Positano Songs tuvo su origen en una visita de 2015 a Positano, Italia, de la cual Ackerman afirma: "He estado visitando Positano, Italia durante décadas. Está más ocupado en estos días y la temporada turística parece crecer cada vez más, pero sigue siendo una de los lugares más hermosos de la Tierra. Es donde Susan y yo elegimos casarnos, y una parte de mi corazón siempre vivirá allí". Influenciado por la belleza de la ciudad y el campo, así como por la calidez de su gente, Ackerman le dio la bienvenida a su musa, recogió algunas guitarras que le había entregado Bob Taylor de Taylor Guitars y ¡listo! "Pieza tras pieza sincera simplemente se materializó. Me fui de Italia una semana después con 26 ideas musicales prometedoras en una cinta de video". De acuerdo, una vez que regresó a Vermont, el negocio de manejar Imaginary Road significaba que grabar estas piezas no iba a suceder de la noche a la mañana. Pero como dice el refrán, "Todo es bueno para los que esperan" y Positano Songs es, de hecho, ¡una cosa buena tras otra!...Kathy Parsons https://williamackerman.com/shop/positanosongs
Will toca tres guitarras en el álbum, su Froggy Bottom K Model de seis cuerdas, la guitarra de salón Martin que le regaló el difunto Michael Hedges hace años, y una guitarra jumbo Steve Klein para las partes principales. Suman sus talentos amigos y músicos consumados como Tom Eaton (piano y bajo), Charlie Bisharat (violín), Eugene Friesen (violonchelo), Noah Wilding (voz) y Jeff Oster (Flugelhorn). Todas las canciones están compuestas por Will Ackerman.
1 Nighttime in the Chapel 2 Our Wedding Song 3 Did I Dream This 4 The End of the Day 5 For Carmine 6 This is Where It Begins 7 The Tyrrhenian Sea 8 Passing Baldo's Tower 9 For Giovanni 10 I had To Go There
La gira mundial 87-88 había encumbrado al Group como un gran valor en directo, llenando estadios por todas las ciudades del planeta. La popularidad provocó, quizá, una cierta continuidad estilística en Letter From Home, a la postre uno de los discos más vendidos en la historia del jazz. Para esta ocasión la banda utilizó por última vez la técnica consistente en montar una pequeña gira en la que mostrar al público las nuevas composiciones antes de grabarlas, y para ello contó en la parcela multiinstrumental con el guitarrista brasileño Nando Lauria (miembro de la gira de The Way Up) en sustitución de la pareja Blamires-Ledford. Finalmente, la disponibilidad de Pedro Aznar le hizo acreedor a ocupar tan vistoso puesto en la grabación del disco y directos posteriores.
Letter From Home is the first Metheny Group record to take advantage of the greater capacity of the compact disc, fashioning an album that was even more akin to a musical travelogue than any released to date. However, in the same way that much of Still Life (Talking)'s material still finds its way onto setlists of Pat Metheny Group and Metheny side projects, the fact that only "Have You Heard" would become a set-list regular—and even that has fallen off in recent years—suggests that if it's not one of the group's best efforts, it's certainly not one of their favourites either.
That being said, there's still plenty to recommend. With Blamires and Ledford gone—returning for 1995's We Live Here—Aznar was back in the fold and, just as on First Circle, his multi-instrumental talents are put to great use, not to mention there being two songs on Letter From Home that actually feature him singing lyrics instead of the wordless vocals that Metheny has typically favoured. https://www.allaboutjazz.com/a-trio-of-pat-metheny-group-reissues-by-john-kelman.php
01. Have You Heard (6:25)
02. Every Summer Night (7:13)
03. Better Days Ahead (3:02)
04. Spring Ain’t Here (6:55)
05. 45/8 (0:56)
06. 5-5-7 (7:54)
07. Beat 70 (4:53)
08. Dream of the Return (5:25)
09. Are We There Yet (7:55)
10. Vidala (3:04)
11. Slip Away (5:24)
12. Letter from Home (2:33)
Kepa Junkera (Bilbao, España; 10 de abril de 1965) es un músico español. Maestro de la trikitixa, ha editado hasta la fecha 30 álbumes, ganando en 2004 el premio Grammy Latino al Mejor Álbum Folk por su disco en directo 'K'.
Kepa Junkera ejemplifica, actualizándolo, el carácter viajero y aventurero del pueblo vasco. Como los viejos arrantzales (pescadores), conquistadores y misioneros, el artista vizcaino ha desplegado al viento la vela de su triki (acordeón diatónico) para viajar por los cinco continentes hasta convertirse en el músico más internacional que ha dado la comunidad autónoma del País Vasco. Su árbol genealógico más cercano, su aitite (abuelo) y su ama, creció fuerte y bien alimentado por la tradición de la música en euskera, los bailes de romería y los acordeones y panderos aprendidos en grupos de danza de barrio. De su barrio, Rekalde, al que ya homenajeó en su primer disco, un trabajo compartido editado en 1987 en el que ya incluyó "Mugarik gabe", un instrumental clarividente que podría traducirse por "sin fronteras". Tras su debut con Kepa, Zabaleta eta Motriku, repleto de ritmos folk vascos (arin arin, fandangos, jotas...) pero que ya incluía composiciones originales de Kepa, este músico autodidacta amplió los horizontes de sus gustos de la música popular más cercana al jazz. Se retiró un poco la txapela (boina) para ver más lejos y dejó para la historia los discos Triki up (1990) y Trikitixa Zoom (1991). Aunque son tiempos de aprendizaje, ya por entonces resultaba complicado seguir los veloces dedos de Kepa dibujando ritmos frenéticos sobre las teclas de la triki.
Como todos los músicos inquietos, el paso siguiente, Kalejira Al-Buk (1994), supone, con el paso del tiempo, toda una curiosidad en su abultada discografía, ya que los sonidos de raíz se abren a la electricidad de guitarras, bajos y teclados en una suerte de folk rock con aportaciones vocales en inglés y con entrada de músicos foráneos como David D. Passinghan y de reputados escritores y bertsolaris vascos como Jon Sarasua, Andoni Egaña y Edorta Jiménez. Kepa iba cumpliendo sus sueños, desde conocer a su admirado Iribar, portero de su Athletic de Bilbao, a colaborar regularmente con sus admirados Oskorri o ganar la Muestra de Folk Estatal para Nuevos Intérpretes. Sus dos discos siguientes, Trans Europe Diatonique (1992) y el delicioso, acústico y sensible Lau Eskutara (1995), grabados junto al inglés John Kirkpatrick y el italiano Riccardo Tesi, en el primer caso, y con el mago de las cuerdas portugués Julio Pereira, en el segundo, le ponen en contacto con artistas foráneos y le encaminan a grabar la que es la primera de sus obras esenciales. trikitixa
Su trabajo Bilbao 00.00 h (1998) se convirtió en un hito por las ventas logradas desde un sello independiente como Resistencia. Además, le obligó a coger la maleta semana sí y semana no. Disco doble en el que profesa su amor a su ciudad natal, "Bilbao..." es el disco de la expansión internacional de Kepa en una doble vertiente: la comercial y la artística. Y es que el álbum, que incluía el popero "Del Hierro a Madagascar", cantado por Pedro Guerra, supone, además de su salto definitivo a la world music, un abrazo solidario y enriquecedor a los sonidos de medio mundo, de Canarias al Mediterráneo, Québec, Centroeuropa, África, Galicia, Portugal, Irlanda... Junkera puso Bilbao en el mapa en una labor de promoción sólo comparable a la realizada por el Museo Guggenheim. Su proyección continuó con su trabajo posterior, Maren (2001), dedicado a una de sus hijas, ya grabado junto a una multinacional y que supuso su confirmación internacional gracias al ritmo contagioso de canciones como "Bok-Espok" y "Ny Hirahira", en el que lo vasco se alía con los aires folk de Armenia, Bulgaria y Albania. Con dos Discos de Oro en sus alforjas y una nominación a los Latin Grammy Awards en 2002 por Maren, Kepa empieza a tener su punto de residencia entre Bizkaia y los hoteles de medio mundo.
CD 1 1. Arin Quebec 2. Del Hierro A Madagascar 3. Fasio & Lurra-Terra 4. Maitia Nun Zira? 5. Bok-Espok 6. Santimamineko Fandangoa & Ioaeoe 7. Muskerraren Balsa & La Balso De Combouscuro 8. Justin Lagun 9. Arin-Novo 10. Gesala 11. Gaztelugatxeko Martxa
CD2 1. Fali-Faly 2. Karola De Mar 3. Piti & Iturrigorri 4. Loriak Udan 5. Arin-Oskorrri 6. Zumaia 7. Sodade 8. Zugarramurdi Dantza 9. Berhueta 10. Tandremo 11. Nondik Jo Maurizia 12. Arin-Argineta & Ortigueira Dantza
Una de las raras mujeres en el mundo neoclásico, Alexandra Stréliski crea música que cautiva a los oyentes, llenando sus mentes con ricas imágenes cinematográficas. Artista de origen judío polaco que creció entre París y Montreal, debutó con el álbum Pianoscope de 2010, pero el gran público la descubrió a través de las películas de Jean-Marc Vallée Dallas Buyers Club (2013) y Demolition (2016) y, más recientemente, el tráiler de la aclamada serie de HBO Big Little Lies (2017). Aprovechando este impulso, la compositora y músico ahora está haciendo su próxima declaración artística con el álbum INSCAPE.
“Para mí”, dice Stréliski, “Inscape fue una crisis existencial. Un año en el que todo se volcó y tuve que atravesar varios paisajes interiores, agitados, hermosos y dolorosos al mismo tiempo”. En su intento de llenar un cierto vacío emocional, sigue una pulsión creativa que apuesta por devolver al oyente a una forma de sinceridad perdida. “Un piano, por sí solo, es algo muy vulnerable y quiero compartir este momento con el oyente”.
One of the rare women in the neoclassical world, Alexandra Stréliski creates music that enthralls listeners, filling their minds with rich, cinematic images. An artist of Polish Jewish origin who grew up between Paris and Montreal, she made her debut with the 2010 album Pianoscope, but the general public discovered her via Jean-Marc Vallée’s films Dallas Buyers Club (2013) and Demolition (2016) and, more recently, the trailer of the acclaimed HBO series Big Little Lies (2017). Building on this momentum, the composer and musician is now making her next artistic statement with the album INSCAPE, out now on Secret City Records.
“To me,” says Stréliski, “Inscape was an existential crisis. A year where everything capsized and I had to go through various interior landscapes – hectic, beautiful and painful at the same time.” In her attempt to fill a certain emotional emptiness, she follows a creative urge that commits to taking the listener back to a form of lost sincerity. “A piano, on its own, is a very vulnerable thing, and I want to share this moment with the listener.” https://alexandrastrliski.bandcamp.com/album/inscape
Género: Classical Estilo: Neo-Classical
1 Plus Tôt 3:00 2 The Quiet Voice 2:28 3 Par La Fenêtre De Théo 2:54 4 Ellipse 2:18 5 Changing Winds 3:14 6 Interlude 3:34 7 Blind Vision 3:23 8 Burnout Fugue 2:52 9 Overturn 4:17 10 Revient Le Jour 3:34 11 Le Nouveau Départ 3:35
La Tarantela es un baile popular del sur de Italia, de las regiones italianas de Puglia, Basilicata, Calabria, Abruzzo, Molise, Campania y Sicilia y parte de Argentina. Es un baile de origen napolitano que tiene un movimiento muy vivo, acompañado de canto. Lo más probable es que su nombre se derive de la ciudad de Tarento en Apulia, aunque popularmente se suele decir que viene de la tarántula, una araña común en la región mediterránea. Es más, durante la Edad Media, en algunas partes del sur de Italia se creía que bailar el solo de la tarantela imitando el acto de espantar a la misma curaba un tipo de locura supuestamente producida por la picadura de la mayor araña europea, la llamada araña lobo o tarántula. La primera documentación escrita se encuentra en Athanasius Kircher http://es.wikipedia.org/wiki/Athanasius_Kircher
En 1610, Matteo Zaccolini había escrito un manuscrito de los Medici, nunca publicado, debido a su "naturaleza explosiva", que trata de la danza de los afectados en relación con el color y el sonido. En 1641 Athanasius Kircher, jesuita alemán que pasó la mayor parte de su vida en Roma, publicó un tratado sobre las enfermedades y sus curas, con un capítulo sobre tarantismo; parece que la gente reacciona al veneno de la araña de diferentes maneras, por lo que los tratamientos como la música o la terapia del color que varían de persona a persona. Kircher era bien conocido por los compositores contemporáneos activos en el Palazzo Barberini, incluyendo Kapsberger y Allegri. Los ejemplos musicales en su tratado son las primeras tarantellas anotadas en la historia.
L’Arpeggiata es un excepcional conjunto dirigido por Christina Pluhar. Sus miembros son algunos de los mejores solistas de nuestro tiempo y además suele colaborar con cantantes excepcionales tanto del mundo barroco como del de las músicas tradicionales. Su objetivo es revitalizar un repertorio poco conocido, para lo que centra su trabajo especialmente en los comienzos del siglo XVII.
El trabajo de L’Arpeggiata se basa en improvisaciones instrumentales, un acercamiento diferente al canto, que se apoya en el desarrollo de interpretaciones vocales derivadas de la música tradicional, y la presentación y puesta en escena de atractivos espectáculos.
Lucilla Galeazzi - chant Marco Beasley - chant, tamburi a cornice Alfio Antico - chant, tamburi a cornice Christina Pluhar - harpe baroque, théorbe, guitare baroque, chitarra battente Eero Palviainen - archiluth, guitare baroque Edin Karamazov - colascione, archiluth Marcello Vitale - chitarra battente, guitare baroque Eduardo Eguez - guitare baroque, chitarra battente Elisabeth Seitz - psaltérion Johanna Seitz - lirone, viole Paulina Van Laarhoven - lirone, viole Pierre Boragno - cornemuse Michèle Claude - percussions
1. La Carpinese (Puglia) 2. Lu Gattu la sonava la zampogna (Ninna Nanna) (Umbria) 3. Tarantella, for lute 4. Lu Passariellu (Tarantella dell'Avena) (Puglia) 5. Lamento dei mendicanti 6. Luna Lunedda (Pizzica) 7. Ah, vita bella! 8. Tarentella del Gargano 9. Pizzicarella mia (Pizzica Tarantata) (Puglia) 10. Silenzio d'amuri 11. Tarantella calabrese (Calabrese) 12. Sogna fiore mio (Ninna nanna sopra la Tarantella) 13. Tarantella italiana 14. Tu bella ca lu tieni lu pettu tundu (Tarantella) 15. Pizzica Ucci (puglia) 16. Lu povero 'Ntonuccio (Lamento funebre) (puglia) 17. Antidotum Tarantulae
José Luis Encinas es un guitarrista apasionado por la música clásica, el flamenco y el rock. Se formó en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y posteriormente en The Peabody Conservatory of Music en Baltimore, Estados Unidos. Ha vendido cerca de 400.000 discos con los sellos Virgin, EMI, Sony, Narada y Sello Autor entre otros.Ha ganado varios Premios de la Música, entre ellos el mejor album de Nuevas Músicas con “Guitarras en Shanghai”, un disco grabado en China con instrumentos tradicionales chinos. La guitarra española es un instrumento capaz de crear atmósferas de pura magia como pocos. En “El lenguaje de los árboles”, viaja como una aventurera intrépida por los estilos y coloraturas más diversos, creando climas emocionantes e imprevisibles. En el lanzamiento de “Duende”, su primer disco en 1.997, un periodista estadounidense dijo: “la guitarra de Encinas tiene una voz inconfundible.”
Este es el álbum debut de este gran guitarrista, que se convierte en disco de oro en España y es Publicado en los Estados Unidos por el sello Narada Records con más de 100.000 copias vendidas. Es difícil de categorizar. Algunos le refieren como un músico new age, instrumental de la guitarra flamenca y Nueva Era, pero es mucho más, es capaz de combinar el mundo del jazz, el flamenco o incluso ritmos pop en la maravillosa guitarra española que suena muy agradable de escuchar, un disco hermoso. Recomendado!
1 Night In The Sout (Noche En El Sur) 4:58 2 Gate Of Mystery (Puerta Del Misterio) 5:10 3 Luna De Fiesta 5:10 4 My Only And True Love (Mi Único Y Verdadero Amor) 5:00 5 Asturias XXI 4:02 6 Desert (Desierto) 4:02 7 Night Music From The Streets Of Madrid (Musica Nocturna De Las Calles De Madrid) 3:05 8 Sad Metropolis (Mi Bolerona) 4:32 9 Pegasus (Pegaso) 3:56 10 Shadows In Blue 4:58 11 Mercuriana 4:31
Penguin Cafe está de regreso con una reedición del décimo aniversario producida con amor de su álbum debut, titulado A Matter of Life… 2021. Además de ser completamente remasterizado y prensado en vinilo por primera vez, el disco también incluye una nueva grabación de 2021 del sencillo principal. Harry Piers, una canción que conmemora al difunto padre de Arthur Jeffes y fundador de Penguin Cafe Orchestra, Simon Jeffes.
A Matter of Life… 2021 es una oportunidad para que un ejemplo clásico de la belleza que se encuentra en la colaboración llegue a nuevos oídos, y una oportunidad para dar nueva vida a los favoritos de los fans. El álbum, interpretado por una mezcla de personalidades, incluidos Neil Codling de Suede y, en la percusión, Cass Browne de Gorillaz, incorpora la estética del PCO original, sazonado en un estilo seguro y redefinido, manteniendo ese sonido típicamente inglés, pero agregando un nueva dirección y una sensación de que están evolucionando hacia algo nuevo y muy propio.
“Originalmente escribí Harry Piers para tocar en el funeral de mi padre hace 24 años, y lo toqué al final de casi todos los conciertos (y pruebas de sonido) que hemos hecho desde entonces, así que probablemente lo haya tocado cientos si no miles de veces desde que lanzamos originalmente A Matter of Life... Así que cuando decidimos reeditar el álbum, Robert y yo pensamos que sería divertido grabar una versión actualizada de esta canción, porque ha cambiado con el tiempo y sigue evolucionando. Entonces, si bien esta sigue siendo en gran medida la misma melodía, creo que tiene muchos más matices y detalles que reflejan los años que han pasado desde 2011. Ha sido realmente maravilloso volver con estos viejos amigos, y con esta reedición Los traeré a todos para tocar en vivo nuevamente. Ahora con cuatro álbumes, y con nuestro nuevo hogar en Erased Tapes, tiene mucho sentido para nosotros regresar y sacar este disco y descartarlo por hoy”. —Arthur Jeffes
La portada también recibió una actualización en forma de una hermosa fotografía tomada por el fotógrafo británico y colaborador de mucho tiempo Alex Kozobolis, quien fue enviado a visitar a Arthur en su segundo hogar en la Toscana. El concepto de Raths para esto era no solo recrear la pintura original de Emily Young, sino también expresar el cambio generacional poniendo a Arthur y su hija en lugar del niño pequeño y la figura del pingüino emperador que sugieren padre e hijo.
1. That, Not That (4:24) 2. Landau (4:55) 3. Sundog (2:32) 4. The Fox and the Leopard (3:02) 5. Finland (4:56) 6. Pale Peach Jukebox (5:02) 7. Harry Piers 2021 (4:05) 8. Two Beans Shaker (2:02) 9. From a Blue Temple (8:40) 10. Ghost in the Pond (4:08) 11. Coriolis (2:04)
En el album Ecologie, Joaquín Lievano toma un rumbo más espiritual a la historia de la guitarra eléctrica, una verdadera aventura de viajes electrónicos a los lugares secretos de curación en nuestro hermoso planeta. Los abrasadores estallidos de luz de Lievano añaden potencia a los nobles proyectos electro-new age de sus grabaciones en el grupo Zazen, pero aquí parece más interesado en el exotismo fresco, las estructuras rítmicas fáciles y los tramos atmosféricos contemplativos. Todo lo cual hace que la colección sea mixta, según el destino. Su "African Adventure" nos hace girar furiosamente a través de la jungla y una arremolinada "Scottish Highlands Melody" nos incita a zurcir nuestros tartanes escoceses, pero más a menudo, él y su guitarra reflexionan sobre la magia de los amaneceres, los atardeceres y los milagros más silenciosos que nos rodean. Los lavados de teclado de cristal son tan comunes como los aumentos de percusión. Él y el productor Rama, sin embargo, crean algunos de los slow jams más hipnóticos que este estilo de música espiritual jamás haya visto.
Ichiru , que se traduce libremente del japonés como "un rayo de esperanza", es el debut de Hanada en Moderna Records, Las doce piezas cortas del álbum son íntimas, cómodas y de alguna manera muy familiares. Tal vez sea el fondo clásico de Hanada lo que le llevó a explorar las composiciones en una ruta bien conocida, y sin embargo, la magia radica en su ejecución: las teclas agitando, los martillos suaves y los efectos espaciales muy ligeros crean una atmósfera de retrospección, soledad y Angustia...
Escrito entre Berlín y Tokio, Ichiru es un tapiz de composiciones melódicas, pensadas e inspiradas. Equipado con sólo un piano vertical, un par de micrófonos y sus dos manos, Hanada trabajó durante la mayor parte del año en estas piezas para llevarlas a su forma final. https://reviews.headphonecommute.com/2017/05/17/daigo-hanada-ichiru-moderna/
Género: Classical, Estilo: Neo-Classical, Ambient
1 Silhouette 2 Butterfly 3 Weak Me 4 Fragment I 5 Portrait 6 Pfau 7 Ichiru 8 Hue 9 Fragment II 10 Solitude 11 And This Is How It Ends 12 Close
Daigo Hanada – Ouka (2019)
Un músico tranquilo, Daigo Hanada dice muy poco sobre su música, dejando que el oyente decida casi por completo. Sus siete nuevas composiciones cortas juegan como un collage de texturas sonoras, sentimientos, momentos fugaces o recuerdos, como lo ilustra la obra de arte de la artista visual Katy Schmader que adorna la portada del EP. Varios títulos de canciones están en japonés: "Rin" es un nombre de pila, al igual que "Ouka", que significa flor de cerezo.
Al preparar el piano con láminas de fieltro amortiguador e integrar el suave chasquido del mecanismo de acción de las teclas en la mezcla final, Daigo Hanada logró originalmente un sonido característico extraordinario que inmediatamente captó la atención de muchos. En el nuevo EP, el pianista adopta un enfoque ligeramente diferente al agregar capas adicionales a su sonido y alterar su preparación para el piano.
"Autumn" es el segundo álbum de George Winston y el duodécimo lanzado por Windham Hill. Este es el lanzamiento innovador que impulsó a Windham Hill de un pequeño y apasionado sello "folk" a un sello de ventas multiplatino que define el género, y por una buena razón.
En el contexto del desarrollo del sello, este fue realmente solo el primer álbum con un atractivo cruzado: El album December de Winston y, más tarde, los álbumes de Winter Solstice llevaron a Windham Hill cada vez más a la conciencia general.
Autumn encontró una audiencia a la que le había encantado el popular The Koln Concert de Keith Jarrett de 1976, y quería más. De hecho, hay una gran similitud en el estado de ánimo, el arte y la sensación general. Pero donde Jarrett estaba improvisando, Winston escribió composiciones densamente ricas que se basaron en influencias folk, rock y clásicas en algo nuevo. Los estados de ánimo cambian y los tempos varían, dando vida a la naturaleza seria de las composiciones. Durante los últimos 30 años, Winston ha seguido desarrollando sus interpretaciones de la mayoría de las piezas aquí con gran éxito. Pocos son los artistas que pueden reinventar actuaciones tan icónicas en algo significativamente mejor que el original, pero Winston lo hace. O tal vez simplemente escuché el álbum hasta la saciedad: ha sido un compañero mío tan habitual que es difícil encontrar algo nuevo en él. Sin embargo, si solo has tenido una experiencia pasajera con Autumn, considera que esta es una grabación esencial que recompensará volver a visitarla.
Al igual que Alex De Grassi, Winston escribe música que pretende evocar un lugar. Que tiene un éxito brillante lo demuestra la miríada de personas que publican videos en YouTube de caminos nevados, paisajes de alta definición y arroyos de montaña con la banda sonora de Autumn. Para Winston, la propia Montana es la musa. Seguro que los álbumes tienen títulos de temporada, pero es la temporada como se vive en Montana. https://windhamhillrecords.com/2010/02/whs-c-1012-george-winston-autumn/
