Mawaca - Rupestres Sonoros - O Canto dos Povos da Floresta (2009)

Mawaca es un grupo que investiga y recrea la música de las más diversas partes del mundo. Se compone de un grupo vocal e instrumental de acordeón, violonchelo, flauta, saxo, bajo, y los instrumentos de percusión de todo el mundo. En 6 CDs producidos, Mawaca con un repertorio en más de 15 idiomas, se pasea por la música de tradiciones tan dispares como el japonés y el irlandés; de países tan distantes entre sí como Finlandia y México, Oriente Medio e Indonesia, las diferentes regiones como África Central y la Península Ibérica. siempre tratando de establecer relaciones con los elementos de la música brasileña crean conexiones con el arte contemporáneo.

Rupestres Sonoros - O Canto dos Povos da Floresta es un homenaje a la diversidad musical de los pueblos indígenas brasileños, aún poco conocidos por el público de su pais. Rupestres Sonoros fué lanzado en 2009, el grupo se embarcó por una arqueología musical que reúne en la misma obra, petroglifos de Brasil y arreglos contemporáneos de las canciones tradicionales de los indios Surui de Rondonia, Kayapó de Xingu, Pakaa Nova de Guaporé, el Kaxinawá de Acre, Entre Otros.

Magda Pucci, directora musical de Mawaca, buscó conexiones entre el arte rupestre y el universo simbólico y artístico de los nativos, entendiendo que el hombre prehistórico aquí es la danza de los Indios, haciendo sus rituales, que participan de las fiestas, la caza, la chicha para beber, que se enamora, que se pinta el cuerpo con achiote, que se adorna con collares y tocados, que depende de los seres del cielo, del aire y de la tierra.
Rupestres Sonoros tienen como invitados especiales los cantantes Marlui Miranda y Tete Espíndola, el multi-instrumentista Carlinhos Antunes y al productor, teclista y flautista Xuxa Levy, responsable de las bases de datos electrónicas y co-productor del álbum con Magda Pucci y Paulo Bira, músico de Mawaca

En menos de dos meses, el álbum alcanzó el cuarto lugar en los World Music Charts de Europa, un ranking de gran respeto por la clasificación de la musica en la radio europea.



Cantoras:
Angélica Leutwiller, Cris Miguel, Magda Pucci, Sandra Oak, Rita Braga e Zuzu Abu.
Instrumentistas:
Ramiro Marques (sax soprano y tenor), Gabriel Levy (acordeon), Ana Elisa Colomar (cello y flautas), Paulo Bira (bajo), Armando Tibério (bateria y congas) y Felipe Veiga (vibrafono, marimba y tambores).
Participación especial de: Marlui Miranda (voz), Tete Espíndola (voz), Carlinhos Antunes (kora, voz), Xuxa Levy (teclados, flautas, producción).

Sven Grunberg - Prana Symphony (1995)

Sven Grünberg (nacido el 24 de noviembre de 1956, Tallin) es un músico  compositor y sintesista de Estonia de rock progresivo más conocido por su obras electrónicas y de meditación que implican los conceptos del budismo tibetano. Ha colaborado con el director de cine Olav Neuland y escrito la banda sonora de la mayoría de sus películas.

En la década de 1970 Grünberg era el líder de la banda de rock progresivo Mess, que fue fundada por él en enero de 1974 junto con Härmo Härm. A pesar de los años de existencia de la banda y muchas presentaciones en vivo, Mess no dio a conocer un solo disco de estudio debido a las contradicciones de su estilo musical con la ideología soviética; Sólo en 1996 Grünberg hizo liberar una compilación de varias grabaciones y un álbum remasterizado completo en 2004.
Grünberg es también el Presidente de la Junta Directiva del Instituto de Estonia del budismo.

Las raíces de la música de Sven Grünberg se pueden encontrar en el budismo tibetano. El trabajo creativo del compositor estonio y multi-instrumentista combina el arte, la meditación y la sanación, la formación de una nueva categoría: la energía-músical. sonidos electrónicos y órgano de iglesia, instrumentos y estilos asiáticos crean ondas eléctricas dinámicas y espacios místicos. Esta grabación musical sobresaliente es el resultado de varias décadas de investigación y estudio del misterioso prana. La Fuerza de Vida de la naturaleza de los sonidos sinfónicos: música energética. Una poderosa expresión musical, inspirada por las fuerzas elementales de la naturaleza. la energía (prana-) tan vital que fluye a través de cada respiración, también lo hace la potencia creadora de la intuición del movimiento a través de las ondas dinámicas, y colores del tono de las composiciones de Grünberg  refrescante, vitalizante, en expansión. Las diez piezas de la sinfonía  Prana  fueron elegidas entre las grabaciones de los albums Hingus (1981) y OM (1988).




Gong, Bells, Claves, Percussion, Synthesizer, Sampler, Koto, Zither, Voice – Sven Grünberg (tracks: 1, 6 to 8, 10)
Organ, Synthesizer, Harp, Gong, Bells, Percussion – Sven Grünberg (tracks: 2 to 5, 9)

1     Prana - Sun     6:49
2     Path     5:55
3     Prana - Water     6:29
4     Beginning     3:02
5     Prana - Air     3:57
6     Parting     10:25
7     Reflections     11:57
8     Memories     5:31
9     Prana - Earth     5:55
10     Om     11:20

Eri Sugai - Stella Mirus - Air (2000)

El álbum es una mezcla de piezas clásicas realizadas en un estilo inusual, Eri Sugai canta las melodías, usando su voz como un instrumento más, con múltiples cadenas de sintetizadores y sus propias composiciones, que se encuentran en una estilo clásico similar.

El título proviene de la primera pista de JS Bach "Air En AG String". Esto es seguido por "Gymnopaedies Nº 1" de Erik Satie (en la misma línea) y luego "In Your Arms", que me recuerda muy fuertemente a Enya. Después de eso, es un camino de rosas con piezas de Beethoven, Faure y Mussorgsky, así como otros temas de las propias composiciones de Eri. Es un album hermoso y relajante.

Kazumasa Yoshioka y Eri Sugai co-producen el álbum Air bajo el nombre de Stella Mirus. Eri nos dijo, "este no es un CD de estilo asiático, lo hice con el señor Yoshioka con el fin de hacer que la música clásica  también sonára es mi estilo." Los entusiastas de la música de Miriam Stockley, Enya, Adiemus seguro que disfrutaron de este álbum también.

Eri Sugai ha creado arreglos vocales impresionantes que complementan perfectamente su voz cristalina durante las nueve canciones del álbum, de los cuales cinco son piezas clásicas de Bach, Satie, Beethoven, Mussorgsky y Faure. Nos recuerda al instante a Adiemus, Enya y Annie Haslam. El disco se abre con la canción "Air", derivada de una pieza de Bach. fluyen suavemente capas vocales con el acompañamiento de los teclados.

Una preciosa interpretación de Sugai del clásico "Gymnopedie No.1" de Erik Satie es casi en su totalidad vocal-teclados es especialmente ligera y complementa perfectamente su voz. El arreglo vocal de "Sonata para Piano Nr.14" (Beethoven) está acompañado por una preciosa cadena de teclados creado por Kazumasa Yoshioka.




1. Air (For the G String) / J.S.Bach
2. Gymnopedies #1 / E.Satie
3. In Your Arms / E.Sugai
4. Sonata Fur Klavier #14 / L.Beethoven
5. Aquamarin / E.Sugai
6. Stella / E.Sugai
7. Siciliana / Per Leas Et Melisande Op.80 / G.Faure
8. Tableaux Dune Exposition / M.P.Mussorgsky
9. Silent Love / E.Sugai

Huong Thanh & Nguyên Lê - Fragile Beauty (2008)

Nacida Saigón, pero residente en Francia desde hace más de 20 años, Huong Thanh es una de las grandes intérpretes femeninas de la canción tradicional vietnamita, y una compositora impresionante. Este es el cuarto álbum en el que ha colaborado con Nguyen Le, guitarrista, productor e ingeniero. Es otro recordatorio de la notable capacidad del dúo que mezcla temas antiguos de Asia y la influencia contemporánea, todos con una confianza estimulante y fresca. Huong Thanh su voz es clara y reflexiva, pero todavía lo suficientemente robusta como para que coincida con la configuración delicada y sensible de Nguyen Le. Como guitarrista de jazz rock, ha tocado con gente como Gil Evans y Ornette Coleman, pero aquí sus influencias de jazz se mezclan con otros estilos globales y sonidos desde los tambores parlantes africanos con el koto japonés, o la cítara vietnamita, el trabajo impresionante a la trompeta con sordina de Paolo Fresu o las armonías del piano de Dominique Borker. Muchas de las canciones empiezan de forma acústica, pero los experimentos globales y las influencias de jazz sutilmente empiezan a surgir, en lo que se convierte en un conjunto cada vez más intrigante.

Huong Thanh - vocals
Nguyên Lê - electric & acoustic guitar, synthesizer, computer
Mieko Miyazaki - koto
Hao Nhiên Pham - monocorde (dàn bau), 16-strings zither (dàn tranh), sao, meo bamboo flutes
Nguyên Van-Hong - backing vocals
Paolo Fresu - trumpet, fluegelhorn
Stéphane Guillaume - soprano sax, flutes
Renaud Garcia-Fons - pizz & arco acoustic 5-string bass
Etienne Mbappé - fretless bass
Alex Tran - percussions
Francis Lassus - percussions
Illya Amar - bamboo balafon (trung)
Dominique Borker - piano




1. Drifting On The Water - 03:48 (Nguyên Lê)
2. Weaving & Awaiting - 05:58 (Nguyên Lê)
3. Faithfulness - 03:39 (Nguyên Lê, Houng Thanh, Mieko Miyazaki)
4. Plantation Song - 04:22 (Nguyên Lê / Nguyên Van-Hong)
5. The Five Calls Of The Night - 05:03 (Nguyên Lê)
6. Fragile Beauty - 05:12 (Nguyên Lê)
7. Rowing The Sampan - 03:17 (Nguyên Lê)
8. The Pavilion Of Cristallized Azure - 04:54 (Nguyên Lê, Huong Thanh, Mieko Miyazaki)
9. At Dusk, From The West Balcony - 04:18 (Nguyên Lê / Huong Thanh, Nguyên Van Hong)
10. Go Cong Blues - 03:57 (Renaud Garcia Fons, Huong Thanh / Nguyên Van-Hong)
11. The Swallows' Bridge - 06:23 (Nguyên Lê / Nguyên Van-Hong)
12. Tales Of The Mountain - 07:18 (Nguyên Lê / Huong Thanh)

Another Fine Day - A Good Place To Be (2015)

Con su proyecto A Good Place To Be, Tom Green explora el extremo más profundo de los campos del dub, jazz, música africana, piano  y clásica. Veintiún años después del lanzamiento de su éxitoso LP de culto  "Life Before Land" (tercero en la tabla de "Greatest Albums Ambient 'The Independent), y quince años después de Salvage grabado en Six Degrees, ha creado un nuevo álbum al que trae su primer amor, el piano, a la palestra.

Envolviendo estilos de jazz suave en una mezcla brillante de mbira, percusión, grabaciones de campo, y casi cualquier otra cosa que toma su fantasía, "A Good Place To Be" crea un un album absorbente. Inteligentemente atmosférico en todo, esta grabación no es solo electrónica instrumental, sino también el jazz, con más de un toque de minimalismo y elementos clásicos.

Tema a tema, las piezas se mezclan orgánicamente en un flujo de ensueño con una mezcla dinámica y sutil masterización. Se trata de un álbum que lleva escuchas repetidas, y como el título sugiere, se trata de un buen lugar para estar.
https://anotherfineday.bandcamp.com/album/a-good-place-to-be
https://anotherfineday.co.uk/info/




Nature Boy     4:58
And Dreams Of Seals     6:19
Child's Play     4:48
Spanish Blues     5:23
Naiad     6:10
Enfolded     4:15
I Can Hear Your Heart     6:21
That Path     3:46
Dusty Feet     4:11
From Tiny Acorns     5:09
Andy Woz Here     5:40
A Good Place To Be     2:54

Michel Godard & Le Miroir Du Temps - A Serpent's Dream (2014)

Nacido en Belfort (Francia) en 1960. Michel Godard se convierten rápidamente en un reconocido intérprete versátil que interpreta la tuba, el desarrollo de su carrera en el jazz y la música clásica. Actualmente, es uno de los más grandes virtuosos de Tuba y Serpent en el mundo del jazz y la música improvisada. En 1979, Godard comenzó a interpretar la Tuba y la Serpent instrumento, que obtuvo su nombre por su forma de Serpiente. La boquilla del instrumento es de marfil y suena con un tono cálido e intenso. Con su segundo instrumento, Michel Godard a ampliado aún más la gama de expresión musical en la música antigua y el jazz. Desde 2002, Michel Godard enseña la ciencia de la serpiente en el Conservatorio Nacional de Música de París.


An incredible instrument! Its name is based on the Latin "serpens" and means "serpent". It looks accordingly. Long, winding and bright green with a flickering head, six finger holes, a mouthpiece made of ivory and a resonating chamber in the case of Michel Godard's instrument. Its origins date back to the middle of the Renaissance. According to tradition, the serpent was invented by Canon Guillaume in Auxerre in 1590. In the mindset of the 16th century, the sound of the zink resembled the human voice in a special way.

Michel Godard brings together renowned musicians in his ensemble "Le miroir du temps", who want to break out of customary conventions exactly as he does. "Together they manage to raise awareness of the timeliness of old music age and resonate something of the variety of sound of earlier epochs in contemporary music at the same time," Bert Noglik wrote in the liner notes for "A Serpent’s Dream". Katharina Bäuml is one of the leading Baroque oboists today and also specializes in playing the medieval shawm with her own ensemble "Capella de la Torre", the tone quality of which combines with Michel Godard's serpent in a fascinating way. The theorbo player Bruno Helstroffer also has a lot of experience in historical performance practice, but also experiments with newer ways of playing, which he develops in different contexts. Lucas Niggli, one of the most versatile European drummers in jazz as well as improvised music, knows how to create rhythmically complex and sound-sensitive contexts. Michel Godard also uses the bass guitar; a harmonious extra totally in the spirit of flexibility of Renaissance musicians and the liberties that they took.

For Bert Noglik, it "is the joy of the flow of the melodies seeped in beauty and melancholy," which link the members of the ensemble. They deal with traditions and original compositions as with standards of the jazz: varying, embellishing them freely and improvising. A melody passed down through centuries can just as much be included as Charlie Haden's sentimentally touching composition "Our Spanish Love Song", for which Michel Godard additionally invited the young jazz trumpet player Airelle Besson to give it extra brilliance.

The recordings for "A Serpent's Dream" were made during the festival in Villefranche-de-Rouergue, where the ensemble performed in the Chapelle des Pénitents noirs built in the mid-17th century. The magic of the place seems to flow into the music, as so often is the case in the concerts and productions of Michel Godard. For "Miserere", Godard used an historic manuscript preserved in the Chapel, and he plays the imaginatively decorated original serpent preserved over the centuries of the Chapelle des Pénitents noirs on two tracks ("Old Black Snake Blues" and "Le sommeil").
http://www.newartsint.com/products/14388495077535


Michel Godard: serpent, electric bass
Katharina Bäuml: shawm
Brunno Hellstroffer: theorbo
Lucas Niggli: drums, percussion
Airelle Besson: trumpet (track 9)

1. Serpent's Dream
2. Days of Weeping Delights
3. In Splendoribus
4. Le Miroir Du Temps
5. Miserere
6. L'École de la Procrastination
7. Le Gardien des Reves
8. Old Black Snake Blues
9. Our Spanish Love Song
10. Les Portes du 7e Ciel
11. A la Folie
12. A Trace of Grace
13. Le Sommeil

Paul Winter & The Earth Band - Journey With The Sun (2000)

El ganador del Grammy Paul Winter y su nueva Earth Band, con el gran gaitero irlandés, Davy Spillane (de 'Riverdance'), el legendario cantante armenio y percusionista Arto Tunçboyacıyan, el violonchelista Eugene Friesen y el tecladista Paul Halley (miembros veteranos de la Paul Winter Consort) junto con el invitado especial Mickey Hart (de los Grateful Dead) tocando su nuevo instrumento, Ramu (Random Access Music Universe), y una caravana de otros 9 músicos del mundo, Winter se enbarca en un viaje de nuevas aventuras musicales nacidas de celebraciones del solsticio anual.
1     Caravan At Dawn     6:24
2     First Oasis     4:12
3     Broken Arm     6:09
4     Mountain Wedding     4:44
5     Cave Of The Winds     5:49
6     Pas De Deux     2:44
7     Singing To The Mountain     4:49
8     Middle Oasis     5:23
9     Yabu     4:59
10     Green Grass, It Grows Bonny     5:01
11     Last Oasis     4:02
12     Land Of The Pipers     5:18
13     Oror Bubrik     6:12

Robert Rich - Rainforest (1989)

Rainforest (1989) es un álbum del músico de ambient Robert Rich. La inspiración para este disco vino cuando Rich viajó a través de las selvas tropicales de la América del Noroeste del Pacífico, Rich contempla el estado devastado de los bosques tropicales del mundo, la música en este album refleja tanto la belleza y el misterio de esos entornos que desaparecen gradualmente. Al ver la exuberante belleza del entorno que contrasta con la devastación causada por la tala de arboles llenó el artista con un sentido urgente de denunciarlo. Una porción de las ganancias de este álbum va a la Rainforest Action Network , una organización sin ánimo de lucro creada para proteger los bosques tropicales del mundo.

En este álbum, Rich continúa explorando más profundamente un estilo rítmico y orgánico, que se inició con Numena en (1987). Varias piezas llevan influencias del gamelan Indonesio. La pista más experimental en el álbum es una pieza titulada "The Raining Room", dedicada al realizador ruso Andrei Tarkovski.
Robert Rich tiene una capacidad extraordinaria para evocar imágenes musicales vivas que pueden transportar a los oyentes en su visión de una selva tropical. prácticamente uno puede sentir la humedad de la vegetación, visualizar la configuración regional de hoja perenne, y conectar con el pulso de la vida dentro de su denso ecosistema.  Este fue el primer álbum de Robert Rich lanzado en Hearts of Space Records.

Robert Rich – samplers, synthesizers, Israeli and Persian doumbec goblet drums, bamboo flutes, ocarina, lap steel guitar, percussion
Andrew MacGowan – fretless bass (track 1)
Carter Scholz – bonang gong percussion (track 9) 


1. Mbira (4:10)
2. Rainforest Suite: The Forest Dreams of Bach (5:41)
3. Rainforest Suite: Drumsong (4:38)
4. Rainforest Suite: Surface (5:49)
5. Sanctuary (6:15)
6. Temple of Eyes (5:12)
7. The Raining Room (6:45)
8. Veil of Mist (10:52)
9. A Passage in Bronze (3:08)

Dead Can Dance - 1990 - Aion (2008 MFSL Hybrid SACD)

Aion es el quinto album de Dead Can Dance posiblemente su mejor álbum de estudio,  lanzado originalmente en 1990, contiene doce temas grabados en el estudio de Brendan Perry en el sur de Irlanda y cuenta con el soprano masculino David Navarro en la primera pista. Aion gira en torno a la interacción entre la glosolalia en alza de Gerrard y Perry cantando barítono. Una gama de estilos se exploran, desde el coro polifónico de "The Arrival and the Reunion" a la balada suave de "Fortune Presents Gifts Not According to the Book" a la sensualidad de Oriente Medio de "Radharc". Otros temas incluyen el destacado y juguetón "Saltarello", una pieza instrumental danza tradicional del siglo 14, y "As the Bell Rings the Maypole Spins", una canción sorprendentemente melódica llevada por la gaita y la voz angelical de Gerrard

Este álbum fue remasterizado por MFSL (Mobile Fidelity Sound Laboratory), uno de los sellos audiófilos más respetados en los EE.UU. Ellos están en el equipo de música en formato híbrido SACD y empaquetado en fundas de papel japonés que reproducen el original del vinilo emision del Reino Unido, incluida la réplica original interior y nuevos folletos adicionales con letras de las canciones, álbumes y etiquetas de otras imágenes.


Brendan Perry
Lisa Gerrard
John Bonnar
David Navarro
Robert Perry
Andrew Robinson
Lucy Robinson
Anne Robinson
Honor Carmody

Track Listing:

1. The Arrival And The Reunion
2. Saltarello
3. Mephisto
4. The Song Of The Sibyl
5. Fortune Presents Gifts Not According To The Book
6. As The Bell Rings The Maypole Spins
7. The End Of Words
8. Black Sun
9. Wilderness
10. The Promised Womb
11. The Garden Of Zephirus
12. Radharc

Penguin Cafe Orchestra - Music from the Penguin Cafe (1976)

Penguin Cafe Orchestra fue una unión libre de músicos encabezada por el guitarrista clásico, compositor y arreglista Simon Jeffes (Sussex, Inglaterra, 1949-1997). Sólo Jeffes y la chelista y co-fundadora Helen Liebmann eran miembros permanentes y núcleo del grupo. Otros músicos se incorporaron debido a los requerimientos de piezas musicales concretas o de performances. Su música no puede clasificarse fácilmente, pero tiene elementos de la música folk y una estética minimalista con reminiscencias ocasionales de Philip Glass.

Music From The Penguin Cafe was the first album by the Penguin Cafe Orchestra, and was recorded between 1974 and 1976, and released in 1976. The line-up for much of the album consisted of the original Penguin Cafe Quartet: Simon Jeffes (electric guitar), Helen Leibmann (Cello), Steve Nye (electric piano), and Gavyn Wright (violin). Tracks 2-8 were performed by the ensemble "Zopf", which included the members of the quartet as well as Neil Rennie (ukelele), and Emily Young (vocals). Later reissues have mistakenly listed those pieces as though they were movements of a suite entitled "Zopf", instead of being performed by them.

The executive producer for the album was Brian Eno, who released this album on his experimental Obscure label, with catalogue number "Obscure 7". The original cover was by John Bonis. The reissue cover painting was by Emily Young. The album was later released on CD by E.G. Records in 1991 and later in remastered form in 2006 - both using the reissue cover instead of the original.
http://en.wikipedia.org/wiki/Music_from_the_Penguin_Cafe


1. Penguin Cafe Single
2. Zopf From the Colonies
3. In a Sydney Motel
4. Surface Tension (where the trees meet the sky)
5. Milk
6. Coronation
7. Giles Farnaby's Dream
8. Pigtail
9. The sound of someone you love who's going away and it doesn't matter
10. Hugebaby
11. Chartered Flight