Tres soldados norcoreanos, dos surcoreanos y uno americano, van a parar de manera diferente a un pequeño e inocente pueblo coreano llamado Dongmakgol, en mitad de la Guerra de Corea. Un pueblo donde se desconoce la existencia de tal guerra, un pueblo "inocente" que vive aislado del mundo y de la violencia y crueldad del mismo. Tras un accidentado encuentro entre los soldados del norte y sur, estos enemigos tendrán que colaborar juntos para enmendar el daño provocado en la aldea.
Basada en la obra de Jang Jin y con una maravillosa partitura de Joe Hisaishi, Bienvenido a Dongmakgol es una conmovedora Banda Sonora, de un drama ambientado en la guerra entre Corea del Norte y del Sur. El trabajo de Hisaishi no defraudará a sus seguidores, pues es una muestra de su estilo al 100% https://www.filmaffinity.com/es/film562280.html#
En 1968 el Vietcong comenzó la ofensiva del Tet, la minifalda apareció en Tokio y los Beatles descubrieron la meditación trascendental. Durante este tiempo en Brest dos adolescentes de 15 años de edad, Pol y Hervé Quefféléant, decidieron dedicarse a la música. Amaban el folk, la música que a través de Pete Seeger, Bob Dylan y Joan Baez acompañaba las marchas por los derechos civiles. Pete Seeger, sin embargo, les animó a descubrir su patrimonio musical propio y no copiar lo que estaba sucediendo en los EE.UU. El consejo era bueno. Pol y Hervé se sumergieron en la música tradicional celta, especialmente la de Bretaña. En 1970 crearon su propio grupo y como un símbolo de sus raíces bretonas eligieron el nombre de Triskell (la estrella de tres puntas) que representa el agua, la tierra y el fuego para los celtas. http://www.chantdumonde.com/fr/label/fiche_artiste.php?artist_id=52
Patrick Audouin (guitar, piano) Herve Queffeleant (harp, tin whistle) Pol Queffeleant (harp) Mickaël Cozien (cornemuse) Ewen Quefféléant (bodhran).
Hidamari no ki ( El árbol que da sombra ) del doctor Tezuka Osamu
En "El Árbol que da sombra", Tezuka Osamu describe la vida de su bisabuelo,Tezuka Ryôsen y sus amigos, quienes estudiaron en la Escuela "Tekijuku" y la época de grandes cambios en Japán expuesto de repente a las influencias de las potencias occidentales. Uno puede vivir el ambiente de esa época por la obra cumbre de Tezuka Osamu.
Osamu Tezuka (1928 - 1989), creador del mítico Astroboy y considerado como el "padre del manga" es el autor de Hidamari no ki, manga que publicó entre 1981 y 1986 en la revista para adultos Big Comic. En ésta obra, Tezuka nos sitúa en un periodo crucial para japón a través de un personaje real y otro ficticio: Manjirô Ibuya, un samurái y Ryôan Tezuka, médico (que es ni mas ni menos que el bisabuelo del autor).
On June 21, 2000, Vap released a soundtrack CD for the Hidamari no Ki anime. The songs are performed by Keiko Matsui and are composed by Kazu Matsui.
01. Hidamari No Ki - Morning
02. Sea
03. The Tree Of Life
04. Walking
05. Sea [Piano Version]
06. Walking [Pano Version]
07. Tree Of Life [Piano Version]
08. Hidamari No Ki [Piano Version]
09. Cloudy
10. Thinking
11. A Couple
12. Nervous
13. In The Forest
14. Sunshine
15. The Wind Of Time
16. Key
17. The Shadow Of The Moon
18. Hidamari No Ki - Manazashi
Nacido en la casbah de Argel, Mad es hijo de madre argelina y padre persa. Comenzó a componer a los quince años, con la idea de que la música es un lenguaje universal que todo el mundo entiende, de que el sonido tiene el poder para contribuir a un futuro mejor. Mad toca la dilruba (antiguo violín original de norte de la India nacido hace mas de 300 años) y el esraj, y ha profundizado en la música persa, la música de los baul, y la música gnawa.
Con 17 años se echó a la carretera con su guitarra, y durante un año estuvo viviendo en la calle, comenzando su aprendizaje de un modo radical. Desde los 18 años, cuando funda el grupo Rahmann, Mad ha tocado con John McLaughlin, Nico, de Velvet Underground, Mickael Riley (Steel Pulse/Reggae Philarmonic Orchestra), Sapho, Harem, Mickael Hutchence, Keziah Jones, Axel Bauer y Sting. El resultado de todas esas experiencias pasadas, y sus sentimientos personales acerca de la emigración de personas y culturas se ve definida actualmente bajo la expresión de "traditions avant-garde".
En el 2000, Mad lanza "1001 Nights" (Erato/Warner classic), una composición para 7 cantantes de 7 culturas diferentes (navajo, tibetano, argelino, gnawa, indio, hebreo y persa) combinando una orquesta de cámara clásica con prestigiosos solistas como L. Subramanian o Alla. "1001 Nights" ocupó el puesto 6 en la Lista Europea de Músicas del Mundo. http://www.mundimapa.com/joomla2/index.php?option=com_k2&view=item&id=47:madsheerkhan
Escucha Night of Gnawas con la voz de Mamani Keita
01 Night of Algeria 5:34
02 Night of Gnawas 9:44
03 Night of Hebrews 8:34
04 Night of Navajos 8:55
05 Night of Tibet 7:43
06 Night of India 11:20
07 Night of Persia 11:13
La fusión de música electrónica con ritmos tradicionales y sonidos folklóricos es un hecho en todos los rincones del mundo; desde Asia hasta Latinoamérica, los Balcanes, Medio Oriente o Europa del Este. Sin embargo, la mayoría de las veces todo se reduce a una fórmula única: hacer correr melodías e instrumentos “étnicos” sobre beats pre programados de cuestionable valor artístico. Lejos de caer en este reduccionismo, aparece Dhafer Youssef, quien ha llevado a la música árabe y norafricana por el sendero electrónico manteniendo la espiritualidad y profundidad que caracteriza a la música islámica.
Nacido en Túnez en 1967, desde 1990 se radicó en Europa, donde comenzó a involucrarse en los movimientos de avant garde y world music; a los cuales les sumó el sonido de su oud (un laúd de Medio Oriente) y su formación tradicional en música sufí y el canto islámico aprendido desde chico.
Para no caer en la trampa de los clichés de la electrónica, se vale en este disco de un plantel de lujo, con destacadas figuras del jazz europeo y monstruos de la electrónica y el rock norteamericano que le dan al proyecto una dimensión global e incontables niveles de profundidad.
Grabado en Nueva York, se destaca aquí el enorme aporte Doug Wimbish y Will Calhoun, base rítmica de Living Colour y de proyectos de vanguardia electroacústica como Headfake. Tanto Wimbish al bajo como Calhoun desde la batería aportan toda la sabiduría adquirida en una dilatada trayectoria que desde hace varias décadas se ha caracterizado por un uso inteligente de la tecnología en la música. Lejos de empantanarse en recursos discotequeros, la dupla Calhoun-Wimbish le pone sonido y cuerpo posmoderno al misticismo sufí de Youssef, a través del uso expresivo de pedaleras, efectos y ambientaciones que potencian la atmósfera espiritual por la que nos lleva el disco.
Completan la alineación una selección de lo más destacado del jazz europeo: los alemanes Markus Stockhausen (trompetista de sólida formación clásica) y Dieter Ilg (contrabajo); el guitarrista austriaco Wolfgang Muthspiel, el sudafricano de origen indio Deepak Ram (bansuri, flauta clásica hindú) y el ya legendario percusionista francés Mino Cinelu (conocido por sus trabajos junto a Miles Davis Weather Report).
El álbum abre mostrándolos en un ajustadísimo ensamble jazzero en “Mandakini”, donde Youssef desde su laúd y Cinelu en la percusión marcan el comienzo de lo que crece y se desarrolla como una gran improvisación a la que se suman en el liderazgo de Ram en flauta y Muthspiel en guitarra.
Con “Yabay”, el tunecino explota al máximo su expresividad como solista, la melancolía de su cantar y su oud, y las conmovedoras alturas a las que llega con sus notas altas.
A continuación, la armada electrónica hace su ingreso en “Electric Sufi”, con el drum’n bass de Calhoun y Wimbish sosteniendo a Ram y Youssef. Es notable aquí la apertura y sensibilidad de ambos norteamericanos para incorporar ritmos y melodías de África y Oriente en su combo electrónico. Algo que se repite en “Man of wool”, donde el toque de Wimbish para lograr climas a través de efectos y pedales con su bajo acompaña una atmósfera surreal creada por la batería electrónica de Calhoun, sobre la cual se monta el cantante para lograr una de las piezas con más mística y misterio de todo el CD.
En pasajes solistas como “Oil on Water” y “La nuit sacre” Youssef ofrece con su oud el descanso a la tensión que se genera en aquellas complejas combinaciones de electrónica y música étnica. Del mismo modo, la balada “La prière de l' absent” se sustenta en la trompeta de Stockhausen y el resto del combo de jazz europeo que lo secunda, para ofrecer un poco de necesaria paz y armonía.
En el mismo camino discurre “Nouba”, donde las capacidades vocales e instrumentales de Youssef surgen en todo su esplendor para lograr uno de los puntos más ajustados de mestizaje sonoro de toda la placa junto a la excepcional “Suraj”.
Como si faltara algo más, el tunecino sorprende con una genial interpretación de flamenco magrebí en “Farha”, secundado por una impecable performance solista en percusión de Cinelu, y su continuación en “Nafha”.
“Al-Hallaj” (homenaje mártir místico del Islam del siglo X) constituye la referencia más fuerte a la religiosidad que inspira la música de Youssef; y “Langue muette” cierra con solemnidad un trabajo ecuménico que emociona por la pluralidad y calidad con la que conviven tradiciones culturales islámicas, africanas, europeas y americanas. http://www.fronteramusical.com.ar/notas/dhafer-youssef.html
Dhafer Youssef vocal, oud, sounds Wolfgang Muthspiel guitars Markus Stockhausen trumpets, flh Deepak Ram bansuri Dieter Ilg ac. + el. bass Doug Wimbish electric bass Mino Cinelu drums, perc. Will Calhoun drums, loops Rodericke Packe ambient sounds
1. Mandakini 05:07
2. Yabay 03:14
3. Electric Sufi 04:56
4. Oil On Water 02:43
5. La Priere De L Absent 06:43
6. Man Of Wool 07:03
7. La Nuit Sacree 06:23
8. Nouba 06:47
9. Farha 05:34
10. Nafha 05:24
11. Al Hallaj 03:18
12. Suraj 06:13
13. Langue Muette 03:33
Hildegard von Bingen nació en 1098 en Bermersheim vor der Höhe y murió en 1179 en Rupertsberg (cerca de Bingen). Fue un personaje extraordinario: religiosa benedictina, abadesa de tres conventos, mística, compositora, mujer de letras, profetisa, teóloga, filósofa, antropóloga, poeta e incluso experta en medicina.
En una misiva, enviada a Bernardo de Claraval hacia 1146, le imploraba su consejo: Padre, estoy profundamente perturbada por una visión que se me ha aparecido por medio de una revelación divina y que no he visto con mis ojos carnales, sino solamente en mi espíritu. Desdichada, y aún más desdichada en mi condición mujeril, desde mi infancia he visto grandes maravillas que mi lengua no las puede expresar, pero que el Espíritu de Dios me ha enseñado que las debo creer. Por medio de esta visión, que tocó mi corazón y mi alma como una llama quemante, me fueron mostradas cosas profundísimas. Sin embargo, no recibí estas enseñanzas en alemán, en el cual nunca he tenido instrucción. Sé leer en el nivel más elemental, pero no puedo comprenderlo plenamente. Por favor, dame tu opinión sobre estas cosas, porque soy ignorante y sin experiencia en las cosas materiales y solamente se me ha instruido interiormente en mí espíritu. De ahí mi habla vacilante.
Visión es una mezcla de lo antiguo con lo moderno, lo espiritual con lo comercial, las melodías de una abadesa del siglo 12 con la música de un compositor del siglo 20. El enfoque ambient que ofrece Richard Souther es el escenario perfecto para los cantos sagrados de Hildegard Von Bingen, y la adición sutil de elementos de la música del mundo le da a la música un atractivo intemporal. El carácter místico de estas canciones es mucho mayor por las impresionantes interpretaciones vocales de la especialista en música antigua Emily Van Evera y la priora Sor Germaine Fritz, cuyo exótico, estilo etéreo hipnotizan al oyente. En estas composiciones sagradas, cuyas melodías son de 800 años de antiguedad.
Allmusic.
Sister Germaine Fritz (Voice) Richard Souther (Synthesizer, arrangements and interpretations) Catherine King (Voice) Emily van Evera (Voice)
Sao Paulo es la ciudad más grande de América del Sur, hogar de aproximadamente 19 millones de habitantes. En 1992, esta megalópolis se clasificó como la tercera ciudad más grande del mundo, por detrás estan Tokio y Ciudad de México. En los alrededores de São Paulo, al igual que en cualquier ciudad del siglo 21, hay una gran diversidad y disparidad, entre lo súper chic, lo moderno, y la indigencia mas profunda. En São Paulo Confessions, el pianista brasileño nacido en Yugoslavia, productor y programador Suba mezcla la modernidad de los ritmos tecno y los bucles muestreados con músicas tradicionales de Brasil. Suba, que anteriormente tocaba el piano con Hermeto Pascoal y Suzano Marcos, produjo discos para conocidos artistas brasileños como Marina Lima, Ambrosio Mestre, Edson Cordeiro y Arnaldo Artunes, ha colaborado en São Paulo Confesiones con el percusionista João Paraíba y las vocalistas Cibelle y Taciana. Con percusión y voces en directo, además de una serie de melodías de guitarra acústica, añaden una profundidad enorme a las composiciones de Suba.
Todos los temas de "São Paolo Confessions" son brillantes, no hay ni uno sólo que debiera haberse quedado en el estudio, todas son piezas de impecable factura de parecen querer gritarle al mundo cuan talentoso era quién las creó. Claro que eso no es impedimento para que dos de los cortes del álbum destaquen, porque ya pueden considerarse dos cumbres de la electrónica, dos producciones inmortales que nunca se dejarán de escuchar (al menos no mientras algunos humanos sigan naciendo con sensibilidad musical). El primero es A felicidade (Happiness), una reinterpretación en clave electrónica del clásico de Vinicius de Moraes y Tom Jobim, aunque prácticamente puede hablarse de una nueva composición, porque el tratamiento de Suba es lo opuesto a un remix, no es producción adicional, sino una reconstrucción (o, más precisamente, deconstrucción), desde cero, obteniendo así un nuevo tema que conserva el espíritu y la emotividad del original, pero a través de recursos y sonoridades bien distintas. El segundo es Samba do gringo paulista (Paulista gringo’s samba), composición de Suba, probablemente el más atrevido tema de samba que ha dado la historia reciente. Un instrumental predominantemente percusivo perfecto para cualquier situación, desde la agitación de un masificado club de baile a la tranquilidad de una puesta de sol mediterránea, tinto de verano en mano. Suba creó en São Paulo Confessions la banda sonora perfecta para la imagen de São Paolo que vemos en la carátula y, extrapolando, para la São Paolo menos turística, la que no tiene cabida en las postales. Imprescindible.
Genre: Latin Style: Electronica, Samba, Brazilian Traditions
Personal: Suba (piano, keyboards, programming); Cibelle, Katia B., Taciana, Joana Jones, Arnaldo Antunes (vocals); Andre Geraissati, Luis Do Monte (acoustic guitar): Kuaker, Edgard Scandurra (guitar); Mestre Ambrosio (bass, percussion, rabeca); Joao Parahyba (drums, percussion, samples).
Tantos Desejos (So Many Desires) Você Gosta (I Know What You Like) Na Neblina (In the Fog) Segredo (Secret) Antropófagos (Cannibals) Felicidade (Happiness) Um Dia Comum (Em SP) (A Normal Day (In São Paulo)) Sereia (Mermaid) Samba Do Gringo Paulista (Paulista Gringo's Samba) Abraço (Embrace) Pecados da Madrugada (Sins Before Dawn) A Noite Sem Fim (The Endless Night)
Manos Hadjidakis es tal vez el más prolífico, influyente e importante compositor griego de música contemporánea del siglo XX, nació en Xanthi, norte de Grecia el 23 de octubre de 1925 y falleció el 15 de junio de 1994.
La música de Hadjidakis destaca por su poética intimista, llena de matices armónicos, de sorprendentes combinaciones melódicas enraizadas en la música tradicional griega y por una enorme riqueza de ritmos y timbres.
I Laiki Agora - The popular market Treinta canciones del período 1959-1975, con nuevos arreglos y voces. Orquestación por Nikos Kypourgos. Orquesta dirección de Manos Hadjidakis.
CD1
01. Vassilis Lekas - Hassapiko 40
02. Eli Paspala - The train departed (Efige to treno)
03. Giorgos Dalaras - O kir Antonis
04. Eli Paspala - The punishment (I timoria)
05. Ilias Liougkos - Mammy (Manoula mou)
06. Ilias Liougkos - The small cypress tree (To kiparissaki)
07. Eli Paspala - A rose on your chest (Triantafilo sto stithos)
08. Vassilis Lekas - Little Rallou (I mikri Rallou)
09. Giorgos Dalaras - The elf (Aeriko)
10. Giorgos Dalaras - The betrayal (I prodosia)
11. Ilias Liougkos - The sadness today (I pikra simera)
12. Vassilis Lekas - The rose (To triantafilo)
13. Ilias Liougkos - Add freshness to your life (Kane ti zoi drosia)
14. Vassilis Lekas - The drunk ship (To methismeno karavi)
15. Ilias Liougkos - There is a festival at Lavrio (Sto Lavrio ginete horos)
CD2
01. Giorgos Dalaras - The damned (Oi kolasmenoi)
02. Vassilis Lekas - The postman died (O tachidromos pethane)
03. Ilias Liougkos - Morning has broken (Ximeroni)
04. Vassilis Lekas - Tsamikos dance
05. Giorgos Dalaras - Bird in a cage (Helidoni se klouvi)
06. Eli Paspala - Every crazy child (Kathe trelo pedi)
07. Vassilis Lekas - Yiannis the killer (O Yiannis o fonias)
08. Eli Paspala - Lool at my eyes (Kita me sta matia)
09. Ilias Liougkos - With my white handkerchief (Me t' aspro mou mantili)
10. Eli Paspala - Lullaby (Nanourisma [Nani tou riga to pedi])
11. Eli Paspala - It happened in Athens (Sinevi stin Athina)
12. Ilias Liougkos - When you whistle three times (San sfirixis tris fores)
13. Vassilis Lekas - With Greece for captain (Me tin Ellada karavokiri)
14. Eli Paspala - Imitos mountain
15. Lekas & Papsala & Liougkos - The little bootblacks (Ta loustrakia)
Sava invita al oyente a un viaje imaginativo a través de distintos países y períodos, un viaje a través del espacio y el tiempo, Seras transportado a lugares como una Plaza Española, los pastos verdes de Irlanda, las rocas dentadas de las Tierras Altas de Escocia, la Corte Francesa .. . La música de Sava esta en algún lugar entre el folk y la world music con elementos que recuerdan la época medieval o incluso a composiciones de principios del Barroco. http://www.sava-music.de/band.htm
Birgit Muggenthaler: Flautas, Gaitas, Zanfona, Voz
Oliver S. Tyr: Nyckelharpa, Arpa, Bouzouki, Guitarra
Johannes Schleiermacher: Cello
Anna Katharina Kränzlein: Violín, Viola
Rüdiger Maul: Percusiones
Alexandra Hartmann: Arpa
Stefan Klug: Bodhran, Acordeón
01. Caravane
02. Stances
03. Ar hyd y nos
04. Uti vår hage
05. Hurlyburly
06. El Rey del Mundo
07. La rosa
08. Eilean
09. Tros y Gareg
10. Winter's Eve
11. En dans runt Linden
Una esquina de la calle en la India que está totalmente viva, con todo tipo de vehículos, personas y animales que iban y venían. En el mundo espiritual hindú, las cifras de personas indígenas que viven las vidas que les ha tocado, me hace pensar en la esencia de la vida: es realmente dura y enérgica. Estoy escuchando este disco ahora, recordando escenas como esta.
Un nuevo motivo de Susumu Ueda, que utiliza "Asia" como base de sus temas creativos, es "la India". Ueda ha descrito en los sonidos los lugares que simbolizan Asia, tales como la Ruta de la Seda en China y la antigua ciudad de Japón, Kyoto. La creación del sonido, que incorpora cantos budistas y campanas, es realmente único. ¿Por qué había querido hacer esto desde hace mucho tiempo y ha elegido como tema la India es probablemente porque el lugar que ha elegido es un Chakra de Asia. (El centro de energía de la vida.)
El título del álbum, "Nadi" significa "río grande" en la India. Este título fue elegido pensando en el río santo el Ganges. En el Yoga la palabra "Nadi" se utiliza para indicar la ruta que sigue la energía vital ya que se ejecuta a través del cuerpo , y el Ganges es exactamente el paso de la vida. Nueva vida, la bendición de estar en este mundo, se limpia con el agua del Ganges, y los cadáveres de aquellos que han completado sus cortas vidas son ofrecidos al gran rio.
Ueda además de describir las personas, interpreta los mitos indígenas, la naturaleza del sur del país, y las "inteligentes" calles con su propia sensibilidad, y los convierte en sonidos. Todos los miembros del grupo han trabajado conjuntamente para crear esos sonidos. Tadahiro Wakabayashi, un músico japonés líder en el campo de la música india, y Takashi Kobayashi, quien ha tocado en muchas sesiones con músicos de jazz, toca el sitar, el instrumento de cuerda que más nos recuerda de la India. Hiros, que estudió en la Universidad Hindú de Benarés, Departamento de Música, especializándose en teoría, reproduce la Bansuri (flauta de bambú). también se ofrece el oboísta, Hiroshi Shibayama, que lleva a cabo con instrumentos de cuerda y también trabaja en la música moderna, instrumentos clásicos y los instrumentos populares.
Esto no es "música de la India". Es una pieza compuesta por un músico japonés, Susumu Ueda, que ha imaginado la "India". Él dice, "puedo crear sonidos que no pierden frescura, esto no es una parodia y no muestra ninguna sensibilidad superficial, en otras palabras, las canciones llegan al fondo del corazón de la gente, permanecen en sus recuerdos y despiertan imágenes vivas y los oyentes pueden ser envueltos en los sonidos". Takashi Ishitani, Pacific Moon
El oboísta Russell Walder y el pianista Ira Stein aparecen como la pareja perfecta, ellos suenan juntos justo como una alma musical. La melodía de apertura te da una idea de las maravillas ocultas en este álbum. Pistas aventureras como `First Light' (la mejor canción del álbum), bellezas como `Under the Eye´ o `Neutral Angel', una combinación perfecta del sentimiento del oboe, la elegancia del piano y el pulso del tambor(bidón) los maravillosos viajes sonoros, y las canciones emocionales como, `Flying in Red Square' el álbum esta lleno de sensibilidad, el sonido encantador del oboe de Walder y los teclados de Stein hacen de este album una experiencia Maravillosa.
Fuente Amazon
Personal:
Ira Stein (piano, synthesizer)
Russel Walder (oboe, English horn, oboe d'amour, wooden flute, vocals)
Tom Valtin (guitar)
Shido (bass)
Marc Anderson (percussion).
Gene Refkin, Robbie Bean (drums).
Tracklisting:
1 Under The Eye (5:34)
2 Neutral Angel (4:26)
3 The Well (4:25)
4 Signal (5:27)
5 First Light (6:25)
6 Gratitude (5:42)
7 Laika (6:39)
8 Flying Into Red Square (5:02)
9 The Quickening (2:31)
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