Sin duda, la obra más brillante de Arkenstone es su famosa "Trilogía", que brilla en el collar de sus creaciones como los tres diamantes puros. Así que la "Trilogia" son en realidad tres álbumes, con los nombres de "In The Wake Of The Wind", "Quest Of The Dream Warrior" y "Return Of The Guardians". Todos ellos están unidos por una idea, personajes comunes y lugar de acción. La acción de la"Trilogia" tiene lugar en un cierto mundo fantástico, donde en un enorme océano las islas están dispersas. Este mundo es como las islas de Oceanía, Polinesia o Hawai: existe el mismo clima cálido y afectuoso, plantas exóticas y animales, vacaciones brillantes y coloridas. Sin embargo, las personas que vivían en este paraíso fueron despojadas de viajar por mar y los olvidaron completamente, porque tienen miedo de un terrible huracán con el nombre de la respiración de León. La víctima de este huracán fue el padre del protagonista de la "Trilogia", un joven llamado Andolin. Toda su vida, el joven la pasó en una de las islas de un enorme archipiélago, Isla Esmeralda (Isla Emerald). Y una noche una enorme mariposa invita a nuestro héroe en un viaje increíble. La mariposa lo lleva a tierras lejanas, donde se convierte en el dueño de misteriosos talismanes y comienza a navegar sobre un océano interminable en un barco mágico llamado Stardancer. Este es el comienzo del álbum "In the Wake of the Wind", la primera parte de la "Trilogia". En su viaje, Endolina tuvo que ver muchas tierras maravillosas, presenciado eventos sorprendentes, en los que fue ayudada por talismanes mágicos.
Quest of the Dream Warrior es un album de David Arkenstone, lanzado al mercado el año 1995. Es el segundo album de la trilogía que comienza con In the Wake of the Wind y concluye con Return of the Guardians. El album está basado en una historia de fantasía de Arkenstone y Mercedes Lackey que aparece en el libreto. El album tambien viene con un mapa plegable en donde la historia es realizada. Tres temas contienen voces de Arkenstone: "Prelude: Tallis the Messenger," "The Voice," y "Road to the Sea." Así como en muchos discos de David Arkenstone, la música usualmente tiene una sensación epica, cinamatografica y se mezcla con elementos New Age, rock y música world.
01 - "Prelude: Tallis the Messenger" – 6:18 02 - "Rhythms of Vision" – 4:44 03 - "The Journey Begins: Kyla's Ride" – 5:21 04 - "The Voice" – 5:02 05 - "Dance of the Maidens" – 4:28 06 - "The Magic Forest" – 5:25 07 - "Road to the Sea" – 6:01 08 - "The Temple of Vaal" – 5:36 09 - "Wings of the Shadow" – 5:26 10 - "Homecoming" – 4:23
En su proyecto en solitario desde 2013, el compositor islandés Ólafur Arnalds agrega un nuevo elemento: ¡robots! - a su mezcla de repetición post-minimalista, desmayo indie, y derivas ambientales. Re: Member es una conversación entre Arnalds y algoritmos, lo programado y lo humano, sus propias intenciones y nuevas inspiraciones, compuesto por un software llamado Straus conectado a dos pianos.
Re-member, es la melancolía característica de Arnalds, como se escucha en álbumes como For Now I Am Winter de 2013 y la banda sonora de Broadchurch, con un pulso suave. "Brot" presenta luminosos latidos de cuerdas, el picor "Ekki Hugsa" centellea con el piano de la máquina de escribir y "Inconsist" es una reminiscencia del compañero minimalista Hauschka ido downtempo. Los clics y clacks de los procesos robóticos agregan una capa de textura extra para la música que es parte de las composiciones de piano para el musico del siglo XX de Conlon Nancarrow, parte de Aphex Twin Satie-and-skitter. Una mezcla suave de rigidez, tristeza y calma. https://www.rollingstone.com/music/music-album-reviews/review-icelandic-composer-olafur-arnaldss-experiment-in-artificial-intelligence-re-member-714971/
01. Ólafur Arnalds - Re:member [06:04] 02. Ólafur Arnalds feat. Sohn - Unfold [03:58] 03. Ólafur Arnalds - Saman [02:11] 04. Ólafur Arnalds - Brot [02:54] 05. Ólafur Arnalds - Inconsist [04:31] 06. Ólafur Arnalds - They Sink [02:35] 07. Ólafur Arnalds - Ypsilon [03:55] 08. Ólafur Arnalds - Partial [03:16] 09. Ólafur Arnalds - Momentary [02:05] 10. Ólafur Arnalds - Undir [06:30] 11. Ólafur Arnalds - Ekki Hugsa [04:41] 12. Ólafur Arnalds - Nyepi [04:14]
Ólafur Arnalds – Re:visions (2019)
Ólafur Arnalds comenta en Twitter.
En Re:visions Quería documentar las formas nuevas y a menudo
sorprendentes que tomaron las canciones de re: member cuando las tocamos
en vivo. Fue grabado en varios lugares de toda Europa durante nuestros
viajes en los últimos dos años.
01 – Brot (Lisboa) 02 – Saman (Berlin) 03 – Ypsilon (Leicester) 04 – Undir (London) 05 – Ekki Hugsa (Amsterdam) 06 – Nyepi (Munchen)
Es inevitable en la vida que algunas cosas sean más importantes que otras. Por supuesto, la forma en que las percibimos puede variar enormemente, ya que la naturaleza humana encuentra diferentes maneras de ver las cosas a través de la visión a menudo borrosa de la humanidad. El último álbum de Anouar Brahem, ocho años después del maravilloso "Blue Maqams", y su duodécimo lanzamiento con el sello ECM, conlleva, al menos en mi opinión, una relevancia, claridad e importancia que van más allá de la propia música. Quizás no haría tal comentario si la música no fuera tan profundamente conmovedora como sin duda lo es, pero con la tragedia de Gaza muy presente en la mente del compositor al escribir e interpretar esta impresionante música, resulta particularmente pertinente en este caso.
El título del álbum proviene de una pregunta que el poeta palestino Mahmoud Darwish planteó en uno de sus poemas: "¿Adónde deberíamos ir tras las últimas fronteras? ¿Adónde deberían volar los pájaros tras el último cielo?" Este pensamiento resuena profundamente al escuchar la introspección, a menudo melancólica, de este álbum a través de una música tan inspiradora. En sus perspicaces notas, Adam Shatz analiza la música de Anouar Brahem en el contexto de este continuo estético-literario, así como de la lucha continua por los derechos palestinos. En una conversación con Shatz, Brahem comenta: «La música, y en particular la instrumental, es por naturaleza un lenguaje abstracto que no transmite ideas explícitas. Se centra más en las emociones, las sensaciones, y su percepción varía de una persona a otra. Lo que puede evocar tristeza en una persona puede despertar nostalgia en otra… Invito a los oyentes a proyectar sus propias emociones, recuerdos o imaginaciones, sin intentar «dirigirlas»». Y creo que hay una cuestión interesante aquí: podemos escuchar esta música sin la influencia de las palabras, los pensamientos ni la comprensión de por qué se compuso, ya que, de todos modos, se sostiene por sí misma. Y a menudo es una de las cosas más conmovedoras de la vida cuando escuchamos música y la interpretamos con pensamiento y emoción a nuestra manera. Para mí, personalmente, leer sobre la relevancia de la música simplemente añade mayor profundidad y significado, profundizando mi conexión con ella.
En "After The Last Sky", el bajista Dave Holland y el pianista Django Bates vuelven a formar parte del cuarteto internacional del maestro tunecino del laúd, junto ahora a la violonchelista Anja Lechner. La conexión de Brahem con Holland es evidente. "La forma de tocar de Dave me da alas", ha dicho Brahem, una observación que se confirma en la impactante improvisación a dúo "The Eternal Olive Tree". De hecho, a lo largo del álbum, desde los límites exploratorios de "Endless Wandering", una pieza que vibra de emoción, hasta la impulsiva energía de "Dancing Under the Meteorites", los conmovedores impulsos del bajo de Holland dan lugar a algunas de las interpretaciones más destacadas del laudista. También es un placer especial escuchar las sonoridades combinadas de laúd, bajo y violonchelo, que se combinan con un efecto impresionante a lo largo de toda la grabación, cálidamente acogidas por la acústica receptiva del estudio de Lugano, creando un sonido de conjunto excepcional. https://ukvibe.org/album_reviews/anouar-brahem-2/
Anouar Brahem - oud Anja Lechner - violoncello Django Bates - piano Dave Holland - double bass
01. Remembering Hind (Brahem) - 1:53 02. After the Last Sky (Brahem) - 5:42 03. Endless Wandering (Brahem) - 8:12 04. The Eternal Olive Tree (Brahem-Holland) - 4:00 05. Awake (Brahem) - 8:49 06. In the Shades of Your Eyes (Brahem) - 4:27 07. Dancing Under the Meteorites (Brahem) - 4:26 08. The Sweet Oranges of Jaffa (Brahem) - 7:13 09. Never Forget (Brahem) - 7:50 10. Edward Said's Reverie (Brahem) - 2:58 11. Vague (Brahem) - 3:13
Puck Fair se fundó originalmente en Nueva York en 1984 y en 2008 comenzó una nueva vida en Dublín. Más de veinte años después de su debut, y único, álbum, vuelven con Forgotten Carnival. Además de Brian Dunning en la flauta, la banda cuenta con Sean Whelan en la guitarra, el laúd y el bajo y Robbie Harris se encarga de la parte de percusión. En algunas pistas han invitado a músicos al violín, la voz, las cuerdas y el bajo. Su música es una especie de música celta jazzera y el CD contiene todas, excepto una, composiciones nuevas. La primera vez que escuché el CD me recordó a la banda holandesa Flairck y especialmente al flautista Peter Weekers, que tiene el mismo estilo de tocar. Forgotten Carnival tiene una atmósfera agradable y relajada con un jazz-folk acústico relajado. Muy bonita la cancion tradicional catalana Rossinyol. Mi tema favorito es Dunedance con un bonito toque árabe tanto en el trabajo de cuerdas como en la percusión y las voces. Creo que este es un CD que gustará más a aquellos que aman el sonido de la flauta, ya que ocupa un lugar muy destacado en la música de Puckfair.
Back with their first album in 21 years, Brian Dunning’s Puck Fair featuring Sean Whelan and Robbie Harris make a comeback with “Forgotten Carnival.” The band is acoustic and the music is inspired equally by the driving rhythms of Celtic music with the freedom and spontaneity of jazz. Founded in New York in 1984 and reformed in Dublin, Puck Fair mainly plays original music by Brian Dunning as well as music by such artists as Van Morrison and John Coltrane. Dunning has a breathtaking command of the flute, coupled with a most personal approach to jazz improvisation and traditional music. He returns here to the repertoire of one of his most successful projects, bringing him together with the versatile guitar of Sean Whelan, the infectious grooves of percussionist Robbie Harris,
Brian Dunning: Flute, whistles, panpipes, bodhrán Sean Whelan: Guitars, oud, shamisen Robbie Harris: Percussion, bodhrán John Fitzpatrick: Violin Lídia Pujol: Vocals
1 Fog On Window 3:02 2 Slightly Drowsy - Blue Maggie 4:25 3 Dadglad 3:10 4 Whistlin Tipsy 3:19 5 Rossinyol (Tradicional Catalan) 4:17 6 End Of Autumn 4:01 7 Gingerly 2:41 8 On Yer Bike 3:14 9 Flight Of Fancy 4:24 10 Hiya Jose 4:38 11 Dunedance 4:16 12 As I Roved Not 1:02 13 Slightly Drowsy (Reprise) 2:22
Tao of Healing reúne al flautista Dean Evenson con Li Xiangting, profesor del Conservatorio Central de Música de Pekín y experto en guqin, una antigua cítara china de siete cuerdas. Su colaboración, con un apoyo apenas perceptible de teclados, guitarra acústica (Scott Huckabay) y percusión, ofrece una experiencia silenciosa, serena y acogedora, tan suave como la brisa más tenue en una tarde tranquila y soleada. La flauta meditativa de Evenson, que rara vez se desvía de los cómodos registros graves y medios del instrumento, es la voz predominante del disco, mientras que el guqin de Xiangting aporta con discreción acentos elegantes y angulares que complementan la atmósfera occidental de las improvisaciones reflexivas de Evenson. De hecho, este disco tranquilo y de ritmo lento (de 60 minutos de duración) presenta a veces breves indicios de armónicos jazzísticos (en gran parte aportados por Huckabay) que condimentan el alegre proceso con un agradable toque de musicalidad. Se puede detectar una ligera similitud sonora en algunas pistas, pero se trata de una pequeña objeción. Esta es la primera grabación de Evenson en la que no se incluyen sonidos naturales, aunque las notas del álbum afirman que la mezcla utiliza la "frecuencia de resonancia terrestre" (7,8 hercios), todo para facilitar la adquisición de un estado alfa por parte del oyente. De hecho, Evenson, Xiangting y compañía hacen un trabajo encomiable en este sentido. Una excelente opción para complementar el masaje o la meditación.
1. Gentle Season Dean Evenson & Li Xiangting (6:46) 2. Clouds On Mountain Dean Evenson & Li Xiangting (7:29) 3. Pond Reflecting Stars Dean Evenson & Li Xiangting (6:14) 4. Silver Bamboo Dean Evenson & Li Xiangting (4:23) 5. Healing Breeze Li Xiangting (4:53) 6. Morning Mist Dean Evenson & Li Xiangting (5:49) 7. Tao And Then Dean Evenson & Li Xiangting (3:08) 8. Deeper Forever Dean Evenson & Li Xiangting (5:56) 9. Tree Over RIver Dean Evenson & Li Xiangting (9:47) 10. Bliss In Valley Dean Evenson & Li Xiangting (4:57)
Music To Disappear In fué el primer lanzamiento del multiinstrumentista estadounidense Raphael para el sello Hearts of Space, sinónimo de new age y música ambiental. Este álbum tiene una larga historia de milagros y es uno que la gente escucha a diario, por su conexión con el espíritu. Raphael utiliza el piano y los teclados como voz central, creando una relajante red de sonidos de cuerda atmosféricos, complementados con flauta y percusión. Utilizado desde hace mucho tiempo por terapeutas corporales, Music To Disappear In es la definición misma de la música de relajación New Age. ¡Un clásico! No sé si alguien desapareció al escuchar este álbum, pero lo que sí sé es que te expone a un arcoíris de sonidos celestiales, es una obra ambiental muy bien elaborada en apariencia. Relajante y colorida, nunca monótona ni aburrida. A posteriori, te resultará relajante; la mente puede seguir cada nota sin esfuerzo. Contiene piano sanador, percusiones de medicina tribal y cantos gregorianos extáticos.
Las últimas cuatro piezas de Music to Disappear In se vuelven más terrenales y sensuales, incorporando tambores, flautas de bambú, arpas y violines gitanos en danzas de trance como "Serpent". El romance sublime y los ritmos sensuales hacen que las ocho composiciones del álbum sean verdaderamente únicas.
1. Disappearing Into You (8:48) 2. In Paradiso (5:06) 3. Resurrection (8:07) 4. In Paradiso (3:10) 5. Primitive Silence (2:10) 6. Serpent (8:43) 7. I Say Rock And Roll Prayers To A Dancing God (6:58) 8. Spirit Guides (6:58) 9. Silence (3:39)
V.S. Unión publicó "Isla menor" en 1997, un álbum que contenía doce composiciones de intenciones similares a las de su primera entrega. No fue sin embargo en la capital hispalense donde se grabó y realmente se fraguó "Isla menor", pues toma el nombre de una comarca de marismas e islas del Guadalquivir a varios kilómetros de Sevilla, donde estaban situados los Estudios Isla. A pesar del esfuerzo que supuso el contínuo desplazamiento de músicos hasta allí, no cabe duda de que el entorno natural influyó definitivamente en la calidad de un trabajo completísimo, de producción y arreglos propios y un intenso aroma a azahar. Reseña del año 2013 de Pepe Cantos en su blog...Gracias!! https://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2013/03/vs-union-isla-menor.html
Los conciertos de Radio 3, 28 Abril 1998, con la formación V.S. UNIÓN. Muchas influencias reconocemos aquí, todas positivas, desde Michael Nyman hasta el Paul Winter Consort, pasando por unos Nightnoise, Shadowfax, Andy Narell o Scott Cossu, lo mejor de cada casa. También, y aunque parezca un disparate, ciertas partes nos traen a la memoria la banda sonora de Rumble Fish, compuesta por Stewart Copeland. Lo que no tiene nombre es que desde el mismo programa interrumpan el último tema con esa parrafada que te corta todo el rollo, cuando para esos menesteres la marquesina inferior de texto sobraba. Comentario de mi buen amigo Tiamak de la actuacion de V.S. Union en los conciertos de Radio 3...Gracias!!
1 Siglo XXI 4:38 2 Isla Menor 7:07 3 Estrella Del Norte 4:46 4 Vértigo 7:11 5 Miletto 6:53 6 Terciopelo 4:03 7 Equinoccio 5:13 8 Danza De Las Medusas 5:45 9 Tras La Ventana 6:05 10 Nómadas 4:10 11 Amante 5:16 12 Tres Cantos 5:03
Ya sea que su impresión del violonchelista ganador del Grammy, David Darling, se refiera a sus inicios con Paul Winter Consort, a sus grabaciones de una profundidad incomparable para ECM o a su aclamado álbum de Hearts of Space de 1993, "Eight String Religion", nada es más cálido, lírico, contemplativo y conmovedor que la música que fluye con tanta generosidad de su álbum, "Cello Blue". La orquesta de cuerdas personal de Darling, compuesta por varios violonchelos, piano y teclados, nunca ha sonado con tanta belleza.
El álbum dedica mucho tiempo a temas espaciales que también incluyen breves y sutiles sonidos de la naturaleza, en particular el discreto canto de los pájaros presente en varios temas. Si bien musicalmente el álbum es una obra maestra, títulos como "Prayer and Word", "Thy Will Not Mine Be Done", "Serenity" y "Presence" sugieren claramente que Darling buscaba una personalidad meditativa y espiritual. Y es evidente que la música transmite serenidad y entrega. En 2002, David fue nominado a un Grammy, por su álbum Cello Blue.
1. Children 2. Prayer And Word 3. Cello Blue 4. Thy Will “Not Mine” Be Done 5. Serenity 6. Colorado Blue 7. Awakening 8. Morning 9. Presence 10. Solitude 11. Prayer
Neo Geo es un álbum de 1987 de Ryuichi Sakamoto. El término "neo geo", o "nuevo mundo", se deriva del propio Sakamoto como una forma de describir la diversidad musical mundial con respecto al género.
El séptimo álbum en solitario de Ryuichi Sakamoto, "Neo Geo", coproducido con Bill Laswell para el lanzamiento global, muestra una fusión de músicos de primer nivel a través de varios géneros, incluyendo a Sly Dunbar y Bootsy Collins. Infundido con tonos electrónicos entrelazados con sabores orgánicos y étnicos como la música tradicional de Okinawan y Balinesse, el álbum fue meticulosamente elaborado tanto en Tokio como en Nueva York, llegando al público en más de 20 países y marcando un hito significativo en el viaje en solitario de Sakamoto.
Fusionando eclécticamente música electrónica, vanguardia y ecos del folk asiático (especialmente gamelán balinés y música japonesa), las canciones de Neo Geo son generalmente rítmicas y presentan melodías peculiares. Entre ellas se encuentran la canción principal: una electrónica funky cantada por un coro femenino, la "tribal" Shogunade y la grotesca "Free Trading". La música del álbum contó con la participación de numerosos invitados famosos, como Bill Laswell, quien colaboró con Sakamoto en varios temas, e Iggy Pop, quien cantó en la balada "Risky".
El músico eligió el título del álbum porque le gustaba cómo sonaba y ha negado que estuviera inspirado en el movimiento artístico homónimo.
Ryuichi Sakamoto - keyboard, piano, computer Yukio Tsuji - shakuhachi, gayageum Iggy Pop - vocals (3) Kazumi Tamaki - vocals Misako Koja - vocals Yoriko Ganeko - vocals Bill Laswell- bass David Van Tieghem - percussions Bootsy Collins - bass Emmett Chapman - Chapman stick Tony Williams - drums Sly Dunbar - drums Eddie Martinez - guitar Haruo Kubota - guitar Lucia Hwong - pipa
1. Before Long (1:20) 2. Neo Geo (5:08) 3. Risky (5:27) 4. Free Trading (5:28) 5. Shogunade (4:33) 6. Parata (4:21) 7. Okinawa Song - Chin Nuku Juushii (5:19) 8. After All (3:08)
Jewel Lake fué el primer lanzamiento de Bill Douglas con el sello Hearts of Space, refleja elementos étnicos, clásicos y ambientales en su sereno arco de 14 pistas. Suaves baladas como la canción principal "Angelico" se combinan con piezas de inspiración celta como "Highland", "Killarney" y "Deep Peace", con vocales de la soprano Jane Grimes. La dramática atmósfera morisca de "Karuna" puede explicar por qué el Jewel Lake encontró una sorprendente popularidad en España gracias al programa de radio Dialogos3 que presentaba Ramon Trecet. Mientras que algunos pueden encontrar el álbum un poco dulce, otros disfrutarán de su lirismo sin restricciones.
Bill Douglas - Synthesizers, piano, bassoon Lisa lottini - Oboe Anne Stackpole - Flute Geoff Johns - Percussion A Jane Grimes - Vocal on Deep Peace
01. Angelico (4:56) 02. Highland (3:23) 03. Lullaby (3:08) 04. Infant Dreams (2:27) 05. Killarney (2:43) 06. Hymn (3:36) 07. Dancing in the Wind (3:37) 08. Folk song (3:51) 09. Flower (4:22) 10. Karuna (5:34) 11. Karoline (3:06) 12. Innisfree (2:37) 13. Deep Peace (3:24) 14. Jewel Lake (2:32)
Bill Douglas - Cantilena (1990)
Cantilena significa "una melodía vocal o instrumental de carácter eminentemente lírico, más que dramático o virtuoso", o "un estilo de escritura vocal lento, suave y melodioso". No se podría encontrar una descripción más acertada para la música de Bill Douglas. La base de su versátil currículum musical reside en su talento para el canto y en sus líneas melódicas líricas, en la mejor tradición del folk y la música vocal occidental. El primer lanzamiento de Bill Douglas con Hearts of Space Records ("Jewel Lake", 1988) expuso una veta tan rica de melodía, canto y ritmo que un solo álbum apenas alcanzó los puntos culminantes. Así pues, "Cantilena" es, en muchos sentidos, una extensión de la mezcla de animadas danzas celtas, baladas conmovedoras, canciones folclóricas modales y melodías contemplativas que "Jewel Lake" llevó a un público entusiasta de Estados Unidos, Canadá y España, donde se convirtió en un éxito sorpresa tras su difusión nacional.
Estas doce nuevas canciones abarcan un rango que va desde sencillas melodías folclóricas hasta música profundamente emotiva de una profunda carga casi religiosa. A diferencia de "Jewel Lake", esta vez no hay oboe, así que escucharás mucho más fagot a lo largo de la obra, con Bill tocando su instrumento principal con gran maestría en los solos y con vigorosa precisión armónica en los (hasta) cinco coros de fagot. Regresan la vocalista de "Jewel Lake", Jane Grimes, la flautista Anne Stackpole y el percusionista Geoff Johns, con las nuevas incorporaciones de Bil Jackson al clarinete, David Lockington al violonchelo, además de la percusión adicional de Chris Lee & John Galm. Todos los teclados y el piano están a cargo de Bill, quien también debuta en falsete en "Child".
Bill Douglas keyboards, piano, vocal, bassoons Bil Jackson clarinet David Lockington cello Anne Stackpole flute Jane Grimes vocal Geoff Johns frame drums Chris Lee & John Galm additional percussion
01. Diamond Dance (2:40) 02. Love Song (4:26) 03. Leap! (3:31) 04. Farther than the Stars (6:37) 05. Sacred Wood (4:08) 06. Earth Prayer (4:59) 07. First Light (4:33) 08. Tara (4:07) 09. Dawn (5:07) 10. Elegy (6:05) 11. Lake Isle of Innisfree (4:14) 12. Child (4:05)
