Inspirándose en las cuatro estaciones de Japón, Kosemura dedica 12 canciones (3 canciones para cada estación) y expresa la belleza de varios momentos en el país de rica naturaleza: flores de cerezo, temporada de lluvias, hojas caídas y paisajes nevados. Con este álbum, Kosemura elabora su identidad musical como japonés en su muy aclamado formato de piano solo.
“Este álbum comenzó a principios del verano de 2020, cuando Decca Records me contactó”, dice Kosemura. “Las semillas de ideas que surgieron de nuestras conversaciones sobre los demás y nuestros proyectos futuros crecieron gradualmente dentro de mí. Esta es una especie de música isleña, en la que trato de reexaminar el mundo que tengo frente a mí, que es muy universal y precioso para mí, sintiendo el olor, el tacto y los recuerdos de la tierra donde crecí y mantengo mi memoria. los ojos abiertos incluso para los pequeños cambios que podría pasar por alto. Eso me llevó a este disco”.
“Traté de captar las notas tal como soy, y no expresarlas para evitar el exceso de creatividad”, explica Kosemura. “Para lograr eso, el formato de piano solo fue la forma más honesta para mí de dibujar un simple boceto a lápiz, no una pintura colorida con muchos pigmentos en una paleta”. https://akirakosemura.bandcamp.com/album/seasons
01 – Where Life Comes from and Returns 02 – Dear Sunshine 03 – Fallen Flowers 04 – Niji No Kanata 05 – Faraway 06 – Vega 07 – Gentle Voice 08 – Zoetrope 09 – Left Behind 10 – Passage of Light 11 – Towards the Dawn 12 – Hereafter
Nausicaä del Valle del Viento (japonés: 風の谷のナウシカ: Kaze no Tani no Naushika) es una película de fantasía de anime japonés de 1984 escrita y dirigida por Hayao Miyazaki, basada en su manga de 1982. Fue animado por Topcraft para Tokuma Shoten y Hakuhodo, y distribuido por Toei Company. Joe Hisaishi, en su primera colaboración con Miyazaki, compuso la partitura. La película está protagonizado por las voces de Sumi Shimamoto, Gora Naya, Yáji Matsuda, Yoshiko Sakakibara e Iemasa Kayumi. Urcado en un mundo futurista postnuclear, cuenta la historia de (Shimamoto), las princesas adolescentes del Valle del Viento que se ven envueltas en una lucha con Tolmekia, un reino que trata de usar un arma antigua para erradicar una selva llena de insectos mutantes gigantes.
Nausicaä del Valle del Viento fue lanzado en Japón el 11 de marzo de 1984. La película recibió aclamación crítica, con elogios dirigidos a la historia, temas, personajes y animación. Es el anime japonés de mayor rango en una encuesta publicada por la Agencia de Asuntos Culturales de Japón en 2007.
Una de las películas más innovadoras estrenadas durante el auge del anime japonés de la década de 1980, Nausicaä del Valle del Viento (japonés: 風の谷のナウシカ) fue la primera película escrita y dirigida por el ahora aclamado fundador y director de Studio Ghibli. Hayao Miyazaki (宮崎 駿). Además de su historia épica y respetuosa con el medio ambiente, también contó con su primera colaboración con el compositor de cine Joe Hisaishi (久石 譲), quien se convertiría en uno de los compositores de cine más prolíficos y respetados de Japón. En cierto modo, la exitosa historia de colaboración de Miyazaki e Hisaishi es comparable a la del trabajo conjunto de Steven Spielberg y John Williams.
La música de la película fue compuesta por Joe Hisaishi, mientras que el tema principal "Kaze no Tani no Naushika" fue escrito por Takashi Matsumoto, compuesto por Haruomi Hosono y cantado por Narumi Yasuda. Además, la canción "Nausicaä's Requiem" fue interpretada por Mai Fujisawa, que entonces tenía cuatro años, la hija de Joe Hisaishi, quien también ha colaborado con Studio Ghibli en el álbum vocal de Kiki's Delivery Service y el álbum de imágenes de Ponyo on the Cliff. junto al mar. Se han lanzado numerosas bandas sonoras y álbumes relacionados con la película.
01. Nausicaa Of The Valley Of Wind (Opening) (Kaze No Tani No Naushika) [0:04:39.52] 02. An Ohmu Stampede (Ohmu No Bousou) [0:02:35.48] 03. The Valley Of Wind (Kaze No Tani) [0:03:14.00] 04. The Princess Who Loves Insects (Mushi Mezuru Hime) [0:03:12.00] 05. Kushana's Invasion (Kushana No Shinryaku) [0:03:29.00] 06. Battle (Sentou) [0:03:15.50] 07. Interchange With The Ohmu (Ohmu To No Kouryuu) [0:01:39.65] 08. In The Sea Of Corruption (Fukai Nite) [0:02:33.42] 09. Annihilation Of Pejite (Pejite No Zenmetsu) [0:03:51.23] 10. A Battle Between Mehve And Corvette (Mehve To Korubetto No Tatakai) [0:01:17.52] 11. The Resurrection Of The God Warrior (Yomigaeru Kyoshinhei) [0:03:29.05] 12. Nausicaa - Requiem (Naushika - Rekuiemu) [0:02:55.50] 13. Bird Person (Ending) (Tori No Hito) [0:03:48.55]
Hania Rani es una pianista, compositora y músico que divide su vida entre Varsovia, donde tiene su hogar, y Berlín, donde estudió y a menudo trabaja. Ha escrito musica para cuerdas, piano, voz y electrónica y ha colaborado con artistas como Christian Löffler, Dobrawa Czocher y Hior Chronik. Ha actuado en algunos de los lugares más prestigiosos de Europa, desde la Filarmónica Nacional de Varsovia hasta Funkhaus en Berlín, The Roundhouse en Londres y en festivales como Open’er, Scope Festival y Eurosonic. Sus composiciones para piano solo nacieron de una fascinación con el piano como instrumento, y su deseo de interpretar su sonido y sus posibilidades armónicas en su totalidad y a su manera.
Escribir música para cine y teatro siempre ha sido una parte importante del mundo musical de Hania Rani. También es una parte del proceso creativo que puede estar tentadoramente fuera del alcance de los oyentes, ya sea que el proyecto no se haga realidad o la música simplemente no esté disponible fuera de la película o la obra. Desde las primeras colaboraciones con amigos hasta las dos bandas sonoras del año pasado para largometrajes (xAbo: Father Boniecki dirigida por Aleksandra Potoczek y I Never Cry dirigida por Piotr Domalewski '), Rani ha estado involucrada en muchos proyectos de este tipo, cada uno representando un paso importante en su vida. desarrollo artístico y vida como compositor y artista. https://haniarani.bandcamp.com/album/music-for-film-and-theatre
1 Prayer (From Xabo: Father Boniecki) 3:31 2 In Between (From Xabo: Father Boniecki) 3:10 3 Journey (From Xabo: Father Boniecki) 4:26 4 Trip To Ireland (From I Never Cry) 1:51 5 The Beach (From I Never Cry) 2:56 6 The Locker Room (From I Never Cry) 2:26 7 At The Hospital (From I Never Cry) 1:03 8 Waiting (From At Home) 1:40 9 Wildfires (From Truth in Fire) 5:15 10 Ghosts (From Pradziady) 3:03 11 Soleil Pâle 3:53 12 Nora (From Nora) 5:15
Novus Magnificat: Through the Stargate fué un álbum de 1986 de la compositora, pintora, escultora y productora multimedia estadounidense Constance Demby, con contribuciones adicionales del compositor Michael Stearns. El álbum vendió más de 200.000 copias en todo el mundo. En 2002, fue nombrado uno de los "25 álbumes ambientales más influyentes de todos los tiempos".
Novus
Magnificat: Through the Stargate de Constance Demby, uno de los
primeros lanzamientos de Hearts of Space Records, es una grabación
histórica. Este álbum de música sacra sinfónica construyó el puente
entre la música clásica y coral, y lo que eventualmente se convertiría
en el género musical New Age. Esta edición del 30 aniversario en 2 CD
presenta la grabación original reeditada por el artista en once
movimientos y un segundo disco de grabaciones en vivo nunca antes
publicadas.
El album Novus Magnificat está inspirado en la música clásica y sacra occidental, Novus Magnificat se autodefinió como "Un Magnificat para orquesta digital, voces corales e imágenes electrónicas espaciales" y "Dedicado al Infinito..."
La música se interpretó utilizando el Emulator II, uno de los primeros sintetizadores de muestreo digitales disponibles, que combinaba el sonido de coros e instrumentos sinfónicos reales en un solo teclado. Estaba conectado a un Roland Juno 60 para proporcionar efectos arpegiados y sonidos mejorados.
El álbum fue compuesto y grabado directamente en 1985 por Demby al teclado, sin ninguna música escrita ni puntuada de antemano. La música fue mejorada aún más con texturas electrónicas del compositor Michael Stearns y refinada con la coproductora y cofundadora del sello Anna Turner. El resultado fue descrito como "música conjurada por el futuro, arraigada en la tradición sagrada occidental".
Constance Demby passed away last 19th March 2021.
CONSTANCE DEMBY Emulator II digital sampling synthesizer, Roland Juno 60, Yamaha C-9 concert grand piano|
MICHAEL STEARNS Serge Modular synthesizer, The Beam, Yamaha DX-7, Oberheim OB-8 synthesizers
En febrero de 1990 Televisión Española comenzaba la emisión de un programa musical dedicado a la música New Age, de moda en los años 90, que componían músicos provenientes del Pop, Rock, Jazz y el Folk. Este programa, titulado Música NA, fue dirigido por Ramón Trecet y presentado por Lara López. En este capítulo monográfico se recoge la música de Constance Demby.
Disc 1 1 Novus Magnificat, Pt. 1: Soul's Journey 2 Novus Magnificat, Pt. 1: Ascent 3 Novus Magnificat, Pt. 1: Tears Of Terra 4 Novus Magnificat, Pt. 1: Exultate 5 Novus Magnificat, Pt. 1: My Heart Doth Soar 6 Novus Magnificat, Pt. 2: The Flying Bach 7 Novus Magnificat, Pt. 2: Trust 8 Novus Magnificat, Pt. 2: Bridging Dimensions 9 Novus Magnificat, Pt. 2: Through The Stargate 10 Novus Magnificat, Pt. 2: Magnificat 11 Novus Magnificat, Pt. 2: Cosmic Carousel
Disc 2 1 Novus Magnificat: Baktun, No. 1 (Live December 21, 2012) 2 Novus Magnificat: Spring Equinox (Live December 21, 2012) 3 Novus Magnificat: Full Moon Eclipse (Live March 19, 2011) 4 Novus Magnificat: Baktun, No. 2 (Live June 26, 2010) 5 Space Bass: Baktun, No. 3 (Live December 21, 2012)
Gran colección de 31 piezas musicales acústicas que son simplemente hermosas. Este " Duo" ha lanzado consistentemente música hermosa para el sello Narada; mi primera prueba de su talento fue en su ahora clásico lanzamiento navideño The Gift. Sólo hizo falta escuchar ese CD para convencerme de que estas dos personas realmente están conectadas musicalmente de una manera única. Sin duda, hay una combinación de instrumentos, pero es la ejecución: el oyente "siente" la música
Conozco la música del guitarrista Eric Tingstad y la oboísta Nancy Rumbel desde hace muchos años. A través de Narada conocí mucha música y artistas nuevos, incluido este dúo. Tingstad y Rumbel hacen canciones instrumentales fáciles de escuchar. Algunas canciones, como Clancy's Heart, incluso me hacen derramar una lágrima. Una sorpresa para mí es que este álbum doble contiene una versión diferente de una de mis canciones favoritas: Oaks. La grabación que ya conocía está en el CD de Woodlands.
CD 1 01. Shenandoah 05:39 02. Elysian Fields 05:12 03. The Merced 03:43 04. Don Juan 04:26 05. Monongahela 03:11 06. Sailing 03:50 07. Blue Martini 03:36 08. La Fogata 03:06 09. Gigue 03:03 10. Pastorale 04:21 11. Lo Que Tu Quisieras (As You Wish) 03:35 12. Emerald Pavane 04:05 13. The Eyes Of Amelia 05:50 14. Sunderlal 06:09 15. Give And Take 02:49 16. Clancy's Heart 05:15
CD 2 01. Shadow Dancer 03:39 02. Galileo 05:45 03. Magnolia 03:31 04. The Children's Garden 04:26 05. The Man From Stratford 03:06 06. Shamrock 03:55 07. Medicine Tree 05:03 08. Oaks 04:53 09. Empire Builder 03:56 10. Aria 04:12 11. The Lowcountry 04:18 12. Fisherman's Dream 04:18 13. Crow And Weasel 06:18 14. Lullaby 05:52 15. The Craftsman 03:38
Víkingur Ólafsson (14 de febrero de 1984) es un pianista islandés.
Ólafsson ha tocado con orquestas de primer nivel en Europa y Estados Unidos, incluyendo la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Philharmonia, la Orquesta de Minnesota, la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, la Orquesta Sinfónica de Detroit y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca, y con directores como Thomas Adès, Esa-Pekka Salonen y Santtu-Matias Rouvali. Ha ganado numerosos premios por sus interpretaciones, incluyendo Álbum del Año en la edición de 2019 de los premios de la BBC Music Magazine por su disco Johann Sebastian Bach.2
Tras su álbum Philip Glass Piano Works (Obras para piano de Philip Glass), Ólafsson fue descrito como «el Glenn Gould de Islandia» por el periódico New York Times y «un pianista sorprendentemente brillante» por la revista Gramophone y elogiado por el periódico Le Monde debido a su «temperamento volcánico, gran virtuosismo y gusto por los desafíos».
Fue solista en el concierto de apertura de Harpa en Reikiavik, tocando el Concierto para piano en La menor de Grieg con la Orquesta Sinfónica de Islandia bajo la dirección de Vladímir Ashkenazi.
Durante la temporada 2019-20, Ólafsson fué artista residente en la Konzerthaus Berlin con catorce actuaciones en once proyectos diferentes, tocando conciertos de Thomas Adès, Robert Schumann, Daníel Bjarnason y Mozart, dos recitales en solitario y programas de cámara con intérpretes como Martin Fröst y Florian Boesch.
En 2016, firmó un contrato de exclusividad con Deutsche Grammophon.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (1977 – ) 1. For Jóhann 3:04 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Peter Gregson 2. Above And Below, B Minor 3:02 Víkingur Ólafsson, Peter Gregson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Ben Frost 3. Prelude, BWV 855a 6:06 Víkingur Ólafsson, Ben Frost
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Hans-Joachim Roedelius, Thomas Rabitsch 4. Bach mit Zumutungen 3:45 Víkingur Ólafsson, Hans-Joachim Roedelius, Thomas Rabitsch
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Valgeir Sigurðsson 5. Prelude, BWV 855a 4:40 Víkingur Ólafsson, Valgeir Sigurðsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (1977 – ) 6. And At The Hour Of Death 2:33 Víkingur Ólafsson
Vikingur Olafsson, piano Valgeir Sigurdsson, piano, electronics Peter Gregson, cello Hildur Guðnadóttir, cello Ryuichi Sakamoto, electronics Hans-Joachim Roedelius, electronics
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Christian Badzura (*1977) 1. Prelude In G Major (Christian Badzura Remix) 3:55 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) 2. Widerstehe doch der Sünde, BWV 54 (Transcr. by Víkingur Ólafsson) 4:22 Víkingur Ólafsson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Ryuichi Sakamoto (*1952) 3. BWV 974 – II Adagio 5:18 Víkingur Ólafsson, Ryuichi Sakamoto
Hildur Guðnadóttir 4. Minor C Variation (Gunnar Örn Tynes Remix) 3:08 Hildur Guðnadóttir
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750), Skuli Sverrisson 5. Kyriena (Albert Finnbogason Remix) 2:57 Víkingur Ólafsson, Skuli Sverrisson
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit, BWV 106 (Transcr. for Piano Four Hands by György Kurtàg) 6. 1. Sonatina 2:09 Víkingur Ólafsson, Halla Oddný Magnúsdóttir
Positano Songs tuvo su origen en una visita de 2015 a Positano, Italia, de la cual Ackerman afirma: "He estado visitando Positano, Italia durante décadas. Está más ocupado en estos días y la temporada turística parece crecer cada vez más, pero sigue siendo una de los lugares más hermosos de la Tierra. Es donde Susan y yo elegimos casarnos, y una parte de mi corazón siempre vivirá allí". Influenciado por la belleza de la ciudad y el campo, así como por la calidez de su gente, Ackerman le dio la bienvenida a su musa, recogió algunas guitarras que le había entregado Bob Taylor de Taylor Guitars y ¡listo! "Pieza tras pieza sincera simplemente se materializó. Me fui de Italia una semana después con 26 ideas musicales prometedoras en una cinta de video". De acuerdo, una vez que regresó a Vermont, el negocio de manejar Imaginary Road significaba que grabar estas piezas no iba a suceder de la noche a la mañana. Pero como dice el refrán, "Todo es bueno para los que esperan" y Positano Songs es, de hecho, ¡una cosa buena tras otra!...Kathy Parsons https://williamackerman.com/shop/positanosongs
Will toca tres guitarras en el álbum, su Froggy Bottom K Model de seis cuerdas, la guitarra de salón Martin que le regaló el difunto Michael Hedges hace años, y una guitarra jumbo Steve Klein para las partes principales. Suman sus talentos amigos y músicos consumados como Tom Eaton (piano y bajo), Charlie Bisharat (violín), Eugene Friesen (violonchelo), Noah Wilding (voz) y Jeff Oster (Flugelhorn). Todas las canciones están compuestas por Will Ackerman.
1 Nighttime in the Chapel 2 Our Wedding Song 3 Did I Dream This 4 The End of the Day 5 For Carmine 6 This is Where It Begins 7 The Tyrrhenian Sea 8 Passing Baldo's Tower 9 For Giovanni 10 I had To Go There
La gira mundial 87-88 había encumbrado al Group como un gran valor en directo, llenando estadios por todas las ciudades del planeta. La popularidad provocó, quizá, una cierta continuidad estilística en Letter From Home, a la postre uno de los discos más vendidos en la historia del jazz. Para esta ocasión la banda utilizó por última vez la técnica consistente en montar una pequeña gira en la que mostrar al público las nuevas composiciones antes de grabarlas, y para ello contó en la parcela multiinstrumental con el guitarrista brasileño Nando Lauria (miembro de la gira de The Way Up) en sustitución de la pareja Blamires-Ledford. Finalmente, la disponibilidad de Pedro Aznar le hizo acreedor a ocupar tan vistoso puesto en la grabación del disco y directos posteriores.
Letter From Home is the first Metheny Group record to take advantage of the greater capacity of the compact disc, fashioning an album that was even more akin to a musical travelogue than any released to date. However, in the same way that much of Still Life (Talking)'s material still finds its way onto setlists of Pat Metheny Group and Metheny side projects, the fact that only "Have You Heard" would become a set-list regular—and even that has fallen off in recent years—suggests that if it's not one of the group's best efforts, it's certainly not one of their favourites either.
That being said, there's still plenty to recommend. With Blamires and Ledford gone—returning for 1995's We Live Here—Aznar was back in the fold and, just as on First Circle, his multi-instrumental talents are put to great use, not to mention there being two songs on Letter From Home that actually feature him singing lyrics instead of the wordless vocals that Metheny has typically favoured. https://www.allaboutjazz.com/a-trio-of-pat-metheny-group-reissues-by-john-kelman.php
01. Have You Heard (6:25)
02. Every Summer Night (7:13)
03. Better Days Ahead (3:02)
04. Spring Ain’t Here (6:55)
05. 45/8 (0:56)
06. 5-5-7 (7:54)
07. Beat 70 (4:53)
08. Dream of the Return (5:25)
09. Are We There Yet (7:55)
10. Vidala (3:04)
11. Slip Away (5:24)
12. Letter from Home (2:33)
Kepa Junkera (Bilbao, España; 10 de abril de 1965) es un músico español. Maestro de la trikitixa, ha editado hasta la fecha 30 álbumes, ganando en 2004 el premio Grammy Latino al Mejor Álbum Folk por su disco en directo 'K'.
Kepa Junkera ejemplifica, actualizándolo, el carácter viajero y aventurero del pueblo vasco. Como los viejos arrantzales (pescadores), conquistadores y misioneros, el artista vizcaino ha desplegado al viento la vela de su triki (acordeón diatónico) para viajar por los cinco continentes hasta convertirse en el músico más internacional que ha dado la comunidad autónoma del País Vasco. Su árbol genealógico más cercano, su aitite (abuelo) y su ama, creció fuerte y bien alimentado por la tradición de la música en euskera, los bailes de romería y los acordeones y panderos aprendidos en grupos de danza de barrio. De su barrio, Rekalde, al que ya homenajeó en su primer disco, un trabajo compartido editado en 1987 en el que ya incluyó "Mugarik gabe", un instrumental clarividente que podría traducirse por "sin fronteras". Tras su debut con Kepa, Zabaleta eta Motriku, repleto de ritmos folk vascos (arin arin, fandangos, jotas...) pero que ya incluía composiciones originales de Kepa, este músico autodidacta amplió los horizontes de sus gustos de la música popular más cercana al jazz. Se retiró un poco la txapela (boina) para ver más lejos y dejó para la historia los discos Triki up (1990) y Trikitixa Zoom (1991). Aunque son tiempos de aprendizaje, ya por entonces resultaba complicado seguir los veloces dedos de Kepa dibujando ritmos frenéticos sobre las teclas de la triki.
Como todos los músicos inquietos, el paso siguiente, Kalejira Al-Buk (1994), supone, con el paso del tiempo, toda una curiosidad en su abultada discografía, ya que los sonidos de raíz se abren a la electricidad de guitarras, bajos y teclados en una suerte de folk rock con aportaciones vocales en inglés y con entrada de músicos foráneos como David D. Passinghan y de reputados escritores y bertsolaris vascos como Jon Sarasua, Andoni Egaña y Edorta Jiménez. Kepa iba cumpliendo sus sueños, desde conocer a su admirado Iribar, portero de su Athletic de Bilbao, a colaborar regularmente con sus admirados Oskorri o ganar la Muestra de Folk Estatal para Nuevos Intérpretes. Sus dos discos siguientes, Trans Europe Diatonique (1992) y el delicioso, acústico y sensible Lau Eskutara (1995), grabados junto al inglés John Kirkpatrick y el italiano Riccardo Tesi, en el primer caso, y con el mago de las cuerdas portugués Julio Pereira, en el segundo, le ponen en contacto con artistas foráneos y le encaminan a grabar la que es la primera de sus obras esenciales. trikitixa
Su trabajo Bilbao 00.00 h (1998) se convirtió en un hito por las ventas logradas desde un sello independiente como Resistencia. Además, le obligó a coger la maleta semana sí y semana no. Disco doble en el que profesa su amor a su ciudad natal, "Bilbao..." es el disco de la expansión internacional de Kepa en una doble vertiente: la comercial y la artística. Y es que el álbum, que incluía el popero "Del Hierro a Madagascar", cantado por Pedro Guerra, supone, además de su salto definitivo a la world music, un abrazo solidario y enriquecedor a los sonidos de medio mundo, de Canarias al Mediterráneo, Québec, Centroeuropa, África, Galicia, Portugal, Irlanda... Junkera puso Bilbao en el mapa en una labor de promoción sólo comparable a la realizada por el Museo Guggenheim. Su proyección continuó con su trabajo posterior, Maren (2001), dedicado a una de sus hijas, ya grabado junto a una multinacional y que supuso su confirmación internacional gracias al ritmo contagioso de canciones como "Bok-Espok" y "Ny Hirahira", en el que lo vasco se alía con los aires folk de Armenia, Bulgaria y Albania. Con dos Discos de Oro en sus alforjas y una nominación a los Latin Grammy Awards en 2002 por Maren, Kepa empieza a tener su punto de residencia entre Bizkaia y los hoteles de medio mundo.
CD 1 1. Arin Quebec 2. Del Hierro A Madagascar 3. Fasio & Lurra-Terra 4. Maitia Nun Zira? 5. Bok-Espok 6. Santimamineko Fandangoa & Ioaeoe 7. Muskerraren Balsa & La Balso De Combouscuro 8. Justin Lagun 9. Arin-Novo 10. Gesala 11. Gaztelugatxeko Martxa
CD2 1. Fali-Faly 2. Karola De Mar 3. Piti & Iturrigorri 4. Loriak Udan 5. Arin-Oskorrri 6. Zumaia 7. Sodade 8. Zugarramurdi Dantza 9. Berhueta 10. Tandremo 11. Nondik Jo Maurizia 12. Arin-Argineta & Ortigueira Dantza
Una de las raras mujeres en el mundo neoclásico, Alexandra Stréliski crea música que cautiva a los oyentes, llenando sus mentes con ricas imágenes cinematográficas. Artista de origen judío polaco que creció entre París y Montreal, debutó con el álbum Pianoscope de 2010, pero el gran público la descubrió a través de las películas de Jean-Marc Vallée Dallas Buyers Club (2013) y Demolition (2016) y, más recientemente, el tráiler de la aclamada serie de HBO Big Little Lies (2017). Aprovechando este impulso, la compositora y músico ahora está haciendo su próxima declaración artística con el álbum INSCAPE.
“Para mí”, dice Stréliski, “Inscape fue una crisis existencial. Un año en el que todo se volcó y tuve que atravesar varios paisajes interiores, agitados, hermosos y dolorosos al mismo tiempo”. En su intento de llenar un cierto vacío emocional, sigue una pulsión creativa que apuesta por devolver al oyente a una forma de sinceridad perdida. “Un piano, por sí solo, es algo muy vulnerable y quiero compartir este momento con el oyente”.
One of the rare women in the neoclassical world, Alexandra Stréliski creates music that enthralls listeners, filling their minds with rich, cinematic images. An artist of Polish Jewish origin who grew up between Paris and Montreal, she made her debut with the 2010 album Pianoscope, but the general public discovered her via Jean-Marc Vallée’s films Dallas Buyers Club (2013) and Demolition (2016) and, more recently, the trailer of the acclaimed HBO series Big Little Lies (2017). Building on this momentum, the composer and musician is now making her next artistic statement with the album INSCAPE, out now on Secret City Records.
“To me,” says Stréliski, “Inscape was an existential crisis. A year where everything capsized and I had to go through various interior landscapes – hectic, beautiful and painful at the same time.” In her attempt to fill a certain emotional emptiness, she follows a creative urge that commits to taking the listener back to a form of lost sincerity. “A piano, on its own, is a very vulnerable thing, and I want to share this moment with the listener.” https://alexandrastrliski.bandcamp.com/album/inscape
Género: Classical Estilo: Neo-Classical
1 Plus Tôt 3:00 2 The Quiet Voice 2:28 3 Par La Fenêtre De Théo 2:54 4 Ellipse 2:18 5 Changing Winds 3:14 6 Interlude 3:34 7 Blind Vision 3:23 8 Burnout Fugue 2:52 9 Overturn 4:17 10 Revient Le Jour 3:34 11 Le Nouveau Départ 3:35
