Celso Fonseca, se ha convertido rápidamente en uno de los compositores brasileños a la cabeza junto a nombres como Gilberto Gil, Caetano Veloso y Bebel Gilberto. Su primer álbum, "Natural", cuenta con él como guitarrista, arreglista y productor. Ha colaborado con muchos de los mejores artistas brasileños, Chico Buarque, Djavan, Milton Nascimento, Caetano Veloso y Gal Costa, así como míticos como Carlos Santana y Charles Lloyd. Ha publicado varios trabajos de éxito en los que nos deleita con su particular versión de la bossa nova moderna, sobre todo con instrumentos acústicos tradicionales.
Natural de Celso Fonseca es un disco sorprendente por la frescura y magnetismo con la que traslada al día de hoy el sonido más clásico de la bossanova que se realizó en los 60 (Jobim, Bonfá..). Es como si Luiz Bonfa se hubiera reencarnado en este brasileño de alma cándida, y nos brindara lo mejor de si, un buen puñado de años después de sus días gloriosos.
Es un precioso disco de bossanova lleno de medios tempos, semi acústico, con un mínimo de orquestación y bonitas melodías, susurrado con la delicadeza de los grandes. Toda una delicia de disco que creo gustará a todos los amantes de la bossa.
Tracks
1. Bom Sinal - (Portuguese)
2. Sem Resposta - (Portuguese)
3. Origem da Felicidade, A - (Portuguese)
4. Night We Called It a Day, The - (Portuguese)
5. Meu Samba Torto - (Portuguese)
6. Febre - (Portuguese)
7. Consolacao
8. Ela Carioca
9. Teu Sorriso - (Portuguese)
10. Slow Motion Bossa Nova - (Portuguese)
11. Minha Dalva de Oliveira - (Portuguese)
12. Buteco 2
Lama Gyurme nació en Bután en 1948 y manifestó desde el principio grandes y excepcionales cualidades y una fuerte atracción, devoción y dedicación hacia la vida monástica. Residió permanentemente, desde los 8 años, en el Monasterio de Djang Tcheu Ling, donde recibió una profunda educación religiosa completa, así como también se inició en las artes tradicionales así como en la música. Es después de su primer retiro de tres años, en el Monasterio de Sonada en India, que el Venerable Kalu Rimpoché lo nombra "Oumzé" que significa Maestro de rituales, de cantos y de danzas. Después de muchos años de dedicación, honor, estudio y de iniciaciones, obtiene el diploma de enseñante (profesor) de la tradición Kagyupa, que le será entregado por Su Santidad el Karmapa XVI.
"Souhaits pour l'Eveil", publicado en octubre de 1994, es la primera colaboración de Lama Gyurme con Jean-Philippe Rykiel. Lama Gyurme y Jean-Philippe Rykiel ilustran la misteriosa interacción de la intuición y el conocimiento, la belleza y la percepción. Canciones antiguas transmitidas oralmente de generación en generación. El budismo no es sólo una religión, una filosofía o una forma de vida, sino una mezcla de los tres, y la serenidad budista irradia en estos cantos, llenando al oyente con un sentido de calma y tranquilidad. El Monje budista Lama Gyurme ofrece cinco cantos tradicionales, sutilmente acompañado por el compositor Jean-Philippe Rykiel arreglos de teclado. El canto en Souhaits pour l'Eveil es una oración de deseo de despertar, la actualización de todas las cualidades potenciales del ser humano. "el segundo tema Guru Rinpoche (el mantra de Padmasambhava)" es un mantra repetido, una fórmula en sánscrito cuyo canto supuestamente produce una purificación interior en los que lo recitan. Un CD hipnótico que rebosa espiritualidad, es muy recomendable para los practicantes de la meditación.
01 Hope For Enlightenment 07:21
02 Mantra Of Padmasambhava 08:33
03 Tsok Offering 07:25
04 Calling The Lama From Afar 24:39
05 Longevity Prayer To Kalu Rinpoche 03:09
06 Chenresig 04:15
The Woman I Loved So Well es el quinto álbum de estudio de Planxty. Al igual que su anterior álbum, After The Break, el álbum fue grabado en Windmill Lane Studios. Coproducido por Dónal Lunny y el ingeniero Brian Masterson, el disco fue grabado en abril y mayo de 1980.
El álbum cuenta con un total de ocho músicos, más que en cualquier otro álbum de Planxty. La línea central de Christy Moore, Dónal Lunny, Andy Irvine y Liam O'Flynn se unen de nuevo con el flautista Matt Molloy, que había dejado la banda poco después del lanzamiento de After The Break para unirse a The Chieftains a tiempo completo. Bill Whelan se unió al grupo en el estudio para tocar el teclado, al igual que el dúo de acordeón / violín de Noel Hill y Tony Linnane, que completó un corto tour por Irlanda con el grupo antes de la grabación.
El álbum concluye con una épica Eleven y una interpretación de medio minuto de la balada "Little Musgrave", que Moore había grabado previamente en su álbum solista homónimo, en 1976. Moore primero descubrió letra de la canción en los papeles esparcidos por el suelo de unos subastadores de Dublín. La canción ha sido una de las canciones más interpretadas de la banda, con versiones en vivo y en estudio de Joan Baez, Fairport Convention, Doc Watson, Peggy Seeger, Ewan MacColl, y otros.
Christy Moore : vocals, guitar, bodhrán
Andy Irvine : vocals, mandolin, bouzouki, harmonica
Dónal Lunny : bouzouki, guitar, synthesiser
Liam O'Flynn : uilleann pipes, tin whistle
Matt Molloy : flute
Bill Whelan : keyboards
Noel Hill : concertina
Tony Linnane : fiddle
"True Love Knows No Season" (5:29)
"Out On The Ocean / Tiocfaidh Tu Abhaile Liom" (3:20)
"Roger O'Hehir" (5:33)
"The Tailor's Twist" (3:14)
"Kellswater" (4:59)
"Johnny of Brady's Lea" (6:31)
"The Woman I Never Forgot / The Pullet / The Ladies Pantalettes" (4:19)
"Little Musgrave" (11:26)
"Paddy Fahy's Reel" (played on solo flute by Matt Molloy as the album fades out)
El difunto Michael Disfarmer era un personaje extraño, cascarrabias de la comunidad rural de Heber Springs, Arkansas, que, a pesar de su carácter anti-social, optó por grabar las imágenes sombrías de sus paisanos, durante la década de 1940 y el 50, en retratos fotográficos en blanco y negro. Décadas después de haber pasado del fotógrafo, una caché de los trabajos realizados por este hombre solitario y tantas veces denostado, fue redescubierto, y ha llegado a ser considerado como un artista importante. Entre los muchos que señalan a sus cuadros llanos y a la vez profundamente evocadores fue Chuck Helm, director de las Artes Escénicas en el Centro Wexner de Columbus, Ohio, que presentó al guitarrista y compositor Bill Frisell con la obra de Disfarmer sobre la corazonada de que Frisell podría ser inspirado por él.
Dice Helm, el catalizador de Disfarmer, "Para mí, Bill Frisell es un artista único americano con una distintivo musical singular, como el de Thelonious Monk o Aaron Copland. En su sondeo atmosférico con evocaciones de paisajes de América paralelos a las verdades emocionales de las fotografías convincentes de Disfarmer.
Como Helm sospecha, el trabajo Disfarmer resonó con Frisell y condujo a la creación de una obra multimedia, El proyecto Disfarmer con Frisell, lap steel el guitarrista Greg Leisz y el violinista Jenny Scheinman, además de las diapositivas de fotos de Disfarmer, que es exhibido en las pantallas. La pieza se estrenó el 3 de marzo de 2007 en el Wexner Center, en el campus de la Universidad Estatal de Ohio. La banda sonora se grabó posteriormente en Seattle y Nashville, producido por el veterano Lee Townsend colaborador de Frisell y también con Viktor Krauss al contrabajo. Junto con composiciones originales de Frisell, él interpola versiones de temas de Arthur Crudup en Alright Mama's y Hank Williams "I Can't Help It (I'm Still in Love with You)" en esta sutil creadora y deslumbrante belleza.
Fuente Amazon
1. Disfarmer Theme - 05:37
2. Lonely Man - 01:15
3. Lost, Night - 01:50
4. Farmer - 01:03
5. Focus - 02:26
6. Peter Miller's Discovery - 04:43
7. That's Alright, Mama - 03:10
8. Little Girl - 03:42
9. Little Boy - 01:16
10. No One Gets In - 02:47
11. Lovesick Blues - 02:48
12. I Can't Help It (If I'm Still In Love With You) - 03:50
13. Shutter, Dream - 04:26
14. Exposed - 02:12
15. The Wizard - 01:52
16. Think - 04:37
17. Drink - 04:29
18. Play - 01:32
19. I Am Not a Farmer - 03:36
20. Small Town - 01:00
21. Arkansas (Part 1) - 01:53
22. Arkansas (Part 2) - 02:19
23. Arkansas (Part 3) - 01:54
24. Lost Again, Dark - 02:06
25. Natural Light - 02:59
26. Did You See Him? - 02:06
El artista, compositor y productor Chuck Greenberg nació en Chicago, Illinois, el 25 de marzo de 1950. Comenzó su carrera musical en el Medio Oeste, incluyendo una gira de la banda de respaldo con los Bee Gees, y luego se trasladó a Los Ángeles, California formando la banda Shadowfax en 1978, a partir de 1982 su éxito como productor y artista se caracterizó por su serie de grabaciones, con Alex de Grassi y Will Ackerman, en el sello Windham Hill. Con Shadowfax ganó un Grammy en 1988 por el album Folksongs for a Nuclear Village.
Chuck Greenberg, el líder de la banda Shadowfax, que combinando la New Age con los sonidos de fusión de todo el mundo, falleció en 1995 de un ataque al corazon cuando estaba de vacaciones con su familia en la isla Santa Cruz. Tenia 45 años y vivía en Atascadero.
From a Blue Planet es una colección de nueve composiciones la quintaesencia de Chuck Greenberg con su lyricon, el primer instrumento de viento electrónico, que ayudó a desarrollar con el ingeniero Bill Bernardi, El Lyricon añadió una dimensión etérea a sus improvisaciones melódicas magistrales y se convirtió en el sonido característico de Shadowfax, le acompañan sus compañeros de Shadowfax Phil Maggini y Charles Bisharat, así como Alex de Grassi y muchos otros.
1. Mundunugu (The Sorcerer)
2. Almost A Dream
3. The Secret Of Time
4. Something About Her Eyes
5. No Long Goodbyes
6. Skytrain
7. Two Headed Alarm Clock
8. A Song for Joy
9. Darker Than Midnight
El principal atractivo de Eric Bibb siempre ha sido su tono positivo y esperanzador transmitido con una voz cálida, una acústica impecable y la producción equilibrada de Glen Scott. Todo esto está presente en su nuevo trabajo Blues People, pero además, aquí, quiere empujar al oyente hacia la armonía racial recordándole los principales logros redentores que surgieron de un mal pasado. Este álbum es en parte un homenaje a la memoria del gran Dr. Martin Luther King.
Aquí se reconoce el poder de la comunidad blusera en su vertiente histórica para ayudar a documentar los abusos y promover el cambio, y se reconoce trayendo a bordo a muchos de sus estimados colegas como Taj Mahal and The Blind Boys of Alabama y a estrellas más recientes como Ruthie Foster y Popa Chubby. Aún así, Blues People evita el tedioso título "y amigos" por ser uno de los esfuerzos más coherentes de Bibb hasta la fecha. Su mezcla no forzada de country blues, folk, gospel y soul, aún con la aplicación de los toques modernos por parte de Scott, sostienen férreamente su visión siendo difícil pasar por alto la conexión entre estos estilos de música y su inherente herencia de ser utilizados para llevar los mensajes más grandes a la humanidad, no sólo acerca de las relaciones personales.
Como uno de los profesionales más agudos del Real Blues desde hace bastante tiempo, puede que hoy no exista nadie más cualificado (exceptuando a Otis Taylor) para utilizar el blues como instrumento para promover el progreso social, y lo hace con cuidado artesanal, a través de la diversidad y la intensidad que encontramos en Blues People. Fuente
1. Silver Spoon – featuring Popa Chubby
2. Driftin' Door To Door
3. God's Mojo
4. Turner Station
5. Pink Dream Cadillac
6. Chocolate Man – featuring Guy Davis
7. Rosewood
8. I Heard The Angels Singin' – featuring JJ Milteau & The Blind Boys Of Alabama
9. Dream Catchers – featuring Harrison Kennedy & Ruthie Foster
10. Chain Reaction – featuring Glenn Scott
11. Needed Time – featuring Taj Mahal, The Blind Boys Of Alabama & Ruthie Foster
12. Out Walkin'
13. Remember The Ones – featuring Linda Tillery
14. Home – featuring Andre De Lange
15. Where Do We Go – featuring Leyla McCalla
Frederick Rousseau (nacido en 1958, París) pertenece a la generación que presenció el comienzo de la música New Age y la explosión de aplicaciones tecnológicas al mundo del espectáculo. Su investigación musical se basa en sonidos electrónicos que se mezcla con instrumentos étnicos, orquestas clásicas y las voces de todos los tonos, colores y procedencias.
Frederick Rousseau siempre encontró el tiempo para trabajar en sus propias composiciones y en 1994 sale Mo, un álbum marcado por su originalidad y sus sonoridades asiáticas. Esta música abre la vía a lo que se llamará más tarde el ethno-lounge.
Este album esta Basado en temas originales Japoneses de diferentes fuentes y regiones.
Poemas de "Le Parfum de la Lune" de Buson
Musicos:
Atsuko Constant: Koto, Vocals and Backing
Miho: Japanese Narration Voices
Didier Malherbe: Flutes, Japanese Flutes, Tubes
Jean Philippe Rykiel: Minimoog and Synthesisers
Didier Sandra: Shakuhashi
Fréderick Rousseau: Synthesisers and Percussion
Stephan Lang: Violin
Enomoto Sisui: Biwa, Vocal
Chii Bulico: Chinese Violin
Kinshi Tsuruta: Shamisen, Vocals Satsuma
1. The Legend [2:43]
2. Maboloshi Quest [4:54]
3. Tale Of Okinawa [5:59]
4. The March [4:28]
5. The Prayer [5:11]
6. Kabuki Masks [4:13]
7. Wood Spirits [5:03]
8. Seventh Circle [4:10]
9. The Dream Of The Snowflake [3:58]
10. La Femme Et Son Ombre [6:17]
11. Warriors [3:43]
12. Woman To Child [3:47]
“Caravan – A Journey to World Apart”, es una coproducción documental de las factorías El Deseo y Transglobe Films que narra en imágenes la historia de dos muchachos de diez años que viven en dos de las regiones más inhóspitas del planeta; el desierto del Teneré y la cordillera del Himalaya. Separados por miles de kilómetros, tienen algo en común: por primera vez van a acompañar, en un largo y peligroso viaje, a sus familias que desde hace generaciones se dedican al comercio de la sal.
“Caravan” es la historia real de estos dos viajes contados a través de Wahid y Tashi, los protagonistas. El primero atravesará el desierto de Teneré –Niger- con una caravana de cuarenta camellos hasta las salinas de Bilma y el segundo, la cordillera del Himalaya –Nepal- con cincuenta Yaks, hasta las salinas de Dabriéuna.
Cuenta Gerardo Olivares, director del film y con un amplio currículo en documentales de esta índole, que durante el rodaje del mismo la música de Tim Story le acompañó en todo momento. Tanto fue así, que para la ambientación de la película el equipo del producción no tenía otra banda sonora en mente, y contactó directamente con el propio compositor.
Es Tim Story un nombre destacado dentro del mundo de las nuevas músicas de los 90 (o new age, según algunas tendencias), y en concreto, de aquél magnífico grupo reunido por el sello Windham Hill en sus albores de gloria (Paul Winter, George Winston, Nightnoise, y tantos otros).
Note el lector que la reseña de esta banda sonora parte de unos criterios artísticos fuera de los habituales de la música de cine, ya que “Caravan” ofrece una transposición fílmica de los conceptos creativos de la música de Story. No espere el lector u oyente potentes secciones orquestales o vertiginosos desarrollos rítmicos; pero no por ello se equivoque y espere un fácil concepto new age con insulsos acordes interminables, armonías predecibles y cómodos sonidos electrónicos…
Si por algo se caracteriza la música de Tim Story es por su riqueza melódica y armónica, construida desde un sonido muy personal, estimulante y profundamente intimista. El compositor fusiona lo acústico con lo electrónico (generalmente, con el uso de solistas acústicos en piano, oboe y cello), con una elegancia única en el género. “Caravan” es un ejemplo de esta música camerística, con algún toque étnico obvio por la temática del film (que quizá sea el punto menos conseguido del trabajo, quedándose algo corto en fuerza y personalidad).
Centrándonos en la edición discográfica, disponemos de 22 pistas (más un bonus track) de corta duración y sin interrupciones, concepción resultante del trabajo posterior del propio compositor. Artísticamente la progresión del CD parece evolucionar desde una sección inicial de exposición a un culmen álgido en las últimas cinco pistas (18 a 22), a las que realizaré una mención especial posteriormente.
Ya de inicio, en “Caravan (Opening)” Story nos sumerge sutilmente en su sonido, con un suave ostinato rítmico ejecutado en piano, y una dulce melodía cantada por el cello y el oboe en sutil contrapunto, que sirve de leitmotiv a la obra (lo podremos encontrar en “Uncertain Interlude” y “Caravan (Closing)”.
A lo largo del CD encontramos cortes melódicos intimistas de destacable belleza, “The High Dolpho” (con sus armonías lejanas y juegos electrónicos en oposición a la delicadeza melódica del oboe), “The Setter” (corte que esboza otra bellísima melodía, que parece nacer del concepto musical del tema principal), “Always the Same Dream”, “So Near the Clouds” (en esa misma línea intimista), etc.
A este grupo de pistas se le añaden otras más incidentales, que se completan con el uso de la percusión de una forma bastante peculiar, y en ocasiones, la mezcla de un coro de monjes tibetanos (“Hidden Country”). Destaco en este bloque “Cloud of Sand”, cuya oscuridad se sale algo de la tónica, con un ostinato de percusión oriental y fondos electrónicos muy interesantes.
Me detengo especialmente a partir de “Monster in These Mountains”, primera del bloque de cinco últimas pistas. En este corte se desarrolla una bellísima melodía en cello acompañada de arpa electrónica, con un suave aire folklórico. El contrapunto del oboe, una vez más característico del compositor, nos sumerge en un cúmulo de sensaciones ya esbozadas por los temas anteriores.
“Lost Caravan” es otra pieza de las más oscuras del disco, sin agresividad pero con una profunda introspección emocional. Sonidos que nos preparan para “Dusk”, para mí una de los cortes más interesantes del CD. Construida en base a un ostinato rítmico atonal de sonidos electrónicos de piano preparado (o similar), que nos llevan hacia a una bellísima sección de oboes, acompañada de pads electrónicos y sutiles percusiones con contrapuntos de cello. Armonías en retardos, nada obvias, completan un paisaje sonoro original e intimista, de profunda emoción.
“The Orchard and the Well”, y “Caravan”, cierran el trabajo de forma melódica y calmada, recapitulando los temas principales del score. Un cierre que cohesiona el trabajo, desde el punto de vista formal y emocional (disponemos también de un bonus track, grabación acústica de cantos folklóricos).
Tim Story realiza en “Caravan” un estupendo trabajo, transmitiendo un sello de identidad muy personal. Una obra artística única en el género, que para los no iniciados en la música de Story puede suponer encontrar nuevos paisajes emocionales altamente recomendables, complemento esencial a los imprescindibles trabajos en solitario “The Perfect Flaw” o “Shadowplay”. http://www.scoremagacine.com/Resenas_det.php?Codigo=578&letra=
1. Caravan (Opening) (02:07)
2. The High Dolpho (02:50)
3. Swimming in the Desert (01:42)
4. The Letter (02:16)
5. Tende (01:24)
6. Nomads (01:54)
7. Uncertain Interlude (01:22)
8. A Story in the Rocks (01:38)
9. Always the Same Dream (01:58)
10. Hidden Country (05:08)
11. So Near the Clouds (02:19)
12. Tomorrow Another World (00:51)
13. Doors of the Tenere (01:38)
14. Again Appear the Storms (01:25)
15. Cloud of Sand (01:19)
16. Amulet (02:11)
17. Emerald Lake (02:06)
18. Monster in These Mountains (02:32)
19. Lost Caravans (02:08)
20. Dusk (03:50)
21. The Orchard and the Well (02:19)
22. Caravan (03:12)
23. Bonus Track (00:37)
Nik Tyndall es un sintesista aleman (1963 Stuttgart) cuyo verdadero nombre es Jurgen Krehan. sus primeros álbumes los hace formando el dúo Tyndall junto con Rudolf Langer, sus grabaciones eran típicas de la música electrónica en ese momento. Después de la separación del dúo, Krehan continuó lanzando álbumes en un estilo diferente, siguiendo el camino de la New Age, y cambió su nombre por el de Nik Tyndall.
En 1990 Nik Tyndall grabó Lagoon un clásico de la música electrónica, En esta grabacion su música es espacial, acogedora y atractiva con sonidos orgánicos que evocan el agua, campanas de viento, gongs y gamelan para crear la sensación de un paraíso flotante. Los siete pistas fluyen suavemente una tras la otra, creando un calmante paraíso tropical. Las atmósferas orgánicas acarician a los oyentes como una brisa cálida del océano.
Peter Buffet es un músico con una docena de álbumes y muchas bandas sonoras en su haber. En su primer álbum The Waiting grabado en (1987), hizo gala de su habilidad en el género de la música electrónica . En One by One su segundo album Buffet utiliza muchas técnicas asociadas con la música "espacial" particularmente amplias capas tonales y una pizca de repetición minimalista. Pero Buffet evita las desarmonías que normalmente se asocian con este estilo. En su lugar las capas son melódicas, a veces se apoyan mutuamente, y otras veces caen en un contrapunto complejo.
El álbum también demuestra a nivel rítmico sus influencias de los nativos americanos que más tarde llegaron a dominar el trabajo de Buffet. El resultado es un todo coherente que siempre parece estar organizado en una dirección. Así, las voces que él crea son utilizados como instrumentos y no como fines en sí mismos, y las pistas individuales revelan un desarrollo constante en lugar de la fijación dinámica con una simple serie de cambios mínimos. El efecto es muy audible, tanto a nivel visceral e intelectual.
No puedo señalar a cualquier pista como favorita. La calidad se distribuye de manera uniforme, y algunos temas parecen persistir a través del disco que me hace creer que Buffet vio este álbum conceptual como un conjunto más que como una colección de piezas. http://www.peterbuffett.com/about/index.html
Peter Buffett (synthesizer, Synclavier) Steve Douglas (horns, midi horn)
