Frederick Rousseau (nacido en 1958, París) pertenece a la generación que presenció el comienzo de la música New Age y la explosión de aplicaciones tecnológicas al mundo del espectáculo. Su investigación musical se basa en sonidos electrónicos que se mezcla con instrumentos étnicos, orquestas clásicas y las voces de todos los tonos, colores y procedencias.
Frederick Rousseau siempre encontró el tiempo para trabajar en sus propias composiciones y en 1994 sale Mo, un álbum marcado por su originalidad y sus sonoridades asiáticas. Esta música abre la vía a lo que se llamará más tarde el ethno-lounge.
Este album esta Basado en temas originales Japoneses de diferentes fuentes y regiones.
Poemas de "Le Parfum de la Lune" de Buson
Musicos:
Atsuko Constant: Koto, Vocals and Backing
Miho: Japanese Narration Voices
Didier Malherbe: Flutes, Japanese Flutes, Tubes
Jean Philippe Rykiel: Minimoog and Synthesisers
Didier Sandra: Shakuhashi
Fréderick Rousseau: Synthesisers and Percussion
Stephan Lang: Violin
Enomoto Sisui: Biwa, Vocal
Chii Bulico: Chinese Violin
Kinshi Tsuruta: Shamisen, Vocals Satsuma
1. The Legend [2:43]
2. Maboloshi Quest [4:54]
3. Tale Of Okinawa [5:59]
4. The March [4:28]
5. The Prayer [5:11]
6. Kabuki Masks [4:13]
7. Wood Spirits [5:03]
8. Seventh Circle [4:10]
9. The Dream Of The Snowflake [3:58]
10. La Femme Et Son Ombre [6:17]
11. Warriors [3:43]
12. Woman To Child [3:47]
“Caravan – A Journey to World Apart”, es una coproducción documental de las factorías El Deseo y Transglobe Films que narra en imágenes la historia de dos muchachos de diez años que viven en dos de las regiones más inhóspitas del planeta; el desierto del Teneré y la cordillera del Himalaya. Separados por miles de kilómetros, tienen algo en común: por primera vez van a acompañar, en un largo y peligroso viaje, a sus familias que desde hace generaciones se dedican al comercio de la sal.
“Caravan” es la historia real de estos dos viajes contados a través de Wahid y Tashi, los protagonistas. El primero atravesará el desierto de Teneré –Niger- con una caravana de cuarenta camellos hasta las salinas de Bilma y el segundo, la cordillera del Himalaya –Nepal- con cincuenta Yaks, hasta las salinas de Dabriéuna.
Cuenta Gerardo Olivares, director del film y con un amplio currículo en documentales de esta índole, que durante el rodaje del mismo la música de Tim Story le acompañó en todo momento. Tanto fue así, que para la ambientación de la película el equipo del producción no tenía otra banda sonora en mente, y contactó directamente con el propio compositor.
Es Tim Story un nombre destacado dentro del mundo de las nuevas músicas de los 90 (o new age, según algunas tendencias), y en concreto, de aquél magnífico grupo reunido por el sello Windham Hill en sus albores de gloria (Paul Winter, George Winston, Nightnoise, y tantos otros).
Note el lector que la reseña de esta banda sonora parte de unos criterios artísticos fuera de los habituales de la música de cine, ya que “Caravan” ofrece una transposición fílmica de los conceptos creativos de la música de Story. No espere el lector u oyente potentes secciones orquestales o vertiginosos desarrollos rítmicos; pero no por ello se equivoque y espere un fácil concepto new age con insulsos acordes interminables, armonías predecibles y cómodos sonidos electrónicos…
Si por algo se caracteriza la música de Tim Story es por su riqueza melódica y armónica, construida desde un sonido muy personal, estimulante y profundamente intimista. El compositor fusiona lo acústico con lo electrónico (generalmente, con el uso de solistas acústicos en piano, oboe y cello), con una elegancia única en el género. “Caravan” es un ejemplo de esta música camerística, con algún toque étnico obvio por la temática del film (que quizá sea el punto menos conseguido del trabajo, quedándose algo corto en fuerza y personalidad).
Centrándonos en la edición discográfica, disponemos de 22 pistas (más un bonus track) de corta duración y sin interrupciones, concepción resultante del trabajo posterior del propio compositor. Artísticamente la progresión del CD parece evolucionar desde una sección inicial de exposición a un culmen álgido en las últimas cinco pistas (18 a 22), a las que realizaré una mención especial posteriormente.
Ya de inicio, en “Caravan (Opening)” Story nos sumerge sutilmente en su sonido, con un suave ostinato rítmico ejecutado en piano, y una dulce melodía cantada por el cello y el oboe en sutil contrapunto, que sirve de leitmotiv a la obra (lo podremos encontrar en “Uncertain Interlude” y “Caravan (Closing)”.
A lo largo del CD encontramos cortes melódicos intimistas de destacable belleza, “The High Dolpho” (con sus armonías lejanas y juegos electrónicos en oposición a la delicadeza melódica del oboe), “The Setter” (corte que esboza otra bellísima melodía, que parece nacer del concepto musical del tema principal), “Always the Same Dream”, “So Near the Clouds” (en esa misma línea intimista), etc.
A este grupo de pistas se le añaden otras más incidentales, que se completan con el uso de la percusión de una forma bastante peculiar, y en ocasiones, la mezcla de un coro de monjes tibetanos (“Hidden Country”). Destaco en este bloque “Cloud of Sand”, cuya oscuridad se sale algo de la tónica, con un ostinato de percusión oriental y fondos electrónicos muy interesantes.
Me detengo especialmente a partir de “Monster in These Mountains”, primera del bloque de cinco últimas pistas. En este corte se desarrolla una bellísima melodía en cello acompañada de arpa electrónica, con un suave aire folklórico. El contrapunto del oboe, una vez más característico del compositor, nos sumerge en un cúmulo de sensaciones ya esbozadas por los temas anteriores.
“Lost Caravan” es otra pieza de las más oscuras del disco, sin agresividad pero con una profunda introspección emocional. Sonidos que nos preparan para “Dusk”, para mí una de los cortes más interesantes del CD. Construida en base a un ostinato rítmico atonal de sonidos electrónicos de piano preparado (o similar), que nos llevan hacia a una bellísima sección de oboes, acompañada de pads electrónicos y sutiles percusiones con contrapuntos de cello. Armonías en retardos, nada obvias, completan un paisaje sonoro original e intimista, de profunda emoción.
“The Orchard and the Well”, y “Caravan”, cierran el trabajo de forma melódica y calmada, recapitulando los temas principales del score. Un cierre que cohesiona el trabajo, desde el punto de vista formal y emocional (disponemos también de un bonus track, grabación acústica de cantos folklóricos).
Tim Story realiza en “Caravan” un estupendo trabajo, transmitiendo un sello de identidad muy personal. Una obra artística única en el género, que para los no iniciados en la música de Story puede suponer encontrar nuevos paisajes emocionales altamente recomendables, complemento esencial a los imprescindibles trabajos en solitario “The Perfect Flaw” o “Shadowplay”. http://www.scoremagacine.com/Resenas_det.php?Codigo=578&letra=
1. Caravan (Opening) (02:07)
2. The High Dolpho (02:50)
3. Swimming in the Desert (01:42)
4. The Letter (02:16)
5. Tende (01:24)
6. Nomads (01:54)
7. Uncertain Interlude (01:22)
8. A Story in the Rocks (01:38)
9. Always the Same Dream (01:58)
10. Hidden Country (05:08)
11. So Near the Clouds (02:19)
12. Tomorrow Another World (00:51)
13. Doors of the Tenere (01:38)
14. Again Appear the Storms (01:25)
15. Cloud of Sand (01:19)
16. Amulet (02:11)
17. Emerald Lake (02:06)
18. Monster in These Mountains (02:32)
19. Lost Caravans (02:08)
20. Dusk (03:50)
21. The Orchard and the Well (02:19)
22. Caravan (03:12)
23. Bonus Track (00:37)
Nik Tyndall es un sintesista aleman (1963 Stuttgart) cuyo verdadero nombre es Jurgen Krehan. sus primeros álbumes los hace formando el dúo Tyndall junto con Rudolf Langer, sus grabaciones eran típicas de la música electrónica en ese momento. Después de la separación del dúo, Krehan continuó lanzando álbumes en un estilo diferente, siguiendo el camino de la New Age, y cambió su nombre por el de Nik Tyndall.
En 1990 Nik Tyndall grabó Lagoon un clásico de la música electrónica, En esta grabacion su música es espacial, acogedora y atractiva con sonidos orgánicos que evocan el agua, campanas de viento, gongs y gamelan para crear la sensación de un paraíso flotante. Los siete pistas fluyen suavemente una tras la otra, creando un calmante paraíso tropical. Las atmósferas orgánicas acarician a los oyentes como una brisa cálida del océano.
Peter Buffet es un músico con una docena de álbumes y muchas bandas sonoras en su haber. En su primer álbum The Waiting grabado en (1987), hizo gala de su habilidad en el género de la música electrónica . En One by One su segundo album Buffet utiliza muchas técnicas asociadas con la música "espacial" particularmente amplias capas tonales y una pizca de repetición minimalista. Pero Buffet evita las desarmonías que normalmente se asocian con este estilo. En su lugar las capas son melódicas, a veces se apoyan mutuamente, y otras veces caen en un contrapunto complejo.
El álbum también demuestra a nivel rítmico sus influencias de los nativos americanos que más tarde llegaron a dominar el trabajo de Buffet. El resultado es un todo coherente que siempre parece estar organizado en una dirección. Así, las voces que él crea son utilizados como instrumentos y no como fines en sí mismos, y las pistas individuales revelan un desarrollo constante en lugar de la fijación dinámica con una simple serie de cambios mínimos. El efecto es muy audible, tanto a nivel visceral e intelectual.
No puedo señalar a cualquier pista como favorita. La calidad se distribuye de manera uniforme, y algunos temas parecen persistir a través del disco que me hace creer que Buffet vio este álbum conceptual como un conjunto más que como una colección de piezas. http://www.peterbuffett.com/about/index.html
Peter Buffett (synthesizer, Synclavier) Steve Douglas (horns, midi horn)
Único álbum en solitario de Ian McDonald (guitarras, teclados, saxo, flauta, clarinete, voz) y Michael Giles (batería, percusión, voz), miembros eméritos de los primeros King Crimson. Respaldados por varios músicos, entre ellos Steve Winwood y Peter Giles, y por el letrista Peter Sinfield, dieron forma a un álbum absolutamente fascinante, lleno de melodías, cambios, atmósferas. Una auténtica joya. Reposado y tranquilo, vanguardista, ensoñativo, muy británico.
Ian McDonald: guitar, piano, organ, saxes, flute, clarinet, zither, vocals and sundries
Michael Giles: drums, percussion (including milk bottle, handsaw, lip whistle and nutbox), vocals
Peter Giles: bass guitar
Steve Winwood: organ, and piano solo on "Turnham Green"
Michael Blakesley: trombone on "Tomorrow's People"
01 - Suite in C
02 - Flight of the Ibis
03 - Is She Waiting
04 - Tomorrow's People - The Children of Today
05 - The Inventor's Dream
06 - The Workshop
07 - Wishbone Ascension
08 - Birdman Flies
09 - Wings in the Sunset
10 - Birdman - The Relection
Mayoiga es la misteriosa casa perdida en el bosque Tono.
Aparece en el libro Tono Monogatari (Leyendas de Tono)
Un clasico de la literatura japonesa. El album nos muestra claramente la evolucion
artistica emprendida por Himekmi desde su anterior trabajo, (Tsugaru)
los aspectos etnicos de la cultura musical japonesa son cada vez mas
evidentes en las obras de Yoshiaki Hoshi.
Himekami fusiona en este CD la musica tradicional japonesa y las tendencias pop vanguardistas.
Este trabajo resulta mucho mas proximo a planteamientos pop que los anteriores, y hasta se adentra en el Tecno en ciertos pasajes. Las barreras entre lo folclorico y lo vanguardista son rotas por el peculiar estilo de Himekami, contribuyendo a ello el uso conjunto de instrumentos acusticos y electronicos. Otra caracteristica llamativa es que en algunas piezas utiliza de nuevo la voz, como en el tema Desde el Alba, ya las habia utilizado magistralmente en la trilogia Kaze no Johmon.
1. Ake-no-Hoh-kara 04:25
2. Kohaku-Densetsu 04:11
3. Yuki 04:34
4. Kachoh-Junrei 04:01
5. Shirotori-Shohrai 04:23
6. Yama-no-Kami 04:26
7. Hitakami-no-Kuni 04:19
8. Tsumo-no-Utai 04:06
9. Sohgetsu, Chuuten-ni-Arite 04:20
10. Kaze-no-Uta 04:14
Compositor uruguayo nacido el 6 de enero de 1970 en Montevideo. Montgomery es un compositor que refleja intensas emociones a través de su música, para la que utiliza alta tecnología con la que obtiene sonidos del futuro y ritmos puros, que a su vez despiertan una llamada primitiva, casi ritual, con la necesidad ancestral del hombre de celebrar fiestas y ceremoniales, extrayendo lo mágico en lo más intimo del espíritu del hombre.
La música de Montgomery es un viaje al inconsciente colectivo, a las raíces más puras, que alerta los sentidos adormecidos por la vorágine de la sociedad moderna. Es la búsqueda de Dios, un dios sin religión, un dios universal, de esencias humanas, una esencia que nos hace a todos hermanos y nos une a la Tierra y al Universo. Emil Montgomery convoca a través de sus grandiosas composiciones a otros artistas que despliegan su propio arte con su tecnología, sus voces, su experiencia y su fuerza.
A los 6 años de edad Emil empezó a componer sus primeras piezas para piano y se introdujo en el estudio de la teoría de la música. Cuando tenía diecisiete empezó a trabajar con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos poco comunes, e incorporó desde entonces la electrónica y la tecnología a sus composiciones. A los dieciocho años ingresó en la Escuela Universitaria de Música de Montevideo. Fuente
En 1997 Emil Montgomery lanza el album Esencia, una obra maestra de la fusión entre la música electrónica, coros e instrumentos indígenas. Alcanzó los primeros lugares de la lista de ventas en el mercado mexicano, siendo editado en más de 40 países. Montgomery había alcanzado el éxito internacional, y logrado posicionarse junto a los más grandes maestros que inspiraron sus primeros pasos.
Musicos:
Emil Montgomery: teclados y sintetizadores
David Montenegro, Daniel Irilarry: aerofonos andinos
Esteban Klísich: guitarra
Marcelo Zanolli, Sergio Tulbovitz: percusión
Miguel Romano: batería
Ariel Ameijenda: sitar
Alan Wiuker: tabla
arreglos del coro: Ulises Ferretti, Emil Montgomery
dirección del coro: Ulises Ferretti
Todos los instrumentos de viento fueron fabricados especialmente para Esencia por David Montenegro
01 – 1110
02 – Sin Memoria
03 – Ecos
04 – Lajun Chaan
05 – Inti Jalsu
06 – Cuculcan
07 – El Viento Y La Montaña
08 – Paqariy
09 – Quinto Sol
10 – Sham
En la tradición tántrica, se dice que la energía del despertar es la espiral ascendente de la raíz a la corona a través de siete centros de los chakras del cuerpo. La música en Rising sigue el curso de esta transformación interior, comenzando con tempos más lentos e instrumentación mínima y aumenta la intensidad gradualmente. Mezcla los drones atmosféricos, percusión profunda, e instrumentos exóticos del mundo con principios psicoacústicos de vanguardia, estas son piezas ideales para una clase de yoga de una hora y perfecto para cualquier momento que necesites poner tu energía en movimiento.
01. Alex Theory & Shiva Rea - Muladhara (08:35)
02. Alex Theory & Shiva Rea - Svadhisthana (08:49)
03. Alex Theory & Shiva Rea - Manipura (08:47)
04. Alex Theory & Shiva Rea - Anahata (08:53)
05. Alex Theory & Shiva Rea - Visshudhara (08:57)
06. Alex Theory & Shiva Rea - Ajna (08:58)
07. Alex Theory & Shiva Rea - Sahasrara (08:51)
Joaquin Lievano nació en Bogotá, Colombia, su familia se mudó a Nueva York cuando él tenia un año de edad. Creció escuchando una mezcla de latín y música rock y empezó a tocar la guitarra a los once años. A lo largo de su adolescencia, tocó con varias bandas de rock y pop mientras perfeccionaba sus habilidades como instrumentista, vocalista y compositor.
Joaquín se ganó el reconocimiento internacional como guitarrista con algunos de los más grandes musicos de Jazz-Fusion trabajó con el violinista Jean-Luc Ponty en sus albums Cosmic Messenger y Egocentric Molecules, los solos de guitarra de Joaquín cristalizaron el sonido de la guitarra del Movimiento Jazz-Fusion.
Con su ya mítica banda con sede en San Francisco The Warriors, Joaquín se asoció con el bateria de la Mahavishnu Orchestra Narada Michael Walden, el bajista Keith Jones más tarde reemplazado por Randy Jackson, y el tecladista entonces desconocido y ahora productor con un Grammy, Walter Afanasieff. el Violinista de la Mahavishnu Orchestra Jerry Goodman y más tarde reemplazado por Steve Kindler eran también miembros a tiempo parcial en su banda.
El primer álbum en solitario de Joaquín "One Mind" grabado para el sello Global Pacífic fué un hit en los charts de musica contemporanea llegando el puesto numero 5 llegando a las estaciones de radio en todo el país.
Los productores de radio seleccionaron su segundo álbum en solitario Ecologíe como uno de los cuatro mejores discos del año. Su trabajo con Dixie Dregs y el bajista Andy West en la banda de Zazen inspiraron a la revista Jazziz a llamar los álbumes de Zazen a la par con el mejor trabajo de innovadores tales como Tangerine Dream.
A lo largo de su carrera, este guitarrista excepcional ha demostrado su destreza, versatilidad y una profundidad impresionante, Joaquín Lievano es un talento formidable que sigue a nuevas cotas de virtuosismo innovación e inspiración. http://www.joaquinmusic.com/bio.html http://www.joaquinmusic.com/
Tracklisting:
1 The Art Of Bowing (6:34)
2 Remembering (5:39)
3 Gamelon Warrior (4:49)
4 An Uncommonly Fine Life (5:11)
5 Parrot Talk (4:27)
6 One Mind (7:48)
7 Seven Pools (7:19)
Benito Cabrera Hernández es un compositor y timplista canario.
Desde muy joven estudia música y participa en diversas formaciones, tanto de música clásica como tradicional. Será miembro fundador de la Agrupación Folclórica Universitaria (AFU).
En 1989 gana el I Certamen Regional de Solistas de Timple, organizado por la Dirección General de la Juventud y, a partir de ahí, inicia una carrera como timplista que centrará buena parte de su trabajo.
Benito Cabrera hace una renovación de la música canaria con timple, fusionándola con elementos musicales del folclore celta y del pop. Ha colaborado con numerosos artistas a nivel canario, así como con reconocidos solistas del folk como Kepa Junkera, Carlos Núñez, Eliseo Parra o Paco Díez, entre otros. http://es.wikipedia.org/wiki/Benito_Cabrera
Utilizando el doble sentido, "Con-trastes", hace referencia tanto a la utilización de "trastes" (divisiones que se encuentran en el mástil de la mayoría de instrumentos de cuerda que se usan en Canarias), así como a la variedad de nuestra cultura, cincelada desde la multiculturalidad y el mestizaje. Este nuevo disco trae de la mano del timplista un repertorio con aportaciones novedosas y propuestas que abundan en la investigación de sonidos y diálogos del timple con variados elementos.
Como novedad fundamental, nos encontramos con varios cortes en los que la música coral sirve de sustrato a la música de timple. Por otra parte, la banda habitual del músico da vida a un repertorio de fusión de varios sonidos y culturas (Canarias, Europa, América y África), siempre con el norte de la búsqueda de un sonido personal que busque nuevos caminos, sin abandonar la personalidad que caracteriza el trabajo de los últimos años que, básicamente, consiste en una re-lectura de la música tradicional del archipiélago hacia estáticas más contemporáneas. http://www.benitocabrera.com/contrastes.html
1.Algarabía
2.Isleños
3.Oh, sifuni mungu
4.La raya en la arena
5.Bt
6.Tango guranchero
7.Reencuentro
8.Chorinho pro lucas
9.Santo Hereño
10.Tres Folías
11.Seguidillas manchegas
12.Cantares
