La primera muestra del sello Global Pacific, Global Pacific: The Fruits of Our Labor, presenta los primeros trabajos de artistas como Steve Kindler, Ben Tavera King, Paul Greaver y Bob Kindler, entre otros. El album es una exploración de texturas sonoras y ritmos globales que evocan movimiento y, al mismo tiempo, un espacio sereno en el que meditar y relajarse. The Fruits of Our Labor es un gran álbum para los amantes de la música instrumental.
1 Paul Greaver– Twin Lakes 4:31 2 Steve Kindler– Back Country 5:12 3 Bob Kindler– Grace 5:20 4 Penny Little / Ben Hurley– Ka Ula O Na Lani 3:33 5 Robert Aeolus Myers– Archangel Michael 3:28 6 Richard Garneau– Na Pali 3:58 7 Ben Tavera King– Cactus Blossom 4:06 8 Paul Greaver– California 4:23 9 Steve Kindler– Something From The Heart 2:02 10 Steve Kindler– For You 4:10 11 Paul Greaver– Circles 4:27 12 Bob Kindler– Aspiration 6:17 13 Sulubika– African Samurai 4:55 14 Robert Aeolus Myers– On Angels Becoming Human 4:37 15 Bob Kindler– Devotional 5:37 16 Penny Little / Ben Hurley– Tributaries 4:44
Aki Fukakusa nació en Japon en la prefectura de Aichi en el año 1949. Estuvo activo como bajista durante mucho tiempo en la "Far East Family Band", pero en 1979, quedó fascinado por el antiguo instrumento musical chino "Hatakoto", Aki Fukakusa conoció el Hatakoto, pero en ese momento, no pudo encontrar ningún material sobre estilos e instrumentos musicales, por lo que repitió el ensayo y error en todos los aspectos, como los tipos de cuerdas, la afinación y los estilos de ejecución, y los combinó con varios efectos. Aki Fukakusa ha establecido un mundo de sonido único. Además, tuvo la suerte de estar a cargo de la música del galardonado drama de la television japonesa NHK "Kura", e hizo que el sonido del Hata Koto hiciera eco en todo Japón. En 1997, fué llamado por una discográfica de Oslo, Noruega, para colaborar con Anne Vada (cantante tradicional noruega). Produjo el álbum "Dawn / Solrenning". (Este álbum ha sido lanzado en varios países europeos, incluidos Noruega y Londres).
El interprete de Hata Koto, Aki Fukakusa con su musica, ha tenido como objetivo crear un "espacio sonoro" para atraer fuertemente a los oyentes al mundo de la imaginación, que es la música que da tranquilidad en la sociedad moderna.
También conocido como Babaji Bob Kindler, compositor, violonchelista, multiinstrumentista, arreglista. Su música está inspirada, entre otros La cultura india, pero no algo intrusivo, obsesivo. Puede crear un estado de ánimo que cautiva.
Este es un álbum excepcional de instrumentales contemporáneos de inspiración étnica. Además de violonchelo, arpa automática y flautas, el álbum presenta una amplia gama de tablas (un tambor indio).
Bob Kindler (cello, autoharp) Sulubika (flute) Greg Johnson (tables, tabla tarong) Daniel Paul (tables, tabla tarong) Rose Cabanlit (autoharp)
Género: Classical, Folk, World Music Estilo: New Age, Neo-Classical
1 The Master's Perpetual Play 5:51 2 Warrior Goddess 4:28 3 Tarong Sarong 8:41 4 Sojourn In Musical Realms 8:09 5 Tiger's Paw 4:18 6 Surfing Waves Of Ecstacy 4:47
Después de dos álbumes de composiciones ingeniosas para piano y violín lanzados por Denovali Records, Poppy Ackroyd se mudó a One Little Indian en 2017. Su primera grabación para el sello es Sketches, que la encuentra revisando piezas de sus álbumes anteriores además de presentar material nuevo.
En Escapement de 2012 y Feathers de 2014, Ackroyd demostró un enfoque físico muy visceral para trabajar con sus instrumentos, tocándolos por dentro y por fuera de manera percusiva y melódica, y creando tonos y timbres inusuales y fascinantes. Además de todo esto, utilizó computadoras para editar, realizar múltiples pistas y metamorfosear los sonidos, además de agregar grabaciones de campo para un impacto sónico adicional. En Sketches, presenta sus piezas en forma de piano solo. Las grabaciones de campo todavía están presentes en piezas seleccionadas; naturalmente, "Birdwoman", "Glass Sea" y "Rain" presentan los sonidos de los pájaros, una masa de agua y la lluvia, respectivamente. La forma de tocar de Ackroyd es muy matizada y delicada, y ella es capaz de fluir con gracia de melodías dulces y esperanzadoras a otras más tristes e inquietantes. "Time" es un elemento destacado en particular, pasando del miedo al éxtasis sin sonar discordante o conflictivo. Todo suena increíblemente bonito, por supuesto, pero después de escuchar estas piezas en sus formas anteriores, estas interpretaciones simplificadas inevitablemente se sienten como un paso atrás. Quizás esto sea simplemente una limpieza de la paleta, con Ackroyd sintiendo la necesidad de volver a lo básico antes de hacer su próximo avance sonoro. Suena perfectamente bien y relajante....AllMusic
Sketches is a collection of acoustic solo piano arrangements of ten pieces selected from Poppy Ackroyd’s first three studio albums. These are Poppy’s own transcriptions of pieces she has played live at concerts for years and which have evolved over time. At the time of recording Sketches, the compositions were not yet notated. When transcribing them, Poppy made the decision to make the scores as faithful as possible to the versions of the album.
Cuando Discovery Channel le encargó a Peter Kater que compusiera e interpretara la banda sonora de How The West Was Lost, una miniserie de televisión de 13 horas que explora la experiencia de los nativos americanos entre mediados y finales del siglo XIX, tomó algunas decisiones importantes. Reclutó a R. Carlos Nakai, Joanne Shenandoah, los White Oak Singers y otros músicos notables para que lo ayudaran. Creó seis horas y media de música profundamente atmosférica, conmovedora y triste. Kater y Nakai no celebran nada. Lamentan la pérdida de la cultura y el patrimonio. Esta es una perspectiva única sobre un tema que a menudo se glamoriza, La música aquí es un tributo a los Pueblos Nativos Americanos en todas partes y una oración para que su cultura, tradiciones y rituales perseveren y sobrevivan.
Tracklist 1 How The West Was Lost (Opening & Prelude) 3:23 2 Dull Knife & Little Wolf 3:07 3 The West (Improvisation With Piano & Native Flute) 3:14 4 Crazy Horse Prayer 3:00 5 Last Of The Buffalo (Native Flute) 2:14 6 Three Theme Medley (Piano) 3:13 7 Stating Intention 4:02 8 Sand Creek Memories 2:17 9 Black Kettle Theme Variations (Oboe) 1:37 10 Nez Perce Flight Song 3:20 11 Navajo Land Blessing 1:10 12 Black Hills Warrior 2:36 13 Lakota Flute Song 2:12 14 Surrender 4:47 15 Flight Song (Piano & Native Flute Rendition) 3:40 16 The Death Of Dull Knife 2:26 17 A Good Day To Die (In Three Parts) 2:48 18 Geronimo's Surrender 3:48 19 He Came From The Black Hills 1:59 20 South West Warrior (In Three Parts) 2:59 21 Becoming Human 1:56 22 I Will Fight No More 4:09 23 The West (Main Theme Into The Spirit Endures) 1:35
Album Credits Peter Kater Primary - Artist, Synthesizer, Piano, Vocals, Background Vocals, Track Performer David Darling - Cello R. Carlos Nakai - Flute, Percussion, Voices, Human Whistle, Whistle (Instrument), Chant, Track Performer, Rattles, Native American Flute Debbie Reynolds - Track Performer Jonathan Edwards - Percussion Chris White - Vocals John Edwards - Percussion Tim Butler - Cello Kathy Golding - Oboe Dave Guard - Track Performer Cecil Hooker - Violin Cheryl Hurwitz - Vocals, Background Vocals Robert Jospé - Percussion Marcus Miller - Soprano Saxophone Bob Read - Soprano Saxophone Martha Sandefer - Vocals, Background Vocals Andreas Schell - Background Vocals White Oak Singers - Vocals, Singer Christine White - Vocals, Background Vocals Bobby Read - Soprano Saxophone David Palmer - Percussion Andy Schell - Vocals Mark Miller Soprano - Saxophone
Peter Kater - How The West Was Lost Vol.2 How The West Was Lost vol.2 es el segundo CD de esta música reverente. Peter Kater es ciertamente una persona talentosa y su capacidad crece con el aporte de R. Carlos Nakai y Joanne Shenandoah. Ambos discos son asombrosos. Esto es esencial para los fanáticos de la música nativa americana.
Tracks How the West Was Lost (Overture) (2:55) How the West Was Lost [Seminole] (1:41) Themes for the Cherokee (3:14) Hand in Hand (1:39) Prayer for Peace (3:21) Our Land, Our Life (2:35) How the West Was Lost (Indian Territory)(2:18) The Seminole Everglades (3:51) Challenge at White River (2:49) Dakota Justice Peter Kater (2:10) Cherokee Faith Peter Kater (1:54) Indian Territory (1:55) White River Utes (2:34) Landscape of War (4:22) Proud Warrior (2:17) Slight of Land (1:42) Iroquois Longhouse (1:06) Chief Ouray's Death Song (2:26) The Cherokee's Brother (3:58) Everglade Farewell (2:31) Grandmother's Lament (3:18) Dance of the North (3:46) Dakota Medicine (2:20) How the West Was Lost [Closing Theme]
Lumobyr Melnyk (n. 20 de diciembre de 1948) es un compositor y pianista ucraniano. Es conocido por sus contribuciones a la música continua, una técnica de piano basada en notas extremadamente rápidas y series de notas complejas, usualmente sosteniendo el pedal apretado para generar sobretonos y resonancias empáticas. Estos sobretonos crean una curva o se enfrentan a los cambios armónicos. La mayoría de su música es para piano, pero también compone música de cámara y trabajos de orquesta. https://es.wikipedia.org/wiki/Lubomyr_Melnyk
Lubomyr Melnyk continúa produciendo un nuevo trabajo clásico exquisitamente hermoso, ganándose una audiencia por su técnica de "música continua" que se amplía con cada lanzamiento. Este nuevo esfuerzo, el más reciente para Erased Tapes, presenta contribuciones de otros miembros de la lista del sello. Los vocalistas Hatis Noit y David Allred y la violonchelista Anne Müller añaden más profundidad emocional a la ya conmovedora interpretación de Melnyk.
Melnyk a menudo se describe como el pianista más rápido del mundo. Ha grabado la asombrosa cantidad de más de 19 notas por segundo, simultáneamente con ambas manos. Sin embargo, esto es engañoso; sugiere un grado de agresión que está completamente ausente en su obra. En cambio, este enfoque continuo y compacto del piano produce ondas de sonido acústico que son notablemente pacíficas.
Eso no quiere decir que su trabajo sea siempre reconfortante. El "Requiem For a Fallen Tree" de este nuevo álbum es un ejemplo de cuán emocionalmente agotador es su trabajo a veces. Una pieza anterior, "Concierto-Réquiem para violín y piano" de 1983, estaba "dedicada a las víctimas del terrorismo bolchevique en 1933". Es profundamente conmovedor. https://exclaim.ca/music/article/lubomyr_melnyk-fallen_trees
Cello – Anne Müller Piano – Lubomyr Melnyk Voice – Hatis Noit Voice [Additional Voices] – David Allred, Lubomyr Melnyk, Robert Raths
1 Requiem For A Fallen Tree 7:14 2 Son Of Parasol 7:37 3 Barcarolle 8:01 Fallen Trees 4.1 Part I: Preamble 4:22 4.2 Part II: Existence 3:23 4.3 Part III: Apparition 6:29 4.4 Part IV: They Are Down 3:45 4.5 Part V: Not Forgotten 3:22
Tenía que ser un gran interprete de ese maravilloso instrumento como David Lanz el que lanzara al mundo un homenaje musical al inventor italiano, en forma de álbum delicioso e inmutable, "Cristofori's dream", publicado en uno de los grandes momentos de cambio de mentalidad espiritual, cuando la música new age se abrió su propio hueco en el mercado estadounidense y mundial. El gérmen, la chispa que originó la idea del álbum, partió del libro 'Passion for the piano' de Judith Oringer, que le regaló un amigo, que incluía una dedicatoria muy especial a Bartolomeo Cristofori. Ahí descubrió a este contemporáneo de Bach y se obsesionó con la idea de dedicarle un disco. Dos sueños convivían en el trabajo, el de David Lanz y el de Cristofori, y es que, decía el estadounidense, "de alguna manera, la melodía puede arrastrarnos a fantasías oníricas", así como "la música en sí misma es casi un estado de sueño", asociando de manera muy benevolente ambas vertientes. Reseña de Pepe Cantos http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2018/01/david-lanz-cristoforis-dream.html
Tracks 1. Cristofori’s Dream – 6:08 2. Spiral Dance – 6:17 3. Green into Gold 10:02 4. Wings to Altair – 6:19 5. Summer’s Child – 6:13 6. Free Fall – 4:23 7. A Whiter Shade of Pale – 6:46 Total: 46:12
"Flowers Of Evil" es un álbum que originalmente fue concebido en 1969 por Suzanne Ciani, tomando como punto de partida el trabajo del poeta Charles Baudelaire, específicamente el extracto "Élévation" de su clásico "Flowers Of Evil".
El álbum finalmente fue rescatado por Finders Keepers Records, quienes se la han pasando editando material inédito de Ciani, por lo que después de varias décadas de vivir en las sombras por fin podemos escuchar las piezas remasterizadas que le dan vida a esta producción.
El sintetizador modular Buchla es un dispositivo imponente. Una serie de cajas y cables que se parecen a muchos espaguetis multicolores, uno hace música desde su caos de circuitos por medio de cables de conexión que se conectan entre docenas de puertos. Este es el instrumento desafiante que dominó la pionera sintetizadora Suzanne Ciani. Originalmente grabado en 1969, Flowers of Evil emite un trabajo inédito de los días de estudiante de un músico cuya audiencia incluiría a cualquier persona con un televisor. Pero esto no es mera juvenilia; Es a la vez audazmente experimental y melódicamente accesible.
Incluso si no sabes el nombre de Ciani, es probable que hayas escuchado su música. Su amplia gama de c.v. ha pasado de la década de los 80 a la funky pop inspirada en Star Wars de Meco y el trabajo de sesión para Starland Vocal Band; que whoosh en el elemento básico de escucha fácil "Afternoon Delight"? Es su trabajo. Ciani también hizo su nombre (y su fortuna) en la publicidad, usando Buchla para crear sonidos tan antiguos como el efecto de sonido pop-pour en los comerciales de Coca-Cola. Por lo tanto, un escenario musical de un poeta francés del siglo XIX puede parecer atípico para este artista con visión de futuro. Es posible que Flowers of Evil no te haga querer abrir una botella de refresco, pero es mucho más agradable de lo que podrías esperar de una adaptación electrónica experimental de Baudelaire.
El título de 14 minutos se abre con una serie de notas que sugieren una fanfarria de órgano. Sigue una figura que recuerda el trabajo emblemático de Terry Riley, A Rainbow in Curved Air, que Ciani ha nombrado como uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos. Pero si bien puedes escuchar la influencia de Riley (como Ciani, él favoreció a Buchla), sus melodías electrónicas son más pacientes y menos propensas a los adornos morados.
Ciani tenía la intención de recitar el poema de Baudelaire "Elevación", publicado por primera vez en 1857, sobre esta base electrónica, pero al parecer no estaba contenta con su intento de acento italiano-americano en el francés original, por lo que ella hizo la tarea a un anónimo estudiante de idiomas del cercano Mills College. Aunque Baudelaire había escrito este verso más de un siglo antes de la grabación de Ciani, sus palabras parecen resonar en un momento problemático; recuerda que la Universidad de California en Berkeley, donde ella estudiaba con Buchla en ese momento, era un foco de protesta estudiantil. "Elevación" parece mirar hacia arriba y hacia afuera de la discordia. De la traducción de 1954 de William Aggeler:
Más allá de los vastos dolores y todas las aflicciones.
Eso pesa sobre nuestras vidas y oscurece nuestra visión,
Feliz es el que puede con su ala vigorosa.
Vuela hacia esos campos luminosos y serenos.
En la encrucijada del futuro y el pasado, Ciani encontró una belleza antigua en lo moderno. Parece inevitable que más tarde recurra a la música new age, pero como explica en el fascinante documental A Life in Waves, parece ser el único género que tiene alguna esperanza de describir su música, no el pop ni el jazz ni el clásico.
Las pistas más cortas que llenan Flowers of Evil, que solo tiene 26 minutos, suenan más como la partitura de una fantasía de ciencia ficción (más tarde, ella compondría música para The Stepford Wives y The Incredible Shrinking Woman). "Glass Houses" es una pista de percolación que espera el R2-D2 y las campanillas que Ciani desarrolló para un comercial de GE que promociona un nuevo lavavajillas. Las dos partes de "Token Spokes" son más siniestras, con un aliento electrónico que sugiere algún tipo de bestia robótica. También parece anticipar, en un tono muy diferente, la sensual voz electrónica que Ciani creó para el juego de pinball Xenon.
Ciani pasó de la electrónica a los instrumentos acústicos en los años 80 y luego regresó, el desarrollo coincidió vagamente con un matrimonio fallido, y es tentador leer su música como una metáfora de la conexión humana. Si bien su obra de new age basada en el piano reflejaba un romanticismo, ¿volvió a los sintetizadores después de que esa ilusión se rompiera? Antes de usar su música distintiva para vender productos, desde jabones de baño hasta batidores de malezas, Ciani, con Flowers of Evil, planteó profundas dudas sobre la relación entre el hombre y la máquina, una dualidad que parece estar presente en todo su trabajo, incluso y quizás especialmente en qué. Usted escuchó en la televisión. https://spectrumculture.com/2019/06/20/suzanne-ciani-flowers-of-evil/
01. Flowers Of Evil (Based On The Poem Élévation By Charles Baudelaire)
02. Glass Houses
03. Token Spokes Part One
04. Token Spokes Part Two
Finders Keepers will release Flowers Of Evil on June 7th, 2019.
Suzanne Ciani - Buchla Concerts 1975 (2016)
Los primeros lanzamientos oficiales de Suzanne Ciani salieron en la década de 1980, pero la productora ya estaba haciendo música cuando tenía siete años. De hecho, esta colección de actuaciones en vivo se remonta a un concierto en 1975, donde un joven Ciani ya estaba experimentando con complejos sintetizadores Buchla. Este es un material fantástico, y si estás buscando la búsqueda de profundas y traicioneras pruebas de ruido, no necesitas buscar algo contemporáneo. Los sonidos de Ciari siguen siendo de vanguardia en 2016, y podemos imaginar lo extraños que esta música debió sonar a una audiencia en 1975. Gran aplauso a Sir Votel y Sir Shipton de Finders Keepers por éste album. http://www.finderskeepersrecords.com/shop/suzanne-ciani-buchla-concerts-1975/
Género: Electronic Estilo: Experimental
1. Concert At WBAI Free Music Store 2. Concert At Phil Niblock’s Loft
Suzanne Ciani - Lixiviation (2012)
Son 16 temas inéditos de una Suzanne Ciani muy joven que luchaba en un mundo masculino - el mundo de la música electrónica - por ganarse un lugar en el panorama musical. Lixiviation ofrece una completa retrospectiva de estos primeros trabajos, principalmente música para anuncios de televisión - Coca Cola, Atari o ITT fueron alguna de las marcas que contrataron sus servicios -, bandas sonoras de películas independientes - como es el caso del film Stepford Wives -, ambientación musical de exposiciones artísticas e incluso pura experimentación sonora. Siempre buscando estar en la vanguardia electrónica, siempre innovando y abriendo nuevos horizontes en la producción de sonidos y composiciones.
Experta en la modulación de frecuencia - síntesis analógica, o el arte de modificar impulsos electrónicos básicos para crear diferentes texturas sonoras -, Suzanne Ciani supo fabricar sonidos difícilmente reproducibles por los ingenieros de sonido de aquel entonces, convirtiendose en un referente para compañías que buscaban la innovación musical para anunciar sus productos, muchos de ellos a la vanguardia de la tecnología. Paulatinamente, Suzanne Ciani presentaría sus primeras composiciones - algunas recogidas en Lixiviation - hasta publicar algo después su primer álbum, Seven Waves, el primero de una imparable carrera hacia lo más alto de la New-Age http://musicaparaelbunker.blogspot.com.es/2012/01/suzanne-ciani-lixiviation.html http://www.conceptoradio.net/2012/01/26/suzanne-ciani-lixiviation/
1. Lixiviation 2. Atari Video Games Logo 3. Clean Room [ITT TV Spot] 4. Almay Eclipse [TV Spot] 5. Paris 1971 6. Sound of a Dream Hissing 7. Atari Corporate Tag 8. Pricess With Orange Feet 9. Pop & Pour [Coca-Cola Logo] 10. "Discover Magazine" TV Spot 11. Live Buchla Concert 1975 [Live] 12. Inside Story [PBS TV Spot] 13. Liberator Atari [TV Spot] 14. Eighth Wave 15. Sound of Wetness 16. Second Breath
Michael Jones (1942-19 January 2022), fué un pianista y compositor de new age, además de escritor. David Darling (Elkhart, Indiana; de marzo de 1941-8 de enero de 2021) fue un violonchelista y compositor de new age y jazz contemporáneo, ganador de un Grammy en 2010. Ha tocado y grabado con artistas como Michael Jones, Bobby McFerrin o Spyro Gyra, además de publicar diversos discos solo o con pequeños grupos.
Su primer álbum, Pianoscapes, fue el primer lanzamiento del que después sería uno de los sellos identificativos de la new age, Narada. La obra de Jones, desarrollada fundamentalmente en solos de piano acústico, "es un puente entre lo clásico y lo contemporáneo", logrando una conjunción de estilos "sensible, luminosa, rebosante de energía lírica". Ha colaborado frecuentemente con otros músicos, como David Darling o David Lanz.
Describir la música de Michael Jones como melancólica sería quedarse corto. Un amor profundo y temprano por el piano impulsó a Michael a dedicarse al aprendizaje "clásico" de su hogar natal en Ontario, Canadá. Inspirado por los paisajes nativos de su hogar, a menudo se desviaba de la escuela clásica de pensamiento y se desviaba por su cuenta hacia composiciones que eran estas cosas impresionistas más ligadas a nuestra naturaleza.
Durante unos meses en 1987, en varios estudios caseros, algunos con vista a Sunshine Canyon en Boulder, otros en una granja en el medio de Massachusetts, juntos, David y Michael transformaron lentamente lo que originalmente era un duelo de piano y violonchelo en una especie de meditación. . Profundamente conmovidos por su música cada vez más suave, de alguna manera, tocaron tonos y melodías que apuntaban a pastorales comunales que unían a todas las comunidades en la división continental estadounidense. Al igual que la miríada de vistas de Colorado (montañas, arroyos, lagos y más), esta música también era igual en poesía tonal dramáticamente conectada.
Desde la tierna y expansiva canción de apertura de las praderas, “Rainfall”, hasta la cinematográfica, bastante neoclásica, “Shadows Of The Moon”, toda Amber se mueve de una manera suave, introspectiva y retrospectiva. Canciones como "Sunshine Canyon" e "Indian Summer" traen a la mente los amplios tapices visuales de la Escuela del Río Hudson de Estados Unidos, ahora configurada en una cinta continua. Experimentos como el tántrico "Wu Wei" de David Darling muestran un resultado diferente de esta nueva mezcla, ya que los motivos orientales bailan como rayos de sol que atraviesan las copas de los árboles. “Dreamlight” flota a tu alrededor como una bruma matutina. Todo en Amber está tan maravillosamente arreglado, con buen gusto, que uno incluso tiene tiempo para notar pequeños momentos de reflexión. En cierto modo es un disco muy “americano”, tal vez uno que hablaba de una búsqueda diferente en nuestra búsqueda por manifestar el destino. https://www.fondsound.com/michael-jones-david-darling-amber-1987/
David Darling – cellos, Rhodes piano, hammered dulcimer, kalimba, whistle, production Michael Jones – piano Jeff Rowland – electronics
Rainfall (5:19) Sunshine Canyon (4:33) Indian Summer (5:24) Wu Wei (7:28) After the Sun (5:09) Dreamlight (11:33) Shadows of the Moon (3:53)
La inquietud no es una cualidad a menudo asociada con George Winston, pero el adjetivo se adapta a su álbum de 2019 Restless Wind. Construido como un viaje de impresión a lo largo de la historia de América, Restless Wind desdibuja las distinciones entre el pasado y el presente, el arte alto y bajo, la ciudad y la vida en el campo. Winston favorece los grandes gestos y las conexiones en exceso sobre la oscuridad. Muchas de las canciones que ha elegido para grabar en Restless Wind son familiares: "A Change Is Gonna Come" de Sam Cooke es seguido por "Summertime" de Gershwin, "Stills" de Stephen Stills y "The Unknown Soldier" de The Doors Is Over) "hacen apariciones, y termina el álbum con una mezcla de" The Wayward Wind (The Restless Wind) "y" Que Sera Sera ". Lo que le da a Restless Wind su impacto es el contexto y la ejecución. Al rodear estos artículos familiares con "Cancion Mixteca (Lamentación del inmigrante)" de 1915 y el tema de The Times of Harvey Milk, un documental de 1984 sobre el pionero de los derechos de los homosexuales, Winston deja en claro que Restless Wind es una protesta silenciosa contra el estrecho , visión reductiva de América a finales de la década de 2010. Lo que da a Restless Wind su poesía es cómo Winston encuentra el punto medio entre James Booker y Steve Reich, los dos músicos que cita como inspiración para su canción original. A lo largo de Restless Wind, Winston logra una elegancia expansiva y elástica que casi cuelga suspendida, sin embargo, aporta sus cualidades más airadas con una mano izquierda hábil y rítmica que le da fuerza a la música. Es un logro notable que atrae por igual a la cabeza y al corazón. https://www.allmusic.com/album/restless-wind-mw0003262648 http://www.georgewinston.com/
1. Autumn Wind (Pixie #11) by George Winston 2. Judge, Judge by George Brooks, 1927 3. A Change Is Gonna Come by Sam Cooke, 1963 4. Summertime by George Gershwin, Ira Gershwin, and Dubose Edwin Heyward, 1935 5. Canción Mixteca (Immigrant's Lament) by José López Alavez, 1915 6. The Good Earth by Jimmy Wisner, 1962 7. For What It's Worth by Stephen Stills, 1967 8. Medley: Muskrat Ramble/ I Feel Like I’m Fixin' To Die Rag/ Stop The Bleeding by Edwin (Kid) Ory, 1921/ Country Joe McDonald, 1965/ George Winston 9. The Times Of Harvey Milk by Mark Isham, 1984 10. The Unknown Soldier by the Doors, 1968 11. The Wayward Wind by Stanley Lebowsky & Herb Newman, 1956
