Také Daké & Neptune - Asian Roots

John Kaizan Neptune (nacido el 13 de noviembre 1951, en ​​Oakland, California) es un americano interprete y constructor de shakuhachi (flauta de bambú japonesa). Se le conoce sobre todo por su uso del instrumento en contextos no tradicionales, tales como el jazz y la música intercultural.

Neptune estudió etnomusicología en la Universidad de Hawaii, donde comenzó a estudiar el shakuhachi con un sacerdote budista japonés en 1971. En 1973, continuó sus estudios de shakuhachi en Kyoto, Japón, volviendo después de un año a Honolulu para completar un grado en etnomusicología. Después de su graduación, viajó de nuevo a Kyoto por varios más años de estudio intensivo, y en marzo de 1977  recibió el "shi-han," o certificado de maestro en la Escuela Tozan de Shakuhachi. En ese momento se le concedió el nombre honorífico "Kaizan", que significa Mar Montaña. Vive en Japón.

Neptune ha trabajado en América del Norte, Europa, Australia y Asia, y grabado más de 20 álbumes con una variedad de músicos. Como un no japonés que toca un instrumento tradicional japonés, Neptune ha atraído mucho interés por parte del público japonés. Su tercer disco, titulado Bamboo, fue nominada a Mejor Album del Año en 1980 por la Agencia de Asuntos Culturales del Ministerio de Educación de Japón, la primera vez que una grabación de jazz o artista extranjero habían sido tan honrado.

John Kaizan Neptune no sólo es un maestro de la flauta Shakuhachi, también es un innovador de este instrumento tradicional japonés. Las raíces asiáticas del título se refieren no sólo a la construcción de los shakuhachi formado a partir del extremo de la raíz de una caña de bambú sino también a su extendiendo repertorio de este instrumento en gran parte tradicional en los países asiáticos y fuera de Japón. Neptune trabaja con una paleta de sonido creado por instrumentos de bambú, muchos de ellos creados por él mismo, como el Uduboo, una versión de un tambor africano hecho de bambú o el Baliphone (marimba de bambú), en el disco se añaden algunos otros instrumentos de Bali, Vietnam, y otros paises. Také Daké de hecho significa "Solo bamboo" La melodía de la primera pieza "Ocean Motion" se basa en una escala japonesa popular de cinco tonos, el 12/8 groove rítmico es africano y está acompañado por un Torung vietnamita. Dos piezas son de Bali y Java. Las otras piezas basadas en melodias de japon, corea, camboya, africa y otras influencias. Todo un crisol de culturas, sino toda una aventura. Algo para satisfacer a los viajeros musicales.



John Kaizan Neptune (Shakuhachi) 
Yoshinori Nomi (Percussion)
Mark DeRose (Bamboo Drum Set)
Hitoshi Hamada (Balafon)
Yoshihiko Katori (Bambass)

1. Ocean Motion
2. In The Hollow
3. Jegoging
4. Java
5. Korea Idea
6. Japanese Roots
7. Five Nodes
8. Uduboo
9. Parting Paths
10. Sky And Sand Way
11. Angklung Journey
12. Angklung Journey (Continued)

Carol Nethen - A View from the Bridge (1989)

Carol Nethen comenzó a tocar el piano cuando tenía 5 años, se graduó de la Universidad de Maryland en College Park con una licenciatura en educación musical y recibió una maestría en composición y producción de música de la Universidad de Miami en 1984, estudió con el mismo hombre que entrenó el guitarrista de jazz Pat Metheny.
En 1989 Nethen lanzó un fantastico álbum instrumental contemporánea llamado "A View From the Bridge" para el sello Narada, su música tiene un estilo muy personal, ha escrito música para programas de televisión como America's Most Wanted, y otros proyectos educativos.



Carol Nethen (synthesizers)
Daniel Chase (drums, percussion)
Jason Klagstad (guitar)
David Vartanian (keyboards)


Tracklisting:
1 Island Moon (5:19)
2 Dancing On Ground Zero (5:03)
3 Toccata (5:00)
4 The Crossing (4:06)
5 Invitation (4:56)
6 Western Star (5:12)
7 Vivaldi (4:52)
8 The Coming Of A Rainbow (4:43)
9 A View From The Bridge (4:09)

Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Via Crucis (2010)

Christina Pluhar nació en Austria donde aprendió a tocar la guitarra. Luego, en Holanda se especializó en música antigua y dominó otros instrumentos como el laúd, el arpa o la tiorba. En año 2000 formó el L'arpegiatta, un conjunto instrumental y vocal "de geometría variable" con el que llevan 12 años explorando repertorio poco conocido de compositores italianos, franceses o españoles del primer barroco. Un conjunto que se reconoce centrado en personalidad musical de su directora y dispuesto a realizar incursiones en otros terrenos, como el de la música tradicional (folklore) o el jazz.

L'Arpeggiata ha hecho una especialidad de exploración y explotación de los estrechos vínculos existentes entre el repertorio barroco y la música tradicional del mundo latino y sus formas características, como la tarantella, la folia o el canario. En Vía Crucis, "El camino de la Cruz", la atención se centra en la presencia generalizada del sentimiento religioso en el sur de Europa. La Pasión de Cristo evoca el mismo fervor en compositores como Giovanni Felice Sances (1600-1679) o Tarquinio Merula (1594-1665) ambos activos en el norte de Italia como en las calles de Nápoles o los pueblos de Córcega. Las dos obras principales de la colección son extraordinarias el Stabat Mater de Sances y Hor ch'e tempo di dormire de Merula, en el que la Virgen María arrulla a su bebé para que duerma mientras que llora a su futuro sufrimiento que cautiva al oyente con un basso ostinato y ritmos de balanceo hipnótico.


Vía Crucis es una amalgama de composiciones escritas en los siglos 16 y 17 por Biber, Rossi, Merula, Sances y Monteverdi con música religiosa y tradicional de Córcega.



1. L'Annonciation
2. Ninna Nanna Al Bambino Gesù (Napoletana)
3. Maria (Sopra La Carpinese)
4. Hor Ch'è Tempo Di Dormire
5. L'Aria
6. Lumi, Potete Piangere
7. Suda Sangue
8. Queste Pungente Spine
9. Voglio Morire
10. Stabat Mater
11. Stabat Mater
12. Passacaglia
13. Lamentu Di Ghjesu (Sopra La Follia)
14. Ciaccona
15. Laudate
16. Canario
17. Ciaccona Di Paradiso E Dell'Inferno
18. 'Stù Criatu

Andy Narell - Slow Motion (1985)

Andy Narell (Nueva York 18 de marzo de 1954) es un pianista, percusionista y compositor estadounidense de jazz étnico, especializado en los Tambores metálicos de Trinidad y Tobago.

Se trasladó a California siendo adolescente, después de haber descubierto los steelpan en Queens. Su padre, Murray Narell, era un asistente social, e invitó a Ellie Mannette a tocar los tambores metálicos en Nueva York, en un intento de mantener a los niños fuera de las calles, de las bandas, e introducirlos en las steelbands.

Narell estudió música en la Universidad de California en Berkeley, y tocó el piano en el "University of California Jazz Ensemble" bajo la dirección de David W.Tucker. Se graduó en 1973. En los años 1980, trabajó en el proyecto "Bebop & Beyond", que grabaron álbumes de homenaje a Dizzy Gillespie y Thelonious Monk.
Después colaboró con el Caribbean Jazz Project, Montreux, Sakésho, y Béla Fleck and the Flecktones. Ha compuesto y arreglado música para la competición nacional de steelbands de Trinidad, y ha girado por África del Sur en 1999, tocando ante un auditorio de 80.000 personas.
Wikipedia..
Narell ha llevado la música de los tambores de acero a lugares nunca imaginados por los pioneros del siglo 20 en Trinidad y Tobago. El punto más alto de la música de Narell viene en dos discos grabados a principios de los años ochenta, Light in Your Eyes y Slow Motion (sus discos tercero y cuarto). Con el guitarrista Steve Erquiaga y el percusionista Kenneth Nash, ambos miembros de toda la vida de los grupos de Narell, las cosas se iluminan con intensidad rítmica, complementando perfectamente la brillante fusión del calypso y el jazz.


Andy Narell (steel drums, keyboards)
John Thomas (vocals)
Steve Erquiaga (guitar)
Frank Martin (synthesizers)
Keith Jones (bass)
William Kennedy (drums)
Kenneth Nash (percussion, vocals)



1. Two Tone Shoes
2. Natty Stick
3. Slow Motion
4. Street Dancin'
5. Another Drum For Oskar
6. Trapeze
7. Once A Dancer
8. A Sea Change

Pierre Bensusan - Intuite (2000)

Intuite es la primera grabación totalmente solo y totalmente acústica de Pierre Bensusan en una carrera profesional que comenzó en 1976 con su álbum Près de París. Aunque nunca tomó clases de guitarra formales , Bensusan está entre los más respetados guitarristas del mundo y ha sido apodado como el Claude Monet de la guitarra. Aparte de las grabaciones, también ha producido varios libros y videos educativos para los guitarristas. Nacido en Argelia en 1957, se trasladó con su familia a París cuando tenía cuatro años. Tomó sus primeras influencias del renacimiento del folk de la década de 1960, pero la amplitud de sus influencias va mucho más allá de eso, con sabores que van a través del jazz, clásica, medieval y en la world music, en particular, la música celta. Todos estos estilos pueden ser escuchados en Intuite, tal vez el ejemplo más llamativo es la pista que da titulo al album. Esta es una de las siete piezas dedicadas a otros músicos, en este caso al laudista iraquí Munir Bachir. Bensusan imita hábilmente la modalidad del laúd árabe a pesar de que actualmente se adhiere exclusivamente a la inusual afinación de guitarra DADGAD.



La pieza dedicada al guitarrista británico John Renbourn "En Route From Scarborough," la toma prestada inteligentemente de la melodía clásica "Scarborough Fair", aunque ésta y todas las otras composiciones son propias. Otro punto a destacar es "La Hora Española", que evoca de manera efectiva un ambiente ibérico sin recurrir a clichés. no usando voces ni otros instrumentos, Intuite constituye una serie de 11 temas narrativos y abstractos, música ideal para relajarse después de un día estresante.

1. Kadourimbou
2. The Welsh Arrow
3. So Long Michael
4. Intuite
5. Bouree Voltige
6. Le Jardin d' Adonis
7. La Hora Española
8. L' Alchimiste
9. Agadiramadan
10. En Route From Scarborough
11. Silent Passenger

Javier Paxariño - Ouroboros (2002)

El uróboro (también ouroboro o uroboro) (del griego οὐροβóρος [ὄφις], '[serpiente] que se come la cola', a su vez de οὐρά, 'cola', y βόρος, 'que come') es un símbolo que muestra a una serpiente o dragón engullendo su propia cola y formando un círculo con su cuerpo. El uróboro simboliza el ciclo eterno de las cosas, también el esfuerzo eterno, la lucha eterna o bien el esfuerzo inútil, ya que el ciclo vuelve a comenzar a pesar de las acciones para impedirlo.

Se arranca este trabajo de Javier Paxariño con un tema ("El Baile de la Tarántula") que ya nos predispone para esperarnos lo mejor. Nos encontramos aquí con la esencia condensada de lo que este músico nos había estado enseñando todos estos años, es decir, una forma de entender la música en plenitud, disfrutando cada momento, cada nota.

Y es que cuando escuchas la música de Javier Paxariño puedes sentir cómo la melodía va despertando dentro de tí y te realimenta con su discurso de manera que va creciendo y tú creces con ella a su vez. Es una danza mística donde música y músico son una misma entidad y no pueden vivir la una sin el otro.

Los temas de Ouroboros van discurriendo con su propio ritmo, algunos vitales y luminosos, otros intimistas e introspectivos, pero el nexo de unión es, una vez más, el sentimiento que Javier consigue transmitirnos a través de su magia.
Predomina, como no podía ser de otra manera, el tratamiento de los vientos, que juguetean con los ritmos cambiantes que moldean este paseo sonoro.

Siempre destacaré la faceta optimista de algunos de los temas de Javier Paxariño que me hipnotizan en esa superposición minimalista de instrumentos en una obsesión repetitiva de una estructura rítmica brillante, pero en Ouroboros también hay momentos para mirar hacia el interior y podemos descubrir temas como "Anninnia" que tienen el poder de transmutarnos con una sencillez subyugante.

En general es inevitable tener que admitir que esta música está hecha con y para el alma y que el resultado de esta obra tal vez sea más personal, más confidente de la manera de vivir la música de Javier Paxariño que Temurá o Perihelión, donde la sucesión de temas apenas si daba tregua para pararse a contemplar el paisaje musical.

En Ouroboros la serpiente acaba mordiéndose la cola en un viaje hacia el futuro en estrecha comunión con el pasado, en una actitud de autoabrazo que sirve para aprender de nuestras propias experiencias para evolucionar y superarnos. Y Javier Paxariño es un experto viajero.


 

Musicos:
Javier Paxariño – Saxello , Piccolo, Flautas, Saxo Barítono, Saxo Soprano, Clarinete, Ti- Tzé que es una flauta china de bambú, Bawo, Whistle y Cynbals, Tarija, Olwell de Bambú, Qraquebs, Ney, Chimes, Kawala.
Colaboradores:
Dimitri Psonis – Santouri
Joxan Goikoetxea – Acordeón
Javier Colina – Bajo
Lluis Gonzalez – Trompeta, Flugel Horn,
Miguel Moreno – Tuba
Norman F. Hogue – Baritone Horn
Paco Garcia – Bateria
Rafa Pacha – Mandolina y Bouzouki
Javier Monforte – Programación y Guitarra Española
Diego Galaz – Violin
Jaime Medina – Kendang, Def , Bendit, Parideros
Alain Piñero – Warr Guitar
Eliseo Parra – Tamborine , Bendit , Bateria, Adufe y Cumbus
Fain Dueñas – Riq, Tabila y Darbuka
Amir Haddad – Oud y Guitarra Flamenca
Marcelo Fuentes – Bajo eléctrico
Fran Rubio – Piano acústico
Clara Serrano – Voz
Santi Vega – Piano acustico
Daniel Carranza – Vihuela
Alba Fresno – Viola de Gamba
Moisés Sánchez – Piano acústico en Columpio

01 – El baile de la tarántula
02 – Atardecer
03 – Alas de Céfiro
04 – danza do Escachapedras
05 – Días de Jubilo
06 – Anninnia
07 – Ciudades en la arena
08 – El misterio del agua
09 – Semblanza
10 – Las visiones de Abulafia
11 – Meseta imaginada
12 – Ouroboros
13 - Columpio

Jeff Johnson & Brian Dunning - Byzantium (2000)

The Book of Kells & St. Aidan's Journey

El compositor y músico Jeff Johnson y el flautista Brian Dunning ha colaborado durante muchos CDs. Byzantium es una banda sonora rica y diversa basada en el cuento épico de Stephen Lawhead de la aventura del monje San Aidan desde el Mar de Irlanda hasta el Mediterráneo, desde los reinos vikingos del norte hasta los desiertos de Arabia, de Kells a Constantinopla una parábola de un emocionante viaje espiritual,
Les acompañan John Fitzpatrick en el violín, el canto de Janet Chvatal, y Omar Faruk Tekbilek en la percusión y voz.

Toninho Horta - Moonstone

Antônio Maurício Horta de Melo nació en Belo Horizonte el 2 de diciembre de 1948, hijo y hermano de una familia de instrumentistas y compositores, aprendió sus primeros acordes con su madre y a los trece años compuso su primera canción «Flor que cheirava saudade», grabada por el tecladista Aécio Flavio. Durante la infancia en su natal Belo Horizonte, rápidamente se familiarizó com Nivaldo Ornelas, Milton Nascimento, Wagner Tiso y otros que fueron conocidos como el “Clube da Esquina”.

Su primera grabación fue em 1969 en un álbum de Nivaldo Ornelas. Posteriormente Horta acompañó a Elis Regina y Tom Jobim en um espectáculo de Tom & Elis en Río de Janeiro de 1970. A partir de entonces siguió participando en importantes festivales, uno de ellos en París acompañando a Gal Costa en el Festival Miden.
Em 1976 Toninho Horta viaja a los Estados Unidos y graba “Promises of the Sun” de Milton Nascimento y participa en la grabación de un álbum de Flora Purim. Allá inicia la grabación de su primer álbum “Terra dos Pássaros” que estuvo listo en 1980. Fue clasificado como el mejor guitarrista del mundo por la revista Británica “Melody Maker”.
En Brasil decidió mostrar su obra como compositor e intérprete con “Terra dos Pássaros”, después de su bautismo de fuego Toninho encontró su camino natural a través de una serie de conceptos y armonías complejas únicas en sus composiciones, que gradualmente le dio reconocimiento por parte de grandes músicos brasileños e internacionales.
Fuente: Lastfm
http://www.toninhohorta.com.br/blog/



Toninho Horta - Guitars, vocals
Eliane Elias - Piano
Paulo Braga, Danny Gottlieb - Drums
Steve Rodby, Mark Egan, Luizão Maia – Bass
Armando Marçal, Steve Thornton, Naná Vasconcelos, Robertinho Silva - Percussion
Billy Drewes - Alto & Soprano sax
Randy Brecker - Flugelhorn
Pat Metheny - Guitars
Onaje Allan Gumbs, Russell Ferrante, Willa Bassen- Synthesizers & Keyboards
Rudi Berger - Violin
Boca Livre (Zé Renato, Maurício Maestro, David Tygel, Lourenço Baeta) - Choir
Ricardo Silveira - Arrangements

1 Bicycle Ride            4:35      
2 Eternal Youth         4:33   
3 Gershwin             4:25   
4 Moonstone             3:56   
5 Liana             5:05   
6 Yarabella             4:44   
7 Francisca             3:14   
8 Sun Song             3:46   
9 I'll Never Forget         5:21   
10 Spirit Land                  5:51

David Arkenstone - Citizen Of Time (1990)

"Citizen of time" un agradable ejemplo de conjunción de sonido electrónico y acústico con aires épicos, en el que David Arkenstone se encarga de tocar un aluvión de sintetizadores (Korg, Roland, Emulator, Proteus, Fairlight, Yamaha), piano acústico, guitarra, bajo y flautas. A pesar de su creciente éxito y su legión de fieles seguidores, su estilo ha perdido personalidad e inspiración en la búsqueda de la comercialidad, si bien casi cualquiera de sus discos (en especial los de Narada o Windham Hill, para la que también llegó a grabar a finales de los 90) es recomendable para dejarse llevar hacia espacios ignotos de magia y aventuras, sin salir del salón de nuestras casas.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2009/11/david-arkenstone-citizen-of-time-la.html


01 Top of the World 04:49
02 The Great Wall 04:43
03 Firestix 04:00
04 Out of the Forest and Into the Trees 04:35
05 The Malabar Caves 03:28
06 Voices of the Anasazi 04:43
07 The Northern Lights 04:26
08 Rumours of Egypt 05:59
09 Splendor of the Sun 04:00
10 Explorers 07:48

Darol Anger & Barbara Higbie Quintet - Live at Montreux (1985)

Darol Anger se reunió con la pianista Barbara Higbie en París y formó una sociedad musical con ella. Juntos lanzaron un album temprano en Windham Hill, Tideline (1982). Dos años más tarde, formaron un grupo llamado The Darol Anger & Barbara Higbie Quintet, con Mike Marshall, Todd Phillips, y Andy Narell. Este grupo actuó en el Festival de Jazz de Montreux en 1984, este album es la grabacion del memorable concierto. El quinteto más tarde tomó el nombre de Montreux. Después de dos grabaciones de estudio Sign Language (1987) y Let Them Say (1989), la banda se separó en 1990, y Darol Anger continuó con la Turtle Island String Quartet, fundado en 1985. Todavía colabora con Montreux y con su compañero y colega de Psychograss, Mike Marshall, y en ocasiones también colabora con Barbara Higbie y Michael Manring.
Wikipedia...



Darol Anger - Violines
Barbara Higbie - Piano, Sintetizadores y Voz
Mike Marshall - Mandolina y Guitarra
Andy Narell - Steel Drums
Todd Phillips - Double Bass


1. Egrets (6:09)
2. The Lights In The Sky Are Stars (6:04)
3. Daughter of Cups (4:08)
4. Egypt (7:17)
5. Brann St.Sonata (4:04)
6. In What Hour (9:36)
7. Pumpkin Time (4:38)
8. Tideline (5:03)
9. Duet (3:55)
10. Near Northern (4:14)