar diez años de colaboración entre el compositor Joe Hisaishi y el director de cine Takeshi Kitano . Los principales temas musicales de las seis películas creadas hasta ahora están presentes en el álbum, pero presentados en un orden no cronológico.

Un colaborador clave fue el actor y director Takeshi Kitano. Como corresponde a un cineasta cuyas obras abarcan todo, desde crímenes violentos hasta lirismo tierno, Hisaishi demostró aún más versatilidad, trabajando en películas como Sonatine, Kids Return y Kikujiro. Componiendo para electrónica y orquesta cuando correspondía, Hisaishi mostró aún más facetas de su personalidad musical cuando trabajaba para el director. La combinación absolutamente hermosa de piano y cuerdas en Kikujiro es un punto culminante notable. Sin embargo, fue una sociedad que terminó amargamente, después de una discusión durante la postproducción de Dolls en 2002. Los dos no han trabajado juntos desde entonces.
 

A priori, los largometrajes de animación del maestro Miyazaki y los estallidos de violencia en el cine de Takeshi Kitano no tienen nada en común. Por un lado, el peculiar y deliciosamente surrealista viaje de Miyazaki.
Sus heroínas en la extraña frontera de la infancia y la adolescencia, sus entrañables monstruos y sus odiosos humanos, estos mundos por descubrir y estas verdades por olvidar.
Y enfrente, la brutal realidad de la violencia made in Kitano.
La poesía helada en medio de las balas, haikus nerviosos tan hermosos como mortales.
Los mafiosos, la playa y la contemplación. Planos fijos y explosiones de violencia como tantas pinceladas inspiradas sobre un lienzo en blanco.
Dos mundos diametralmente opuestos. Dos visiones del mundo y sus vecinos en las antípodas.
Sin embargo, un hombre hace la conexión. Un hombre logra unir a estos dos grandes maestros japoneses; imperceptiblemente.
Un hombre, un músico, cuya identidad musical es tan fuerte que se convierte en un personaje por derecho propio.
Joe Hisaishi.

1.      Office Kitano Sound Logo (00:16)
2.      Summer (06:23)
3.      The Rain (05:41)
Tracks 02-03 - "KIKUJIRO" (1999)
4.      Drifter... In LAX (04:18)
5.      Raging Men (01:17)
6.      Ballade (02:09)
7.      Brother (04:34)
Tracks 04-07 - "BROTHER" (2000)
8.      Silent Love (Main Theme) (06:33)
9.      Clifside Waltz III (03:39)
10.      Bus Stop (05:11)
Tracks 08-10 - "A SCENE AT THE SEA" (1991)
11.      Sonatine I (Act Of Violence) (03:42)
12.      Play On The Sands (04:46)
Tracks 11-12 - SONATINE" (1993)
13.      Kids Return (04:40)
14.      No Way Out (02:51)
Tracks 13-14 - "KIDS RETURN" (1996)
15.      Thank You... For Everything (07:09)
16.      Hana-Bi (03:41)
Tracks 15-16 - "HANA-BI" (1997)

Agnes Obel - Myopia (2020)

"Para mí, la producción musical está entrelazada con la letra y la historia detrás de las canciones", dice Obel. Esto es precisamente lo que hace que su música sea tan convincente. "Paradójicamente, necesito crear mi propia miopía para hacer música". Obel experimenta con técnicas de procesamiento de grabación, deformación y afinación de voces, cuerdas, piano y celesta encontrando formas de fundir estos elementos para convertirse en uno.
Al igual que con sus álbumes anteriores ella sola ha completado este trabajo en su propio estudio casero de Berlín. Obel ha permanecido en un aislamiento creativo autoimpuesto para eliminar todas las influencias y distracciones en el proceso de escritura, grabación y mezcla. "Todos los álbumes en los que he trabajado han requerido que construya una burbuja de algún tipo en la que todo se convierta en el álbum". 

Myopia is the fourth album by Danish singer-songwriter Agnes Obel. It was released on 21 February 2020 by production studio Strange Harvest Limited. Two tracks were released as singles prior to the main release: "Island of Doom" and "Broken Sleep".
In the album, Obel puts a feeling of quiet and gentleness in her music, continuing on from the German concept of Gläserner Bürger, the "citizen of glass", which was the guiding concept of her previous album. The album contains a new sense of solitude instrumentalism and vocals, as well as departing from her upbeat early albums. Obel stated the album was sparked by a struggle to escape her “own tunnel vision”.

 Vocals, Piano, Keyboards, Synth, Beats, Beats [Rhythms] – Agnes Obel
Cello – Charlotte Danhier (tracks: 2, 5), Kristina Koropecki (tracks: 2, 3, 5, 6, 9)
Violin – John Corban (tracks: 1, 2, 5 to 7, 9)

https://en.wikipedia.org/wiki/Myopia_(Agnes_Obel_album)
https://www.instagram.com/agnesobelof...
https://www.facebook.com/agnesobeloff...
https://twitter.com/agnesobel
http://www.agnesobel.com 

01 Camera's Rolling 04:43
02 Broken Sleep 04:54
03 Island Of Doom 05:28
04 Roscian 02:17
05 Myopia 05:17
06 Drosera 02:27
07 Can't Be 03:25
08 Parliament Of Owls 02:30
09 Promise Keeper 04:33
10 Won't You Call Me 04:18

Kronos Quartet - Pieces of Africa (1992)

 

Cuando se estrenó, Pieces of Africa estuvo sujeta a algunas de las mismas críticas de "imperialismo cultural" que se habían dirigido con más éxito a artistas como David Byrne y Paul Simon. El álbum consta de encargos de compositores africanos que trabajan a diferentes distancias de las convenciones europeas. Pero mientras que Byrne y Simon posiblemente usaron la música de Brasil o Sudáfrica como telón de fondo sobre el cual mostrar sus propios egos, los miembros del Kronos Quartet lograron sublimarse al servicio de las composiciones, sin darle al oyente ningún sentido de condescendencia. Todo lo cual quiere decir que Pieces of Africa es una grabación muy hermosa con varias obras individuales excelentes. La pieza de apertura de Dumisani Maraire de Zimbabue, "Mai Nozipo", con el compositor acompañando al cuarteto en la batería, es un himno entusiasta y triunfante con una línea melódica resonante que perdurará por mucho tiempo. Temáticamente, la mayoría de las piezas beben de fuentes africanas, muy claramente en el caso de las canciones con infusión árabe de Hassan Hakmoun y el gran compositor sudanés Hamza el Din. Como era de esperar, "White Man Sleeps" del sudafricano Kevin Volan se acerca más a las tradiciones europeas, aunque incluso esta pieza, que es hermosa e inspirada en todo momento, se inspira en los sonidos ambientales nativos. El disco se cierra con otra composición de Maraire, acompañada por un coro de gospel que hace explícito el vínculo entre la música de África y la del sur de Estados Unidos. Pieces of Africa está repleta de melodías seductoras, lo que lo convierte en uno de los proyectos más accesibles de este cuarteto y también uno de los mejores.
https://www.gramophone.co.uk/review/kronos-quartet-pieces-of-africa

 

Kronos Quartet:
David Harrington, violín
John Sherba, violín
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, violonchelo

With guest performances by:
Dumisani Maraire (ngoma, hosho, vocal, mbira)
Hassan Hakmoun (vocal, sintir)
Foday Musa Suso (kora)
Hamza el Din (tar)
Obo Addy (donno, brekete, pretia, aksete, gidi, vocal)
With: Radouane Laktib (oud vocal); Said Hakmoun, (vander, vocal); Dan Pauli (hosho); and the Oakland Interfaith Gospel Choir.

1. Mai Nozipo(Mother Nozipo) - Dumisani Maraire
2. Saade (I’m happy) - Hassan Hakmoun
3. Tilliboyo (Sunset) - Foday Musa Suso
4. Ekitundu Ekisooka (First movement) - Justinian Tamusuza
5. Escalay (Waterwheel) - Hamza el Din
6. Wawshishijay (Our beginning) - Obo Addy
7. White Man Sleeps, Mvt. I (original, unrevised version) - Kevin Volans
8. White Man Sleeps, Mvt. II (original, unrevised version) - Kevin Volans
9. White Man Sleeps, Mvt. III (original, unrevised version) - Kevin Volans
10. White Man Sleeps, Mvt. IV (original, unrevised version) - Kevin Volans
11. White Man Sleeps, Mvt. V (original, unrevised version) - Kevin Volans
12. Kutambarara (Spreading) - Dumisani Maraire

Colleen - Captain of None (2015)

 

La viola da gamba de cuerdas de tripa apareció por primera vez a mediados del siglo XV y rara vez se escucha en estos días fuera de los conjuntos de música antigua. Esta falta general de uso y versatilidad natural hacen que el instrumento sea difícil de identificar fácilmente para los oídos modernos. Cuando se arquea, puede sonar como un violonchelo o una viola moderna; cuando se toca o rasguea, puede sonar como un arpa o un laúd; y cuando se golpea o golpea, incluso puede sonar como un dulcimer martillado. Cécile Schott ha utilizado todas estas técnicas en varios puntos, pero en álbumes anteriores como Les Ondes Silencieuses de 2007, su estilo de interpretación era más tradicional y sus composiciones se centraban más en la música de cámara posbarroca.

Captain of None, el sexto álbum en solitario de Colleen (multiinstrumentista francesa Cécile Schott), es el producto de una serie inusual de decisiones creativas. Su instrumento principal es una vez más una viola da gamba de agudos de la época del Renacimiento, y hace todo lo que puede para ampliar su rango convencional de sonidos, inspirándose directamente en las técnicas de estudio de los maestros del dub Lee "Scratch" Perry y King Tubby.

 

Captain of None es  un disco de tal diversidad de ritmos, timbres y texturas que cuesta asimilar que todos ellos han sido producidos por esta especie de primo lejano del violonchelo con la simple ayuda de algunos pedales de loops. Pero a pesar del pequeño prodigio técnico que sugieren la cadencia dub, los jugueteos techno, los ramalazos ruidosos y el sedoso folk que pueblan sus surcos, no es eso lo que realmente me ha llamado la atencióny lo que me ha impulsado a comentarlo y recomendarlo aquí.
http://www.musicaenlamochila.net/2015/06/05/captain-of-none-colleen/
http://colleenplays.org/
http://en.wikipedia.org/wiki/Colleen_%28musician%29

Cécile Schott grabó, mezcló y produjo enteramente el disco en su estudio en San Sebastián.

Ira Stein - Carousel (1992)

Ira Stein, el pianista del dúo Stein y Walder, lanzó en 1992 su primera grabación en solitario, titulada Carousel. Stein describe su música como "jazz de cámara": la intimidad de un pequeño grupo de cámara acentuado con la espontaneidad del jazz. Este lanzamiento acústico principal es elegante y evocador, sofisticado y conmovedor.
Ira Stein formó un nuevo grupo con el original rasgo de combinar el piano, el violonchelo y el saxofón soprano. La nueva música es altamente melódica y acústica una mezcla donde se encuentra el Jazz y la música clásica, un equilibrio entre la forma y la improvisación. El grupo saco Carousel (1992)
y luego Spur Of The Moment (1994) con el sello Narada Records.


 

Personal:
Ira Stein (piano, synthesizer)
Tom Valtin (acoustic guitar)
Hans Christian Reumschuessel (classical guitar, cello, bass)
Charlie Bisharat (violin)
Daniel Zinn (soprano & tenor saxophones)
Bill Douglass (acoustic bass)
John Loose (percussion).
Recorded at Different Fur Recording, San Francisco from June 4 to 29, 1992.
All songs composed by Ira Stein except "Carousel" (I.Stein/Charlie Bisharat).

Tracks:

   1. Briarcombe
   2. High Country
   3. Continuum
   4. Who's to Say
   5. Carousel
   6. Another Country (Another Soul)
   7. An Open Door
   8. A Place Without Words
   9. Sevilla
  10. Jonathan's Lullaby

Doug Cameron - Celtic Crossroads - The Uncharted Path (2001)

En el extraordinariamente ambicioso y majestuoso Celtic Crossroads, el barco estilístico de Doug Cameron se detiene en Irlanda para una exploración de la música celta tradicional y moderna. Basándose en su rica herencia escocesa y su simple amor por el género, mezcla ingeniosamente las alegrías y las tristezas de la muica Celta con su propia mezcla característica de jazz, pop, hip-hop y influencias latinas. Hay algo para todos en Celtic Crossroads. Los tradicionalistas adorarán sus giros en canciones irlandesas clásicas como "Drowsie Maggie" y "Mason's Apron", mientras que los fanáticos pop-celtas modernos disfrutarán con el triunfante "Book of Days" de Enya, la seductora "Mummer's Dance" de Loreena McKennitt y el himno "Runaway, "una balada popularizada por The Corrs. Algunos temas son medleys largos e ininterrumpidos de la música de los espectáculos "Riverdance" y "Lord of the Dance", ambas poderosas declaraciones del alcance mundial de la música y la danza celtas modernas. Cameron se divierte agregando un ritmo de hip hop muy activo en "Reel Around the Sun", una canción independiente de "Riverdance"; también mezcla con proporciones desgarradoras en la fusión irlandés-cubana de "Havana Reel". Otros aspectos destacados son el exuberante tributo a "John Jr." (producido por David Foster), el irreprimible "The Jig Set" y una poderosa lectura romántica del tema del Titanic.

 https://dougcameron.com/

 

 

 1. Dublin Groove 3:59:20
2. Lord Of The Dance Medley 8:08:67
3. Book Of Days 2:58:55
4. Drowsie Maggie 1:34:05
5. John Jr. 4:11:25
6. Mummer's Dance 5:01:18
7. Time To Say Goodbye 4:54:72
8. Havana Reel 5:10:55
9. Runaway 4:41:28
10. Medley 7:18:05
11. My Heart Will Go On 4:41:59
12. The Jig Set Medley 3:19:28
13. Heart Of Ireland 5:18:13
14. Reel Around The Sun (Cameron Hip-Hop Version) 3:20:62
15. Mason's Apron 1:59:05

Kankyo Ongaku - Japanese Ambient, Environmental & New Age Music 1980-1990 (2019)

 

La compilación Kankyō Ongaku del sello Light in the Attic documenta la musica ambient, new age y minimal music producida en Japón entre 1980 y 1990, enfocada específicamente en "música ambiental", creada para dar vida a la vida diaria, a las compras, a la relajación e incluso al uso de productos específicos. Las notas detalladas en el CD trazan las raíces de este fenómeno musical, mencionando tradiciones japonesas como las toki no kane (campanas del templo), así como la música de Erik Satie y, por supuesto, la música ambiental de Brian Eno. El lanzamiento incluye piezas compuestas para entornos específicos, como "Glass Chattering" de Yoshio Ojima (de una colección de obras diseñadas para ser interpretadas dentro de un edificio en Tokio llamado Spiral) o "Original BGM" de Haruomi Hosono (encargado por la tienda departamental Muji como música de fondo). Además, el sumamente tranquilo "A Dream Sails Out to Sea - Scene 3" de Takashi Kokubo proviene de un LP promocional que se incluyó con la compra de una unidad de aire acondicionado Sanyo, diseñada para ayudar a transmitir un ambiente de playa. Algunas piezas utilizan sonidos de agua y otros sonidos naturales, mientras que otras incorporan instrumentos japoneses tradicionales, en particular el tema "Ishiura" de Toshi Tsuchitori, hecha de tonos de campana de piedras de Sanukaito. "Variation - III", de Masashi Kitamura & Phonogenix, mezcla ondas suaves con golpes de percusión esporádicos y sintetizadores ambientales que murmuran suavemente. "Breathing New Life" de Jun Fukamachi, la leyenda del teclado de fusión, mezcla a la perfección los ritmos percusivos tradicionales con la electrónica contemporánea, lo que produce un estado de ánimo adecuado para un entorno doméstico (sorprendentemente, en realidad se compuso para un desfile de moda). De las piezas más puramente electrónicas, la brillante "Apple Star" de Inoyama Land es quizás la más agradable sin esfuerzo, mientras que la increíble "Snow" de Takashi Toyoda es mucho más espaciosa y más inquietante. Yellow Magic Orchestra está representada por el tema "Loom", un paisaje sonoro experimental surrealista que comienza por sonar como una nave espacial despegando, luego aparentemente tiene una revelación mientras se desvía en el espacio sin hacer absolutamente nada, todo con un extraño sonido electrónico de goteo. el fondo. Tanto como experiencia auditiva como de lectura, toda la colección es fascinante y reveladora, y mucho más que un fondo de pantalla musical agradable y sencillo. También es algo abrumador en cierto sentido, simplemente porque hay mucha más música de esta era que descubrir, y esta versión apenas roza la superficie.
https://www.allmusic.com/album/kanky%C5-ongaku-japanese-ambient-environmental-new-age-music-1980-1990-mw0003228415

 

 

CD1
01. Satoshi Ashikawa - Still Space
02. Yoshio Ojima - Glass Chattering
03. Hideki Matsutake - Nemureru Yoru (Karaoke Version)
04. Joe Hisaishi - Islander
05. Yoshiaki Ochi - Ear Dreamin'
06. Masashi Kitamura + Phonogenix - Variation III
07. Interior - Park
08. Yoichiro Yoshikawa - Nube
09. Yoshio Suzuki - Meet Me In The Sheep Meadow
10. Toshi Tsuchitori - Ishiura (Abridged)
11. Shiho Yabuki - Tomoshibi (Abridged)
12. Toshifumi Hinata - Chaconne

CD2
01. Yasuaki Shimizu - Seiko 3
02. Inoyama Land - Apple Star
03. Hiroshi Yoshimura - Blink
04. Fumio Miyashita - See The Light (Abridged)
05. Akira Ito - Praying For Mother / Earth Part 1
06. Jun Fukamachi - Breathing New Life
07. Takashi Toyoda - Snow
08. Yellow Magic Orchestra - Loom
09. Takashi Kokubo - A Dream Sails Out To Sea - Scene 3
10. Masahiro Sugaya - Umi No Sunatsubu
11. Haruomi Hosono - Original BGM