Finis Africae - Amazonia (1990)

 

Finis Africae fue una banda española de música ambiental, formada en 1982, que publicó dos discos en la primera mitad de los años 80 y siguió esporádicamente en activo hasta 2000. Por ella pasaron músicos vinculados al folk, la new age y la canción de autor, como Juan Alberto Arteche Gual, Luis Delgado, Javier Bergia, Javier Paxariño, Markus Breuss y Juan Carlos Fernández Puerta. El grupo toma su nombre de la novela de Umberto Eco El nombre de la rosa, en la que Finis Africae es una zona secreta de la biblioteca de un monasterio, en la que se ocultan libros que el bibliotecario estima peligrosos para la fe cristiana.

Hacia 1990 ve la luz el tercer trabajo, esta vez, el itinerario es la 'Amazonia', donde se vuelcan los momentos vividos en un viaje iniciático por los pulmones de la Tierra, con la compañía de Javier Paxariño como invitado especial

 

Únase al español Juan Alberto Arteche Guel y a sus compañeros de aventuras musicales en su barco Finis Africae en un viaje musical imaginario por el Amazonas. Este es su álbum de 1990, un clásico balear raro y muy buscado, la obra maestra de Finis Africae fue parte del florecimiento musical que surgió al final del régimen de Franco, y este álbum, guiado por el visionario Guel, captura los resultados de esa era de apertura y libertad recién descubiertas. Capturando las habilidades de producción de Guel en su apogeo, "Amazonia" está inspirada por Jon Hassell y Brian Eno y su idea de una música del "cuarto mundo". Los arreglos, que son espaciosos y apropiadamente acuáticos, presentan instrumentos electrónicos y acústicos en piezas temáticas que a veces fluyen libremente y otras son ondulantes y percusivas. Vívidamente imaginado y bellamente grabado, este es un viaje agradable y memorable.

 

01 Suite Amazónica 5:28
02 El Abrazo De La Selva 4:45
03 Carauari 7:56
04 El Hechicero 3:01
05 Hombres Trueno 3:40
06 Dança Do Corpo 5:14
07 Remontando El Purus 7:56
08 Hassell, El Oso Hormiguero 2:03
09 Hombres Lluvia 3:47
10 Adiós A Puerto España 4:20

Barbara Higbie - Resonance (2019) + Murmuration (2021)

Nacida en Michigan en 1958 y criada en Indiana, pasó varios años de su juventud en Ghana junto a su familia. En París, conoció al violinista Darol Anger y creó una fructífera colaboración musical. Juntos grabaron el álbum Tideline (1982), uno de los primeros álbumes exitosos de Windham Hill. Dos años después se reunieron con los músicos Mike Marshall, Todd Phillips y Andy Narrel para presentarse en el reputado Montreux Jazz Festival. El concierto fue considerado un éxito, llegando incluso a ser grabado y publicado en un álbum en vivo titulado Live at Montreux–Darol Anger/Barbara Higbie Quintet. Luego de grabar dos álbumes de estudio, Sign Language y Let Them Say, el grupo se separó.

Ha grabado discos con los sellos Windham Hill, Olivia/Second Wave y Slowbaby Records. Sus géneros varían entre el folk, jazz y pop, y destaca por sus melódicas ejecuciones de piano en el jazz. Ha realizado giras nacionales e internacionales desde la década de 1980. Grabó un álbum aclamado por la crítica junto a la cantante Teresa Trull llamado Unexpected en 1983.1​ Higbie y Trull se reunieron de nuevo en 1997 para grabar un álbum titulado Playtime. Desde 1990, Barbara Higbie ha publicado varios trabajos discográficos con los sellos Windham Hill y Slowbaby.

Barbara ha colaborado además con artistas y bandas como Bonnie Raitt, Terry Riley, The Kronos Quartet, Jaron Lanier, Cris Williamson, Holly Near, Teresa Trull y Ferron.

Murmuración: grupo numeroso de aves, generalmente estorninos, que vuelan, se lanzan en picado y cambian de dirección juntas; La clave matemática para que la bandada se mueva con gracia a través de la incertidumbre es que cada ave realiza un seguimiento de exactamente otras siete aves. Estas imágenes describen la impresionante y evocadora grabación instrumental de 2021 de la maestra músico y compositora Barbara Higbie. Como continuación de su aclamado álbum Resonance de 2019, se refiere a Murmuration como la parte II de su "Chillogy", una trilogía de álbumes relajantes, una medicina perfecta y muy necesaria para mantener la calma, pero al mismo tiempo alerta, durante estos intensos momentos. 

 

Barbara Higbie - Resonance (2019)

01. Resonance (05:01)
02. Made It Through (03:48)
03. Great Blue Heron (04:48)
04. Atakpame (04:43)
05. Generous Heart (03:13)
06. The Land (04:12)
07. Morning on the Lake (08:38)
08. Trees I’ve Known (05:09)
09. Water Lilies (03:23)
10. Celtic Roots (04:11)

   

Barbara Higbie -  Murmuration (2021)

01. Trees Unknown (04:33)
02. Tango Aurelio (04:59)
03. Patrick (03:34)
04. Middle of the Night (04:17)
05. Frances (04:04)
06. Rydin Road (06:37)
07. Stillness (03:16)
08. Inspiration Point (05:21)
09. Murmuration (04:13)
10. North Fork (03:22)

Jeff Johnson & Brian Dunning - King Raven - Eps Vol. 1 - 2 (2006/2007)

La Trilogía King Raven es una serie de novelas históricas del escritor estadounidense Stephen R. Lawhead, basado en la leyenda de Robin Hood. Lawhead reubica a Robin Hood de Sherwood Forest en Nottingham a Gales, y establece la historia a finales del siglo XI, después de la batalla de Hastings y para coincidir con la invasión normanda de Gales y las luchas que el pueblo Cymry (Welsh) contra los normandos, y la intriga política de la Gran Bretaña medieval. La trilogía consta de tres libros llamados Hood, Scarlet y Tuck. La serie King Raven continuó sus temas de reimaginar la mitología popular en escenarios más auténticos y arenosos, que comenzó con su Ciclo Pendragon.

Jeff Johnson: Keys, percussion & vocal
Brian Dunning: Flutes, whistles, accordion, bodhran & vocal percussion
Tim Ellis: Acoustic & electric guitars
Phil Baker: Bass
Gwen Franz: Viola & violin
Jozef Lupták: Cello

Jeff Johnson & Brian Dunning – King Raven Volume 1
1        The Flight Of Rhi Bran    5:50
2        Elder World    4:05
3        Power Of Heaven    5:58
4        Fire Song (Love's Pure Light)

Impregnada de mitología celta la trilogía King Raven de Stephen R. Lawhead, evoca espíritus ancestrales y tierras lejanas y envueltas en la niebla, estas grabaciones son de los EPs King Raven Vols. 1 y 2 aclamados por la crítica, En 2008 se lanzó un CD con los tres volumenes y 12 temas. El dúo estadounidense/irlandés de Johnson y Dunning ofrecen una inspirada banda sonora celta para acompañar la nueva versión de Lawhead de la leyenda de Robin Hood. La música del dúo se ha convertido en un pilar del género de la música celta contemporánea con lanzamientos aclamados como Byzantium, Songs from Albion, The Bard & The Warrior, A Quiet Knowing, Stars In The Morning East y Benediction. Sus canciones han aparecido en muchas compilaciones instrumentales contemporáneas de gran éxito, incluidas las publicadas por Windham Hill (Celtic Christmas, Winter Solstice) y Hearts of Space (Celtic Twilight). También han tenido música incluida en películas como Gangs of New York de Martin Scorsese y acompañando al popular libro infantil, The Tale Of Three Trees.

 

Jeff Johnson & Brian Dunning – King Raven Volume 2
1        Black Arrows    7:03
2        The Forest    5:55
3        Raven Dance    2:55
4        Down By The Glenside    3:07

Puck Fair - Fair Play (1987)

 

Formada en Nueva York en 1984 por Brian Dunning, el fallecido Mícheál Ó Domhnaill y Tommy Hayes, Puck Fair combina música celta tradicional con jazz e influencias contemporáneas. A menudo se los describe como a medio camino entre Nightnoise y Relativity, dos bandas con las que se ha asociado a los miembros originales de Puck Fair. Su interpretación de Moondance de Van Morrison también ha sido interpretada por Nightnoise.

Mícheál Ó Domhnaill había conocido a Brian Dunning en un festival irlandés de Alabama dos años antes.
Dunning explica que “estaba allí como parte del contingente jazzero irlandés, Mícheál formaba parte junto con Kevin Burke violinista ex – Bothy Band con quién editó un par de álbumes Promenade en 1979 y Portland en 1982.
Tuvimos una sesión nocturna de flauta y guitarras, simple fusión, ninguna melodía en especial, fue interesante, ya que poseía la misma libertad del jazz sin serlo, más bien con un dejo de irlandés, Luego del encuentro ambos deciden tocar juntos, Sus senderos se cruzan repetidas veces, pero sin nada en concreto, Dunning comienza a componer algunas piezas y conoce al bodhranista Tommy Hayes (Stockton’s Wing), y juntos forman el dúo Puck Fair, que aún tocaba ocasionalmente.
Puck Fair posee la maestría de combinar la fuerza rítmica de la música celta junto con la libertad y espontaneidad del jazz, una fusión mas bien desde lo irlandés hacia el jazz.
Editan en 1987 el álbum Fair Play, bajo el sello Windham Hill hoy fuera de catálogo.

 

Fantástica mezcla de jazz y folk celta, en la que participan miembros de la banda de fusión Nightnoise, en particular Brian Dunning a la flauta y Micheal O'Domhnaill con su particular forma de tocar el ritmo. Es difícil categorizar y describir estrictamente la música, ya que hay toques de worldbeat, dance electrónico temprano y minimalismo neoclásico, todo ello mezclado con un dejo irlandés. Con la posible excepción del fallecido Michael Hedges, Nightnoise fue lo mejor y, sin duda, lo más novedoso del sello Windham Hill y este proyecto relacionado merece la pena para los fans de los estilos celta, folk y jazz.

Tommy Hayes - Bodhrán, Percussion
Billy Oskay - Engineer, Mixed By – Billy Oskay
Brian Dunning - Flute, Flute [Alto], Whistle [Pennywhistle], Panpipes
Mícheál Ó Domhnaill - Guitar, Whistle –  (tracks: 1 to 4, 6, 7)
Producer – Billy Oskay, Puck Fair
Written-By – Brian Dunning, Mícheál Ó Domhnaill (tracks: 1, 4), Tommy Hayes (tracks: 1, 4, 5)
Gordon Lee - Piano

 

1        Stepping Stone/Ken's Comb    3:08
2        Doll's Waltz    3:37
3        McMinimal's Reel    3:18
4        Spanish Arch/A Waltz, B Reel    8:21
5        Paddy's Green Shamrock Jungle    2:48
6        Moondance   5:39
7        3x4     3:29
8        The Cur     4:32
9        Time O' Night     2:15

Himekami - Tsugaru (Pony Canyon 1994)

Tsugaru fué lanzado el 21 de julio de 1994 por el sello Pony Canyon.

El lago Jusanko, es un lago salobre en el lado oeste de la península de Tsugaru, El álbum está basado en el motivo de Tosaminato, una ciudad portuaria que una vez floreció en las orillas del lago.

Himekami se inspiró en la cultura, las gentes y el paisaje de la región de Tosaminato, en la península japonesa de Tsugaru.
El resultado de su contacto con todo ello es una música que ejerce un importante efecto de choque sonoro en el oyente, ya que auna elementos dispares para construir piezas a menudo inclasificables.
No se trata de experimentar, sino que Himekami edifica temas melódicos de gran belleza, otros rítmicos que pueden bailarse, y hasta algunos misteriosos.
La principal vía de fusión viene marcada por el encuentro entre el pop y la música folklórica nipona.
Las canciones incluidas en el álbum también evocan de alguna manera el Mar de Japón y el continente asiático más allá.
Otra cosa que vale la pena mencionar es que el hijo mayor de Yoshiaki Hoshi, Yoshinori Hoshi, quien más tarde sucedería a Himekami, habia estado involucrado en la producción de esta obra. Es responsable de parte de la composición.
La caratula presenta una ilustración del sol brillando a través de las nubes hacia el océano más allá de una pradera.

 

 

Tracks
01. 十三の春 [Tosa-no-Haru] (5:15)
02. 北の海道 [Kita-no-Umi-Michi] (5:52)
03. 東日流笛 [Tsugaru-Bue] (4:16)
04. 遠い唄 [Toh'i-Uta] (4:09)
05. 十三の砂山 [Tosa-no-Sunayama =Gan-Kuyoh= <Tosa Dunes>] (4:37)
Suite "Gensoh Tsugaru"
06. I. 鎮魂 [Chinkon (Original Title: "Adohadari")] (5:33)
07. II. 海の刻 [Umi-no-Toki] (4:18)
08. III. 哀想 [Aisoh] (3:00)
09. IV. 月まんどろに [Tsuki-Mandoro-ni] (2:48)
10. V. 十三夜曲 [Tosa-Yakyoku] (5:18)
11. VI. 風の子守唄 [Kaze-no-Komoriuta] (05:17)
12. VII. 流転 [Ruten (Original Title: "Adohadari"] (1:15)

Rubaja and Hernandez - High Plateaux (1987)

Un argentino y un mexicano que se unen para ofrecer su música en los Estados Unidos no pueden menos que plasmar en ella parte de sus raíces y actuar como emisarios y renovadores del rico folclore que portan en la sangre. Las corrientes más populares de la música en norteamérica ya habían sido aderezadas con elementos lejanos, no sólo hispanos (Carlos Santana) sino también orientales (los Beatles, al emplear el sitar en sus discos, abrieron el camino a Ravi Shankar), africanos (con Miriam Makeba como abanderada), jamaicanos (el reggae, encabezado en popularidad por Bob Marley), y por supuesto europeos, esencialmente celtas que, como la esencia africana, llevaban tiempo instalados en los Estados Unidos. La música instrumental avanzada de los grandes sellos norteamericanos también estaba dando grandes pasos hacia la fusión y la multiculturalidad, así que Windham Hill apostó por estos dos teclistas hispanoparlantes de nombre Bernardo Rubaja y César Hernández, que publicaron en 1987 un único disco juntos, "High plateaux", desapareciendo desde entonces el mexicano y manteniéndose durante unos años más Bernardo Rubaja en el panorama musical norteamericano gracias a otra mítica compañía, Narada.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2008/03/rubaja-hernndez-high-plateaux-un.html
(Hay que reconocer que Pepe hace un buen trabajo...Gracias!!)

 

Charango, Guitar – Gustavo Santaolalla
Keyboards – Bernardo Rubaja, Cesar Hernandez
Drums, Percussion – Alex Acuña
Harp – Stephanie Bennett
Producer, Trumpet, Flugelhorn, Soprano Saxophone – Mark Isham


1. Puerta Del Sol (Gate Of The Sun) 5:05
2. Forest 6:18
3. Reflective Colors 3:50
4. Indian Woman 5:25
5. Mar (The Sea) 5:25
6. Oro Blanco (White Gold) 6:32
7. Icebird 4:10
8. Dias Felices (Happy Days) 5:47
9. Pampa 5:36
10. Child's Dream 3:50

Nightnoise - A Different Shore (1995)

 

Nightnoise es, sin lugar a dudas, un grupo de músicos extraordinariamente talentosos. Su álbum A Different Shore es uno de los mejores, lleno de instrumentación cautivadora, composición exuberante y una excelente colección de melodías memorables pero atemporales.

Su canción de apertura, "Call of the Child", es una de mis favoritas por su hermoso sonido pleno y su melodía extremadamente memorable, que evoca instantáneamente una fresca mañana o tarde irlandesa. Impresionante.

 

El siguiente es "For Eamonn", una pequeña pieza alegre y fúnebre que se transforma en una tranquila introspección liderada por guitarras y flautas. Una pieza contemplativa y sutilmente hermosa.

"Falling Apples" es la única canción aquí que honestamente no me gusta. Su voz es dolorosamente estridente, y tal vez sea solo yo, pero parece durar demasiado.

"The Busker on the Bridge" es otra canción fabulosa, que me hace pensar en un muelle o en un pequeño pueblo en primavera. Es difícil describir por qué esta canción es tan buena, pero tiene una calidad emocionante y evocadora que casi no tiene comparación en el álbum.

"Morning in Madrid" vale absolutamente el precio del álbum. Comienza con una hermosa línea de piano y pasa a un conjunto de violín y guitarra de la era del Renacimiento. Es una de las melodías más hermosas que he escuchado, en particular si te gusta la música celta. Esta canción es excepcional y probablemente mi favorita del álbum.

 

"Another Wee Niece" - tarda un poco en acostumbrarse, ya que es lenta y de alguna manera no es tan potente como el resto, pero también es una canción bastante buena. Aunque algunas canciones de A Different Shore son más potentes debido a su tranquilidad, esta pieza parece de alguna manera disminuida por ella; uno espera que se vuelva más emocionante y más fuerte en algún momento... sí que se recupera más adelante con una hermosa melodía de piano, pero desearía que hubiera aparecido antes en la canción.

"A Different Shore" es una pieza de una belleza impresionante, llena de recuerdos y gracia. Esta canción, y su título, encajan tan perfectamente con la imagen del álbum que es indescriptible. Simplemente nunca me cansaré de escuchar esta increíble canción.

 

"Mind the Dresser": un piano irlandés tradicional se fusiona con un formato de canción más tradicional... esta es una de las que más escucho, tanto por su hermoso sentido de urgencia y movimiento como por su poder. ¡Otra canción de 5 estrellas!

"Clouds Go By" es de alguna manera una decepción después de la emoción de "Mind the Dresser", pero encaja bastante bien con el tema. La fusión de piano y guitarra es excepcionalmente buena en esta pista en particular.

"Shuan" es otra canción tranquila y misteriosa, no tan excelente como "A Different Shore", pero aun así es un gran final para un CD asombroso. Con la única excepción de "Falling Apples", que a algunas personas les puede encantar, "A Different Shore" de Nightnoise superará la prueba del tiempo. Es música extraordinaria. ¡Disfrútenla!

John Cunningham violin
Triona Ni Dhomhnaill vocals, flute, and clavinet
Mícheál Ó Domhnaill guitar and piano
Brian Dunning flute

1.Call of the Child
2.For Eamonn
3.Falling Apples
4.The Busker on the Bridge
5.Morning in Madrid
6.Another Wee Niece
7.A Different Shore
8.Mind the Dresser
9.Clouds Go By
10.Shuan

John Doan - Eire, Isle of the Saints (1997)

 

Eire: Isle of the Saints es en última instancia el regalo de un alma peregrina llamada hogar por una tierra mística y su gente resiliente. Juntos, lo han impulsado a crear algunas de las mejores y más memorables músicas que jamás sonaron de su encantador instrumento. John Doan tenía once años y vivía en Venice, California, cuando comenzó a tocar la guitarra. Dado el entorno, es natural que su primera pasión fuera la música surf. Más tarde se interesó en la guitarra clásica y obtuvo un título en Interpretación Musical de Cal State Northridge. John amplió su educación musical después de mudarse a Oregon, donde obtuvo una Maestría en Educación Musical de Western Oregon State y trabajó en la facultad. Estudió laúd renacentista en París y laúd barroco en los Países Bajos. Tocar el laúd preparó el terreno para dominar su verdadera vocación: la guitarra de arpa.

El guitarrista y conservacionista musical John Doan toca la rara guitarra de arpa de 20 cuerdas, con un estilo orquestal lleno de sutileza, belleza y potencia. Eire: Isle of the Saints es el homenaje de Doan al indomable espíritu irlandés, una carta de amor al espíritu celta que todos llevamos dentro.

En 1995, el maestro estadounidense de la guitarra de arpa John Doan viajó a Irlanda en una odisea personal para redescubrir Eire tal como la conocían tres de las figuras históricas más queridas de las Islas Esmeralda: San Patricio, Turlough O'Carolan y William Butler Yeats.

Eire: Isle of the Saints comenzó como un diario musical de esa odisea, inicialmente grabado como notas y bocetos grabados en cintas mientras visitaba cada sitio histórico. Al final del viaje, Doan pasó un año traduciendo con amor la riqueza de esta experiencia en música y produciendo lo que creemos que será una contribución clásica al floreciente género del impresionismo celta.

Cada tema se distingue por su magnífica maestría musical y sus exquisitos arreglos. El violinista y productor Billy Oskay miembro y fundador de Nightnoise reunió a algunos de los mejores intérpretes de instrumentos celtas tradicionales de este país para darle vida y color al libro de imágenes musicales de Doan. Junto a la guitarra de arpa destacada de Doan están Oskay en violín y viola, Jim Chapman en flauta irlandesa, Randal Bays en guitarra celta, Gregg Williams en todo tipo de percusión y el gaitero Eric Rigler, conocido por su trabajo en la película Braveheart, además de una gran cantidad de otros en papeles secundarios.



01. Where Horses of Faery Hide (05:39)
02. Yeats Country - Where William Lies (04:51)
03. Wake - Waiting for the Dawn (04:34)
04. Farewell (04:01)
05. Saint Patrick in the Spirit (05:00)
06. The Journey Home (04:59)
07. Sunset on Distant Castle (04:00)
08. Tara - Hill of Kings (05:07)
09. The Lamentations of Turlough O'Carolan (04:08)
10. Resting Upon Jacob's Pillow (04:15)
11. The Old Church of Kilronan (04:19)

Zbigniew Preisner - Man of God (2021)

“Man of God” de 2021, dirigida por Yelena Popovic.

La película biográfica de Popovic narra los años más turbulentos en la vida de un hombre que se había propuesto servir a los demás y mejorar las condiciones de los necesitados: San Nectario. La película de Popovic muestra cómo Nektarios ayuda a los pobres y desamparados, provocando que tres objetores dentro de la iglesia recurran al patriarca del obispo, Sofronio. Ya que no quieren ocultar su ira por la servidumbre de Nectario hacia los pecadores y las rameras, sus enemigos afirman que llevará a la iglesia a la bancarrota y usurpará el patriarcado. Sin juicio, Nektarios es condenado y exiliado de Egipto en 1891.

 

Particularmente debido a su profundo amor por Grecia, su cultura y su gente, Zbigniew Preisner estuvo encantado de componer la música de “Man of God” y accedió a hacerlo sin haber leído el guión. Desde el principio, Preisner tuvo claro que quería usar un coro, uno bizantino. Después de algunas búsquedas, colaboró con el Coro de Cantores, “Los Maestros del Arte Psáltico” (Οι Μαΐστορες της Ψαλτικής Τέχνης), uno de los coros bizantinos más famosos. Tras su colaboración de “Valley of Shadows”, Zbigniew Preisner y Lisa Gerrard volvieron a trabajar juntos. Esta última grabó sus partes cantadas -escritas por ella- en Australia. Además, Preisner sintió que era la elección correcta utilizar instrumentos griegos. Era obvio y necesario para una película sobre un santo griego. El color local lo proporciona un qanun, un instrumento de cuerda similar a la cítara y que a menudo se asocia con Grecia y su cultura. “Man of God” también se destaca por su mezcla de música sinfónica y electrónica, utilizada para lograr la metafísica espiritual. “Man of God” es una de las partituras más ricas de Zbigniew Preisner, una exploración única de la música sinfónica infundida con elementos locales, griegos, de color, electrónicos y bizantinos, particularmente en el empleo del talento especial de Lisa Gerrard, utilizado con un efecto poderoso.



1. Man of God – The Beginning of a Story (0:45)
2. Searching for Values (1:14)
3. Conversation (1:46)
4. Evia (1:11)
5. In the Darkness (2:15)
6. Serenity (2:14)
7. Kyrie Eleison (1:42)
8. Aegina (1:15)
9. New Life (2:16)
10. Conversation of God (2:02)
11. Kyrie Eleison (Byzantine Version) (1:27)
12. Beauty of Aegina (2:01)
13. Deceptive Calm (1:43)
14. Kyrie Eleison (Prayer) (2:01)
15. Misery (1:33)*
16. Serenity (Orchestral Version) (1:54)
17. Humiliation of the Priest (0:51)
18. Loss (1:55)*
19. Final Breath (2:04)
20. Song for Saint Nectarios (0:52)
21. Man of God – End Credits (4:53)

Lavinia Meijer - Are You Still Somewhere (2022)

En su álbum "Are You Still Somewhere?", la arpista Lavinia Meijer, conocida por sus colaboraciones que cambian géneros, combina composiciones propias y piezas de compositores actuales como Ryuichi Sakamoto, Olafur Arnalds o Lambert para crear una reflexión musical sobre la soledad y alienación. Para Lavinia Meijer, todas las piezas del álbum son comentarios o pensamientos sobre escenas de alienación y soledad en la sociedad.

Destaca especialmente la pieza "Mom & Dad", que Lavinia Meijer escribió y grabó junto con la leyenda del punk Iggy Pop. La composición es una versión reducida y expresiva de un poema de Iggy Pop, que interpreta con su distintiva voz al ritmo del arpa de Lavinia Meijer. Los dos músicos han colaborado en el pasado, incluido el sensacional proyecto en vivo "An Evening with..." con el ícono del compositor Philip Glass. Otro artista invitado en "Are You Still Somewhere?" es el pianista holandés Pieter de Graaf, que acompaña a Lavinia Meijer en la pieza "DAMnation" al piano.



1. Showing Me (Lavinia Meijer)
2. Saman (Olafur Arnalds)
3. Plus Tot (Alexandra Streliski)
4. Les Marionettes (Zbigniew Preisner)
5. Are You Still Somewhere? (Lavinia Meijer)
6. Porcelain (Lambert)
7. Another Lonely Night (Lavinia Meijer)
8. Stay in the Dark (Lambert)
9. Born (Lavinia Meijer)
10. Damnation (Lavinia Meijer) Ft. Pieter De Graaf
11. Solitude (Ryuichi Sakamoto)
12. Mom & Dad (Lavinia Meijer, Iggy Pop) Ft. Iggy Pop