Thomas Fanger - Parlez-Vous Électronique? (2005)

El sintesista alemán Thomas Fanger es comúnmente asociado con dúos musicales como Fanger & Schönwälder, Fanger & Kersten y Fanger & Siebert. Fanger plasma su exquisita sensibilidad en "Parlez-Vous Électronique?", su primer lanzamiento en solitario. ¡Y qué CD tan increíble! Los temas de apertura y cierre seguro que encantarán a los fans de Redshift y ARC, mientras que los demás temas son puramente Ashra/Gottsching. También hay similitudes con los volúmenes 1 y 3 de "Analog Overdose" de Fanger & Schönwälder. En otras palabras, nos adentramos en la Escuela de Berlín de principio a fin.

 "Vanilla Crush" comienza con suaves pads celestiales. Sin embargo, solo tarda un par de minutos en dar comienzo la primera magnífica secuencia. Me vinieron a la mente imágenes de Ian Boddy y Mark Shreeve, también conocidos como ARC, en la Hampshire Jam 3 detrás de su equipo analógico. Me encantaría ver a Thomas Fanger en directo. ¡Apuesto a que sería genial! En ​​fin, volvamos a la realidad. El acompañamiento se arremolina de un lado a otro, con hermosos destellos que emergen a la superficie como lava en erupción de un volcán. El inevitable mellotrón añade esa suavidad contrastante esencial. Sutiles líneas principales que habrían encajado igual de bien en "Phaedra", "Rubycon" o "Ricochet" de TD tejen su maravilloso hechizo. "Twinkling Sun" se centra en hipnóticos patrones de pulsaciones con maravillosos punteos virtuales de guitarra.

"Jungle Bar" es una colaboración con Klaus "Cosmic" Hoffmann-Hoock. Comienza con efectos vibrantes tipo selva tropical. A través de estos suaves riffs de guitarra, el eco anuncia una agradable secuencia de bajo profundo. Se empiezan a formar bucles de guitarra que crean una sensación de trance al estilo "E2-E4" de Gottsching. Pequeños toques de guitarra adicionales flotan sobre todo como una neblina de calor. En el quinto minuto hay un texto francés sampleado que no me pareció que encajara con la música, pero otros podrían no estar de acuerdo. "The Lost Track" arranca con un aire metálico bastante brillante. Se añade una línea de bajo y luego una excelente programación de batería. Todo se complementa para crear un ritmo emocionante. El sonido de las olas rompiendo en la orilla da comienzo a "Velvet Beach". Sin embargo, la atmósfera cambia pronto con la guitarra y una secuencia de bajo impactante. Otra secuencia, y luego una tercera, se unen a la primera. Pequeños riffs melódicos y pads susurrantes dan en el clavo. Otra secuencia bastante melodiosa aparece mutando maravillosamente a medida que avanzamos. ¡Qué tema tan fantástico y eufórico! "Pure Dreams" es un tema alegre y breve lleno de melodías tintineantes, pads exuberantes y síncopas frescas y perezosas. Muy divertido. Las secuencias rápidas nos lanzan directamente a "Aquanaut". La emoción crece aún más con la introducción del ritmo y una maravillosa guitarra cósmica cortesía de Michael Potrafke. Esta vez, la música es más bien una mezcla entre "Blackouts" de Ashra y "New Age Of Earth". "Calm" dura poco más de un minuto y es una especie de pieza puente onírica que nos lleva a "The Land Of Milk And Honey". Se escucha una flauta sobre más samples de selva tropical y aves. Todo es muy apacible. Comienza una secuencia tintineante. Empieza a mutar con la entrada del mellotrón, las pulsaciones cobran cada vez más fuerza y ​​en un instante volvemos al territorio ARC. La potencia crece hasta alcanzar proporciones celestiales, y luego un solo de gran precisión irrumpe por encima.

 

Thomas Fanger: Synthesizers, samplers, treated guitar, sequencer and drum programming.
Luna B.: Vocals.
Klaus 'Cosmic' Hoffmann-Hoock: Spaceguitar, electric sitar, memotron.
Michael Potrafke: Guitar. 

01 Vanilla Crush (19:01)
02 Twinkling Sun (9:02)
03 Jungle Bar (Album Version) (8:59)
04 The Lost Track (3:26)
05 Velvet Beach (10:07)
06 Pure Dreams (4:31)
07 Aquanaut (5:09)
08 Calm (1:14)
09 The Land Of Milk And Honey (15:49)

Catrin Finch & Seckou Keita - SOAR (2018)

 

La arpista galésa Catrin Finch y el senegales maestro de la kora Seckou Keita se conocieron por casualidad en 2012, cuando Keita fue convocado para sustituir a Toumani Diabaté en los ensayos de una gira con Finch. Un golpe militar en Mali había impedido a Diabaté abandonar el país a tiempo, así que Keita intervino para ayudar a preparar el repertorio con Finch, ella viene de la música clásica y nunca antes había visto o escuchado una kora. Por su parte, Keita, es un maestro de la kora y griot de ascendencia real, no leía música. Asi nació una maravillosa asociación musical.

En SOAR, Keita y Finch continúan explorando y celebrando las diferencias y similitudes entre sus instrumentos y culturas. Sus dúos musicales son intrincados y etéreos, llenos de un sonido de filigrana. Sus composiciones y arreglos originales combinan a la perfección elementos africanos y occidentales.

Catrin Finch - harp
Seckou Keita - kora, vocal

 

01. Clarach 06:05
02. Teranga-Bah 06:00
03. Yama Ba 05:36
04. Bach to Baisso 05:50
05. 1677 06:03
06. Listen to the Grass Grow 04:26
07. Hinna-Djulo 05:56
08. Cofiwch Dryweryn 04:53

Gabriel Lee - Impressions (1985)

 

Que yo sepa, Gabriel Lee solo ha publicado dos álbumes en solitario de música para guitarra acústica: este y Seasons. Ambos son igual de fenomenales. En belleza, simplicidad y virtuosismo técnico, Lee es un maestro del instrumento.

La guitarra y el sintetizador se combinan para producir una visión musical suave y desenfocada de la naturaleza durante el otoño y el invierno, Este CD es ideal para meditar, conducir, relajarse y cualquier otra cosa donde busques sonidos relajantes y la melodía justa para no resultar repetitivo. Lo describiría como una gran música para reflexionar.

Las colaboraciones zen con Riley Lee en flauta japonesa (Satori y Sanctuary) transportarán a cualquier oyente a lugares nunca antes vistos.

Guitar and synthesizer combine to produce a subdued, soft-focus musical view of nature during the fall and winter seasons.

 

1     Earth Dances - Part 1
2     Fall Dreams
3     A Thankfulness
4     First Frost
5     Winter Dances
6     Twilight Dance
7     Earth Dances - Part 2
8     Water Dances
9     Remembrances
10     Future Dreams
11     Farewell Dances
12     Running Dances
13     Earth Dances - Part 3

Olivia Belli - Intermundia (2024)

La pianista y compositora italiana Oliva Belli comparte su segundo álbum, Intermundia, Escrito para piano y trío de cuerdas, Belli grabó con los principales miembros del Max Richter Ensemble, Louisa Fuller, John Metcalfe y Chris Worsey.
En su segundo lanzamiento de larga duración, Olivia Belli va más allá de su profunda conexión con el mundo natural para explorar el lado espiritual de la naturaleza, algo más allá de lo físico, conocido como el “mundo de los lugares delgados”. Estos lugares son profundamente espirituales y relajantes, como los describe Belli, afirmando: "Sólo eres tú y tu alma".
Para Intermundia, Belli eligió ocho ubicaciones, todas muy cerca de su casa en Le Marche, en el centro de Italia. Todos estos lugares tienen un significado personal en la exploración espiritual y artística de Belli.
“Estamos encarnados en espíritu, y por eso es fundamental redescubrir y cuidar nuestra naturaleza espiritual. Estos son simplemente los lugares que me dieron la oportunidad de hacerlo. Cada uno de nosotros tenemos nuestros lugares, donde podemos percibir mejor esa parte más preciada de nosotros mismos, y sólo tenemos que encontrarlos”. Olivia Belli


 

01 Anima I
02 Bet Ha-Chaim
03 Respiro 1
04 Valadier
05 Diomedea
06 Respiro 2
07 Mirando
08 Anima II
09 Pian Perduto
10 Respiro 3
11 Amber Maze
12 Frater
13 Respiro 4
14 Sibyl

V.A. - Windham Hill - The Bach Variations (1994)

 

Windham Hill lanzó "The Bach Variations" con una sorprendente expectación en 1994, aunque no conectó del todo como muchos de sus samplers y álbumes, incluyendo la popular serie "A Winter's Solstice". Es una lástima, ya que este álbum contiene algunas versiones excelentes y, a menudo, únicas de Bach. Incluso los oyentes familiarizados con el compositor y sus obras descubrirán nuevas perspectivas sobre su música en este álbum. Cada pieza de este álbum merece una escucha, y algunas de ellas destacarán. Admito que soy fan de la banda irlandesa Nightnoise, pero su versión de "Bourée" me impactó profundamente. Lo mismo me ocurrió con los esfuerzos del Modern Mandolin Quartet en el primer movimiento del "Brandenburg Concerto #3". En resumen, un excelente álbum que se mantiene increíblemente bien después de más de tres décadas. Muy recomendable.




01. Paul McCandless - Arioso(Sinfonia from Cantata #156)
02. Gayle Levant And Tommy Morgan - Prelude in C with Ave Maria from the Well-Tempered Clavier
03. Steve Erquiaga - Prelude in C Minor from the Well-Tempred Clavier
04. Andy Narell - Jesus, Joy of Man's Desiring
05. Nightnoise - Bourree from Suite in E Minor for Lute
06. Philip Aaberg - Prelude in F Minor from the Well-Tempered Clavier Book II
07. Modern Mandolin Quartet - Brandeburg Concerto #3.1st Movement
08. Tim Story - Siciliano from Sonata #2 for Flute in Eb Major
09. Adam Rogers - Prelude & Presto from Suite in E Minor for Lute
10. Schonhertz & Scott - Air (for the G String)
11. Alex de Grassi - Prelude from Cello Suite #1
12. Turtle Island String Quartet & Modern Mandolin Quartet - Gavotte from Partita #1 in E Major
13. Liz Story - Prelude in #C from the Well-Tempered Clavier
14. Chris Botti - Andante from Sonata #2 in A Minor for Unaccompanied Violin

Ballaké Sissoko, Vincent Segal, Emile Parisien, Vincent Peirani - Les Égarés (2023)

 

El nuevo cuarteto Sissoko Segal Parisien Peirani presenta "Les Égarés" (El deambular), un disco grabado por dos dúos virtuosos (Sissoko-Segal y Peirani-Parisien), que durante años se han destacado en el arte de cruzar sonidos y trascender géneros.
 

Les Egarés es más que un disco. Es un espacio de juego, un lugar de vida musical, un asilo poético habitado por dos dúos: Ballaké Sissoko (kora) y Vincent Segal (violonchelo) por un lado y Vincent Peirani (acordeón) y Émile Parisien (saxo) por el otro. En el caso de estos magos, 2 + 2 ya no es 4, es 1. Porque lo que urden es en definitiva una unidad de espíritu, un sonido único y fluido que desdeña toda forma de competitividad egoísta y pone a cada participante al servicio de un bien musical común. Ni jazz, ni tradicional, ni de cámara, ni vanguardista, sino un poco de todo a la vez, Les Egarés es el tipo de álbum que hace del oído el rey de todos los instrumentos, un álbum donde el virtuosismo se expresa en el arte de la complicidad, donde la simple y grandiosa idea de escucharse unos a otros da como resultado el nacimiento de una espléndida canción a cuatro voces. Un disco sin voz solista que nunca deja de cantar. “Caminas sin saber a dónde vas, dejándote llevar y dándote el placer de perderte”, resume Vincent Segal.
https://sissokosegalparisienpeirani.bandcamp.com/album/les-gar-s-3

 

Ballaké Sissoko, kora
Vincent Segal, cello
Emile Parisien, soprano saxophone
Vincent Peirani, accordion, accordina

 1. Ta Nyé
2. Izao
3. Amenhotep
4. Orient Express
5. La Chanson des Egarés
6. Esperanza
7. Dou
8. Nomad’s Sky
9. Time Bum
10. Banja

Various Artists - Wisdom of the Wood (Contemporary Acoustic Music) (1991)

 Estas melodías, estas exquisitas y encantadoras piezas musicales, tienen la capacidad de llenar el corazón con una sabiduría que va más allá de los sabios del pasado y las grandes mentes del presente. "Wisdom of the Wood" no es solo una colección de notas musicales o composiciones emotivas, sino también un espacio para la meditación y la "sabiduría". Una sabiduría que no parece provenir de la mente humana, sino de las cortezas añejas de la madera.
"Wisdom of the Wood" es una muestra clásica de música new age capaz de tocar el corazón.

 

Nueve artistas de Narada rinden homenaje a la artesanía y las cualidades musicales atemporales que ofrecen los instrumentos acústicos en "Wisdom of the Wood". David Arkenstone, Bernardo Rubaja, Spencer Brewer, Richard Souther, Alasdair Fraser, Martin Kolbe, Trapezoid, Ira Stein y Kostia son los artistas que aportan sus interpretaciones claras y frescas a estos sonidos clásicos.

Richard Souther–    Saving Grace    5:19
Kostia–    Sand And Water    3:57
Alasdair Fraser–    Spirit Of The Gael    4:24
Paul Reisler & Trapezoid–    Big Salmon    3:23
Martin Kolbe–    La Couronne    5:35
Ira Stein–    Davey's Song    4:46
David Arkenstone–    Long Way From Home    3:47
Bernardo Rubaja–    Blue Star    2:43
Spencer Brewer–    My Sweet Elijah    3:45
Richard Souther–    Speak Of The Morning    4:12

Steve Kindler & Paul Lloyd Warner - Lemurian Sunrise (1981 ) + Steve Kindler - Automatic Writing (1985)

 

Lemurian Sunrise es una colaboración espontánea entre violín y piano. Grabado en las laderas del volcán Haleakala, en la isla hawaiana de Maui, cada movimiento refleja el deseo de los artistas de recrear musicalmente la imaginería de la naturaleza.
 

El violín se amplifica mediante una serie de regeneraciones de bucles de cinta para ampliar el registro armónico del instrumento, lo que se utiliza para proporcionar las exuberantes sonoridades orquestales que se escuchan en estas piezas.

El piano de cola utilizado en esta producción tiene un sonido pleno y resonante, similar al de una campana y un arpa. Esta grabación es una copia directa de la interpretación original en vivo.

Genre: Electronic
Style: New Age, Minimal, Avantgarde, Experimental, Ambient 

 

A1     Lemurian Sunrise     4:45
A2     Prisms     3:24
A3     Fruit Of The Night Blooming Cereus     2:51
A4     Vision     6:30
A5     The Unicorn     2:10
A6     Prescience     2:37
B1     Zenith     4:57
B2     Ancient Of Days     6:03
B3     Lemurian Sunset     5:23
B4     Cone Of Shadows     2:00

 

Steve Kindler es quizás más conocido por su trabajo con John McLaughlin y Jan Hammer, uno se sorprendería al descubrir lo mucho más arrollador y romántico que fué su trabajo en solitario. Y pocas cosas son más arrolladoras y románticas que su, lamentablemente, casi imposible de encontrar, Automatic Writing.

No debe confundirse con la obra protoambient de Robert Ashley, obra de palabra hablada, sino que ambos compartían algo: usar la creatividad mántrica y espontánea, sin duda surgida de la propia formación espiritual de Steve, para crear música mecánica y espontánea con un resultado muy diferente. Un lanzamiento de corte new age, una vez más en el aparentemente extenso catálogo de Global Pacific, Automatic Writing volvió a encontrar a Steve aventurándose más allá del mundo de la fusión.

Infinitamente conmovedor, Automatic Writing nunca se detiene del todo en los ritmos lentos (o tempos) que predominaban en la música ambiental de la época. Si has escuchado la canción que da título al disco, podrás oír a Steve usar motivos latinos y guitarra eléctrica para crear algo que no llega a ser jazz, new age ni fusión fluida, lo vemos inspirarse en la música de cuerdas melódica y de marcada inclinación romántica para reencontrarse con ese instrumento supuestamente "sobrio" de maneras que podrían incidir en ideas hipermodernistas.

https://www.fondsound.com/steve-kindler-automatic-writing-1985/

Congas, Shekere, Triangle, Percussion [Gourds, Stainless Steel Saucepan, Vase] – Kim Atkinson

Violin, Electric Guitar, Autoharp [Prepared], Synthesizer [Roland Jupiter 8, Yamaha Dx7], Electronic Drums [Linn Drum] -- Steve Kindler

 

 

1        Invocation    4:28
2        Back Country    8:50
3        Something From The Heart    2:01
4        For You...    7:08
5        Dawn In Varanasi    3:28
6        Sometime Ago    2:10
7        Automatic Writing    10:35
8        Song Of The Seabird Acoustic Guitar – Teja Bell  5:20

Donald Fagen - Kamikiriad (1993)

Kamakiriad es el segundo álbum en solitario del artista de Steely Dan, Donald Fagen, lanzado en 1993. Fue su primera colaboración con el socio de Steely Dan, Walter Becker, desde 1986, en el álbum Zazu de Rosie Vela. Becker tocó la guitarra y el bajo y produjo el álbum. El álbum es un ciclo futurista y optimista de ocho canciones sobre el viaje del narrador en su automóvil de alta tecnología, el Kamakiri (mantis religiosa en japonés). Fue nominado a un premio Grammy por Álbum del año 1994

Fagen y Becker se embarcaron en su primera gira como Steely Dan desde 1974 para promocionar el álbum.
https://en.wikipedia.org/wiki/Kamakiriad

Kamakiriad no es un trabajo comercial, es una nostalgia con visión futurista. En la parte lírica, Fagen retoma la idea de los discos conceptuales y arma toda una historia sobre un viaje en un kamakiriad, una nave del siglo XXI. Musicalmente, conserva el estilo de los trabajos de Steely Dan, en los cuales sobresale la guitarra de Becker. El disco fue grabado en los estudios Hit Factory de Manhattan, siguiendo un modelo diseñado por Fagen en el cual él mismo hizo los teclados y luego sumó las artes rítmicas de Becker, el baterista Chris Parker y el guitarrista George Wadenius.

 

1        Trans-Island Skyway 6:30
2        Countermoon 5:06
3        Springtime 5:07
4        Snowbound 7:09
5        Tomorrow's Girls 6:17
6        Florida Room 6:00
7        On The Dunes 8:07
8        Teahouse On The Tracks 6:11

Ray Lynch - Deep Breakfast (1984 - 1991)

Deep Breakfast es el segundo álbum del artista estadounidense de new age Ray Lynch, lanzado el 12 de diciembre de 1984 con su propio sello. Tras firmar con Music West Records, el álbum se lanzó a mayor escala en marzo de 1986. Para octubre de 1986, el álbum había vendido 72.000 copias, convirtiéndose en el trabajo revelación de Lynch.

Deep Breakfast fue posible porque ya había hecho The Sky of Mind y había nuevas herramientas tecnológicas disponibles. Una parte de su personalidad se había resumido y expresado en el trabajo anterior y estaba listo para hacer algo diferente: algo más enérgico y menos "controlado". No planeó el álbum en su conjunto. Simplemente comenzo a escribir piezas interesantes, conmovedoras o divertidas, o cualquier combinación de las anteriores, y cuando tuvo suficientes piezas, dedicó bastante tiempo a secuenciarlas hasta que parecieron funcionar juntas.

 

En los ochenta hubo un boom de la new age, y allá por 1984 apareció en el mercado este genial segundo disco oficial de Ray Linch. Los sintetizadores al poder. Melodías rítmicas la mayoría y rozando el clasicismo otras. El primer tema que abre el disco Celestial Soda Pop, será reconocida por muchos oyentes por ser muy solicitada en sintonías televisivas de la época. El sexto corte, con influencias clásicas, Kathleen´s Song, está dedicado a su mujer.

 La interpretación de Ray Lynch con el sintetizador a veces se asemeja a la de instrumentos de teclado y a veces suena como cuerdas pulsadas individualmente en instrumentos de cuerda electrificados, pero siempre posee una estructura melódica de profunda textura y un trasfondo rítmico vibrante. Notas aisladas en series y patrones crean un mosaico sonoro puntillista que alternativamente calma y estimula. No es de extrañar que este sea uno de los álbumes de new age más vendidos de todos los tiempos.

En la foto , Ray está de pie frente al óleo de Deep Breakfast, que se usó para la portada del álbum. Un amigo artista de Ray, Kim Prager (ahora Zen Player), había escuchado algo de la nueva música y le pidió una copia, que Ray le dio. Varias semanas después, Kim regresó a Ray con este vibrante óleo, que realmente capturó el espíritu de la música.

En definitiva otro trabajo imprescindible que no puede faltar en la discoteca de todo buen aficionado a este mundillo. Este autor, a pesar de su escasa discografía, nos sorprende por sus buenos trabajos.

Ray Lynch (sintetizadores, piano y guitarra)
Tom Canning (teclados)
Beverly Jacobs (flauta)
Ron Strauss (viola)


1. Celestial Soda Pop (4:42)
2. The Oh Of Pleasure (5:22)
3. Falling In The Garden (2:47)
4. Your Feeling Shoulders (7:34)
5. Rhythm In The Pews (4:13)
6. Kathleen's Song (4:10)
7. Pastorale (5:31)
8. Tiny Geometries (6:01)

Morgan Fisher - Water Music (1985 - 1997) + Flower Music (1998)

Morgan Fisher - Water Music (1985 - 1997)
Re-issued on CD in 1997, Japan: Prem Promotions PRE-1951

Hermosa y serena grabación ambiental de Morgan Fisher, nacido en el Reino Unido pero residente en Japón desde hace mucho tiempo, con su muy buscada obra maestra Water Music. Personalmente todavía tengo que encontrar algo que iguale la delicada tranquilidad de este y su parecido con las obras de Hiroshi Yoshimura o Satoshi Ashikawa es asombroso; más específicamente, 'Soundscape 1: Surround' de Yoshimura, que se lanzó apenas un año después, te hace preguntarte si Fisher y el difunto Hiroshi eran amigos a mediados de los 80. De todos modos, para cualquiera que haya logrado perderse el reciente aumento exponencial del interés en este sector tan específico de la música ambiental japonesa de los 80, las composiciones suaves y minimalistas de Fisher son tan frágiles como un copo de nieve y se desarrollan con gracia en momentos de alegría pura e íntima. Potencialmente la marca de agua más alta (sin duda la más bonita) de la discografía de los artistas británicos es variada y cada vez más difícil de encontrar.

   

Completamente improvisado, la versión original de este álbum presentaba cuatro pistas bellamente contemplativas en sintetizador y piano, dos de ellas a través de largos retrasos de cinta, y dos a dúo con Pneuma en guitarra arqueada y campanillas de concha. El último lanzamiento en CD de este álbum agrega tres pistas adicionales: dos de ellas paisajes sonoros ricamente superpuestos, la tercera una magnífica remezcla del dúo de piano / campanilla, que muestra la capacidad de Morgan para crear un sonido natural y orgánico utilizando tecnología informática. Un álbum que expresa en la música muchos aspectos del agua, desde la gota más delicada hasta los océanos vastos y pacíficos.

Genre: Electronic
Style: Ambient

01.    Water In The City    06:40
02.    Ice Melting        07:44
03.    The Great Lakes        11:43
04.    After The Rain        06:29
05.    We Are All Water    13:26
06.    Breathing Rain        05:57
07.    On The Brink        08:25

 

Morgan Fisher - Flower Music (1998)      
Japan: Prem Promotions PRE-1952

Este álbum se realizó en el año 98, Para presentar una serie de eventos a nivel nacional para promover la cultura británica en Japón. Uno de los eventos fue la actuación en solitario de Morgan en la sala de conciertos de Goto, la florería más importante de Japón (la familia imperial compra allí sus flores). Además de componer música original para este evento, decidió editarla en CD. También quería reeditar parte de la música de su álbum en casete (ahora no disponible) "Outer Beauty, Inner Mystery". Aquí hay remezclas de tres temas largos de ese álbum, además de cuatro temas nuevos. En una pista, Morgan tocó macetas (afinadas vertiéndoles agua); Suenan sorprendentemente como un cruce entre tambor de acero y vibráfono. Otra pista presenta una muestra larga de su "Pocket Library of Unusual Film Music" de 1980 que suena muy bien en baja fidelidad. Música para acompañar la apertura de flores (y personas).


01.    The Breathing Earth        11:15
02.    The Beauty Of Clay        04:39
03.    Kalimba Petals        05:29
04.    Waterglide            11:20
05.    Photosynthesis        05:51
06.    As The Sap Rises        07:37
07.    Slow Moving Clouds        10:06

Brian Eno - Film Music 1976-2020

 

 Las recopilaciones de música de cine ofrecen una visión única de la obra de un compositor, pero para un artista tan prolífico como Brian Eno, parece casi imposible siquiera recopilar una selección de sus mejores momentos. En primer lugar, ¿cuánta de su música fue compuesta para películas reales y cuánta para imaginarias? ¿Y cuánto es música en el sentido tradicional? Brian Eno es uno de los más grandes ingenieros de sonido en la historia de la grabación, y su trabajo ha impactado tanto los medios visuales como los sonoros durante décadas. Y a pesar de este enorme desafío, una nueva recopilación logra abarcar, si no encapsular, la amplitud de esa influencia. Un aperitivo para los no iniciados, así como una pequeña recompensa para los fans de toda la vida, "Film Music 1976-2020" incluye material clásico y reciente en un compacto formato de un solo disco.

 

El álbum incluye temas de la obra más reconocida de Brian Eno en cine y televisión. Su música se ha utilizado en cientos de películas y ha compuesto bandas sonoras para algunos de los directores más reconocidos del mundo, como David Lynch, Danny Boyle y Peter Jackson. Composiciones como "Ship In A Bottle" (Desde mi cielo), "Prophecy Theme" (Dune) y "Deep Blue Day" (Trainspotting) han contribuido significativamente a escenas icónicas. Incluye varios temas inéditos.

La larga relación de Eno con el cine se remonta a 1970, cuando confeccionó la banda sonora para el cortometraje experimental “Berlin Horse” de Malcolm Le Grice. En 1976 siguió con la musicalizaión del film “Sebastiane” de Derek Jarman y Paul Humfress y con una película griega de terror  clase B largamente olvidada, titulada “Land Of The Minotaur” y protagonizada por Peter Cushing y Donald Pleasance.

Film Music 1976-2020 es un álbum verdaderamente asombroso. Una colección cuidadosamente seleccionada de las bandas sonoras cinematográficas más exquisitas de Eno. Piezas individuales, bellamente elaboradas y con gran sensibilidad, conforman un conjunto sumamente valioso; "compilación" no es el término adecuado. La calidad apremiante "susurra" las pistas, haciendo justicia a cada obra. Además, es un arte maravilloso que invita a la contemplación.

 

1. Top Boy (Theme) from Top Boy - Series 1, directed by Yann Demange, 2011
2. Ship In A Bottle from The Lovely Bones, directed by Peter Jackson, 2009
3. Blood Red from BBC Arena – Francis Bacon, directed by Adam Low, 2005
4. Under from Cool World, directed by Ralph Bakshi, 1992
5. Decline And Fall from O Nome de Morte, directed by Henrique Goldman, 2017
6. Prophecy Theme from Dune, directed by David Lynch, 1984
7. Reasonable Question from We Are As Gods, directed by David Alvarado /Jason Sussberg, 2020
8. Late Evening In Jersey from Heat, directed by Michael Mann, 1995
9. Beach Sequence from Beyond The Clouds, directed by Michelangelo Antonioni, 1995
10. You Don’t Miss Your Water from Married to The Mob, directed by Jonathan Demme, 1988
11. Deep Blue Day from Trainspotting, directed by Danny Boyle, 1996
12. The Sombre from Top Boy - Series 2, directed by Jonathan van Tulleken, 2013
13. Dover Beach from Jubilee, directed by Derek Jarman, 1978
14. Design as Reduction from Rams, directed by Gary Hustwit, 2018
15. Undersea Steps from Hammerhead, directed by George Chan, 2004
16. Final Sunset from Sebastiane, directed by Derek Jarman, 1976
17. An Ending (Ascent), from For All Mankind, directed by Al Reinert, 1989

John Surman - Road To Saint Ives (1990)

Aunque podríamos sentirnos tentados a tomar Road To Saint Ives, uno de los álbumes solistas más impresionantes de John Surman, como un retrato de su ciudad costera homónima, Surman afirma en sus notas que ese no es el caso. Además  de las melodías de inspiración folk en los solos de soprano, la música abre su propio camino hacia continentes improvisados ​​únicos. Entre esos solos, "Polperro" constituye un inicio transportador, mientras que el efecto de eco de "Perranporth" baila sobre una nube caprichosa.

 

Estos solos son la esencia de todo lo que hace de Surman un regalo tan valioso para los oyentes. Su calidad de tono y timbre habla del dominio supremamente matizado que tiene sobre sus instrumentos. Cada uno tiene los ingredientes de la antigüedad soplados a través de su núcleo, como si las redes del tiempo se estuvieran tirando hacia canciones que lo abarcan todo. Surman es también un maestro de la miniatura, como lo demuestra el tema más corto del álbum, "Trethevy Quoit", en el que un crujiente rebaño de cañas graves da voz a una de las congregaciones más memorables del programa. A partir de estas, se desarrollan las piezas de conjunto en las que sobregraba una serie de arreglos. Desde paseos por el bosque al estilo de Michael Nyman ("Rame Head") hasta flirteos con su secuenciador favorito ("Mevagissey"), explora los contornos del barítono más lírico imaginable. En un momento nos deslizamos por un paisaje urbano clásico de ciencia ficción, mientras que al siguiente nos encontramos rozando el borde de un zumbido con influencias de piano ("Bodmin Moor"). Y es difícil ignorar el sonido multifacético de su clarinete bajo, que flota juguetonamente en cada ondulación de "Piperspool" pero que derrama oro líquido contra el órgano  de "Tintagel". El lirismo de Surman parece lamentar la magnitud de su propia belleza en este, su guiño más profundo. Así también podemos perdernos en la atmósfera gamelán de "Bedruthan Steps", donde esa inconfundible soprano entra y sale de cada templo como si todo el complejo fuera solo un arrecife oceánico, cada nota un pez que nada en sus calas como la naturaleza misma debe respirar.
https://johnsurman.com/biography/

 

Bass Clarinet, Soprano Saxophone, Baritone Saxophone, Keyboards, Percussion, Composed By, Liner Notes – John Surman

1. Polperro - 2:06
2. Tintagel - 12:10
3. Trethevy Quoit - 0:53
4. Rame Head - 4:39
5. Mevagissey - 6:50
6. Lostwithiel - 1:25
7. Perranporth - 1:58
8. Bodmin Moor - 6:40
9. Kelly Bray - 1:22
10. Piperspool - 5:08
11. Marazion - 2:35
12. Bedruthan Steps - 7:28

David Arkenstone - Valley In The Clouds (1987)

Valley in the Clouds es el álbum debut de David Arkenstone, lanzado en 1987 por el sello Narada Mystique. Gran parte de su característico estilo compositivo ya es evidente.

Lanzado en 1987, Valley in the Clouds, del multiinstrumentista David Arkenstone, sigue siendo una de las grabaciones electrónicas new age más exquisitas jamás producidas. Un elogio exaltado, pero casi cada tema de este viaje musical meticulosamente diseñado confirma la afirmación. Imbuido del espíritu aventurero de un viajero estelar, el trabajo de Arkenstone transmite una sensación de majestuosidad que invita a la imaginación del oyente. Luminosas a veces, suavemente percusivas en otras, las nueve piezas logran cumplir la ambición compositiva declarada de Arkenstone que te sumerge en delicias sonoras tan expansivas como "Ancient Legend" y "Stepping Stars", un par de clásicos que abren álbumes y establecen con gran maestría la temática del viaje místico. "Princess" es digna de la realeza en cualquier galaxia, y "Night Wind" te permite descubrir auroras que solo tu imaginación conocía. 

David Arkenstone – keyboards, grand piano, guitar, harp, fretless bass

Daniel Chase – organic and electronic percussion

1. Ancient Legend (3:54)
2. Stepping Stars (3:45)
3. Valley in the Clouds (3:35)
4. Princess (3:32)
5. Eastern Dream (4:49)
6. Night Wind (3:56)
7. Rain (5:41)
8. The Sun Girl (4:37)
9. Lost Temple (6:43)

Caoilfhionn Rose - Truly (Deluxe Edition) (2021)

Caoilfhionn Rose, de Manchester, ha alcanzado la mayoría de edad como artista, investigando profundamente para encontrar nuevas formas experimentales de expresar su asombro ante la belleza de la naturaleza, su amor por la música en toda su diversidad y su creencia en los poderes restauradores que ambos ofrecen en el turbulento mundo post-cultural. Mundo COVID. Vigorosa, investigadora y siempre curiosa, Caoilfhionn ha encontrado una voz a la vez antigua y moderna, explorando intrépidamente la tecnología contemporánea para transformar la artesanía tradicional para mediados de la década de 2020.

La música de Caoilfhionn tiene sus raíces en el conocimiento del folk, el jazz y todos los músicos clásicos del siglo XX, y parece crear un espacio mágico y de otro mundo de su propia imaginación, mezclando el piano principal de Caoilfhionn con sintetizadores y contrastando una sección rítmica en vivo y adornos de saxofón. muestras ambientales y técnicas de producción de cara al futuro.

Coproducida por Kier Stewart de The Durutti Column luego de los esfuerzos de colaboración de Rose con ellos en su álbum Chronicle LX:XL, la composición de las canciones del músico se basa en una paleta diversa de influencias, incluidas Building Instrument, Rachel Sermanni, Alabaster dePlume y Broadcast. Rose también profesa su amor por la música hermosa, sencilla y basada en piano, como Dustin O'Halloran y su compañera de sello Hania Rani.
https://caoilfhionnrose.co.uk/
https://www.facebook.com/caoilfhionnrose/

 

Genre:    Rock, Pop, Folk, World, & Country
Style:    Folk, Ambient, Alternative Rock, Psychedelic Rock, Indie Rock, Indie Pop

1. Flourish [03:01]
2. To Me [03:42]
3. Tubercular Skies [03:27]
4. Fireflies [04:10]
5. Every Waking Minute [02:39]
6. Point in Time [02:46]
7. Readiness Is All [03:28]
8. Paths [03:33]
9. Truly [02:54]
10. Hold Your Own [03:14]
11. All That Light [02:09]
12. Garden (Secret Track) [04:16]
13. Fireflies (Acoustic version) [03:27]
14. Truly (Acoustic version) [03:13]
15. Better Weather (Secret Track) [01:39]

Finis Africae - Amazonia (1990)

 

Finis Africae fue una banda española de música ambiental, formada en 1982, que publicó dos discos en la primera mitad de los años 80 y siguió esporádicamente en activo hasta 2000. Por ella pasaron músicos vinculados al folk, la new age y la canción de autor, como Juan Alberto Arteche Gual, Luis Delgado, Javier Bergia, Javier Paxariño, Markus Breuss y Juan Carlos Fernández Puerta. El grupo toma su nombre de la novela de Umberto Eco El nombre de la rosa, en la que Finis Africae es una zona secreta de la biblioteca de un monasterio, en la que se ocultan libros que el bibliotecario estima peligrosos para la fe cristiana.

Hacia 1990 ve la luz el tercer trabajo, esta vez, el itinerario es la 'Amazonia', donde se vuelcan los momentos vividos en un viaje iniciático por los pulmones de la Tierra, con la compañía de Javier Paxariño como invitado especial

 

Únase al español Juan Alberto Arteche Guel y a sus compañeros de aventuras musicales en su barco Finis Africae en un viaje musical imaginario por el Amazonas. Este es su álbum de 1990, un clásico balear raro y muy buscado, la obra maestra de Finis Africae fue parte del florecimiento musical que surgió al final del régimen de Franco, y este álbum, guiado por el visionario Guel, captura los resultados de esa era de apertura y libertad recién descubiertas. Capturando las habilidades de producción de Guel en su apogeo, "Amazonia" está inspirada por Jon Hassell y Brian Eno y su idea de una música del "cuarto mundo". Los arreglos, que son espaciosos y apropiadamente acuáticos, presentan instrumentos electrónicos y acústicos en piezas temáticas que a veces fluyen libremente y otras son ondulantes y percusivas. Vívidamente imaginado y bellamente grabado, este es un viaje agradable y memorable.

 

01 Suite Amazónica 5:28
02 El Abrazo De La Selva 4:45
03 Carauari 7:56
04 El Hechicero 3:01
05 Hombres Trueno 3:40
06 Dança Do Corpo 5:14
07 Remontando El Purus 7:56
08 Hassell, El Oso Hormiguero 2:03
09 Hombres Lluvia 3:47
10 Adiós A Puerto España 4:20

Barbara Higbie - Resonance (2019) + Murmuration (2021)

Nacida en Michigan en 1958 y criada en Indiana, pasó varios años de su juventud en Ghana junto a su familia. En París, conoció al violinista Darol Anger y creó una fructífera colaboración musical. Juntos grabaron el álbum Tideline (1982), uno de los primeros álbumes exitosos de Windham Hill. Dos años después se reunieron con los músicos Mike Marshall, Todd Phillips y Andy Narrel para presentarse en el reputado Montreux Jazz Festival. El concierto fue considerado un éxito, llegando incluso a ser grabado y publicado en un álbum en vivo titulado Live at Montreux–Darol Anger/Barbara Higbie Quintet. Luego de grabar dos álbumes de estudio, Sign Language y Let Them Say, el grupo se separó.

Ha grabado discos con los sellos Windham Hill, Olivia/Second Wave y Slowbaby Records. Sus géneros varían entre el folk, jazz y pop, y destaca por sus melódicas ejecuciones de piano en el jazz. Ha realizado giras nacionales e internacionales desde la década de 1980. Grabó un álbum aclamado por la crítica junto a la cantante Teresa Trull llamado Unexpected en 1983.1​ Higbie y Trull se reunieron de nuevo en 1997 para grabar un álbum titulado Playtime. Desde 1990, Barbara Higbie ha publicado varios trabajos discográficos con los sellos Windham Hill y Slowbaby.

Barbara ha colaborado además con artistas y bandas como Bonnie Raitt, Terry Riley, The Kronos Quartet, Jaron Lanier, Cris Williamson, Holly Near, Teresa Trull y Ferron.

Murmuración: grupo numeroso de aves, generalmente estorninos, que vuelan, se lanzan en picado y cambian de dirección juntas; La clave matemática para que la bandada se mueva con gracia a través de la incertidumbre es que cada ave realiza un seguimiento de exactamente otras siete aves. Estas imágenes describen la impresionante y evocadora grabación instrumental de 2021 de la maestra músico y compositora Barbara Higbie. Como continuación de su aclamado álbum Resonance de 2019, se refiere a Murmuration como la parte II de su "Chillogy", una trilogía de álbumes relajantes, una medicina perfecta y muy necesaria para mantener la calma, pero al mismo tiempo alerta, durante estos intensos momentos. 

 

Barbara Higbie - Resonance (2019)

01. Resonance (05:01)
02. Made It Through (03:48)
03. Great Blue Heron (04:48)
04. Atakpame (04:43)
05. Generous Heart (03:13)
06. The Land (04:12)
07. Morning on the Lake (08:38)
08. Trees I’ve Known (05:09)
09. Water Lilies (03:23)
10. Celtic Roots (04:11)

   

Barbara Higbie -  Murmuration (2021)

01. Trees Unknown (04:33)
02. Tango Aurelio (04:59)
03. Patrick (03:34)
04. Middle of the Night (04:17)
05. Frances (04:04)
06. Rydin Road (06:37)
07. Stillness (03:16)
08. Inspiration Point (05:21)
09. Murmuration (04:13)
10. North Fork (03:22)

Jeff Johnson & Brian Dunning - King Raven - Eps Vol. 1 - 2 (2006/2007)

La Trilogía King Raven es una serie de novelas históricas del escritor estadounidense Stephen R. Lawhead, basado en la leyenda de Robin Hood. Lawhead reubica a Robin Hood de Sherwood Forest en Nottingham a Gales, y establece la historia a finales del siglo XI, después de la batalla de Hastings y para coincidir con la invasión normanda de Gales y las luchas que el pueblo Cymry (Welsh) contra los normandos, y la intriga política de la Gran Bretaña medieval. La trilogía consta de tres libros llamados Hood, Scarlet y Tuck. La serie King Raven continuó sus temas de reimaginar la mitología popular en escenarios más auténticos y arenosos, que comenzó con su Ciclo Pendragon.

Jeff Johnson: Keys, percussion & vocal
Brian Dunning: Flutes, whistles, accordion, bodhran & vocal percussion
Tim Ellis: Acoustic & electric guitars
Phil Baker: Bass
Gwen Franz: Viola & violin
Jozef Lupták: Cello

Jeff Johnson & Brian Dunning – King Raven Volume 1
1        The Flight Of Rhi Bran    5:50
2        Elder World    4:05
3        Power Of Heaven    5:58
4        Fire Song (Love's Pure Light)

Impregnada de mitología celta la trilogía King Raven de Stephen R. Lawhead, evoca espíritus ancestrales y tierras lejanas y envueltas en la niebla, estas grabaciones son de los EPs King Raven Vols. 1 y 2 aclamados por la crítica, En 2008 se lanzó un CD con los tres volumenes y 12 temas. El dúo estadounidense/irlandés de Johnson y Dunning ofrecen una inspirada banda sonora celta para acompañar la nueva versión de Lawhead de la leyenda de Robin Hood. La música del dúo se ha convertido en un pilar del género de la música celta contemporánea con lanzamientos aclamados como Byzantium, Songs from Albion, The Bard & The Warrior, A Quiet Knowing, Stars In The Morning East y Benediction. Sus canciones han aparecido en muchas compilaciones instrumentales contemporáneas de gran éxito, incluidas las publicadas por Windham Hill (Celtic Christmas, Winter Solstice) y Hearts of Space (Celtic Twilight). También han tenido música incluida en películas como Gangs of New York de Martin Scorsese y acompañando al popular libro infantil, The Tale Of Three Trees.

 

Jeff Johnson & Brian Dunning – King Raven Volume 2
1        Black Arrows    7:03
2        The Forest    5:55
3        Raven Dance    2:55
4        Down By The Glenside    3:07

Puck Fair - Fair Play (1987)

 

Formada en Nueva York en 1984 por Brian Dunning, el fallecido Mícheál Ó Domhnaill y Tommy Hayes, Puck Fair combina música celta tradicional con jazz e influencias contemporáneas. A menudo se los describe como a medio camino entre Nightnoise y Relativity, dos bandas con las que se ha asociado a los miembros originales de Puck Fair. Su interpretación de Moondance de Van Morrison también ha sido interpretada por Nightnoise.

Mícheál Ó Domhnaill había conocido a Brian Dunning en un festival irlandés de Alabama dos años antes.
Dunning explica que “estaba allí como parte del contingente jazzero irlandés, Mícheál formaba parte junto con Kevin Burke violinista ex – Bothy Band con quién editó un par de álbumes Promenade en 1979 y Portland en 1982.
Tuvimos una sesión nocturna de flauta y guitarras, simple fusión, ninguna melodía en especial, fue interesante, ya que poseía la misma libertad del jazz sin serlo, más bien con un dejo de irlandés, Luego del encuentro ambos deciden tocar juntos, Sus senderos se cruzan repetidas veces, pero sin nada en concreto, Dunning comienza a componer algunas piezas y conoce al bodhranista Tommy Hayes (Stockton’s Wing), y juntos forman el dúo Puck Fair, que aún tocaba ocasionalmente.
Puck Fair posee la maestría de combinar la fuerza rítmica de la música celta junto con la libertad y espontaneidad del jazz, una fusión mas bien desde lo irlandés hacia el jazz.
Editan en 1987 el álbum Fair Play, bajo el sello Windham Hill hoy fuera de catálogo.

 

Fantástica mezcla de jazz y folk celta, en la que participan miembros de la banda de fusión Nightnoise, en particular Brian Dunning a la flauta y Micheal O'Domhnaill con su particular forma de tocar el ritmo. Es difícil categorizar y describir estrictamente la música, ya que hay toques de worldbeat, dance electrónico temprano y minimalismo neoclásico, todo ello mezclado con un dejo irlandés. Con la posible excepción del fallecido Michael Hedges, Nightnoise fue lo mejor y, sin duda, lo más novedoso del sello Windham Hill y este proyecto relacionado merece la pena para los fans de los estilos celta, folk y jazz.

Tommy Hayes - Bodhrán, Percussion
Billy Oskay - Engineer, Mixed By – Billy Oskay
Brian Dunning - Flute, Flute [Alto], Whistle [Pennywhistle], Panpipes
Mícheál Ó Domhnaill - Guitar, Whistle –  (tracks: 1 to 4, 6, 7)
Producer – Billy Oskay, Puck Fair
Written-By – Brian Dunning, Mícheál Ó Domhnaill (tracks: 1, 4), Tommy Hayes (tracks: 1, 4, 5)
Gordon Lee - Piano

 

1        Stepping Stone/Ken's Comb    3:08
2        Doll's Waltz    3:37
3        McMinimal's Reel    3:18
4        Spanish Arch/A Waltz, B Reel    8:21
5        Paddy's Green Shamrock Jungle    2:48
6        Moondance   5:39
7        3x4     3:29
8        The Cur     4:32
9        Time O' Night     2:15

Himekami - Tsugaru (Pony Canyon 1994)

Tsugaru fué lanzado el 21 de julio de 1994 por el sello Pony Canyon.

El lago Jusanko, es un lago salobre en el lado oeste de la península de Tsugaru, El álbum está basado en el motivo de Tosaminato, una ciudad portuaria que una vez floreció en las orillas del lago.

Himekami se inspiró en la cultura, las gentes y el paisaje de la región de Tosaminato, en la península japonesa de Tsugaru.
El resultado de su contacto con todo ello es una música que ejerce un importante efecto de choque sonoro en el oyente, ya que auna elementos dispares para construir piezas a menudo inclasificables.
No se trata de experimentar, sino que Himekami edifica temas melódicos de gran belleza, otros rítmicos que pueden bailarse, y hasta algunos misteriosos.
La principal vía de fusión viene marcada por el encuentro entre el pop y la música folklórica nipona.
Las canciones incluidas en el álbum también evocan de alguna manera el Mar de Japón y el continente asiático más allá.
Otra cosa que vale la pena mencionar es que el hijo mayor de Yoshiaki Hoshi, Yoshinori Hoshi, quien más tarde sucedería a Himekami, habia estado involucrado en la producción de esta obra. Es responsable de parte de la composición.
La caratula presenta una ilustración del sol brillando a través de las nubes hacia el océano más allá de una pradera.

 

 

Tracks
01. 十三の春 [Tosa-no-Haru] (5:15)
02. 北の海道 [Kita-no-Umi-Michi] (5:52)
03. 東日流笛 [Tsugaru-Bue] (4:16)
04. 遠い唄 [Toh'i-Uta] (4:09)
05. 十三の砂山 [Tosa-no-Sunayama =Gan-Kuyoh= <Tosa Dunes>] (4:37)
Suite "Gensoh Tsugaru"
06. I. 鎮魂 [Chinkon (Original Title: "Adohadari")] (5:33)
07. II. 海の刻 [Umi-no-Toki] (4:18)
08. III. 哀想 [Aisoh] (3:00)
09. IV. 月まんどろに [Tsuki-Mandoro-ni] (2:48)
10. V. 十三夜曲 [Tosa-Yakyoku] (5:18)
11. VI. 風の子守唄 [Kaze-no-Komoriuta] (05:17)
12. VII. 流転 [Ruten (Original Title: "Adohadari"] (1:15)

Rubaja and Hernandez - High Plateaux (1987)

Un argentino y un mexicano que se unen para ofrecer su música en los Estados Unidos no pueden menos que plasmar en ella parte de sus raíces y actuar como emisarios y renovadores del rico folclore que portan en la sangre. Las corrientes más populares de la música en norteamérica ya habían sido aderezadas con elementos lejanos, no sólo hispanos (Carlos Santana) sino también orientales (los Beatles, al emplear el sitar en sus discos, abrieron el camino a Ravi Shankar), africanos (con Miriam Makeba como abanderada), jamaicanos (el reggae, encabezado en popularidad por Bob Marley), y por supuesto europeos, esencialmente celtas que, como la esencia africana, llevaban tiempo instalados en los Estados Unidos. La música instrumental avanzada de los grandes sellos norteamericanos también estaba dando grandes pasos hacia la fusión y la multiculturalidad, así que Windham Hill apostó por estos dos teclistas hispanoparlantes de nombre Bernardo Rubaja y César Hernández, que publicaron en 1987 un único disco juntos, "High plateaux", desapareciendo desde entonces el mexicano y manteniéndose durante unos años más Bernardo Rubaja en el panorama musical norteamericano gracias a otra mítica compañía, Narada.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2008/03/rubaja-hernndez-high-plateaux-un.html
(Hay que reconocer que Pepe hace un buen trabajo...Gracias!!)

 

Charango, Guitar – Gustavo Santaolalla
Keyboards – Bernardo Rubaja, Cesar Hernandez
Drums, Percussion – Alex Acuña
Harp – Stephanie Bennett
Producer, Trumpet, Flugelhorn, Soprano Saxophone – Mark Isham


1. Puerta Del Sol (Gate Of The Sun) 5:05
2. Forest 6:18
3. Reflective Colors 3:50
4. Indian Woman 5:25
5. Mar (The Sea) 5:25
6. Oro Blanco (White Gold) 6:32
7. Icebird 4:10
8. Dias Felices (Happy Days) 5:47
9. Pampa 5:36
10. Child's Dream 3:50