V.A. Windham Hill - A Winter's Solstice I - II

El solsticio de invierno se ha celebrado en las culturas de todo el mundo durante miles de años. Es una celebración del comienzo del año solar - el renacimiento del sol. Hoy en día, muchos de nosotros en las culturas occidentales equiparan este día de fiesta con la Navidad. Aunque se desconoce la fecha exacta del nacimiento de Jesús, sabemos que no fue sino hasta el año 273 que la iglesia cristiana ha seleccionado el 25 de diciembre para representar a su nacimiento. Ya que el solsticio de invierno era un día de celebración, que bien podría ser la Navidad.
Y así, cuando Windham Hill decidió en 1985 lanzar un álbum "Christmas", nuestro objetivo era crear un álbum instrumental muy audible, que era realmente más evocador de la temporada y el solsticio de la Navidad. "A Winter's Solstice" se ofrece como una alternativa musical a la comercialización de la Navidad. El repertorio incluye composiciones originales, principalmente, con la adición de algunos himnos primeros, y algunos temas del repertorio barroco y clásico organizado por los propios artistas.





1. David Qualey – Jesu, Joy Of Man's Desiring
2. Ira Stein & Russel Walder – Engravings II
3. William Ackerman – New England Morning
4. Philip Aaberg – High Plains (Christmas On The High-Line)
5. Bill Oskay & Mícheál Ó Domhnaill – Nollaig    
6. Liz Story – Greensleeves
7. Darol Anger & Mike Marshall – Bach Bourée (From The French Suite)
8. Malcolm Dalglish – Northumbrian Lullaby
9. Shadowfax – Petite Aubade
10. Mark Isham – A Tale Of Two Cities

El éxito del primer álbum tuvo una serie. Pero con cada lanzamiento, había más y más villancicos familiares, hasta el punto que el propio concepto "Solsticio de Invierno" había sido eclipsada por la Navidad.
Ya sea que el solsticio de invierno o la Navidad, estas selecciones traen a la mente la esperanza y la belleza que asociamos con el regreso de la luz.




1. The Gift - Philip Aaberg
2. 17th Century Canon - Paul McCandless
3. Prelude To Cello Suite # 1 - Micheal Hedges
4. This Rush Of Wings - Metamora
5. Sung To Sleep - Michael Manring
6. E'en So, Lord/Dadme Albricias - Modern Mandolin Quartet
7. 'Bring Me Back A Song.' - Michael O' Domhnaill
8. Salve Regina - Therese Schroeder-Sheker
9. Chorale #220 - Turtle Island String Quartet
10. Simple Psalm - Fred Simon
11. Flute Sonata In Em - Barbara Higbie & Emily Klion
12. Come Life Shaker Life - Malcolm Dalglish
13. Medievil Memory II - Ira Stein & Russel Walder
14. Abide The Winter - Will Ackerman
15. By The Fireside - William Allaudin Mathieu

V.A. The Narada Nutcracker

Más que una adaptación de una obra orquestal, The Narada Nutcracker es una celebración de un progresivo, enfoque innovador de la música como lo fue la manera tan creativa utilizada hace un siglo por el genial compositor Tchaikovsky. Este lanzamiento es una colección deslumbrante de los dieciséis movimientos llevados a cabo por once de los artistas de Narada, entre ellos David Arkenstone, Kostia, Michael Jones, David Lanz, Alasdair Fraser y otros. Usando sus propios instrumentos, acuerdos y puntos de vista contemporáneos, los artistas intentaron explorar y embellecer el carácter intemporal de la música de Tchaikovsky.



 Artists
David Arkenstone - keyboards, guitar
Doug Cameron - violin
David Darling - cello
Alasdair Fraser - violin
Michael Jones - piano
Jim Jacobsen - clarinet
David Lanz- piano
Brian Mann - accordion
Nancy Rumbel - oboe, English horn, cheng
Eric Tingstad - guitar
Kostia - keyboards

1 Overture
2 March
3 Children's Galop
4 Pine Forest
5 Waltz of the Snowflakes
6 Dance of the Sugar-Plum Fairy
7 The Kingdom of Sweets
8 Spanish Dance
9 Arabian Dance
10 Chinese Dance
11 Russian Dance
12 Dance of the Mirlitons
13 Mother Gigogne
14 Pas de Deux
15 Tarantella
16 Waltz of the Flowers

Jean-Philippe Goude - De Anima (1992)

En el principio era el piano. Tan pronto como llegó a dominar los conceptos básicos descubrió el hechizo de melancolía mientras trabajaba en una pequeña pieza musical: un etude sonando en el estilo de un himno sombrío. No es el olor a carne muerta de sombrío, según Picabia, Más bien es la gravedad de la tierra de un abismo excavado por la vida misma. Todo es el resultado de este deslumbramiento.

A los 11 años de edad, Jean-Philippe Goude cerró los ojos. Cuando sus párpados finalmente se volvieron a abrir, sólo podía ver el color turquesa. Todo había cambiado. El color fue fijado por el Sgt Peppers de los Beatles,  Con Weidorje, inició una aventura de rock que le llevó a trabajar con Dick Annegarn, Odeurs, Renaud, para quien escribió los arreglos musicales.  Pasó tres años vagando y luego despertó.

En 1985 se decidió a escribir su propia música, la música que se había dormido en un rincón de su infancia. Vendió sus sintetizadores y mantiene sólo un piano. Atrás quedó la forma de lentejuelas. Así comenzó un largo período de mirarse en el espejo de la sinceridad. De Anima apareció en 1992, un paso decisivo en el camino neoclásico. Luego siguió el álbum Ainsi de nous (1994), La Naturaleza Divina de las Cosas (1996) y Rock de Cámara (2001). Al igual que muchas de sus obras reconocidas, popularizadas a menudo por radio y televisión. Jean-Philippe Goude es el autor de estos títulos musicales inolvidables que acompañaron programas como Un siècle d'Ecrivains (France 3), Caractères (France 2) y de nuevo un voix nue (France Culture).

La singularidad de L'Ensemble Jean-Philippe Goude es una unión mágica donde un quinteto de cuerdas, piano, onda Martenon, mandolina, instrumentos de viento y algunas voces celestiales, componen un universo cinematográfico como una película que proyecta sueños, dudas, los estados de ánimo de la noche, y la perspectiva de un camino que es nuestro para dibujar. Aquí está una obra majestuosa, profunda en la que es imposible perderse. Se habla tanto a los fans de la música barroca como a aquellas almas movidas por el minimalismo de Moondog y Phil Glass, y para los que son tocados por las fantasías de Erik Satie; como a aquellos que son los más fervientes admiradores de la música diatónica de Arvo Pärt. Para cualquier persona encendido por Gabriel Fauré o definitivamente seducido por las elegías de Robert Wyatt,
https://icidailleurs.bandcamp.com/album/de-anima

1. Pavane
2. Petite Ouverture
3. Allemande
4. Triptyque
5. ElG
6. Pendule (L'instant Le Plus Serein Est Marque Par Une Ombre)
7. Gaillarde
8. Duo (Pour Violon Et Piano)
9. Intermede (Pour Piano, Bois Et Cordes)
10. Libera Me
11. Figures
12. De Anima
13. Salve Regina
14. Ornamento
15. Final (Adagietto Pour Violon Et Cordes)

Christian Buehner & Helge Schroeder - Nightflight (1987)

"Nightflight", donde nos encontramos una música acorde con el mundo de ensoñación y fantasía de las portadas de los discos del sello (todos ellos collages de Ken Knutson creados en 1984 bajo la dirección de James Wanless, para las cartas del Tarot Voyager), en un estilo muy místico, relajante, claramente new age, pero también aventurero y rítmico. El tema más destacado del trabajo es el primero, titulado "Sun dance", una animada y a la vez tranquila composición cíclica de más de trece minutos de duración, de suave sonido aflautado dominado por los teclados (en el folleto del disco se define como 'una sinfonía de luz y sonido en el cielo infinito'). De parecido tratamiento es la mitad del disco ("Icarus", "Deja vu"), para reflejar en el resto de los cortes unas intenciones más meditativas ("Om" -definida como 'canción de amor de nuestro planeta llamando a otro planeta', con sugerentes voces y arrullos de agua sobre mantos de teclados-, "Nightflight, "Light moon").
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2009/02/christian-buehner-helge-schroeder.html

Genre: Electronic
Style: New Age, Ambient
 

1 Sun Dance     13:40
2 Icarus     11:40
3 Om     7:35
4 Deja Vu     8:05
5 Nightflight     16:48
6 Light Moon     8:02

Various Artists - Celtic Soul (2000)

Kim Robertson comienza esta compilación con una pieza oscura y conmovedora para arpa y voz, "The Labyrinth Waltz", una versión: encantadora con un toque de tristeza en exclusiva para el álbum Celtic Soul, William Coulter sigue con su papel decisivo en la guitarra acústica melancólica, otros artistas destacados en este disco incluyen el canto gaélico de Aoife Ni Fhearraigh con el fantastico tema Seacht Suailci Na Maighdine Muire y Karen Matheson con Mi Le M'uilinn Air Mo Ghuin, el gentil de John Whelan con Alterio's Waltz y Orion un genial grupo con la Letanía "The Butterfly", Esta colección presenta algunos músicos desconocidos, difíciles de encontrar en las discograficas y Narada los pone a disposición para que todos los disfrutemos.
Un excelente álbum para los momentos de tranquilidad.

1. The Labyrinth Waltz - Kim Robertson

2. Si Bheag, Si Mhor - William Coulter

3. Douce Mousitomanie - Orion

4. Seacht Suailci Na Maighdine Muire - Aoife Ni Fhearraigh

5. Alterio's Waltz - John Whelan

6. Mi Le M'uilinn Air Mo Ghuin - Karen Matheson

7. Carolan's Quarrel With The Landlady - Kirk Elliott

8. The Boy In The Gap - Pat Kilbride

9. The Butterfly - Orion

10. From The Heart - John Whelan

VA - Celtic Voices. Women of Song (1995)

El título de este cd Celtic Voices. Women of Song es perfecto, la voz humana es uno de los instrumentos más complejos y hermosos. Este cd demuestra claramente los impresionantes talentos de estas cuatro mujeres. Es un álbum maravilloso para los amantes de la música celta, y también para aquellos que son nuevos en la música celta.

 Mary McLaughlin, Connie Dover, Maireid Sulllivan y Emma Christian ofrecen una mezcla de composiciones folclóricas tradicionales y contemporáneas. Esta compilación de 14 pistas se mueve suavemente a través de un paisaje sonoro fascinante con el estado de ánimo y la emoción de cada intérprete dejando su propia marca en el oyente. Hay temas inquietantes y profundamente místicos como Sealwoman-Yundah de Mary McLauglin, el festivo In Aimsir Bhaint an Fhéir de Connie Dover, la nostálgica y romántica She Moved Through the Fair una canción que ha sido grabada por muchos artistas, pero nunca más bella que Maireid Sullivan, Una de mis favoritas Siúil Rúin una bellisima cancion tradicional  cantada por Connie Dover, Concluyendo con la agridulce The Goodnight Song de Emma Christian.


01. Mary McLaughlin - Sealwoman|Yundah [00:04:20]
02. Mary McLaughlin - Bring the Peace [00:04:51]
03. Mary McLaughlin - You Saw His Eyes [00:05:01]
04. Connie Dover - Cantus [00:06:14]
05. Connie Dover - The Wishing Well [00:03:08]
06. Connie Dover - In Aimsir Bhaint an Fhéir [00:02:47]
07. Connie Dover - Siúil Rúin [00:04:30]
08. Maireid Sullivan - Colour Me [00:04:55]
09. Maireid Sullivan - She Moved Through the Fair [00:04:56]
10. Maireid Sullivan - Waly Waly [00:04:47]
11. Emma Christian - Little Red Bird [00:01:48]
12. Emma Christian - Birth in Bethlehem [00:05:13]
13. Emma Christian - O Kirree, Thou Wilt Leave Me [00:01:22]
14. Emma Christian - The Goodnight Song [00:01:32]

Pink Floyd - More Furious Madness From The Massed Gadgets Of Auximenes (1971)

Estamos en el año 1969 en plena era psicodélica, Pink Floyd decidieron hacer un show en vivo llamado More Furious Madness From The Massed Gadgets Of Auximenes. En él, el cuarteto improvisaba temas de sus primeros álbumes, The Piper at the Gates of Dawn, Saucerful of Secrets y More además de avanzar algunas canciones que después formarían parte del disco Ummagumma.
Dado el caracter innovador de Pink Floyd, el show no solo consistía en tocar música, era todo un espectáculo de luz y sonido con performances por en medio, por ejemplo, construían una mesa con sierras y martillos y luego se tomaban el té en ella.
El concierto del 17 de septiembre en el Concertgebouw de Ámsterdam es el más pirateado de la gira, ya que fue transmitido por la emisora de radio VPRO. Los planes para un lanzamiento del álbum oficial en vivo con el nombre de The Man and the Journey fueron considerados, pero se abandonó debido al lanzamiento inminente de Ummagumma.
Fuente Wikipedia



Tracks 1-12 Live at Concertgebouw, Amsterdam, Netherlands - 17 September 1969
"The Man" - Suite
1 Daybreak (Part One)        
2 Afternoon        
3 Doing It        
4 Sleep        
5 Nightmare / Daybreak (Part Two)
        
"The Journey" - Suite
6 The Beginning        
7 Beset By Creatures Of The Deep        
8 The Narrow Way        
9 The Pink Jungle        
10 Labyrinth Of Auximenes        
11 Behold The Temple Of The Light        
12 Celestial Voices
        
Additional Tracks
13 Flaming (U.S. 7" Version)        
14 Astronomy Domine (Alternate Take)        
15 Sunshine (Unreleased)        
16 Silas Lane (Outtake)        
17 Money (1971 Demo Version)

Geinoh Yamashirogumi- Gaia (1990)

Geinoh Yamashirogumi es un colectivo musical fundado en 1974 por Shoji Yamashiro (Tsutomu Ôhashi) que alberga en su seno a unos doscientos miembros provenientes de campos profesionales muy diversos: ingenieros, médicos, periodistas, antropólogos, etcétera. Su forma de trabajar, y su bizarría en general, recuerda a alguna de las comunas hippies formadas tras la Segunda Guerra Mundial en países como Alemania o Japón. Su obra más conocida, sin lugar a dudas, es la estupendísima banda sonora de Akira, el anime post-apocalíptico par excelencia, que realizaron ya en 1987. Los sonidos coloristas y percusivos del gamelan, los cantos budistas shohmyoh y las voces de pesadilla, electrónicamente manipuladas, se unían a un trasfondo y una producción de sonido hightech, creando un potaje la mar de sabroso.




Geinoh Yamashirogumi es conocido tanto por sus fieles recreaciones de la música popular de todo el mundo, así como su fusión de varios estilos musicales tradicionales con instrumentación moderna y sintetizadores. Por ejemplo, en la década de 1980, los sintetizadores digitales MIDI no podían manejar los sistemas de afinación de la música gamelan tradicional, por lo que el grupo tuvo que aprender a programar con el fin de modificar su equipo. El álbum que siguió, Ecophony Rinne (1986) era una nueva dirección para el grupo: no habían incorporado previamente sonidos generados por ordenador en su trabajo. El éxito de este álbum los trajo a la atención de Katsuhiro Otomo, quien los encargó de crear la banda sonora de Akira. La banda sonora se basa en el concepto de los temas recurrentes o "módulos". Texturalmente, la banda sonora es una mezcla de sintetizadores digitales (Roland D-50, etc), la percusión de Indonesia cromática (jegog, etc.), la música teatral y espiritual tradicional japonesa (Noh), clásica europea, y el rock progresivo.
Geinoh Yamashirogumi ha reproducido más de ochenta diferentes estilos de música y actuaciones de todo el mundo tradicional, pero a pesar de haber realizado a nivel internacional con un alto grado de reconocimiento de la crítica, siguen siendo relativamente desconocido.
Se ha escrito que Yamashiro se inspiró en un grupo de la posguerra en 1950  de caracteres similares que vivían como una comuna.




En 1990, Yamashirogumi crea la música para la Exposición en el jardín internacional del año y Vegetación  en Osaka. Este proyecto se convirtió en el próximo disco Ecophony Gaia de Geinoh Yamashirogumi. Una macrosinfonia de 70 minutos, Gaia es un homenaje a los ecosistemas de la Tierra. Rastreando el tradicional mito de la creación griega, Gaia nace del caos, un gran vacío del vacío dentro del universo.

Una mezcla de sonidos utilizados en Rinne y AKIRA, así como grabaciones de campo y la música electrónica sutil, Gaia es misterioso e inquietante, con la producción y el sentido del espacio virtual impresionante. Historial extenso de la Tierra es transportado, culminando en la armonía última del hombre con la naturaleza.

1 Chaos     13:58
2 Genesis     11:03
3 Euphony     17:29
4 Catastrophe     8:33
5 Disco     8:39
6 Gaia     10:53

Glen Velez - Ramana (1991)

Glen Vélez, nacido en 1949 en Texas, de origen mexicano, es un percusionista, cantante, musicólogo y compositor estadounidense, especializado en músicas del mundo y new age.
Se trasladó a Nueva York en 1967 o 1968. Comenzó tocando jazz con la batería pero pronto gravitó hacia las percusiones, especialmente las percusiones de tradiciones étnicas. Entre ellas, Vélez se especializó en el bodhrán irlandés, el pandeiro brasileño, el riq de Arabia, el bendir norteafricano, y el ghaval de Azerbaiyán. Vélez estudió cada instrumento en su formato tradicional, pero ha desarrollado también su propio vocabulario trans-cultural, mezclando y adaptando técnicas de varias culturas y desarrollando otras nuevas. Toca también instrumentos como la maraca y los tambores metálicos de las Antillas.

Vélez formó parte, durante muchos años, del Paul Winter Consort y de las distintas formaciones de Steve Reich. Ha trabajado también con Layne Redmond, Howard Levy, Steve Gorn, Rabih Abou-Khalil, Mark Nauseef o Malcolm Dalglish.

On Ramana, Velez asserts his mastery over global percussion spanning from frame drums to mbira to steel drums; joined by guests including drummers Layne Redmond and Jan Hagiwara, he creates music which is powerfully rhythmic and uniquely affecting.

1. Second Wind
2. Ramana
3. Interlude
4. Elemental Triad
5. Hidden Oasis
6. Kavkaz
7. First Light
8. Kinetic Oracle

Garmarna - Hildegard von Bingen (2001)

Garmarna es el nombre de un grupo de música folk sueco.

Sus inicios se remontan a 1990, cuando tres adolescentes de Sundsvall, Gotte Ringqvist, Stefan Brisland-Ferner y Rickard Westman, decidieron montar una banda tras quedar impresionados por el montaje musical de la obra "[Hamlet]".

Dos años más tarde, habían conseguido cierta popularidad local y decidieron probar suerte en el festival de música folk de Umeå (donde volverían a partircipar nuevamente varios años después). Consiguieron llamar la atención de un reportero radiofónico que les invitó al festival de Hultsfred.

Con motivo de su participación en este festival de música rock, se unió al grupo el batería Jens Höglin. En la noche de agosto de su actuación, consiguieron atraer no sólo la atención de la que sería más tarde su vocalista Emma Härdelin, sino también de Mats Hammerman, presidente de la discográfica Massproduktion, que les ofreció un contrato el mismo día.

Su primer disco fue publicado a principios de 1993, y se tituló "Garmarna". Recibió buenas críticas, por lo que se realizó una gira por todo el país. A finales de ese mismo año se comenzó a trabajar en un nuevo disco, que sería publicado el 18 de abril de 1994 bajo el título "Vittrad". Dicho álbum supuso un nuevo éxito, lo que les permitió continuar con su gira por toda Suecia e, incluso, por Alemania.

Drew Miller (bajista estadounidense del grupo Boiled In Lean) se hace con una copia de dicho álbum durante el verano de 1994 y decide publicarlo en su país, así como en Canadá. Dicho disco (cuya versión en inglés fue "Crumbling Away") supuso el primer viaje de la banda a los Estados Unidos en marzo de 1995, para luego continuar con su gira por Finlandia, Alemania y Noruega.

El éxito de la banda es tal, que la productora Massproduktion proyecta la publicación del disco en Alemania, Austria, Suiza, los países del Benelux y algunos estados asiáticos.

Tras su gira alemana, se publica "Guds Spelemän" a finales del mes de febrero de 1996. Recibió nuevamente unas críticas inmejorables, y más tarde recibiría el Premio Al Mejor Álbum de Música Folk. Su versión en inglés, "Fiddlers of God" se publicaría en varios países europeos, así como Taiwán, Corea del Sur y Japón.

Al año siguiente, la banda participó en el Melodifestivalen 1997 con un tema compuesto por Mats Wester y Py Bäckman. Su participación fue cuestionada, debido al carácter comercial de este festival nacional, pero la banda supo presentar su canción ("En gång ska han gråta") con su toque especial.



El año 1998 se caracterizó por la elaboración de un nuevo álbum que, tras su tour estival, se retrasaría hasta el 5 de marzo de 1999 bajo el nombre de "Vedergällningen"

En 2001 participaron en un álbum con versiones del legendario grupo punk-reggae Rasta Junden con el tema "Rastlös" y comenzaron a trabajar en su nuevo trabajo, "Hildegard von Bingen". Publicado a finales de abril, recibió nuevamente alabanzas por parte de críticos musicales suecos y del resto del continente.

Al año siguiente, realizaron una gira por toda Europa, Estados Unidos y Japón. En 2003, celebrando su décimo aniversario, comienzan a trabajar en un nuevo trabajo musical. Paralelamente, Emma, la solista del grupo, afianza su carrera en solitario con la publicación de varios trabajos con su propio grupo, más orientado al Folk tradicional y con más presencia de su voz. Dicho grupo se denomina Triakel. Cuyo primer disco ve la luz en el año 2002.

 http://es.wikipedia.org/wiki/Garmarna



Emma Hardelin (vocals, violin)
Rick Westman (guitar, E-bow)
Gotte Ringqvist (guitar)
Stefan Brisland-Ferner (hurdy-gurdy, strings, programming)
Jens Hoglin (percussion)

1. Euchari

2. Viridissima Virga

3. Salvatoris

4. O Frondens Virga

5. Unde Quocompque

6. O Vis Aeternitatis

7. Virga Ac Diadema

8. Paso

9. Kyrie

Solas - Sunny Spells & Scattered Showers (1997)

Segundo álbum de Solas (en gaélico, Luz). Se trata de un trabajo admirable, a la altura cuanto menos del primer álbum del grupo, y a partir del cual, quizá por la salida de varios miembros, la banda pierde visiblemente la esencia de estos primeros trabajos. En este álbum todavía se vierten unas dosis de entusiasmo, vitalidad y alegría inigualables, combinados con virtuosismo musical y con arreglos originales que para nada pierden sus raíces con el folk irlandés (o celta, o como os dé la gana llamarlo). Sunny Spells and Scattered Showers sigue un patrón similar al del primer álbum del grupo, con una mayoría de piezas instrumentales tradicionales, y con seis de los trece cortes presentando la magnífica voz de Karan Casey.



1. The Wind That Shakes The Barley
2. The Big Reel Of Ballynacally/The High Hill/Flash Away The Pressing Gang
3. Aililiú Na Gamhna
4. Tom Busby's/James O'Byrne's/The Four Posts Of The Bed
5. Paddy Taylor's/McFadden's Handsome Daughter/The Narrowback/Franks Reel/Esther's Reel
6. The Unquiet Grave
7. The Maid On The Shore
8. Song Of The Kelpie
9. Mom's Jig/Bill Nicholson's 67th
10. The Primrose Lass/Molly From Longford/The Four Kisses
11. Vanished Like The Snow
12. The Kilnamona Barndance/Give The Girl Her Fourpence/My Maryanne
13. Adieu Lovely Nancy

Lai Muang - The Spirit Of Lanna (2008)

The Spirit of Lanna
Music from the North of Thailand

La música tradicional del norte de Tailandia ha sido fuertemente influenciada por la civilización Lanna, que dominaban la zona desde el siglo 11 hasta el siglo 18. Hoy en día, los grupos tradicionales del norte llamados "Salaw Saw Serng 'utilizan basicamente tres instrumentos el Salaw, el Pisaw y el Serng  para acompañar las canciones folclóricas locales.

El Salaw es un instrumento de cuerda frotada, similar a los que se tocaban en el centro de Tailandia. Esta más bien toscamente construido y no tiene el refinamiento de otros instrumentos de cuerda. El Saw o Pisaw es un instrumento de viento tocadó con la boca. El Serng es un instrumento de cuatro cuerdas, prácticamente idéntica a la guitarra o el banjo.


Otro instrumento de cuerda único de la región es el Pinn pia que crea un sonido maravillosamente suave. El Pinn pia, es un antiguo instrumento de la cultura Lanna, se suele tocar en solitario ya que su melodía no puede competir con otros instrumentos en el volumen. El Pinn pia es muy difícil de tocar y los que pueden dominar el instrumento se tenían en gran estima.

Los hombres del norte de Tailandia en los viejos tiempos utilizaban el Phin Pia para pasear por sus pueblos y cortejar a las jovenes. Sin embargo, el Gobierno prohibió la tarde de juego de la Pia Phin desde hace varias décadas debido a que los musicos a menudo se peleaban por las chicas y usaban la Phin Pia como armas. El resultado fué la disminución de la popularidad de la Phin Pia, quedando menos de diez musicos en las provincias altas del norte del país hasta que este instrumento popular ha sido ampliamente revivido en los últimos años por muchas instituciones educativas. La Phin Pia se toca generalmente en las ocho provincias de Lanna tailandés (Tailandia extremo norte) y por lo general tiene 1,2,3,4,5 y 7 cuerdas. En Lampang el de 4 cuerdas es ampliamente utilizado, mientras que en Chiang Mai "Phin Pia", los musicos prefieren ya sea el 2 o 3 versiones de cuerdas.

La música tailandésa es a menudo considerada como de difícil acceso para los inexpertos, y sobre todo para los oídos occidentales. Las técnicas de grabación y las mezcla que se aplican en este álbum se concentran en hacer música tailandesa de facil escucha para los oidos occidentales, una magnifica experiencia musical donde el enfoque junto con la elegida variedad de estilos clásico y tradicional del norte de tailandia hacen que más personas puedan
disfrutar de la belleza de este arte.




Performed by the Lai Muang Ensemble
Somboon Kawichai (Kru Boy): Peejum, Salaw, Pin Pia
Wiboon Fangngueng: Sueng, Percussion, Vocals
Samai Sathatha: Salaw, Peejum, Percussion
Thewin Thatum: Percussion
Prakorn Siriprasert: Peejum, Klui, Salaw
Nattawut Butta: Sueng, Percussion
Niwat Saenpichai: Percussion
Recorded at Studio THomasso, Chiangmai, Thailand


01. Chiang Saen Luang
02. Long Mae Ping
03. Khang Khao Kin Kluay / Khamen Lai Kwai
04. Por Khru
05. Pee Mot
06. Mon Lampang
07. Tang Chiangmai
08. Lao Duang Duen
09. Kulap Chiangmai
10. Low Peejum Solo
11. Khamu Kin Nam Maprao
12. Subpin
13. Muan Chai
14. Soi Wiang Phing
15. Tai
16. Thawin Ha

Gjallarhorn - Rimfaxe (2006)

El titulo de este álbum es el caballo mágico que aparece con frecuencia en la mitología nórdica. Aunque este es el disco más ambiental del grupo, un álbum moderno rítmico y variado, sin embargo, permanece profundamente arraigado en la tradición vocal nórdica. Los miembros de Gjallarhorn son capaces de crear paisajes sonoros sorprendentes.
Después de haber celebrado su décimo aniversario en 2005, Gjallarhorn introdujo un nuevo miembro, El músico sueco Göran Månsson se ha unido al grupo con su instrumento especial sub-contrabajo grabado. Este nuevo instrumento drone sustituye la antigua marca de Gjallarhorn, el didgeridoo, soplado por Tommy Mansikka-aho desde 1996 a 2004. Aparte de la grabadora sub-contrabajo, Månsson usa grabadores más pequeños, así como flautas tradicionales.

La vocalista Jenny Wilhelms dice que la grabadora se adapta mejor al sonido actual de Gjallarhorn. "El desarrollo de nuestra música nos llevó a la dirección más solistica, en el que cada miembro tiene mayor papel melódicamente y rítmicamente. Queríamos mantener el bajo el típico zumbido Gjallarhorn, y el sub-contrabajo encaja ofreciendo líneas de bajo más sutiles . Además de eso, tenemos más margen para la variación de sonido con la flauta travesera y otras flautas de madera".

Jenny Wilhelms es el único miembro original de los primeros Gjallarhorn, ella se inició en la realización de baladas tradicionales de la minoría de habla sueca de Finlandia, y que más recientemente se ha convertido en un crisol de músicas del mundo de las influencias de todos los nórdicos. Gjallarhorn cuenta también con Adrian Jones, viola y mandola, y Petter Berndalen, percusión. Martin Kantola es diseñador de sonido del grupo.


Jenny Willhelms / vocals, violin and hardanger fiddle
Adrian Jones / viola, mandola, vocals and kalimba
Petter Berndalen / percussion and kaliba
Göran Månsson / flutes and recorders



01. Rimfaxe (Rimemane) (4:00)
02. Kokkovirsi (Bonfire Song) (3:28)
03. Systrarna (The Sisters) (6:11)
04. Blacken (Grey) (6:25)
05. Hymn (Hymn) (6:59)
06. Sylvklar (Silverbright) (5:04)
07. Norafjelds (Mountain Poem) (6:56)
08. iVall (@Ley) (4:46)
09. Taklax 1037 (2:59)
10. Taklax 1034 (3:36)
11. Staffan (Stephen) (4:48)
12. Graning (Dawn) (3:38)

Jean-Philippe Goude - Rock de Chambre (2001)

La singularidad de L'Ensemble Jean-Philippe Goude es una unión mágica donde un quinteto de cuerdas, piano, onda Martenon, mandolina, instrumentos de viento y algunas voces celestiales, componen un universo cinematográfico como una película que proyecta sueños, dudas, los estados de ánimo de la noche, y la perspectiva para dibujar  un camino que es nuestro. Aquí está una obra majestuosa, profunda en la que es imposible perderse. Se habla tanto a los fans de la música barroca como a aquellas almas movidas por el minimalismo de Moondog y Philip Glass, y para los que son tocados por las fantasías de Erik Satie; como a aquellos que son los más fervientes admiradores de la música diatónica de Arvo Pärt. Para cualquier persona encendido por Gabriel Fauré o definitivamente seducido por las elegías de Robert Wyatt.

Rock de Chambre es un testimonio de su gusto por las combinaciones, como la reunión de una orquesta de cámara y un baterista de rock vinculado a King Crimson; el álbum en el que el legado pop de la música, la pasión de la energía y el ritmo asumen un contraste especial.

Ahí está el secreto. En la nostalgia de la época barroca (con todas las conexiones sutiles con el canto y la danza) y el futurismo de la música que no rechaza ni a Mahler ni David Sylvian, ni Ravel ni Penguin Cafe Orchestra. Una especie de nueva era de la música erudita que equilibra en una cuerda floja celebrada por un lado por los herederos de Lully y por el otro por los fans de Sufjan Stevens. una Mezcla curiosa.



1. Picnic Music
2. Vies Actives Vie Fictive
3. Rock De Chambre
4. Immer Wieder
5. La Derniere Marche
6. La Ligne Claire
7. Lieber Hans
8. Fonquitude
9. L'entrain M'egoisse
10. A Penguin's Tribute
11. Pensee Inique
12. Soliloque

Michael Manring - Toward The Center Of The Night (1989)

En muchos aspectos, “Toward the Center of the Night” es una prolongación del que fue el primer disco en solitario de Michael Manring, “Unusual Weather”. A pesar de los tres años transcurridos entre uno y otro trabajo, en términos sonoros y también compositivos cualquiera de los temas del segundo disco podría haber formado parte perfectamente del primero. Hay, sin embargo, algo que diferencia mucho ambos trabajos. Una diferencia sutil, muy difícil de expresar con palabras pero que sitúa al segundo de ellos un escalón por encima del anterior en casi todos los sentidos.

Leer reseña de Mike Shooter en:
http://vozdelosvientos.blogspot.com.es/2015/06/michael-manring-toward-center-of-night.html

Drums - Coco Roussel
Guitar - Michaël Manring
Keyboards - Michaël Manring
Percussion - Michaël Manring
Piano - Michaël Manring
Vocals - Jane Scolieri , Michaël Manring
Woodwind - Paul McCandless



 

01. Life in the Trees (4:40)
02. A Way With Birds (2:42)
03. Geometry (3:03)
04. Near (4:05)
05. Cats Go Forward (3:39)
06. Blue Orleans (3:40)
07. Renegade Intellectuals (3:58)
08. The Moving Darkness (2:18)
09. Magnets (3:20)
10. Far (1:35)
11. The Precise Moment of Dusk (5:50)
12. A Brief History of the Wind (4:07)
13. Funk and Disorderly (2:39)

Omar Sosa - Sentir (2002)

Omar Sosa (Camagüey-Cuba- 1965) muestra en instrumentación intenciones de palabra. Palabras que nos hablan de culturas y religiones comunes a pesar de la distancia (geográfica). Similitudes entre tradiciones sacras y profanas de pueblos como el cubano o el marroquí. Y es que el ser humano, aunque nos empeñemos en lo contrario, es el mismo sea marroquí, venezolano, cubano o estadounidense. Las mismas preocupaciones y ocupaciones  envueltas en papeles de culturas con diferente color. Y en cuestión de religiones se llame Dios, Alá o Buda el fondo y la forma tiende a ser el mismo. El nombre cambia, como cambia la lengua en la que nos expresamos.

Los once músicos de "Sentir" representan en DNI a Cuba, Venezuela, Marruecos, Puerto Rico y Estados Unidos. La complejidad que pudiera suponer la conjunción de procedencias tan diversas se supera en palabras de Omar Sosa por la ya mencionada similitud de las manifestaciones culturales determinadas por un origen común: "Madre África".
El trabajo emana un profundo respeto espiritual reflejado en unas composiciones de gran calado emocional. Composiciones en las que las percusiones marcan el ritmo de un disco con gran diversidad de matices. Las voces son las representaciones más evidentes de la cultura originaria. Los instrumentos intercambian ritmos con culturas aparentemente ajenas para confirmar la filosofía común  en la que insiste Omar Sosa.

El piano tremendamente jazzístico de Omar Sosa se encarga del colchón atmosférico en gran parte de un trabajo en el que también muestra su faceta percusiva (no olvidar que comenzó estudios como percusionista) y vocal. Los arreglos permiten conjugar gran cantidad de elementos de manera simultánea sin llegar a la saturación y sí a un perfecto equilibrio entre las diversas estéticas que maneja Sosa.
Un ejercicio de gran complejidad llevado al éxito (entiéndase esta palabra en su connotación positiva y no a la manera del uso actual de la misma) por parte de Omar Sosa. Un trabajo ciértamente recomendable para quienes estén dispuestos a sentir la música desde la emoción y la creatividad. Y créanme, engancha.

Carlos Pérez Cruz
http://www.elclubdejazz.com/discos/sosa_omar_sentir.html

Omar Sosa (piano, percusiones y voz)
Gustavo Ovalles (percusiones y voz)
Martha Galarraga (voz y percusión)
El Houssaine Kili (guembri, qarqabas, tan-tan y voz)
Mulay M´Hamed Enneji Fakijan (guembri, darbukkah...)
John Santos (percusiones y voz)
Yassir Chadly (guembri y palmas)
Bouchaib Abdelhadi (oud, violín marroquí...)
Terence Nicholson "Sub Z" (poesía rapera y palmas)
Randy Rood (didgeridoo)
Justo Soler (voz)



Opening for Elegguá
Sucesión en blanco
Rojo changó
Manto blanco
Toridanzón
Azul yemayá
Oda al negro
Sister in yellow
Cielo y mar azules
Tres notas en amarillo
Rojo y negro
Eggun
Sentir

David Arkenstone with Andrew White - Island (1989)

David Arkenstone inició su carrera explorando en las nuevas tecnologías, adquiriendo gran habilidad en la construcción de sonoridades electrónicas mediante la combinación de teclados y ordenadores; eso sí, nunca se ha descuidado de complementar estas composiciones con maravillosos instrumentos de corte clásico, como arpas, guitarras, violonchelos, etc. Su segunda línea básica tiende, sin desligarse por completo del toque electrónico, hacia modelos más étnicos que obtiene mediante eficaces fusiones de músicas del mundo. En cuanto a la calidad de sus discos, suele ser alta, salvo tropiezos en los que se notan intenciones comerciales (incluidas canciones pop). Algunas de sus obras más destacables son Valley in the Clouds, Citizen of Time, Island, y la magnifica trilogia In the Wake of the Wind, Quest of the Dream Warrior y Return of the Guardians.
Fuente:Web

Reseña de mi amigo Neto en su blog Musikenigmatik
 http://musikenigmatik13.blogspot.com.es/2013/09/island-road-david-arkenstone-with.html
Después de "Valley in the Clouds", David Arkenstone junto con Andrew White se concentran en crear un sonido eclèctico introduciendo instrumental acustico y electrònico para poder describir un ambiente natural. El sonido de "Isla" logra ser uno de los más  exquisitos dentro de la música New Age y su vertiente más conocida que se a inspirado tanto en grandes paisajes reales o imaginarios. Andrew White es bien conocido por su trabajo con la guitarra celta, aunque no es tan evidente en este álbum. El CD es pura alegría de principio a fin. La música lleva un sentido de la aventura y la posibilidad de recorrerla con la imaginación.




     * David Arkenstone – keyboards, grand piano, guitar, flute, pennywhistle
    * Andrew White – acoustic guitar, bass on "Along the Shoreline," keyboards
    * Daniel Chase – drums, percussion
    * Bruce Bowers – violin
    * Roger Fiets – bass, fretless bass
    * John Seydewitz – percussion
    * Jay Leslie – flute, soprano saxophone
    * Nancy Rumbel – oboe, English horn


Tracklist:
1. Nantucket
2. Ballet
3. The Island Road
4. Desert Ride
5. Along The Shoreline
6. Caravan
7. Hindu Holiday
8. Passage
9. Nullarbor
10. The Palace
11. Carnation Lily Lily Rose

Bruno Coulais - A filetta (2002)

A Filetta fue fundado en 1978 por Michel Frassati en Balagne (Córcega) y, a sus treinta y seis años de existencia, cuenta con diecisiete discos publicados entre los que se encuentran Pe’ a scusa, Di Corsica Riposu, Requiem Pour Deux Regards, Intantu, Passione, A u visu di tanti, Ab eternu, , Medea, Bracanà,  Místico Mediterráneo y Una tarra ci he.

Integrada por Jean-Claude Acquaviva, Jean-Luc Geronimi, Paul Giansily, Jean Sicurani, Ceccè Acquaviva y Maxime Vuillamier, el objetivo primordial de esta agrupación es contribuir a salvaguardar un patrimonio oral de Córcega, en vías de extinción, propósito que cumple a través registros discográficos y la difusión de la  tradición oral de la isla, en los principales festivales y escenarios del mundo. Se le reconoce también por su exploración de otros espacios del canto polifónico, en otros países y latitudes, especialmente, a través de la creación de obras contemporáneas.

Hoy en día, las polifonías corsas son reconocidos en todo el mundo, Esto es gracias a pioneros como A Filetta. Nacidos en Balagne en 1978 de una pasión por el canto y el folclore, la banda está profundamente arraigada en la tierra de su origen, como el helecho local desde el que recibe su nombre.
Su repertorio ilustra el recorrido artístico de la banda: los himnos sagrados y profanos heredados de la tradición, así como canciones originales. Estos son todos los testigos de una cultura dinámica que se niega a permanecer cristalizada en su pasado.
La banda sabe cómo revivir y compartir este arte difícil pero magnífico para los que tienen la llave. Sus voces son desconcertantes y únicas. Sus miradas revelan un vínculo fuerte y un amor por su isla y por su público.
La reunión con Bruno Coulais fue un punto de inflexión, un momento decisivo en la vida del grupo.
Los cantantes hablan libremente de este compositor como un hermano mayor a quien les gusta trabajar con el porque su música es audaz, generosa e inspira respeto.
Bruno Coulais: "Para mí A Filetta es un grupo que se encuentra a la distancia óptima entre la costumbre y la contemporáneidad, a la distancia óptima entre la innovación y la tradición, a la distancia óptima entre ser fiel a las propias raíces y estar abierto al mundo que los rodea".
http://www.afiletta.com/
https://www.facebook.com/afiletta.officiel

Suzanne Ciani - Neverland (1988)

"Neverland", lanzado en 1988, fue su primer álbum con Private Music y supuso un paso adelante en las intenciones estilísticas de esta teclista, ya que plantea y rememora otro tipo de sentimientos más allá de la pura ambientalidad que imperaba en "The velocity of love" (que con la excepción de la genial composición homónima, dejaba toda la responsabilidad de su sonido a la tecnología). Aunque 'Neverland' sea el nombre original del 'País de nunca jamás' de "Peter Pan", nada en los títulos del álbum recuerda a dicha obra (sí quizás su estilo delicado, evocativo de la infancia), de hecho Suzanne explica que la música para esta grabación surgió en los Países Bajos, un día que la artista daba un paseo a caballo. El paseo acabó convirtiéndose en una nominación para los premios grammy en la categoría new age.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2012/03/suzanne-ciani-neverland.html


1. Neverland
2. Tuscany
3. Mosaic
4. Aegean Wave
5. Summer's Day
6. Life In The Moonlight
7. When Love Dies
8. Adagio
9. Mother's Song
10.Lumiere

Savina Yannatou & Primavera en Salonico - Songs Of The Mediterranean (1998)

Savina Yannatou decidió grabar un álbum que celebra las tradiciones populares del Mediterráneo, la búsqueda de profesores de idiomas para los dialectos locales oscuros no era un problema. Ella alistó inmigrantes en su Atenas natal para entrenar a su pronunciación en las 14 lenguas y dialectos cantados en su álbum de 1998 Canciones del Mediterraneo, que recoge baladas, himnos y danzas de todo el Mediterráneo, una encrucijada musical global desde el segundo milenio antes de Cristo.

Desde 1986, Yannatou se ha centrado en la interpretación de canciones populares sefardíes (judíos o ladinos españoles), y la tradición musical de los Judios de Europa del Sur. Dado que muchas de las canciones de Mediterraneo tienen raíces en la música más tradicional, Para captar el fraseo y la entonación que era apropiada para las canciones populares, estudió las grabaciones legendarias de la cantante griega Rosa Eskenazi y varios cantantes persas. Yannatou es exigente en lo musical, un control vocal consumado, y la calidad emocional de ella le permiten variar fácilmente a través de los repertorios populares de España, Provenza, Córcega, Italia, Cerdeña, Túnez, Albania, Grecia, Chipre, Turquía, Líbano, Tierra Santa, y la diáspora sefardí.

Para capturar más del evocador encuentro entre Oriente y Occidente en la textura del sonido, alistó a Primavera en Salonico, un conjunto ampliamente aclamado que mezcla timbres clásicos occidentales con instrumentos tradicionales que se encuentran ampliamente en el Levante, incluyendo el ney (flauta rim-soplada), oud (laúd de cuello corto), kanonaki (salterio), y la percusión oriental del norte de África-Oriental.

Los arreglos del compositor griego Kostas Vomvolos, con quien Yannatou trabajó en su álbum de 1994, Spring in Salónica, de vez en cuando sintetizan los modismos populares, como en "Kelaidhis", una fusión de canciones de Túnez y grecia. En otros, Yannatou canta una cancion tradicional sencilla, como en "Yad Anuga," una melodía inquietante de los beduinos; "Lama Bada Yatathana", es una canción de amor árabe-andalusi de Túnez; la interacción vocal-instrumentales de la melodía popular italiana "Pinguli Pinguli Giuvacchinu / Lu Purtuni"; y la melancólica "Geçmis Güzel Gúnerli", una canción turca de amor no correspondido.






01. Giati Pouli Den Kelaidis (Bird, Why Don't You Song) (Greece)
02. Ti Ne Koder, Un Ne Koder (Albania)
03. Lu Purtuni - Pinguli Pinguli Giuvacchinu (Italy)
04. Nuoresa (Sardinia)
05. Ballo Sardo (Sardinia)
06. Yad Anuga (Israel)
07. Lama Bada Yatathana (Arab - Andalusian)
08. Schubho Lhaw Qolo (Lebanon)
09. To Giasemi (Jasmin) (Cyprus)
10. To Smirnaiiko Minore (Minor Song From Smyrnae) (Greece)
11. Gecmis Guzel Gunleri (Turkey)
12. Mera Merose (The Morning Came) (Greece)
13. Y Una Madre (Ladino)
14. Arrorro (Spain)
15. El Barquero (Spain)
16. La Finforletta (France)
17. O Onda (Corsica)
18. O Sparagmos Kai I Lipi Tis Ligeris (The Mourning A

Renaud Garcia-Fons - Entremundo (2004)

Posiblemente el contrabajista más asombroso en el mundo, Renaud García-Fons es conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo y su sonido con el arco parecido a una viola. Antiguo estudiante particular del legendario bajista sirio François Rabbath, García-Fons no sólo se encuentra bajo la inflluencia del jazz y la música clásica, sino también del flamenco, del nuevo musette, del tango, de las tradicionales celtas, Andaluzas, africanas, latinoamericanas, árabes e indias. Su arte único condujo a muchas excitantes y acertadas colaboraciones con otros músicos de mente abierta como Rabih Abou-Khalil, Michael Riessler, Dhafer Youssef, Nguyên Lê, Gérard Marais, Pedro Soler, Cheb Mami y Michel Godard.

García-Fons nació en la región parisina en 1962 en una casa artística. Siendo de origen catalán, la afinidad de García-Fons por la cultura española y oriental es comprensible. A principios de los años 80 se matriculó en el Conservatoire de la Ville de Paris, donde estudió con Jean-Pierre Logerrot. A partir de 1987 y hasta 1993 fue parte del único conjunto de bajistas francés L’Orchestre de Contrebasses antes del comienzo de su tour como solista que le condujo a la emancipación plena de su instrumento. “He desarrollado una nueva lengua para él”, dice Garcia-Fons, “parece ser en algún momento, una guitarra española por el tipo de rasgueo, luego sonando como un guembri, el bajo de los beréberes, o de nuevo puede sonar como una viola o un violín persa”.



1. Sueño Vivo
2. Crístobal
3. Entremundo
4. Mahoor
5. 40 Días
6. Entre Continentes
7. Mursiya
8. Rosario
9. Doust
10. Sareban
11. Aqâ Jân

Kitaro - Daylight Moonlight - Live in Yakushiji (2001)

Desde el cántico de los monjes Yakushiji que abre el album, es evidente que este va a ser un ofrecimiento especial de Kitaro. El álbum del legendario pionero de la World Music es un album de dos CDs registrado en más de tres tardes en el Templo sagrado Yakushiji en la antigua capital japonesa de Nara. Con plena instrumentación, Kitaro ofrece nueve composiciones favoritas de sus álbumes más tempranos, más el tema Premiado con un Globo de Oro de la película de Oliver Stone Cielo y Tierra y dos temas nuevos, Este es un viaje de fuerza para Kitaro y su conjunto. Todo el drama, la espiritualidad y la humanidad de sus temas habituales están aquí con la urgencia añadida de la grabación en vivo y el espíritu profundo de los monjes Yakushiki que aparecen en el nuevo tema "Wa" además de la pista que abre el album. Live in Yakushiji es un viaje amplio y profundo, a reinos interiores así como a destinos terrenales exóticos.

Yakushiji Temple, Nara prefecture
Yakushi-ji, one of the most famous imperial and ancient Buddhist temples in Japan, is the headquarters of the Hosso school of Japanese Buddhism.
It is part of the sites that collectively constitute the UNESCO World Heritage Site Historic Monuments of Ancient Nara.
The temple'ts name is derived from its main object of veneration, Yakushi Nyorai, also named "The Medicine Buddha", one of first Buddhist Deities to arrive in Japan from China in 680.
 
Keyboards – Keiko Takahashi, Shinji Ebihara 
Percussion – Tomoko Nomura  
Violin – Yayoi Sakiyama 
Voice [Chanting] – Yakushiji Monks 
Written-By, Arranged By, Performer – Kitaro

Disk 1
01. Monk's Introduction
02. Hajimari/Sozo
03. Caravansary
04. Silk Road
05. Magma
06. Mercury

Disk 2
01. Water of Mystery
02. Estrella
03. Koi
04. Wa
05. Free Flight
06. Heaven and Earth

Bukkene Bruse - Spel (2004)

El cuarteto de Folk tradicional Bukkene Bruse fue formado hace más de 20 años, y "Spel" representa un pico actual en la carrera del grupo. El repertorio de esta grabación en directo esta predominantemente compuesto de canciones tradicionales noruegas a las que Bukkene Bruse les a dado un profundo respeto. La estética y los arreglos hermosos no solo rinden homenaje a la tradición, sino también la aplicación de elementos contemporáneos. En muchas ocasiones anteriores Bukkene Bruse han interpretado estas viejas melodias tradicionales, pero el conjunto sigue en la gestión de infundir sangre fresca en las venas de la musica Noruega popular con la tradición de su espíritu interacción y conocimientos técnicos a lo largo de los años,

Bukkene Bruse nos acerca la espiritualidad nórdica, la placentera calma, la melancólica soledad y los arcáicos mitos de un país que se pasa días sin conocer la noche en verano y meses sin ver el sol en invierno, ellos se han fundido, y unificado en una forma de expresión integral que no es compartida por ningún otro conjunto.

    Arve Moen Bergset - vocals, violin & Hardingfele
    Annbjørg Lien - Hardingfele & nyckelharpa
    Steinar Ofsdal - flute
    Bjørn Ole Rasch - pipe organ

Vertavo String Quartet

    Øyvor Volle - violin
    Annabelle Meare - violin
    Berit Cardas - viola
    Bjørg Lewis - cello



 TRACKS
1  FOLKETONE FRA SUNNMØRE    
2  EN ENDA VILLERE VINTER    
3  SYNG I STILLE MORGONSTUNDER    

TRILOGY
4  BRUREMARSJ FRA ØSTERDALEN    
5  NORAFJØLLS    
6  STEV    
7  FANITULLEN GOES TO AMERICA    

SOLOSPEL
8  TANNLAUS/ VIL DU KOMA TIL RINDEN    
9  NYSTEV OG GAMLESTEV    
10 BØMARISLÅTTEN    
11 EIN ANNAN HALLING    
12 ST. SUNNIVA    
13 HASLEBUSKANE    
14 MARIA, HUN ER EN JOMFRU REEN    
15 MIT HJERTE ALTID VANKER

Jai Uttal - Footprints (1990)

Uttal creció en la ciudad de Nueva York y vivió en un hogar lleno de música: "Comenzó a estudiar piano clásico a la edad de siete años, y más tarde aprendió a tocar el banjo, la armónica y la guitarra. A la edad de 17, Uttal escuchó música de la India por primera vez, lo que, dijo fué que le tocó el corazón como sonidos familiares." A los 19 años, Uttal se mudó a California y estudió bajo el famoso musico de Sarod, Ali Akbar Khan. Más tarde comenzó "peregrinajes regulares a la India, viviendo entre los baul, los errantes músicos callejeros de Bengala, y cantando con los gerifaltes kirtan en el templo de su gurú, el santo muy venerado , Neem Karoli Baba". Uttal pasó tiempo con muchos seres, aprendiendo tanto las tradiciones hindúes como las budistas. Llegó a estar profundamente absorto en la práctica de kirtan, la antigua yoga del cantar, o cantando a Dios. Esta forma de oración se convirtió en el núcleo de la vida musical y espiritual de Uttal.




La música de Uttal es muy popular en la comunidad de yoga, que la describe como "hipnótica." Un crítico dijo: "Él hace un gran trabajo al explicar el propósito de cantar y kirtan."  "La práctica de llamar a la divinidad crea un puente entre el individuo y lo eterno, abriendo el corazón y dar la bienvenida al espíritu. "Uttal dice:" Estos antiguos cantos contienen un poder transformador y la energía curativa. Al cantar estas oraciones nos unimos a una corriente de conciencia y de devoción que ha estado fluyendo durante siglos. "Uttal dice," La música que crea puentes. es Música que une los corazones y las culturas. La música que trae la paz".Uttal ha llevado kirtans de todo el mundo durante más de 30 años. En una biografía se dice, "Jai Uttal ha cultivado una voz y estilos musicales que lleva al oyente al corazón de la devoción, la oración y la curación, y para un recuerdo de éxtasis de lo divino.
Wikipedia..


The debut album by Jai Uttal, featuring the soulful trumpet playing of Don Cherry, this album combines acoustic and sampled sounds from India, Turkey, Africa and the Middle East.
Jai Uttal, a sacred music composer, recording artist, multi-instrumentalist, and ecstatic vocalist, combines influences from India with influences from rock, folk, hip-hop and jazz creating a stimulating and exotic multi-cultural fusion that is truly world spirit music.

1 Footprints
2 Caravan
3 Andobar Island
4 Raghupati
5 Madzoub
6 Pahari
7 Snowview
8 Taking The Dust
9 Raghupati II
10 Bus Has Come

Anouar Brahem - Conte de L'incroyable Amour (1992)

En octubre de 1991, Anouar Brahem grabó su segundo álbum para ECM, Conte de L'incroyable Amour. Y aunque este álbum y su predecesor siguen siendo de un ambiente tradicional típico, ya se ven las distintas direcciones musicales que podría tomar nuestro maestro del oud. Anouar en su juventud no se limitaba a escuchar música árabe, no dudó en explorar otras partes de la música tradicional: desde el Mediterráneo, hasta los más remotos, en la frontera de Irán y la India. Para este trabajo Anouar Brahem contrató los servicios del músico turco Kudsi Erguner maestro Sufi de la hermandad Mevlevi Emérito flautista del nai instrumento utilizado tradicionalmente en las ceremonias de trance de los derviches danzantes. Otro compatriota de Erguner, el clarinetista Barbaros Erkose y otra vez el tunecino Lassad Hosni en la percusión (darbuka y bendir).

    Anouar Brahem: oud
    Barbaros Erköse: clarinet
    Kudsi Erguner: nai
    Lassad Hosni: bendir, darbouka

    Etincelles
    Le chien sur les genoux de la devineresse
    L'oiseau de bois
    Lumière du silence
    Conte de l'incroyable amour
    Peshrev Hidjaz Homayoun
    Diversion
    Nayzak
    Battements
    En souvenir d'Iram
    Iram retrouvée
    Epilogue

Mari Boine - Leahkastin (1994)

La región de Laponia está ubicada al norte de Noruega, Finlandia, Suecia y Rusia. Aunque algunos los llamen noruegos o suecos, ellos son los originarios habitantes de la región y la tierra donde viven es el país Sami. Allí vive Mari Boine. Allí lucha por conservar la cultura, la lengua y la música el pueblo de los Sami.

Mari Boine Persen nació en 1956 en el pueblito de Gàmehhisnjàrga, al lado del río Anarjohka, en el seno de una familia de pescadores de salmón. Creció en un hogar muy devoto y estricto. La primer música que escuchó fueron los salmos cantados del movimiento fundamentalista cristiano "Laestadian", con muchos seguidores entre los Sami. De acuerdo a Mari "los colonizadores trajeron la cristiandad y dijeron a los Sami que tenían que olvidar su religión primitiva, y la música es parte de esa religión. Mucha gente de la generación de mis padres no acepta la música, dice que es música diabólica que cantas cuando estas borracho; los colonizadores también trajeron el alcohol". Estudió para ser profesora, pero luego abandonaría esta ocupación para orientarse definitivamente hacia la música. Mari había crecido sintiendo vergüenza de sus raíces; es este sentimiento de inferioridad el que más tarde superaría y denunciaría con su música.

 En la actualidad, la mayoría del pueblo Sami considera a Mari Boine una de sus más grandes embajadoras. Puede decirse que representa a Noruega y a los Sami, por igual, tanto en su musica como en entrevistas tal como ella explica:

“Solía pensar que los hombres que oprimen a mujeres, o los gobiernos que oprimen a la gente eran conscientes y simplemente eran unos cínicos. Pero entonces me di cuenta de que a menudo no se dan cuenta y están llenos de miedo. Pensé que tenía que encontrar la forma de llegar a sus corazones para hacerles saber lo que estaban haciendo. Es la única forma de cambiar las cosas. Por eso pienso que mi música es importante”.

“Nuestra primera relación es con la naturaleza. Eres parte de la naturaleza, no el señor de la naturaleza. Esto también te dota de un poderoso sentido de la solidaridad - eres parte de otra gente. El dinero no es importante. Es más importante tu personalidad, el ser humano”.

“Creo que tu voz es el espejo de tu alma y de cómo te sientes por dentro. Cuando comencé, cantaba canciones pop y baladas y no cantaba desde el corazón. En los últimos diez años he estado luchando contra este sentimiento de inferioridad respecto a los noruegos o los occidentales, y mi voz se ha ido haciendo más fuerte a medida que tomaba la determinación de que nadie podría oprimirme, y que tenía valor como Sami. La cultura occidental marca una distancia entre tú y tu cuerpo o tu corazón. En la cultura Sami piensas en todo como un conjunto inseparable”.



1. Gumppet Holvot/The Wolves Howl 6:29
2. Ale Sat/No More 1:22
3. Guovgi Liekkas/Radiant Warmth 5:04
4. Ahccai/To my Father 6:06
5. Maid Aiggot Muinna Eallin/What du you want life? 6:54
6. Mielahisvuohta/Lunacy Lunacy 4:58
7. Gilvve Gollat/Sow your gold 5:07
8. Gulan Du/Hearing you 4:35
9. Vuolgge Mu Mielde Bassiv Arrai/Come with me to the sacred mountain 6:51
10. Mun Da’han Lean Oaivamus/Just when I had … 4:37
11. Da Lean Mun/Here I am 6:59