VA - A Celtic Season, Vol. 1,2,3

 

A Celtic Season marcó el primero de una larga sub-serie de álbumes de Windham Hill dedicados a la Navidad. Los 6 álbumes navideños celtas de Windham Hill fueron producidos por Mícheál Ó Domhnaill, el líder de la banda Nightnoise. Muchos temas son de músicos tradicionales celtas irlandeses, incluidos en algunos casos la familia y amigos personales de Domhnaill de Irlanda.



  1. When The Snow Melts - Phil Cunningham/Manus Lunny
  2. Solus - Triona Ni Dhomhnaill
  3. On A Cold Winter's Day/Christmas Eve - Kevin Burke/Michael O' Domhnaill
  4. The Winter's End - Liam O' Flynn
  5. Ciara - Luka Bloom
  6. Nollaig Na Mban - Cormac Breatnach
  7. Third Carol For Christmas Day - Maighread Ni Dhomnaill/Donal Lunny
  8. Snow On High Ground - Nightnoise
  9. Galician Carol - Carlos Nuñez
  10. Soillse Na Nollag - Altan
  11. King Holly, King Oak - Johnny Cunningham
  12. Snow - Loreena McKennitt
  13. We Follow A Star - Jeff Johnson/Brian Dunning

VA - A Celtic Season, Vol. 2

Si prefieres música navideña contemplativa con un trasfondo celta / folk en lugar de uno de jazz / new age, entonces la serie Celtic Christmas de Windham Hill es una opción confiable. Como beneficio adicional, puedes bañarte en aires celtas tradicionales relativamente oscuros en lugar de otra colección más de los viejos estándares de villancicos. El segundo volumen destacó a artistas como Nightnoise, Capercaille y varios miembros de los clanes Ni Dhomhnaill y O Domhnaill, con el pilar tradicional James Galway y el cantante de pop Luka Bloom (pista vocal "Listen to the River").


 

01. Manus Lunny, Phil Cunningham - Chanonry Point (3:48)
02. Carlos Nuñez - Amanecer (Dawn) (4:36)
03. James Galway - The Wexford Carol (3:27)
04. Nightnoise - Bríd Óg Ní Mháille (3:58)
05. Seamus Egan - The Day's Last Light (4:48)
06. Capercaillie - Muladach Mi Is Mi Air M'Aineol (3:43)
07. Luka Bloom - Listen to the River (4:50)
08. Deiseal - Marbhna Luimni (4:30)
09. Triona Ni Dhomhnaill - After Aughrim's Great Disaster (3:40)
10. Kevin Burke, Mícheál Ó Domhnaill - The Star of the County Down/Sweeney's Buttermilk/Jenny's Chicken's (4:28)
11. James Galway - I'll Rock You to Rest (3:54)
12. Maighread Ni Dhomnaill - Johnny Seoighe (5:25)
13. Brian Dunning, Jeff Johnson - Lament (2:24)
14. Aine Minogue - The Dove's Return (2:59)
Producer – Mícheál Ó Domhnaill

VA - A Celtic Season, Vol. 3

Silvatos brillantes, violines solitarios, flautas misteriosas, rasgueos de guitarras, el bodhran cepillado y palpitante que suena como un caballo al galope sobre carreteras nevadas, y voces femeninas tan claras y concentradas que podrían ser ángeles cantando a través del éter del tiempo. Todos estos elementos se combinan para dar forma a Celtic Christmas III. Entre los temas más destacados se encuentran "Wexford Carol" de David Agnew y David Downes y las composiciones originales de Lisa Lynne ("Circle of Joy", "Home") y Brian Dunning y Jeff Johnson (la vívida "A Raven in the Snow") . 

 

01. David Agnew, David Downes - The Wexford Carol (3:43)
02. David Arkenstone - Angels in the Snow (3:53)
03. Nightnoise - Lully, Lullay (3:41)
04. Lisa Lynne - Circle of Joy (4:46)
05. W.G. Snuffy Walden - Sails of Galway (4:46)
06. Mícheál Ó Domhnaill, Paddy Glackin - The South Wind (3:35)
07. Brian Dunning, Jeff Johnson - A Raven in the Snow (4:08)
08. Maighread Ni Dhomnaill, Triona Ni Dhomhnaill - The Snows (3:36)
09. Lisa Lynne - Home (4:50)
10. James McNally - Black Is the Color (5:52)
11. Seamus Begley, Steve Cooney - Coinnle an Linoh Iosa (3:11)
12. Patrick Cassidy - Lament (5:37)

Ibrahim Maalouf – First Noel (2021)

 

First Noel es un álbum navideño que ofrece veinticinco clásicos y tres nuevas composiciones que Maalouf compuso especialmente para la primera Navidad de su hijo, y una en honor a la última Navidad de su abuela Odette. Los recuerdos navideños que tiene están llenos de hermosos momentos, por eso insistió en grabar este disco, manteniéndose fiel a la magia de estos instantes. A Maalouf se unen colaboradores de mucho tiempo: François Delporte (guitarra), Frank Woeste (piano) y Sofi Jeannin (director de coro). Jeannin seleccionó ocho cantantes con voces celestiales y sublimes para completar el conjunto. Maalouf dice: “Grabamos en dos lugares mágicos: el estudio de mi amigo Armand Amar, donde tuve la oportunidad de trabajar en mis primeros álbumes (Babel Studios en Montreuil), y la Iglesia de Saint-Julien-le-Pauvre. Siendo esta última la iglesia más antigua de París, a solo unos metros de la Catedral de Notre-Dame, siempre ha estado en el centro de momentos significativos de nuestra historia familiar en Francia”. “Have Yourself a Merry Little Christmas” abre el álbum con la trompeta profundamente entonada de Maalouf tocando la melodía con claridad mientras el conjunto lo apoya a través de la forma. El arreglo se construye con el coro, agregando una rica textura con la guitarra y el piano. El fraseo y los adornos de la melodía de Maalouf también son excelentes. Aunque conocido por los fanáticos como un ejemplo de la combinación de los estilos actuales con un sentido del jazz contemporáneo, aquí Maalouf se entrega a sus impulsos pop/clásicos. “Holly Jolly Christmas” es un buen ejemplo de cómo Maalouf se enfoca en el núcleo de sus ideologías musicales y temáticas para crear un arreglo clásico de estilo y gracia con el tema de la bossa nova. Al resaltar el elemento melódico de su sonido, Maalouf nos acerca al amor extático destinado a ser compartido durante las fiestas, que se puede escuchar y sentir en “O Holy Night”. En general, First Noel es un disco cohesivo que le permite a Maalouf expresar su amplia gama de influencias: una mezcla perfecta de minimalismo clásico, pop, jazz, world y clásico moderno. Estos estilos se unen para crear un álbum de paz interior. La interpretación de la guitarra y el piano es excelente, y el coro canta maravillosamente mientras la trompeta de Maalouf lo seducirá con su tono y forma de tocar.
https://www.staccatofy.com/pop/ibrahim-maalouf-first-noel-review/

 

Ibrahim Maalouf - trumpet
François Delporte - guitar
Frank Woeste - piano
Sofi Jeannin and eight choristers

01. Have Yourself a Merry Little Christmas (3:13)
02. Mon beau sapin (3:16)
03. Holly Jolly Christmas (3:03)
04. Il est ne le divin enfant (3:12)
05. O Holy Night (2:40)
06. Petit Papa Noel (2:29)
07. Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! (2:46)
08. The First Noel (2:30)
09. Ave Maria (Charles Gounod) (2:56)
10. Santa Claus Is Coming to Town (2:20)
11. Winter Wonderland (1:41)
12. Silent Night (1:40)
13. Jingle Bells (2:16)
14. It's Beginning to Look a Lot Like Christmas (2:32)
15. Hark! The Herald Angels Sing (1:18)
16. I'll Be Home for Christmas (2:52)
17. White Christmas (2:06)
18. Ave Maria (Franz Schubert) (2:44)
19. All I Want for Christmas Is You (2:25)
20. What a Wonderful World (3:03)
21. Light a Candle in the Chapel (3:37)
22. Adeste Fideles (1:47)
23. God Rest Ye Merry, Gentlemen (3:01)
24. We Wish You a Merry Christmas (2:00)
25. Shubho Lhaw Qolo (2:28)
26. Noel for Nael (2:33)
27. Christmas 2009 (2:26)
28. The Last Christmas Eve (4:31)

Suzanne Ciani - Dream Suite (1996)

 

 A principios de los años 90, Ciani descubrió que padecía cáncer de pecho. Decidió que quería curarse y dedicarse plenamente a su pasión: la música electrónica. Se instaló en la ciudad de Bolinas, en California, donde encontró la inspiración para algunas de sus músicas. En 1994 contrajo matrimonio con el abogado Joe Anderson que le ayudó a crear su propia casa discográfica, Seventh Wave, con la que publicó su álbum Dream Suite....
Dream Suite fue nominado para un premio Grammy en 1996 al mejor álbum de New Age. Con Dream Suite, Suzanne Ciani decidió regresar a sus raíces acústicas. Abandonando los sintetizadores y alistando a la Joven Orquesta de Rusia, Ciani crea una fusión exuberante y grandiosa de ideas musicales clásicas y de la New Age. 

Suzanne Ciani ofrece en este álbum una colección de composiciones melódicas románticas que la confirman en su posición de compositora de elevado talento, e iniciadora de la tendencia que se conoce como "Nueva Música Instrumental melódica". Las orquestaciones de los temas demuestran también su experiencia como compositora.
https://www.sevwave.com/music

Suzanne Ciani (piano)
Mark Gorenstein, Joel Spiegelman (conductor)
Young Russia Orchestra.

01. Meeting Mozart (04:47)
02. Andalusian Dream (04:32)
03. Lime Marmalade Reverie (04:02)
04. Full Moon Sonata (05:05)
05. Time Stops (04:28)
06. Dream Of The Pink Zebra (03:39)
07. Riding Heaven’s Wave: Eulogy To A Surfer (04:11)
08. Megan’s Dream (03:39)
09. Sogno Agitato (03:17)
10. ‘Til Time And Times Are Done (04:09)

Meeting Mozart, la primera canción del álbum Dream Suite. Grabado en Moscú con la Young Russia Orchestra.

Jeff Pearce - In Winter (Ep 2021)

 

 Jeff Pearce nos cuenta en Bandcamp sobre la grabacion de In Winter....

A menudo le he dicho a la gente que no lo considero "oficialmente invierno" hasta que haya nieve en el suelo, y no tuvimos nuestra primera nevada hasta el 30 de enero.

Como amigos míos publicaron recientemente en las redes sociales, enero de 2021 fue un año largo. Y para celebrar la nieve que finalmente llegó a fines de enero, saqué un par de mis guitarras y toqué un mini concierto para la audiencia cautiva de mi esposa y mi hija menor. Pensé en tocar un par de mis piezas de invierno de años anteriores, y tal vez una pieza improvisada más larga, pero resultó que me esperaban un par de sorpresas musicales.

“A View by the Fire” La primera sorpresa: esta canción tiene la misma afinación de guitarra que “Winter Waltz”, y mientras hacía una prueba rápida de nivel de grabación para “Winter Waltz”, esta canción literalmente salió de mi guitarra. Después de terminar la grabación de todas las canciones, jugué con esta canción, tratando de encontrar una manera de hacerla más larga, ya que solo dura 1:40. Sin embargo, la canción resistió fuertemente (y finalmente se resintió) tal manipulación; con cada escucha de la grabación original, recordé que todo lo que la canción “necesitaba” estaba ahí.
https://jeffpearcemusic.bandcamp.com/album/in-winter

 

1.A View by the Fire 01:40
2.Winter Waltz 04:24
3.Veil of Lake Snow 03:57
4.Slowly Falling 17:28

Ralf Illenberger - Elements (2022)

 

 

[b]Ralf Illenberger muestra toda la gama de su trabajo musical en su última producción "Elements". Guitarras acústicas de filigrana, arreglos orquestales y ritmos funky subyacentes, el nativo de Stuttgart invita al oyente a un viaje emocionante.
Con Walter Keizer (Vollenweider, Nena) a la batería y Sandro Gulino (Gypsy Kings) al bajo, también rememora sus exitosas épocas de los 90 con su antigua banda Circle. Misterioso, a veces casi rockero pero siempre melódico, Illenberger presenta sus últimas composiciones. Masterizado por Hans-Joerg Mauksch en Stockfisch Studios, ¡Elements también promete un disfrute absoluto del sonido!
Illenberger se hizo conocido como parte del dúo Kolbe Illenberger (el mejor dúo de guitarra alemán) en la década de 1970. Realizó conciertos en 50 países, una nominación al German Record Prize (1978) y una nominación al Grammy (1997) son solo una parte del reconocimiento internacional a su obra musical. 

https://ralfillenberger.com/

 


01. Ralf Illenberger - Elements (5:02)
02. Ralf Illenberger - Wide Lands (4:19)
03. Ralf Illenberger - Lions Gate (6:12)
04. Ralf Illenberger - All One (5:50)
05. Ralf Illenberger - Good Times (5:52)
06. Ralf Illenberger - Late Arrival (5:08)
07. Ralf Illenberger - Dans les Jardins du Printemps (8:10)
08. Ralf Illenberger - On a Roll (3:36)
09. Ralf Illenberger - A Holy Place (3:30)
10. Ralf Illenberger - Love Intense (5:26)[/b]

John Doan - Wayfarer (1999)

La música de John Doan tiene propiedades reparadoras. Escuchar es como emprender un peregrinaje interior. Wayfarer es una peregrinación musical que refleja un viaje real a lugares sagrados en las Islas Británicas. Las primeras notas parecen una invitación a emprender el viaje. “¿Adónde vamos en verdad? ¿Y por qué?" Al escuchar esta música, podemos ir a nuestro interior para recordar un lugar antiguo donde lo temporal parece tocar lo eterno. Los lugares conocidos como "lugares sagrados" por los cristianos celtas les dieron este sentido. Podemos retroceder en el tiempo, reducir nuestro ritmo frenético y reflexionar sobre las alegrías de la simplicidad. Más que un CD, esta es una lección de historia y meditación guiada en uno, gracias a las extensas notas del libreto. Cada pieza musical recibe una página en las notas con una cita adecuada para la meditación y una explicación del lugar sagrado que inspiró su composición. Aunque uno puede escuchar sin leer el folleto y disfrutar de la música, se vuelve más significativo seguir leyendo. Definitivamente merece un lugar más alto que solo música de fondo.

La alta calidad de este CD es evidente en sus variados e interesantes arreglos y en la ejecución magistral, sensible y expresiva de todos los instrumentistas. El sonido único de la guitarra arpa de 20 cuerdas es a la vez poderoso e íntimo, evocando una atmósfera de misterio y maravilla. La ejecución precisa y virtuosa y la sincronización impecable con flexibilidad musical siempre son evidentes. Un tono tan sorprendente, tanto en rangos bajos, ricos y resonantes como en notas altas, claras y cristalinas. A veces prevalece un ambiente medieval, como en “Festival”,  La mayoría de las pistas inspiran a la reflexión, pero esta, con su buen humor, energía de percusión y una profunda cualidad gutural al sonido del arpa, hace que uno quiera chasquear los dedos y bailar. Entre varios instrumentos antiguos, también aparece una viola portuguesa.
https://www.johndoan.com/discography/

Master harp guitarist, storyteller, and historian John Doan brings back soulful and provocative music from a pilgrimage to the most sacred sites of the British Isles.

"Thin Places" as they were called, were believed to be where the space between heaven and earth, past and future, were thinly divided. Follow the ancient pilgrim's paths along winding roads to secluded sanctuaries made famous by the "Twelve Apostles of Ireland", and journey by boat to remote island retreats. Adventurous, thoughtful, and renewing - a collection of achingly beautiful moments and encouraging spirit.

John Doan brings back soulful and provocative musical sketches from a pilgrimage to the most sacred sites of the Celtic Isles. The twenty-string harp guitar is featured throughout in his most virtuosic outing joined by exotic percussion, ancient instruments, a choir of monks, fiddles, tin whistle, cello and more. Follow the ancient pilgrim’s paths to locations made famous by the “Twelve Apostles of Ireland”, along roads to secluded sanctuaries, and by boat to remote island retreats. Adventurous, thoughtful, and renewing – a journey memorable for its achingly beautiful moments and encouraging spirit. This CD includes a twenty-page booklet giving an in depth look into the inspiration behind each composition.


 

1        Skellig Michael - A Rock In The Sea 4:14
Djembe, Goblet Drum [Dumbek], Snare, Cymbal, Cowbell, Gong [Wuhan Gong] – Jarrod Kaplan
Guitar [Celtic Guitar] – Randal Bays
Guitar [Harp Guitar] – John Doan
Keyboards, Percussion [Midi Percussion] – Cal Scott
Violin – Billy Oskay

2        Wayfarer - On The Path To Holycross Abbey 4:38
Guitar [Harp Guitar], Vocals – John Doan
Keyboards – Billy Oskay, Cal Scott
Vocals – Blake Applegate, Karl Blume (2), Terry Ross
Whistle – Jim Chapman (4)

3        Gazing On The Face Of The Sea 4:02
Cymbal [Cymbal Washes] – Mike Snyder (3)
Guitar [Harp Guitar] – John Doan
Keyboards – Cal Scott
Whistle – Jim Chapman (4)

4        Festival 3:35
Crumhorn [Alto, Tenor And Bass Crumhorns], Drum [Frame Drum], Tambourine, Bagpipes [Doodlezock] – Gayle Neumann, Phil Neumann
Guitar [Harp Guitar] – John Doan

5        The Way Of My Fathers 5:11
Guitar [Harp Guitar] – John Doan
Keyboards – Cal Scott
Viola – Billy Oskay

6        A Pilgrim's Hymn 4:10
Guitar [Harp Guitar] – John Doan
Keyboards – Cal Scott
Recorder [Soprano, Alto, Tenor And Bass Recorders] – Gayle Neumann, Phil Neumann
Whistle – Jim Chapman (4)

7        St. Brendan - Recounting The Voyage 4:16
Drum [Tar], Goblet Drum [Dumbek] – Jarrod Kaplan
Synthesizer [Bass Synthesizer] – Cal Scott
Violin – Billy Oskay
Violin [Portuguese Violõa] – John Doan
Whistle – Jim Chapman (4)

8        Run To Sanctuary 5:00
Guitar [Solo Harp Guitar] – John Doan

9        Castle Dinas Bran - Procession Of The Holy Grail 4:20
Guitar [Harp Guitar], Vocals – John Doan
Keyboards – Cal Scott
Percussion, Cymbal [Cymbal Washes] – Mike Snyder (3)
Vocals – Blake Applegate, Karl Blume (2), Terry Ross

10        St. Joseph Arrives In Avalon 4:47
Cello – Nancy Ives
Cymbal [Cymbal Washes] – Mike Snyder (3)
Guitar [Harp Guitar] – John Doan

11        The Hunter And The Hare 5:21
Guitar [Celtic Guitar] – Randal Bays
Guitar [Harp Guitar] – John Doan
Keyboards, Percussion [Midi Percussion] – Cal Scott

Chango Spasiuk - Tierra colorada en el Teatro Colón (2014)

Horacio «Chango» Spasiuk, nacido en Apóstoles, Misiones, es un compositor y acordeonista argentino de chamamé. Nieto de inmigrantes ucranianos, el Chango tuvo una fuerte influencia de la música polka en sus primeros años. La influencia de la música de Europa del Este está presente al día de hoy en el chamamé de la región. Tuvo su primer acordeón a los 12 años, con el que tocaba en fiestas, casamientos y otros eventos junto a su padre y un tío.

Desde una posición de apertura total y ausencia de prejuicios, Spasiuk produce una rica mixtura de sonidos y ritmo, de luces y sombras, donde tanto el legado como la síntesis, la improvisación como la composición, y la tradición y la modernidad juegan un papel similar, haciendo de su música una intensa experiencia auditiva que va más allá de las fronteras del estilo y del sonido. Un artista excepcionalmente expresivo, Spasiuk, apela a un espíritu animador elevado, tocando como un poseído, transportado de manera visible en el remolino que lo afecta y desafía la resonancia de su acordeón encantado. Su presencia escénica embelesa como un derviche y su extraordinario conjunto crea música de profunda belleza y sentimiento. Mientras que su maestría se articula con un profundo sentimiento de melancolía – una parte tan importante de la historia social argentina – también transmite un optimismo resiliente ante el destino trágico de todos los esfuerzos humanos.

 Chango Spasiuk debutó en el Teatro Colón con un magnífico concierto en el que asumió músicas que, aún desde su honda identidad, burlaron los límites entre las categorías de lo popular y lo académico.
Dueño de una larga y luminosa trayectoria que lleva años de producciones discográficas y giras y reconocimientos en buena parte del mundo, Spasiuk ratificó en uno de los templos de la música la potencia y la comunicación que dispara una obra capaz de ratificar aquella idea acerca de “pinta tu aldea y pintarás el mundo ”. Este gesto halló una caja de resonancia multiplicadora junto a otros colores en el seno del máximo coliseo argentino.
Spasiuk, logró profundizar la posibilidad de sumar las calificaciones de música académica, folclórica, regional, universal, popular y culta, sin que ninguna denominación anule a la otra.
https://changospasiuk.com/discografia/tierra-colorada-en-el-teatro-colon  

Various ‎– Chill Out In Paris: San Carlo Dal 1973 By Buddha Bar (2001)

 

"La firma San Carlo Dal 1973 de Turín, Italia, y Buddha Bar han lanzado este CD en coproducción. La compañía discográfica Stefano Cecchi Records, que pertenece a San Carlo Dal 1973 & Buddha Bar's George V Records de París presentó el CD el Miércoles 14 de marzo de 2001 en el Buddha Bar, durante las colecciones de moda, con una fiesta a la que habían sido invitados 4000 invitados.


Partial sleeve notes:
"The firm San Carlo Dal 1973 of Turin, Italy, and Buddha Bar have launched this CD in co-production. The record company Stefano Cecchi Records, which belongs to San Carlo Dal 1973 & Buddha Bar's George V Records of Paris presented the CD on Wednesday March 14th, 2001 at the Buddha Bar, during the fashion collections, with a party to which 4000 guests had been invited."

CD 1 - BURN
1.01     –Paul Schwartz And The Joyful Company Of Singers     Misere     5:58
1.02     –Sina Vodjani     Vision Of Mahakala     5:54
1.03     –Kayah & Bregovic     To Nieptak (Not A Bird) (Non E Un Uccello)     4:28
1.04     –Thierry David     Lodi Garden     5:52
1.05     –Bally Sagoo     Dil Cheez     6:06
1.06     –Angélique Kidjo     Summertime     3:27
1.07     –Enrico Experience     Bine El Barah Ouel Liom (Remixed By Qaballah Steppers) 4:56
1.08     –Sa Trincha     Live From Heart     3:20
1.09     –David Visan & Carlos Campos     Crystal Heart     5:46
1.10     –Harri Lake     This Voiceless Cry     3:20
1.11     –Alessandro Safina     Diva Mea     4:21
1.12     –Lemongrass     A Journey To A Star     3:19
1.13     –Medea (7)     Dove Vai     4:48
1.14     –Paul Schwartz     Ave Maria     4:20


CD 2 - CHILL
2.01     –Nitin Sawhney     Homelands (Joe Claussell Remix) 8:09
2.02     –Darmadar     Meu Deus     4:55
2.03     –Nawal Al Zoghbi     El Layali     4:02
2.04     –Thierry "Titi" Robin*     Rumba Do Vesou (Version Live)     5:49
2.05     –Natacha Atlas     Kidda     4:42
2.06     –MAW Featuring Lilliana     Brazilian Beat (Radio Rio Edit) 2:37
2.07     –Time Passing     Dance With Me     6:12
2.08     –Stan Lefort & JC Sindress     Aravibes     3:52
2.09     –Jolly Mukherjee With The Madras Cinematic Orchestra     Kirwani (Mixed By Badmarsh And Shri) 6:19
2.10     –Alien Soap Opera     Voladores (B.L.I.M. Remix) 6:14
2.11     –Da Lata     Binti     4:41
2.12     –The Boyz From Brazil     The Land Of Make Believe     10:56

Hania Rani & Dobrawa Czocher - Inner Symphonies (2021)

Recién llegada de Música para cine y teatro, Hania Rani forma equipo con la renombrada violonchelista y amiga de la infancia Dobrawa Czocher para las exquisitas Inner Symphonies. El álbum fue concebido durante la pandemia mientras ellas consideraban cómo podrían animarse mutuamente y ofrecer esperanza a través de su música. El dicho de la abuela de Hania "Llegará la primavera, eso seguro" se refleja en el título de la pista final y en el estado de ánimo optimista del álbum. El tono pasa de sobrio y contemplativo a exuberante y desatado, como se demuestra en el contraste entre la obertura y “Con Moto” alegría agazapada detrás de un sofá. La pista presenta a una multitud de amigos en el auditorio del Teatro Juliusz Słowacki de Cracovia, el teatro bellamente iluminado. Al principio, uno es testigo de las ráfagas de notas que ahora asociamos con la interpretación de Rani. La pequeña orquesta puede estar tocando en un teatro vacío, pero la exuberancia de su sonido hace que los asientos parezcan llenos. El título significa "vivaz, con movimiento y espíritu", y estas artistas,  amigas de la universidad, encarnan la definición.

Music and friendship are utterly intertwined for Hania Rani and Dobrawa Czocher, the Polish duo who have just recorded their first album of original music, Inner Symphonies. Friends since their teenage years at music school in Gdansk, the pair share a spirit of adventure and curiosity. Even as life took them on different paths – Hania as a pianist and composer with two solo albums and a collection of songs written for Cinema, Theatre and Art Performances to her name; Dobrawa as solo cellist with the Szczecin Philharmonic –their friendship endured. In 2015, they collaborated on an album Biala Flaga, featuring their arrangements of Polish rock star Grzegorz Ciechowski’s msuic, giving them a taste of recording success and leading to the yet more ambitious Inner Symphonies.
https://acloserlisten.com/2021/10/11/hania-rani-dobrawa-szocher-inner-symphonies/
https://www.hania-dobrawa.com/

 

 

01. Ouverture (3:55)
02. Con Moto (5:04)
03. Whale's Song (5:09)
04. Scream (4:36)
05. There Will Be Hope (4:37)
06. Anima (3:54)
07. Demons (8:34)
08. Malasana (5:22)
09. Dunkel (4:57)
10. Spring (7:41)

Tim Story & Hans-Joachim Roedelius - Lunz + Lunz Reinterpretations (2004)

 

"Hans Joachim Roedelius fue miembro fundador de la banda electrónica alemana Cluster a principios de la década de 1970. En los años intermedios también produjo innumerables álbumes en solitario que van desde música de cámara refinada hasta experimentos sin paliativos. Tim Story es un discípulo de Roedelius que ha forjado su propia sonido de cámara ambiental desde hace dos décadas.Han estado trabajando juntos durante los últimos años y Lunz, llamado así por un lago en Austria, es el resultado poético más reciente.
      Es un sonido líquido y sensual que fusiona influencias clásicas con ambientes electrónicos y un don para la melodía que dejaría llorando a Erik Satie. Hay muchos artistas pseudoclásicos de la nueva era que usan estos mismos elementos para crear música fácil de escuchar. Story y Roedelius pasan por alto el sentimiento y van directamente a la yugular con melodías que emergen como recuerdos olvidados y, a veces, inquietantes. La combinación de piano acústico, violonchelo y una paleta electrónica original agrega atmósfera y vanguardia, lo que le da a Lunz una resonancia emocional profunda. Cuando el violonchelo y la electrónica se duplican en la canción principal como un gemido distante, el efecto es devastador".--John Diliberto...https://echoes.org/

 

 Lunz fue la culminación de la amistad de 25 años entre los compositores Hans-Joachim Roedelius y Tim Story. Cuando Lunz llegó originalmente a las estanterías de las tiendas de discos de Londres en 2003, los oyentes solo sabían de la colaboración de Roedelius/Story a través de unos pocos conciertos y la música abstracta concreta de su cd de edición limitada “Persistence of Memory”. Lunz rápidamente cambió eso. 12 miniaturas atemporales y hermosas, cada una de las cuales crea una sensación única de tiempo y lugar con una mezcla surrealista de melodía, textura y estado de ánimo. Lunz habita un mundo propio, de exuberante acústica y electrónica angular, pianos translúcidos y ambientes oscuros. Es un mundo misterioso donde los inocentes y los afligidos ocupan el mismo entorno singular, fusionándose a la perfección. Incluso las señales familiares, como el piano de Roedelius y el cálido violonchelo de Martha Reikow, a menudo se modifican sutilmente para adaptarse al extraordinario paisaje. Lleno de matices y detalles, Story y Roedelius pintaron un lienzo que es a la vez mínimo y máximo, cálido y sombrío, familiar y desorientador. Recibido con elogios casi unánimes, Lunz obtuvo elogios en la prensa del Reino Unido y fue nombrada entre los 5 mejores lanzamientos del año de Amazon en su categoría. Grabado por los artistas en Austria y los EE. UU. durante un lapso de 5 años, Lunz refleja una sorprendente fusión de las sensibilidades musicales de cada compositor, sensibilidades perfeccionadas durante 50 años combinados de notable creación musical.
https://www.timstory.com/music.html#

 

El segundo cd es reinterpretado por diferentes artistas como Alias, Elbow, Faultline, Munk o Ulrich Schnauss en un excelente segundo cd, lleno de música sugerente de diferentes estilos. Como curiosidad, LLoyd Cole canta en el tema Akimbo reinterpretado por Astrid Kane.

Lunz   
1-01        Lunz    4:20
1-02        Clue    4:58
1-03        Under Mars We Were    3:15
1-04        Dew Climbs    4:45
1-05        Carnickel And Pocketboat    5:31
1-06        Uferlose Sea    1:23
1-07        Something Happened Here    4:33
1-08        Murmuring Mermaids    4:15
1-09        Wobbly Flu Twilight    3:22
1-10        Akimbo    3:21
1-11        Cloud Pull    4:12
1-12        Nevertheless    1:33

Reinterpretations   
2-01        Clue (Alias Remix) 5:18
2-02        Akimbo (The Astrid Kane Remix) 3:49
2-03        Lunz (Faultline Remix) 6:37
2-04        Wobbly Flu Twilight ("The Chef's Lament" A Wobbly Flu Remix By Elbow) 4:03
2-05        Lunz (Adem's Lunz) 4:55
2-06        Lunz (Ulrich Schnauss Remix) 5:09
2-07        Murmuring Mermaids (The Tecil Tempotrope Remix By Icarus) 4:59
2-08        Dew Climbs (Half Cousin Remix) 5:05
2-09        Wobbly Flu Twilight (Lux Aeterna Remix By Alquimia) 3:21
2-10        Carnickel And Pocketboat (Millenia Nova Remix) 5:40
2-11        Something Happened Here (Munk Interpretation) 4:23
2-12        Under Mars We Were (Arkham Remix) 6:04

CD 1 Lunz

   

CD 2 Reinterpretations

Harry Hosono and The Yellow Magic Band - Paraiso (1978, 2005, Sony-Japan)

 

Paraiso (はらいそ, Haraiso) es el cuarto álbum en solitario de Haruomi Hosono y el primer álbum de Yellow Magic Band (más tarde Yellow Magic Orchestra). Este álbum continúa el estilo tropical de Hosono House, Tropical Dandy y Bon Voyage co., mientras está influenciado por la música de Hawái y Okinawa, incorporando sonidos electrónicos que luego se desarrollarían en las carreras de Hosono y YMO. YMO, The Yellow Magic Band en este momento, estaba compuesta por miembros de Tin Pan Alley y músicos de estudio, como el ex compañero de banda Happy End de Hosono, Shigeru Suzuki, y los futuros miembros de YMO, Ryuichi Sakamoto (quien luego interpretaría una versión alterada de "Asatoya Yunta " en su carrera en solitario) y Yukihiro Takahashi, así como el guitarrista Hirofumi Tokutake (que luego actuaría en Technodon y Wild Sketch Show).

Después de Tropical Dandy (1975) y Bon Voyage Co. (1976), Paraíso es la saga final de su "Trilogía tropical". El álbum puede verse como un punto de inflexión en la carrera de Haruomi Hosono, ya que el director del sello Kunihiko Murai firmó recientemente con Alfa Records. Hosono amplía los estilos de funk tropical inspirados en Van Dyke Parks explorados en los álbumes anteriores y llega a un sonido de fusión cautivador que a veces es igualmente terrenal y exótico. Haciendo alusión a los sonidos innovadores que perfeccionaría con Yellow Magic Orchestra, Hosono usa sintetizadores para proporcionar texturas de otro mundo y un trasfondo espiritual a canciones como "Femme Fatale" y la canción principal. En su interpretación al estilo caribeño de la canción folclórica de Okinawa "Asatoya Yunta" y el ejercicio de sintetizador/gamelán de "Shambhala Signal", Hosono toma melodías tradicionales y las mezcla en su propio guiso inimitable. Con una gran cantidad de músicos conocidos como Taeko Ohnuki, Hiroshi Sato y sus futuros compañeros de banda Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto, Paraiso resume perfectamente la cosmovisión excéntrica de Hosono que ha dado forma a su carrera en solitario, justo antes de que su proyecto techno-pop lo lanzara a la estratosfera. .

 

 

Todas las pistas están escritas por Haruomi Hosono, excepto "Japanese Rhumba" de Gerald F. Miller (acreditado como 'G. Miller'); "Asatoya Yunta", una canción tradicional de Okinawa y "Fujiyama Mama", escrita de Jack Hammer con letra traducida por Seiichi Ida y letra adicional escrita por Hosono.
https://en.wikipedia.org/wiki/Paraiso_(Haruomi_Hosono_album)

Haruomi Hosono - Bass, Vocals, Steelpan, Marimba, Percussion, Synthesizer (Roland, Yamaha CP-30), Electric piano, Gong, Whistle, Electric guitar, Performer (Birds, Foot Steps), Production

Shigeru Suzuki & Hirofumi Tokutake - Electric Guitar (Suzuki on "Shimendōka" and "Asatoya Yunta"; Tokutake on "Femme Fatale")

Tatsuo Hayashi & Yukihiro Takahashi - Drums (Hayashi on "Tokio Rush", "Shimendōka", "Japanese Rhumba", "Asatoya Yunta", "Worry Beads" and "Paraiso"; Takahashi on "Femme Fatale")

Hiroshi Satō & Ryuichi Sakamoto - Synthesizer (Yamaha Polyphonic, Yamaha CS-80, ARP Odyssey, Rhodes Performer), Piano (both on "Tokio Rush" and "Paraiso"; Satō on "Shimendōka", "Japanese Rhumba", "Asatoya Yunta" and "Worry Beads"; Sakamoto on "Femme Fatale")

Motoya Hamaguchi & Nobu Saitō - Percussion (Hamaguchi on "Asatoya Yunta" and "Femme Fatale"; Saitō on "Tokio Rush", "Shimendōka", "Japanese Rhumba", "Worry Beads" and "Paraiso")

Masahiro Takekawa - Violin on "Worry Beads"

Teave Kamayatsu - Vocals on "Japanese Rhumba"

Taeko Ōnuki - Backing Vocals/Choir on "Tokio Rush" and "Worry Beads"

Tokyo Shyness Boys - Backing Vocals/Choir on "Tokio Rush" and "Japanese Rhumba"

Hiroshi Kamayatsu - Backing Vocals/Choir on "Japanese Rhumba"

Tomako Kawada - Backing Vocals/Choir on "Japanese Rhumba" and "Asatoya Yunta"

1.    "Tokio Rush"    3:31
2.    "Shimendōka" (四面道歌)    4:44
3.    "Japanese Rhumba"    3:34
4.    "Asatoya Yunta" (安里屋ユンタ)    2:15
5.    "Fujiyama Mama"    2:50
6.    "Femme Fatale" (妖婦 Yōfu)    5:00
7.    "Shambhala Signal" (シャンバラ通信 Shanbara Tsūshin)    3:36
8.    "Worry Beads"    4:28
9.    "Paraiso" (はらいそ Haraiso)    4:35

Roy Harper – Songs of Love and Loss (2011)

 

Esta compilación de las canciones de Roy Harper se lanzó para conmemorar su 70 cumpleaños y da inicio al relanzamiento de 18 de sus álbumes, desde el acústico Sophisticated Beggar de 1966 hasta The Green Man de 2000. Es una forma adecuada de conmemorar a un artista que compite fuertemente por el título del músico más subestimado del Reino Unido, y esto a pesar de los reconocimientos públicos durante varias décadas. Perpetuamente redescubierto, luego extraviado nuevamente, Harper fue elogiado por Led Zeppelin ("Me quito el sombrero ante (Roy) Harper") en Led Zeppelin III: los corchetes son un reconocimiento revelador de su perfil público eternamente bajo. Pink Floyd se apropió de su postura anticomercial y antidisquera en 'Have a Cigar', que canta en Wish You Were Here. Cantó voces en 'Breathing' de Kate Bush, y se asoció con Paul McCartney, Keith Moon y Nice, por nombrar solo algunos.

No está mal para un cantante de folk, pero también es un buen indicio de por qué nunca ha sido tan conocido. Harper es difícil de categorizar, desde piezas de guitarra acústica densas y punteadas a finales de los 60, que lo colocaron musicalmente junto a gente como Bert Jansch y Davey Graham, hasta música de mediados de los 70 que se deleita con la pompa y los efectos que están por todas partes. la música rock de la época. Él escribe, canta y toca su guitarra de manera totalmente individual, y el resultado es una música impresionante.

Songs of Love and Loss es un resumen de 2 CD de los 45 años de carrera de Harper, durante los cuales ha hecho muchos álbumes, sin duda más de los 18 que están listos para relanzarse. Por lo tanto, es solo una versión de su 'mejor de', y una compilación de doble disco sustancialmente diferente, Counter Culture, fue lanzada en Science Friction en 2005. Los dos se superponen en solo 5 pistas, y no hay duda de que cualquiera que intente obtener la medida de la vasta producción de Harper necesita poseer ambos. Counter Culture incluye quizás sus dos mejores y más conocidas canciones. "When An Old Cricketer Leaves the Crease" es asombrosa: pastoral, elegíaca y, de alguna manera, el lado derecho de la sensiblería. 'One of These Days in England' es una sinfonía de bolsillo de diez partes respaldada (que funciona mejor de lo que uno podría imaginar) por Wings. Tampoco incluye ningún tema de Stormcock, su disco más conocido, y solo uno de Lifemask. La ausencia de temas clave de Songs of Love and Loss impide que sea una compilación definitiva. Sin embargo, los compiladores han optado por centrarse en al menos parte de su material más oculto, e incluyen algunos temas muy buenos. El mejor material proviene de los álbumes más relajados de los 70: Flat Baroque y Beserk, Valentine y Bullingamingvase.
https://www.royharper.co.uk/

 

Género:    Rock, Folk, World, & Country
Estilo:    Folk Rock, Folk

Volume 1
    
1-1        Black Clouds
1-2        Girlie
1-3        All You Need Is
1-4        Francesca
1-5        East Of The Sun
1-6        Little Lady
1-7        North Country
1-8        I'll See You Again
1-9        Naked Flame
1-10        Commune
1-11        Frozen Moment

Volume 2
    
2-1        Davey
2-2        Another Day
2-3        South Africa
2-4        Hallucinating Light
2-5        Sleeping At The Wheel
2-6        Waiting For Godot
2-7        The Flycatcher
2-8        On Summer Day
2-9        Cherishing The Lonesome
2-10        My Friend
2-11        One More Tomorrow
2-12        Forever

Yiruma - The Rewritten Memories + SOLO (2021)

 

Yiruma nació el 15 de febrero de 1978, en Seul, Corea. Es un compositor de piano sur-coreano. Esta casado con Miss Corea, SonHye-im.
Yiruma comenzó a aprender a tocar el piano en su casa a la edad de 5 años. En 1988 se mudó a Inglaterra y, en diciembre de 1996, participó en el álbum The Musicians of Purcell (Decca). Se graduó en “The Purcell of Specialist Music School” (Londres) en julio de 1997 y luego en el Kings College en Junio del 2000.

Yiruma - The Rewritten Memories (2021)

The Rewrite Memories es el primer álbum de estudio orquestal de Yiruma y presenta al propio compositor al piano. “Fue una experiencia desafiante pero interesante”, dice, describiendo la grabación del álbum con la Orquesta Sinfónica de Corea durante la pandemia de Covid-19. “Todos los miembros de la orquesta no podían reunirse simultáneamente y tenían que grabar parte por parte”.

La reelaboración de su colección significó que Yiruma finalmente pudo realizar muchos de los sonidos que había imaginado cuando compuso por primera vez las obras para piano solo. "Cuando tocaba 'River Flows In You', a menudo pensaba que una melodía de flauta funcionaría bien por encima; fue maravilloso explorar esto".

The Rewrite Memories abarca música de los 20 años de carrera de Yiruma, desde First Love de 2001 hasta su reciente composición Room With A View, una pieza dedicada a la alegría de quedarse en casa que, a pesar de haber sido escrita antes de la pandemia, proporcionó una banda sonora evocadora para 2020...

 

  

01. Kiss The Rain (Orchestra Version)
02. Sunset Bird (Piano Septet Version)
03. River Flows In You (Orchestra Version)
04. Maybe Christmas (Orchestra Version)
05. Nocturnal Mind in d minor (Piano Septet Version)
06. Reminiscent of Days (Orchestra Version)
07. Room With A View (Piano Septet Version)
08. La Fotografia (Orchestra Version)

 

 

 

Yiruma - SOLO (2021)
SOLO es la segunda parte del proyecto para celebrar el 20 aniversario de la carrera musical de Yiruma. Frente a los arreglos orquestales y de cuerdas del primer lanzamiento 'The Rewrite Memories', 'SOLO', como se muestra en el título, contiene arreglos simples de piano solo que siempre han sido amados por sus fans. Revisando los repertorios de Yiruma desde los primeros días de hacer música, las canciones incluyen 'Spring Waltz', 'Joy', 'Kiss the Rain' y 'River Flows in You'.

1. Sometimes Someone
2. Destiny Of Love
3. Lost In Island
4. Shining Smile
5. Spring Waltz
6. River Flows In You
7. Joy
8. 27 May
9. The Sunbeams,They Scatter
10. I
11. If I Could See You Again
12. It's Your Day
13. Kiss The Rain
14. Lord Hold My Hand

Relativity - Gathering Pace (1987)

 

Después de un estupendo disco homónimo de debut en 1986, un año después llegó "Gathering pace", con el que dieron una nueva vuelta de tuerca basada en gran medida en una sublime producción a cargo de los propios miembros del grupo (Phill Cunningham sigue siendo un productor de excepción veinte años después). Este grupo, del cual Ramón Trecet siempre dijo que se adelantó a su tiempo, bien pudo significar un paso adelante en la evolución de la música folk irlandesa, y "Gathering pace" en particular es un disco elegante y casi perfecto, en el que se podrí­a destacar cada uno de los temas, tanto vocales como instrumentales. Con todos sus miembros (aparte de su virtuosismo) en estado de gracia compositivo (Phil maravilla con algunos reels como "Blackwell court" o "Ceol Anna", Johhny nos lega una joya tan mí­tica como "When she sleeps", Triona y su voz nos deleitan con su tí­pico toque personal en "Gathering pace", y Micheal ayuda en todos los terrenos), no se olvidan de arreglar temas tradicionales que suponen un gran acierto y el toque último del disco, ya que "Rosc catha na mumhan" (compuesto por Piaras Mac Gearailt), "Said Johnny to Molly" y en especial "Siún ni Dhuibhir" son canciones realmente inolvidables. Micheal O'Dohmnaill descansa ya en su irlanda natal, la tierra que amó y a la que ensalzó con su música. Junto a él, otros mí­ticos celtas nos van dejando (Simon Jeffes -Pengí¼in cafe orchestra-, Martyn Bennett -a sus prometedores 34 años- o el mismo Johnny Cunningham) pero su música continúa con nosotros.

Visita el blog de Pepe Cantos Solsticio de Invierno...
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2006/07/relativity-gathering-pace.html

 

 

Accordion, Synthesizer, Vocals, Whistle – Phil Cunningham
Clavinet, Synthesizer, Vocals – Tríona Ní Dhomhnaill
Fiddle, Vocals – John Cunningham
Guitar, Vocals – Mícheál Ó Domhnaill

1        Blackwell Court / Highland Laddies / Gillies' Taxis / The Double Rise    6:39
2        Gathering Pace    2:39
3        Rosc Catha Na Mumhan 5:16
4        Miss Tara MacAdam / The First Train To Kyle    2:56
5        Má Théid Tú ún Aonaigh    4:28
6        Siún Ni Dhuibir    4:14
7        When She Sleeps    4:49
8        Said Johhny To Molly    6:26
9        The Monday Morning Reel / Cutting A Slide / Robert The Minnow / Hogties' Reel    6:06
10      Ceol Anna / A Rìbhinn Òg Bhiel Cuimhn' Agad    8:25

 

 

Dai Qing Tana & HAYA Band - Crazy Horse (2014)

El conjunto musical de HAYA Band y Daiqing Tana captura de manera encantadora la esencia primordial de una época antigua y mística. Escuchar su marca única de melodías surrealistas evoca un viaje mágico a una época vasta cuando nuestras comunidades culturales y herencia ancestral estaban alineadas con una comprensión centrada en el alma del poder asombroso y majestuoso de la tierra. En consecuencia, tal aprecio infundió en nuestros corazones una profunda reverencia por toda la creación. Al ensamblar un arreglo musical único donde el ritmo instrumental complementa una claridad vocal prístina, son capaces de inspirar de manera sublime dentro de nuestras mentes un espíritu eterno de trascendencia que incita al alma a hablarnos en un momento tranquilo de soledad. Es el cuento de un guerrero del alma lo que cantan; sin mancha, conectado con el corazón, inspirando un reflejo tranquilo de nuestra presencia divina en el interior.

Tal vez, una celebración del regreso a la inocencia pura de un pasado olvidado se revela en sus letras cuando se fusiona con una súplica que invita a despertar el alma. Escuchar sus seductoras interpretaciones lo lleva a uno a sumergirse en una búsqueda espiritual para ponderar, reflexionar y, en última instancia, entrar en un despertar de ensueño de nosotros mismos, de la familia humana y de la red de la vida. La música es el lenguaje del alma y cuando se le permite cruzar líneas de tiempo y divisiones culturales, de repente nos encontramos como embajadores de paz para la condición humana que ruega un retorno a una condición más iluminada, centrada en la tierra y armoniosa para toda la humanidad. Si escucha con atención, uno puede discernir que su música es a la vez suave y feroz al mismo tiempo en el contexto de una cadencia espiritualmente inspirada, como si el taoísta Yin y Yang estuvieran operando simultáneamente para fusionarse en una melodía perfecta.

 

 Tras el primer álbum de Haya, Silent Sky, que despertó miles de corazones, y el desenfrenado exito de su segundo álbum Migration, este último lanzamiento ha traspasado las fronteras musicales a través de una interpretación aún más atrevida y experimental. La voz de Daiqing Tana hace un avance directo a las profundidades del corazón. Es tanto un susurro profundo como una gran resonancia. Escucha la llamada más sincero desde el corazón de un pastor nomada y reflexiona sobre la vida y la unión de todas las cosas.

1 Four Seasons
2 Samsara
3 Crazy Horse
4 Bulage
5 Bagan's Butterfly
6 White Clouds
7 The Land of Wolves
8 Inspiration
9 Crazy Horse (Alt Version)
10 Ocean
11 Sheep Song

José Antonio Ramos - Very JAR (2008)

José Antonio Ramos (Las Palmas de Gran Canaria, 1969-2008) ha sido un maestro del timple. Comenzó a los 8 años, con el maestro Totoyo Millares, toda una institución. Cursó estudios de guitarra clásica, en el Conservatorio Superior de Música de Canarias. Bebió de fuentes diversas: con maestros de improvisación, con músicas cercanas al jazz y las músicas modernas, en definitiva aprender para luego llevarlo al instrumento que fue su principal medio de expresión.
Describió el timple José Antonio Ramos durante la entrevista realizada en el programa “Los sonidos del planeta azul” en febrero de 2006, como “una especie de guitarrita, del tamaño de menos media guitarra española. Según los musicólogos es un instrumento que procede de los guitarrillos ibéricos, que se repartían por muchos puntos de la península, como Aragón, Valencia y Mallorca, que a su vez procedían de la guitarra barroca europea que tenía varias tesituras entre ellas la guitarra soprano o tiple. De ahí, de la palabra tiple que derivó a timple. Se originó en Canarias pero tiene parientes en repartidos por todo el mundo como el charango andino, el cuatro venezolano, el ukekele, el cavaquinho, el timple colombiano”. José Antonio Ramos, junto a Benito Cabrera (Lanzarote) y Domingo Rodríguez “El Colorao” (Fuerteventura), son los responsables de la evolución y difusión del instrumento, de sonido brillante y alegre. 

 

 Tema incluido en el CD "Las manos del maestro" de José Antonio Ramos y Totoyo Millares.

   

En el disco colaboran un buen número de músicos que dan mucho colorido a las canciones: Kepa Juntera, Javier Paxariño, Mayelín, Andreas Prittwitz, Manuel Estupiñán, Héctor González, Lavinia Rodríguez, José Manuel Ramos…

01. La chamarrita de Antonio
02. Un canario en Irlanda
03. Un timple para Irina
04. Timple & Drum (Venezuela)
05. Tanto como ayer
06. Canto de arriero
07. La leyenda de Ico
08. Timple & Drum (Cuba)
09. Canari
10. Sembrando isas
11. Mar de nubes
12. Timple & Drum (Singapur)
13. El apuesto timple y la bonita imaginación
14. Seguidillas y saltonas de Artenara
15. Very Jar

 

 

Wayne Gratz - A Gift Of The Sea (1996)

 

En una entrevista para Mainly Piano Wayne Gratz dice que lo que más le gusta tocar es la música que aún no ha escrito. Le encanta improvisar al piano y, a menudo, se encuentra tocando hasta altas horas de la noche. La música de Wayne es extremadamente personal y se basa en sus propios sentimientos sobre las personas, los lugares y las experiencias. No suele tener una idea concreta cuando empieza a escribir una canción, pero cuando se le ocurre una idea que une la música con un lugar o sentimiento recordado, la experiencia es muy especial. Se esfuerza mucho por hacer coincidir los títulos de sus piezas con los sentimientos que describe para que otros puedan relacionarse y compartir la experiencia.
Wayne Gratz tiene un don para las composiciones de piano melódicas y relajantes. Sus discos son excelentes.
En su discografía, creo que hay cinco lanzamientos que destacan sobre todos los demás, Panorama, Blue Ridge, A Place Without Noise, Reminiscence y este que os presento A Gift Of The Sea, una maravilla para piano y ensemble.

Género:    Classical
Estilo:    Modern

1        A Gift Of The Sea    5:27
2        At Sunrise    5:15
3        Oceanus    5:18
4        Steps In The Sand    4:51
5        Two Solitudes    4:03
6        Ships    4:57
7        Island    5:39
8        Spanish Galleon    4:50
9        Tidal Dance    4:54
10        By The Sea    5:39
11        Soaring    4:13
12        Shells    2:51

 

Mychael Danna & Tim Clement - North of Niagara (1995)

 

La contraportada de este CD indica que "Bruce Trail es el sendero más antiguo y más largo de Canadá". También es la razón de ser de una colaboración entre Mychael Danna, que tiene varias partituras de películas en su haber, así como grabaciones de sus propias composiciones más grandes, y su compatriota canadiense Tim Clement, un músico de habilidades proteicas y gustos católicos.

El sendero en sí se extiende por 100 km a lo largo de Niagara Escarpment, una Reserva Mundial de la Biosfera de la Unesco en el corazón de Ontario. Abarca una amplia diversidad de ambientes, desde los bosques del sur de Ontario en su comienzo en las Cataratas del Niágara y los tramos sureste del lago Ontario hasta los promontorios rocosos en su punto final en Tobermory en las costas de Georgian Bay.

Si bien encaja libremente bajo la rúbrica de la música new age, North of Niagara es un trabajo más incisivo y reflexivo que la mayoría de los que encontrará en esta área. Danna y Clement han bautizado su estilo combinado como "minimalismo romántico", lo que parece confirmarlo la propia música: hay una sobriedad en estas composiciones que, al tiempo que hacen un amplio uso de los recursos que ambos tienen a su disposición (y estos son dos músicos más ingeniosos), también ofrece una serie concentrada de pequeñas composiciones que evocan el estado de ánimo de una manera casi concreta. Los 12 segmentos que se ofrecen aquí brindan una destilación impresionante de las vistas, los sonidos y la sensación misma de una caminata por la naturaleza.

Esta es una música intensamente visual. Sospecho que si uno alguna vez ha caminado por el camino de Bruce, este álbum lo traería todo de vuelta. (Nunca he estado más lejos en Canadá que las tierras de cultivo del sur de Ontario, pero esta grabación me trae vívidos recuerdos de los confines de los Apalaches). Aunque en gran medida introspectiva, casi reflexiva en su estado de ánimo, esta música es cautivadora, sofisticada y bien construida. No todas las pistas son del calibre de "Mount Nemo" o "Remember Summer" (Danna tiende a dejar que sus tendencias de "música espacial" tomen el control), pero la calidad general es excepcional. Cada pieza es marcadamente individual, mientras que los puntos en común subyacentes unifican lo que podría llamarse una sinfonía en 12 movimientos.
https://www.rambles.net/danna_niagara95.html

 

 

Género:    Electronic
Estilo:    Modern Classical, Ambient

01.Cootes Paradise
02.Ravensview
03.Remember Summer
04.Old Mail Road
05.Mount Nemo
06.Silent Lake
07.Avening
08.Crooks Hollow
09.Headwater Trail
10.Crawford Lake
11.Green River Formation
12.Lookout Point

Kiasmos - Kiasmos (2014)

Kiasmos es el proyecto conjunto de dos amigos, el feroés Janus Rasmussen y el islandés Ólafur Arnalds. Estos dos amigos llevaban colaborando y coincidiendo juntos varios años hasta que decidieron comenzar este proyecto común en 2009 paralelo a sus respectivas carreras.

Ólafur es un compositor, productor y multi-instrumentista que comenzó como batería de hardcore hasta que, en 2004 les pasó su demo de composiciones caseras a los metaleros alemanes Heaven Shall Burn que, unos meses más tarde, le pidieron que hiciera varias intros instrumentales para sus álbumes. Fue el inicio de una carrera polifacética por la que ha ganado un BAFTA. Por su parte, Janus es integrante del cuarteto de electropop islandés Bloodgroup.

Juntos como Kiasmos han publicado split “65/Milo” (2009), dos EPs, “Thrown” (2012) y “Looped” (2015) y un esperado álbum homónimo “Kiasmos” (2014) de minimalismo experimental muy bailable grabado con un cuarteto de cuerda, batería, piano sintetizadores y cajas de ritmo.
https://www.erasedtapes.com/artist/kiasmos

Kiasmos is the 2014 debut album by the Icelandic minimal experimental techno duo Kiasmos,composed of Ólafur Arnalds and Janus Rasmussen. It was released on 27 October 2014 on Erased Tapes Records. It's well-documented that neo-classical experimentalist Ólafur Arnalds and Bloodgroup's Janus Rasmussen form Kiasmos, an ambient techno project. The two are renowned musicians in their own rights, and Kiasmos doesn't stray far from what the pair do for their day jobs - it's all very atmospheric, structured and verging on the avante-garde.

 

Género: Electronic
Estilo: Minimal Techno, Modern Classical

01 - Lit (06:25)
02 - Held (05:01)
03 - Looped (06:01)
04 - Swayed (04:24)
05 - Thrown (08:59)
06 - Dragged (05:01)
07 - Bent (05:45)
08 - Burnt (09:21)

Jens Buchert - Exoplanet (2019)

 

Exoplanet, el álbum de Jens Buchert, vuelve a dejar las extensiones musicales de nuestro sistema solar aural. Entre Ethereal Techno, Ambient, Retro Electronica, Progressive House y Chillhouse, su estilo escénico simplemente no se puede clasificar.
El tema de apertura, Exoplanet, lleva las sinapsis al frente y muestra al oyente el camino hacia un colorido universo sonoro que consta de leyendas de sintetizadores como ARP2600, Minimoog, Synclavier, Korg MS20, Oberheim OB-8 y algunos ingredientes sonoros secretos.
Los ritmos complejos y sofisticados alrededor de los 120bpm son estimulantes y de discoteca, pero no demasiado dominantes ni trillados.
Arpegios de sintetizador analógico impactantes y hormigueantes, amplios y cálidos sonidos de pads 3D, estructuras de sonido palpitantes y homogéneas y armonías simbióticas te cautivarán.
También se puede escuchar claramente un sonido analógico retrospectivo y perfeccionado como en Wavefields o Cyclesphere.
https://www.discogs.com/es/Jens-Buchert-Exoplanet/release/14024473


Género: Electronic
Estilo: Progressive House, Tech House, Techno

1     Exoplanet     5:15
2     Arcticon     4:51
3     Worldrone     6:11
4     Icelander     5:29
5     Elfinhouse     5:30
6     Darksteps     5:19
7     Wavefields     4:23
8     Mandrake     6:58
9     Cyclesphere     5:14
10     Skyflow     5:20