Mizuyo Komiya - Lullaby

Lullaby de Mizuyo Komiya es una mezcla de composiciones tradicionales, y obras originales de música contemporánea, Mizuyo Komiya tañe los bellos sonidos de un koto de 25 cuerdas, que es una reinvención moderna del tradicional koto de 13 cuerdas. Permitiendole mayores posibilidades melódicas, el instrumento también recuerda la tonalidad de un arpa, pero con un sistema de afinación del Este. Este moderno koto es el punto focal del álbum, sin embargo, los teclados de Kiyoshi Yoshida y del productor Kazumasa Yoshioka proporcionan remolinos de luz y sonidos atmosféricos un puente misterioso, apasionante para un trabajo instrumental y meditativo.
Amazon:

01. Path
02. Furusato
03. A Lullaby of Takeda (Takeda no Komoriuta)
04. A Lullaby of Shimabara (Shimabara no Komoriuta)
05. Beyond the Window
06. A Lullaby of Itsuki (Itsuki no Komoriuta)
07. Ho Ho Hotaru Koi I
08. Ho Ho Hotaru Koi II
09. I've Felt Little Autumn (Chiisai Aki MItsuketa)
10. Hanayome Ningyo
11. Furusato II
12. Oyasumi

Keiko Matsui - Sapphire

Bautizada como la primera dama del jazz contemporáneo, Keiko Matsui ha estado rodeada de música toda su vida. Su madre le enseñó danza tradicional japonesa, y su marido Kazu Matsui toca la flauta shakuhachi. Matsui, quien comenzó a tocar el piano y componer la música a una edad muy joven, ha desarrollado su propio estilo multicultural que ha tocado los corazones de los aficionados de todo el mundo.

Keiko Matsui, nacida Keiko Doi el 26 de julio de 1963, en Tokio, Japón, comenzó a tomar lecciones de piano cuando tenía sólo cinco años de edad. A partir de ahí, ella asistió a la Yamaha Music Foundation de Japón. Ella compuso sus primeras piezas de música cuando estaba en la escuela secundaria. A la edad de 17 años, la Yamaha Music Foundation le dio la oportunidad de convertirse en uno de sus artistas.
Ese mismo año, escribió su primera partitura cinematográfica importante. Después de terminar sus estudios en Yamaha, asistió a la Nihon Joshidaigaku (Universidad de Mujeres de Japón), donde obtuvo un título en la cultura infantil. Mientras que en la universidad, ella continuó con la música y grabó cuatro discos con su grupo de jazz, Cosmos.
Fuente:http://www.answers.com/topic/keiko-matsui

Keiko Matsui (piano, keyboards)
Karla Bonoff, Valerie Carter (vocals)
Paul Taylor (soprano saxophone)
Kazu Matsui (shakuhachi)
Derek Nakamoto (keyboards, synthesizer, bass, programming)
Rob Mullins (synthesizer, programming)
Lenny Castro (percussion)



1995 Relanzado en 2003 Incluye 3 bonus tracks
1. Safari
2. Bouncing Bougainvillea
3. Sonora
4. Don't Turn On The Light
5. Mission
6. Garden
7. Tears From The Sun
8. Spanish Galleon
9. Dragon Wings
10. Sapphire
11. The River (Solo Piano)
12. Longing (Solo Piano)
13. Sapphire (Solo Piano)

Lévon Minassian and Friends - The Doudouk Beyond Borders

ACTUALIZADO!!

Lévon Minassian representa el misterioso duduk armenio, sus cautivadoras melodías trenscienden lo convencional pero fiel a su esencia, Música para el alma, de una nación cuyas melodías de lamento aún resultan atractivas.

El doudouk es el alma de la música armenia. Su lúgubre lamento encarna el dolor y el patetismo de la historia de Armenia. Minassian, nacido en la comunidad armenia unida en Marsella, es un virtuoso en el instrumento. El doudouk, miembro de la familia del oboe, tiene un rango estrecho (una octava y una tercera) y un sonido más suave que el de muchos otros instrumentos de su clasificación.

Minassian ha reunido una colección de canciones tradicionales y sobre todo mejora con Turquía, sur de la India, Argelia, y los instrumentos europeos occidentales. El resultado es elegante, meditativo y elegíaco. La primera canción, "Ara Yéze Hol (Llamada de la Tierra)," es profundo y sombrío, con notas de piano que caen como lágrimas entre líneas sinuosas del doudouk. "Lousniag Kicher (luz de la luna)" es un dúo sutil, imitativo entre Minassian y Teboul Hervé al oud. La hermana de Minassian Roselyne presta su rica voz de contralto en "Odjaroum (Come Home)", creando una dolorosa sensación de nostalgia. Gilles Andrieux toca las cuerdas de su Tempur en "Dele Yaman (Love Song)". El resultado es un grito suave y misterioso que flota a través de la pieza, como un espectro.
http://www.rootsworld.com/reviews/douduk-beyond.shtml

Los Musicos
Levon Minassian - Doudouk (Armenia)
Roseline Minassian - Voice (Armenia)
Armand Amar - Keyboards, Percussion (France)
Gilles Andrieux - Tambur (Turkey)
Yvan Cassar - Piano, Synthesizer, Percussion (France)
Joel Grare - Percussion (France)
Embar S. Kannan - Violin (South India)
Herve Teboul - Oud, Ney, Voice (Algeria)

01. Hol Ara Yeze (Call of the Earth) [6:12]
02. Der Vorghormia (Merciful Lord) [6:52]
03. Yeraz (Reverie) [2:53]
04. Horovel (Work Song) [5:54]
05. Lousniag Kicher (Moonlight) [6:36]
06. Odjaroum (Come Home) [8:19]
07. Dele Yaman (Love Song) [5:54]
08. Im Yariss (For My Love) [5:16]
09. Siretzi Yares Daran (They Have Taken the One I Love) [6:53]

Mizuyo Komiya - Color

El koto tiene un sonido similar a un arpa, Mizuyo Komiya es una virtuosa de este instrumento, ella lo toca con mucha habilidad y emoción .... A lo largo de este CD la música del koto te sonara alternativamente como un arpa, guitarra clásica y mandolina cuando se está reproduciendo, a veces
simultáneamente .... El efecto general es impresionante.

El koto es un instrumento de cuerda japonés de origen chino, similar a un guzheng.
Este instrumento ha sido utilizado ampliamente no solo en la interpretación de la música tradicional, sino también en muchos géneros contemporáneos.

Fue introducido desde China durante la era Nara (710-793). Una de las obras más conocidas es Rokudan no Shirabe. Rokudan fue compuesta por Yatsuhashi Kengyō. Otra pieza clásica muy conocida es Haru no umi (Mar de Primavera) de Michiyo Miyagui.


Más de mil años han transcurrido y el koto se ha convertido en uno de los instrumentos representante de Japón. Se dice que las notas hechas por los instrumentos japoneses tienen los sonidos de la naturaleza (vivos) en ellos. En los 25 acordes del koto, tal vez esten los sonidos de la refrescante brisa de primavera.
Normalmente el koto se toca con 13 acordes, pero las grabaciones de este álbum se hicieron con un koto  de 25 cuerdas. Dado que existe una amplia gama de notas de la parte superior e inferior de los registros del instrumento, que a veces puede recordar a un arpa. Una vez más, porque hay piezas que con la afinación sobre la base de las notas occidentales, podría ser más fácil familiarizarse con la sensación de los acordes. La combinación de las notas producidas por las 25 cuerdas tensando en el aire y desapareciendo, te permiten olvidar el ruido y el flujo de la ciudad por lo que puedes tener un momento de relajación y felicidad.
Pacific Moon



01 - Tsugaru Overture
02 - Mebae
03 - Shiokazeni Fukarete
04 - Spring Rain
05 - Akatombo
06 - Tsugaru Wave
07 - Aidama
08 - Moegi
09 - Akanegumo
10 - Ruri
11 - Kohaku
12 - Nakisuna

Missa Johnouchi - Kuge I & II

Directora, compositora y pianista internacionalmente reconocida. En Japón es conocida como compositora de música del cine y dramas de televisión.
Empezó su carrera profesional como compositora cuando todavía estudiaba en el prestigioso Colegio de Música de Toho en Tokio, escribiendo música para producciones teatrales.
Estuvo varios años en Francia donde aprendió orquestación y dirección con el maestro Jean-Claude Pettit, famoso compositor francés. En 1988 empezó a componer piezas para la Orquesta del Teatro de la Opera de Paris y la Orquesta Nacional de Paris, y en 1995 se constituyó en la primera directora femenina en el mundo y la segunda artista de nacionalidad japonesa que dirigió la Orquesta del Teatro de la Opera de Paris con su propia composición.

En el año 2000 sacó a la venta su nuevo album de sus composiciones originales con instrumentos tradicionales de Ásia, el cual se vendió en 14 países del mundo obteniendo una gran repercusión en países occidentales. También realizó exitosamente un concierto en Los Angeles.
Sus famosas sinfonías “Kugue”, compuesta a petición de la Orquesta Sinfónica de Osaka en 2001, y “Sinfonía Yamato-ji”, compuesta a petición de la Prefectura de Nara, antigua capital japonesa, en 2002, han sido ejecutadas por orquestas de varios países como Rumania, China, Venezuela y Francia. También ha realizado conciertos en Italia, Canadá, Túnez, los Estados Unidos, etc.

Ha participado en eventos como la Exposición Mundial de Aichi , Exposición de Flores de Hamamatsu, conciertos benéficos organizados por la UNESCO, La Fiesta de Versailles en Francia, y la Feria Internacional de Música de Italia, entre otros.
En el 2006 empezó una gira de conciertos bajo el nombre de “World Heritage Torch-Run Concert” apoyado por UNESCO para promover la conservación de patrimonios culturales e intercambio cultural. Ha sido nominada por la UNESCO como Artista por la Paz (UNESCO Artist for Peace), siendo la primera compositora y directora denominada a dicho cargo.
Pacific Moon..



Kuge1
01. Skyward
02. Stardust Island
03. Lake
04. Kazamatsuri
05. Kataribe
06. Exotica
07. Prayer
08. Kotohime
09. Sunset Moon

Kuge2 [Symphony]
01. Kuge II
02. Eurasia

* Hiroshi Shibayama - Horn (English), Oboe
* Kazumasa Yoshioka - Percussion, Handclapping, Guitar (Electric), Producer
* Kiyoshi Yoshida - Keyboards, Synthesizer Programming
* Missa Johnouchi - Percussion, Piano, Vocals, Handclapping, Liner Notes, Producer, Arranger, Keyboards, Conductor
* Shao Rong - Pipa
* Jiang Xiao-Qing - Guzheng
* Hideyo Takakuwa - Flute, Flute (Alto), Shinobue, Recorder (Tenor)
* Liu Feng - Erhu
* Abe Group - Strings
* Nobuko Baba - Koto

Craig Anderton with Spencer Brewer - Forward Motion (1989)

ACTUALIZADO!!
En la primavera de 1989, Craig Anderton volvió a entrar en el negocio de la música como solista con Forward Motion, un CD, escrito, grabado y mezclado en su estudio casero con la ayuda de el tecladista Spencer Brewer. Lanzado a finales de agosto de 1989 En el sello Sona Gaia una filial de Narada distribuido por MCA, el proyecto obtuvo una enorme cantidad de comentarios positivos y de interés aún más por la música que por las técnicas innovadoras utilizadas en la grabación de esa música. Como dijo la revista Guitar Player en una reseña de Agosto 1989, un sonido impresionante y orgánico desde que se empieza a escuchar a Anderton en este exuberante y múltiple nivel de la música, Usted está atraído por su guitarra sabrosa llena de texturas extrañas, tentadoras y la base rítmica calmante y fascinante, Rolling Stone lo cataloga como "uno de esos raros álbumes electrónicos instrumentales que no es mera New Age" Forward Motion se ha escuchado en estaciones de todo el país, también fue seleccionado por United Airlines en sus vuelos vacacionales durante mayo y junio de 1990, y durante 1991 y 1996 también.

This collection is the fascinating result of two brilliant musicians experimenting with non-traditional recording techniques. Pleasing, entertaining, and elegantly dramatic.
Craig Anderton: Guitar synthesizer, most drums and bass, keyboards,
Spencer Brewer: Keyboards, some drums and bass

1. Wizards
2. Oasis
3. Heavy Weather
4. Paradise
5. Time Trap
6. Forward Motion
7. Skyway
8. Spring Fever
9. Soft Landing

Estilo: New Age, Downtempo

Eugene Friesen - Arms Around You (1989)

ACTUALIZADO!!
Eugene Friesen abre nuevos caminos para el violonchelo con un notable conjunto de Musicos que incluyen a Paul Winter, Paul Halley, Ted Moore, Glen Velez, Gordon Johnson, Russ Landau, Paul Sullivan, John Clark, Paul Wertico y David Blamires.
Con la voz de Friesen (Con un estilo pausado en la letra de dos canciones), Una muy emocionante percusion, bajo, saxofon, teclados y cuerno frances "Arms Around You es implacable con los aumentos repentinos de energi­a, buen gusto, y algunas de las mejores composiciones tocando el chelo.

 Las nueve selecciones tambien explotan su talento como compositor, vocalista, letrista y li­der de la banda. Friesen refuerza muchos de sus temas al violonchelo con algunas li­neas de escueto uni­sono
canto refinado que le da el sonido de su instrumento toques de jazz. Friesen tambien tiene un don para crear melodias que son accesibles a la vez, emocionantes e impredecibles. "En Arms Around You Friesen demuestra ser un artista  superior capaz de sintetizar una amplia gama de influencias y las ideas en algo divertido, que musicalmente satisfacen en su conjunto."

Friesen escribe:
Recuerdo cuando yo era un niño, tirando de mi cello rojo en un vagon camino de la escuela primaria, la absorcion de los sonidos de Bach, Brahms y los 60, yo soñaba con que algun dia hacer algo salvaje, algo hermoso, personal y unico con el violonchelo.
Como estudiante, yo estaba dedicado al repertorio tradicional para violonchelo, que me llevo por un camino de todo el mundo para los proximos cinco años.
Fue entonces que Paul Winter me invito a unirme al Consort, que es un gran oportunidad para explorar una vez mas mi fascinacion por la composicion musical y la improvisacion.

Si bien mi primer disco, New Friend, es una coleccion de duetos improvisados libremente con el teclista Paul Halley, Sin embargo Arms Around You es un album para un gran banda. Arms Around You se registro en el curso de un invierno en el taller Living Music de Paul Winter en la granja de Nueva Inglaterra. Nuestra propuesta original de la cubierta del album fue una foto de nuestra tribu musical Armloads preparando leña para la estufa.



 

Muchas grabaciones se hicieron con abrigos y guantes, pero en el lado positivo, no hubo presiones ni relojes. Fuimos libres para acabar de hacer nuestro trabajo. Arms Around You es la musica, en aras de la musica. Esta inspirado en el amor por mis hijos, rafting en aguas bravas, el desafio de elegir los valores en un mundo materialista y, sobre todo, la alegria y la satisfaccion de expresar en la musica esta aventura de la vida.
http://www.livingmusic.com/catalogue/albums/armsaround.html

TRACK LIST
1. Truffles
2. Arms Around You
3. Whitewater
4. Zoe
5. Madrigal
6. Remembering You
7. Nuns in Cuba
8. Night Glider
9. River Music

Eugene Friesen - New Friend

ACTUALIZADO!!
Una noche de noviembre, en el cavernoso espacio de la catedral gótica más grande del mundo, (St John the Divine NY), dos viejos amigos se embarcaron en la creación de una nueva aventura musical. Colegas desde hace años en el Paul Winter Consort, Eugene Friesen y Paul Halley nunca antes habían hecho música juntos como dúo.

A partir del silencio compartido, que ofrecen los sonidos en un diálogo libre, que se sucedieron en territorio desconocido, poniendo en juego todos sus instintos de escucha. Chispas musicales encendidas en la composición espontanea, aprovechando las profundas raíces compartidas por Friesen y Halley en las tradiciones de la música europea clásica y el jazz.

Esta es la música más allá de las categorías, con un espíritu nuevo del amanecer de la vida silvestre y el carácter intemporal de la música clásica. Elegante y terroso, tosco y lírico, es música honesta que refleja la calidez y el ingenio de dos personas tocando.
Friesen lleva el violonchelo a un nuevo reino, más allá de su casa tradicional en el escenario de la música clásica. Con una voz verdaderamente contemporánea, el canto de la vida y la alegría de encontrar un nuevo camino.
http://www.livingmusic.com/catalogue/albums/newfriend.html

Hamza El Din - A Wish

Hamza El Din (10 de julio de 1929 – 22 de mayo de 2006) fue un compositor de Nubia, intérprete de Oud, laúd árabe y Tar, pandero del Nilo, y vocalista.

Nació en la villa de Toshka, cerca de Wadi Halfa en el sur de Egipto, y fue originalmente entrenado para ser un ingeniero eléctrico. Después de trabajar en El Cairo para el ferrocarril nacional de Egipto, El Din cambió de dirección y comenzó a estudiar música en la Universidad de El Cairo, continuando sus estudios en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma; también estudió en el Instituto de Música Ibrahim Shafiq y el King Fouad Institute for Middle Eastern Music, y viajó en Egipto sobre una colecta gubernamental de canciones populares. Sus actuaciones atrajeron la atención de Grateful Dead, Joan Baez, y Bob Dylan en los años 1960s, que lo condujo a un contrato de grabación y a su eventual emigración a los Estados Unidos. Como mucho en su Nubia egipcia, su villa natal de Toshka fue inundada debido a la construcción de la Presa de Asuán en los años 1960s.

Después de su aparición en el Newport Folk Festival en 1964, grabó dos álbumes para Vanguard Records lanzados entre 1964–65; su grabación de 1971 Escalay: The Water Wheel (Escalay: La rueda de agua) es reconocida como uno de las primeras grabaciones de world music en ganar un amplio reconocimiento en el oeste, y fue reconocida como una influencia por algunos compositores minimalistas estadounidenses, tales como Steve Reich y Terry Riley así como el percusionista de Grateful Dead Mickey Hart. Él también hizo presentación con Grateful Dead, más notoriamente durante sus conciertos de Egipto de 1978. En este periodo, él también fue mentor de algunos músicos, incluyendo a Sandy Bull. Después, lanzó álbumes para Lotus Records y Sounds True. Su álbum Eclipse fue producido por Mickey Hart. Tuvo una presentación con Kronos Quartet en un arreglo de Escalay en 1992. Sus piezas fueron ocasionalmente utilizadas en espectáculos de ballet y obras de teatro.
El Din tuvo algunos puestos de enseñanza de etnomusicología en los Estados Unidos durante los años 1970s, 1980s y 1990s en la Universidad de Ohio, Universidad de Washington, y la Universidad de Texas en Austin, estableciéndose eventualmente en Oakland, California, después de estudiar biwa en Tokio, Japón, durante los años 1980s. En 1999 lanzó su último álbum, "A Wish".
http://es.wikipedia.org/wiki/Hamza_El_Din
http://www.hamzaeldin.com/

Ejecutando de manera brillante el Oud (el precursor del laúd, pipa y biwa) y el Tar (el antiguo tambor del alto Nilo), junto con la voz inquietante y fascinantes composiciones, Hamza El Din combina los placeres y las sutilezas de la lengua árabe con su música indígena de su Nubia natal.
En sus manos magistrales, el oud se convirtió en un instrumento virtuoso y un acompañamiento a su canto suave e hipnótico. Él solo creó una música nueva, esencialmente una fusión árabe-nubio, pero en línea con las tradiciones. Su música ha captado el interés de millones de oyentes de Europa, Japón y América del Norte.

Hamza El Din es una leyenda de la música en todo el mundo, A Wish es el último de los 14 álbumes publicados durante su vida, de nuevo ha producido siete obras maestras Dedicado a Toshka, el pueblo de su nacimiento inundado hace más de tres décadas por el proyecto de la presa de Asuán, el deseo es la oración de Hamza recordando su casa.



Junto con Joan Jeanrenaud violonchelista (antes de Kronos Quartet), el compositor y pianista WA Mathieu, el percusionista jordano Hani Naser, y el japonés Shizuru Ohtaka, entre otros, el dominio de Hamza del oud es tan innegable como siempre. En su anhelo por el hogar, ha mantenido la voz de su pueblo viva y tranquila con el virtuosismo de su ejecución, y ha creado una buena adición a la herencia musical de la humanidad.

1. Greetings (7:38) - comp. Hamza El Din, lyrics Ismail Hasan
2. Sunset (10:29) - Variations on a Theme of Riad El Sumbati by Hamza El Din
3. Anesigu (4:04) - comp. Hamza El Din, lyrics Mohammed N. Toshka
4. Griffin 2 (11:10) - comp. Hamza El Din, lyrics Ilia Abu Madi
5. Nagrishad (7:04) - comp. Hamza El Din
6. Samai Husaini (6:41) - comp. Kemani Tatyos Efendi, realized by Hamza El Din
7. A Wish (9:03) - comp. Hamza El Din, lyrics Mohi El Din Sherif

Bernard Xolotl - Mexecho

ACTUALIZADO!!
A diferencia de muchos de sus amigos, Bernard Xolotl ha visitado un montón de lugares, pero nunca ha sido un turista. Tal vez por eso, a pesar del título, el elemento mexicano aquí es apenas un eco. La primera pista transporta al oyente a las orillas de un anhelo de melancolía que parece infundir a cada latido del corazón, mirando la puesta de sol sobre el Pacífico, la última conquista en el borde del mundo. Es una de mis piezas favoritas Xólotl, es algo en lo que cada oyente encuentra un eco familiar, como un olor que trae recuerdos preciosos. A partir de ahí, un viaje, a veces de luz y de alegría, a veces hipnótico y minimalista, nunca grandilocuente, siempre rítmico, con un toque de percusión, la conducción de un coro sinfónico de cuernos-como el mariachi, texturas como la guitarra y armonías cálidas. El fruto de varios años de trabajo obsesivo con sintetizadores orgánicos y sinceros como cualquier actuación acústica, una música de cámara imaginaria con una calidad de sonido impresionante, el álbum tiene éxito como música para diferentes ocasiones, desde conduciendo en una autopista  a la reflexión tranquila. Un verdadero (e inevitable) recuerdo de nuestras raíces culturales mixtas, como si ambos los aztecas y los conquistadores volvieran a contar la historia, sigue siendo completamente original, atractiva para los amantes de la música, desde la música clásica, a la electrónica y la Nueva Era.
Anthony Milosz

http://www.amazon.co.uk/Mexecho-Bernard-Xolotl/dp/B000025LU7
Unlike many of his friends, Bernard Xolotl has been a lot of places, but has never been a tourist. This is perhaps why, in spite of the title, the Mexican element here is hardly an echo, it penetrates. The first track transports the listener to the shores of a melancholy longing that seems to infuse every heartbeat with meaning, looking at the sun set over the Pacific, the last conquest at the edge of the world. It is one of my favorite Xolotl pieces, and something in which every listener will find a familiar echo, like a scent that brings back precious memories. From there, a voyage, sometimes light and joyful, sometimes hypnotic and minimalist, never bombastic, always rhythmic, with a touch of percussion driving a symphonic choir of mariachi-like horns, guitar-like textures and warm harmonies. The fruit of several years of obsessive work with synthesizers as organic and heartfelt as any unplugged performance, an imaginary chamber music with stunning audio quality, the album succeeds as music for many different occasions, from highway driving to quiet reflection. A genuine (and inevitable) remembrance of our mixed cultural roots, as if both the Aztecs and the Conquistadors returned to tell the story, it remains thoroughly original while appealing to lovers of all music, from classical, to electronica and New Age.
Anthony Milosz


1: Balboa (4.11)
2: Mazatlan I (6.17)
3: Mazatlan II (4.34)
4: Mazatlan III-V (6.17)
5: Indian Baroque (6.14)
6: Granada (4.08)
7: Mexecho (7.55)
8: Forward (3.34)
9: Veracruz 1864 (9.11)

Shao Rong - Orchid

ACTUALIZADO!!
Shao Rong nació y se crió en Shanghai, China. Durante los últimos años, ha residido en Japón en la actualidad, vive en Tokio.  Ella esta acompañada en Orchid por una colección internacional de músicos: Jian Xiao Qing (guzheng, cítara china de 21 cuerdas), Jia Peng Fang (erhu, 2-string laúd tocado con un arco), Ming Wang Jun (dizi, flauta china pequeña), Yukihiko Mitsuka (shakuhachi,flauta de bambú japonesa), Hitoshi Watanabe (bajo), Kiyotsugu Amano (guitarra) y Naoyuki Onda (piano).  A excepción de la clásica basada en "Luna Precious", todas las canciones en el CD fueron escritos por Seiichi Kyoda.

Orchid, el CD de debut como solista de la artista china Shao Rong, es uno de los discos instrumentales más bellos que he escuchado en mucho tiempo.  Shao Rong es conocida en el Lejano Oriente, por su habilidad tocando la pipa, o laúd chino.  Tiene forma de lágrima, este instrumento de cuerda ha venido evolucionando en diversas formas, tanto en China y Japón durante más de 2.000 años. "Aunque de forma similar, el laúd japonés es más ritmico y orientado se toca con una selección en forma de abanico, mientras que el instrumento chino insiste en la melodía y se toca con los dedos que están cubiertos con clavos especiales, según el material de promoción incluido en el álbum. a los oídos occidentales, la pipa puede parecer una mandolina o un banjo, o algo completamente diferente dependiendo de cómo se escuche.

Guy Davis - Skunkmello

ACTUALIZADO!!
Guy Davis es un estudioso y experto musico de Blues, cantante y narrador de cuentos en la tradición de su mentor Taj Mahal. Skunkmello es el nombre de un legendario ladrón de gallinas que fue capturado y ahorcado por sus crímenes en torno a 1900, El trovador Davis viaja a las raices del Blues en temas como "Natural Born Eas'Man", y al sabor original de Piedmont con "The Chocolate Man" Sin perder el ritmo nos lleva hasta los arenosos blues del South Side de Chicago en "It Takes Love to Make a Home".
Guy toca la armónica en una versión del clásico "Going Down Slow", acompañado por el tecladista Naftalin ex Paul Butterfield blues Band y John Platania de la banda de Van Morrison a la guitarra eléctrica. Y se convoca a Howlin'Wolf-ish en la inquietante "Shooting Star". Davis, como un vocalista de blues, valiente, también muestra auténtica garra en la técnica del banjo en "Budín de Shaky" y "Blackberry Ramble".
http://guydavis.com/guydavis/mainfinal.htm



Personal:
Guy Davis (vocals, guitar, 12-string guitar, harmonica);
Guy Davis; Nerak Roth Patterson (acoustic guitar, electric guitar);
Walt Michael (resonator guitar, mandolin);
Gary Burke (drums);
John Platania (electric guitar);
T-Bone Wolk (accordion, organ);
Mark Naftalin (piano, organ).

Omar Faruk Tekbilek - Whirling

Omar Faruk Tekbilek es uno de los más destacados músicos de Oriente Medio. Conocido sobre todo por su trabajo con el Ney, también es un maestro de la percusión de Oriente Medio (Darbuka, Bandir, etc), instrumentos de lengüeta doble como el Zurna y mijwiz, y guitarras como la Baglama y la Jura. En 1971, ya es un músico establecido en Turquía, por primera vez Faruk gira por Europa y Estados Unidos.

Con el tiempo Faruk se mudó a New York, donde reside actualmente. Desde que llegó a Estados Unidos en 1976, Faruk ha grabado y tocado con varios músicos notables, entre ellos: Arif Mardin, músicos de jazz Don Cherry y Karl Berger, y el baterista de rock, Ginger Baker. Él ha hecho apariciones en conciertos en todo el mundo, incluyendo el Festival de Jazz de Kool, y el Festival de Música israelí. Whirling marca el debut de Faruk como artista en solitario.

Para la grabación Faruk esta acompañado con los musicos de Oriente Medio Ara Dinkjian en Oud, Hassan Isikkut en Kanun, y Arto Tuncboyaciyan en la percusión. El grupo de Arto, Night Ark, es un conjunto bien conocido en Grecia, Turquía y otras regiones de Oriente Medio. Brian Keane agrega guitarra y sus orquestaciones sutiles y atmosféricas.
http://omarfaruktekbilek.com/

Bendir, Cymbal, Percussion, Percussion [Bottle], Vocals – Arto Tuncboyaciyan Featuring – Ara Dinkjian, Arto Tuncboyaciyan, Brian Keane, Hassan Işikkut Guitars, Synthesizer, Bass, Wind Chimes – Brian Keane Ney, Baglama, Zurna, Reeds [Mijwiz], Jura, Goblet Drum [Darbuka], Bendir, Tambourine, Accordion, Vocals – Omar Faruk Tekbilek Oud, Cümbüş [Sazbush], Cümbüş, Bass – Ara Dinkjian Producer – Brian Keane Zither [Kanun] – Hassan Işikkut

 

Sufí significa sabiduria. El sufí es un religioso que no admite la sabiduria que no viene del corazón y asegura que tiene los pies en la tierra y el corazón en el cielo. El sufismo se presenta como una via interior del Islam, pero realmente siguen las enseñanzas de Meviana C. Rumi, un filosofo mistico que en el siglo XIII creó el sufismo como forma de vida y realización del hombre, Inventó una danza mistica, la de los Derviches giróvagos, conocida con el nombre de Sema. La definicion de la palabre derviche nos da una idea de lo que vamos a ver, Derviche viene del persa darwish "Visitador de puertas", La sema representa un viaje mistico de ascension espiritual hacia la perfeccion a traves de la mentey el corazon. Tras abandonar su ego el derviche llega a la verdad y la perfeccion espiritual.

 

 

Tony Scott - Music for Zen Meditation

ACTUALIZADO!!
A finales de 1950, el clarinetista de jazz Tony Scott, viajó por Asia, estableciéndose durante cinco años en Japón para tocar y enseñar. Mientras que su música influyó a los músicos y estudiantes japoneses que se ha encontrado, la música y el ambiente del Japón hicieron una impresión aún más profunda en él. Él comenzó a usar su clarinete a imitar los sonidos de la naturaleza, y comenzó una investigación permanente en el budismo y otras filosofías orientales.
El primer resultado tangible de esta exploración es la versión de 1964 Music for Zen Meditation, podría decirse que fué la primera grabación New Age. El clarinete de Scott combina a la perfección con la flauta de bambú y la cítara japonesa, creando un sonido embriagador, la perfecta encarnación de la filosofía zen.

Music for Zen Meditation is a 1964 album by jazz clarinetist Tony Scott
The album is considered to be the first New Age record. Music for Zen Meditation is mostly improvised by Scott, Shinichi Yuize (koto) and Hōzan Yamamoto (shakuhachi).
The fourth track entitled "After the Snow, the Fragrance" has been sampled by electronic artist Four Tet. The track containing the sample is entitled "Parks" and appears on Four Tet's 2001 release, Pause (album)

Tony Scott - clarinet

Shinichi Yuize - koto

Hōzan Yamamoto shakuhachi

1. "Is All Not One?" (Tony Scott, Hōzan Yamamoto, Shinichi Yuize) – 3:50
2. "The Murmuring Sound of the Mountain Stream" (Scott, Yuize) – 8:05
3. "A Quivering Leaf, Ask the Winds" (Yamamoto)– 2:30
4. "After the Snow, the Fragrance" (Scott, Yuize) – 7:00
5. "To Drift Like Clouds" (Yamamoto, Yuize) – 1:38
6. "Za-Zen (Meditation)" (Scott, Yamamoto) – 2:05
7. "Prajna-Paramita-Hridaya Sutra (Sutra Chant)" (Scott, Yuize) – 7:10
8. "Sanzen (Moment of Truth)" (Scott, Yuize) – 6:45
9. "Satori (Enlightenment)" (Scott, Yuize) – 5:25

Tony Scott - Music For Yoga Meditation

ACTUALIZADO!!
Tony Scott introduced Western audiences to the minimalist pleasure of shakuhachi flute and Japanese kora on his 1964 album MUSIC FOR ZEN MEDITATION. Four years later, the jazz clarinetist came out with this deeply meditative duet with sitarist Collin Walcott. Each track explores a different theme of yogic philosophy. The playful "Hatha/Sun and Moon" pits the clarinet's lowest tones against the sitar's highest, suggesting the dynamics of yin and yang. "Samadi/Ultimate Bliss" is a slow, droning dirge that evokes the stillness of enlightenment. "Hare Krishna" is simply a Hare Krishna/om chant with simple sitar backing. This album will enliven any hatha yoga session, and sounds astonishingly fresh decades after its first release.

Tony Scott (clarinet);
Collin Walcott (sitar).

Michael McGoldrick - Aurora

Michael McGoldrick ha sido miembro de varias bandas influyentes. En 1994 fue galardonado con el Premio BBC en musica tradiciónal Joven, y en 2001 se le dio el premio Instrumentista del Año en los Premios de la BBC Radio 2 Folk.

Fué miembro fundador de la banda de rock celta Toss The Feathers cuando aún estaba en la escuela. También participó en ese momento en la banda Fleadhanna con Dezi Donnelly (violín) y Juan-Jo Kelly (bodhrán), a quien había conocido en locales de reuniones. Él hizo apariciones en varios festivales locales y nacionales y participó en talleres de flauta en el Festival Folk de Cambridge y para Folkworks en su gira de conciertos "Flutopia".

Formó la banda Fluke (Más tarde rebautizada como Flook) con Brian Finnegan y Sarah Allen en noviembre de 1995. Después de una gira, él se fue para dedicarse a otros proyectos.

Fué miembro temprano de Lúnasa desde 1997 hasta aproximadamente 2000, y trabajó en sus dos primeros álbumes. También se unió a Capercaillie en 1997, participando en dos álbumes.

McGoldrick ha trabajado regularmente para las bandas Afro-Celt y Kate Rusby. A partir de 2011 dirige la Michael McGoldrick Band.



 Ha grabado cuatro discos como solista: Morning Rory donde muestra sus habilidades tradicionales y explora en otros géneros musicales, entre ellos el trance, mientras en su album Wired, lanzado en octubre de 2005, adopta el enfoque experimental de fusion aún más. Su último álbum Aurora, lanzado en 2010, es menos experimental, pero todavía aventurero. También grabó un álbum, At First Light, con John McSherry (también ex-Lúnasa) que se remonta a sus raíces tradicionales.
http://en.wikipedia.org/wiki/Michael_McGoldrick
http://www.prideofmanchester.com/music/michaelmcgoldrick.htm

 

Eri Sugai - Kaori

Una de las grandes artistas casi totalmente desconocidas fuera de Asia es la japonesa Eri Sugai, cuyo impresionante álbum debut Mai fue lanzado en 2000 en Japón, en 2005 publica su segundo álbum titulado Kaori para el sello Pacific Moon,

Eri Sugai nos cuenta historias de viajes imaginarios a Asia, historias de la zona de Okinawa en una modernizada canción popular "Teinsagu Nu Hana", también la conocida composición de 1300-años de edad "Etenraku" ha sido espléndidamente modernizada, las antiguas y las nuevas tradiciones se dan la mano en estas canciónes.

Melódica y rítmicamente, Kaori es un álbum hecho espléndidamente, con piezas dinámicas, como la cadenciosa "Breath of Earth", así como la secuela de "A Song of Birth" (de Mai), titulada "Kunino Sazuchi", y una melódica pieza casi angélical "Eternal Prayer", Otro tema que merece una mención especial es "Silence",  una pieza con flauta de bambú en un jardín de té japonés, con el sonido del agua que suavemente golpea la roca que esta debajo de ella. La idea de Eri Sugai de utilizar este tipo de sonidos en su música es en realidad único y una maravilla, Todas y cada una de las pista de este álbum son una parte importante de un gran arco iris musical, un arco iris que contiene numerosos colores, cuanto más se escucha este álbum, más colores, matices y dimensiones pueden ser encontrados.



Voyage to Asia
Iroha Song
Breath of Earth
Teinsagu nu Hana
Silence
Etenraku
Eternal Prayer
Ancient City
Kunino Sazuchi
Fragrance
Voyage to Asia (A Cappella Version)

Seamus Egan - When Juniper Sleeps

Seamus Egan nació en Hatboro, Pennsylvania hijo de los emigrantes irlandeses Ann y Mike Egan. A la edad de tres años sus padres se mudaron de vuelta a casa al Condado de Mayo, Irlanda.

Aprendió a tocar el acordeón con Martin Donaghue. Vio a Matt Molloy y James Galway en la televisión y de repente decidió aceptar la flauta irlandesa como su instrumento. Seamus tenía 14 años cuando ganó el campeonato de Irlanda con cuatro instrumentos diferentes.
Cuando Mick Moloney fundó Green Fields of America en 1977, Seamus se unió y tomó lecciones de Mick con el banjo. Dos años más tarde regresó a Irlanda y ganó el campeonato de Todo-Irlanda con el banjo y la mandolina. En 1985 grabó un álbum de música tradicional de Irlanda como solista.

En 1992 se unió a la banda de Susan McKeown The Chanting House y apareció en un álbum en vivo con ellos. Eileen Ivers era también un miembro de la banda. En 1994 fundó Solas y ha estado en cada uno de sus álbumes. En 1995 grabó la música para la peculiar película de bajo presupuesto The Brothers McMullen, dirigida por Edward Burns. Él también co-escribió el éxito "I Will Remember You", con Sarah McLachlan.
Egan es también el productor de Solas y ha trabajado como productor para otros artistas, entre ellos la cantante y compositora Duvekot Antje.
http://en.wikipedia.org/wiki/S%C3%A9amus_Egan

Seamus Egan (nylon string guitar, tenor banjo, flute, uileann pipes, low whistle, tin whistle, bodhran)
Michael Aharon (acoustic & electric guitars, cello, piano, Hammond organ, keyboards, electric bass, percussion)
Zan McLeod (acoustic guitar, bouzouki)
John Doyle (acoustic guitar)
Winifred Horan (violin, fiddle)
John Williams (button accordion)
Lindsay Horner (acoustic bass)
Chico Huff (fretless, four- & six-string electric basses)
Daryl Burgee (drums, percussion)
Steve Holloway (drums)
Ron Crawford (drums, percussion)
John Anthony (percussion, cymbals).

1. The Winding Hills (4:52)
2. Weep Not For The Memories (5:03)
3. Masons Apron/My Love Is In America (5:59)
4. The Lark (3:48)
5. Mick O'Connor's (4:54)
6. Along The Way (4:32)
7. When Juniper Sleeps (4:57)
8. Faubert's Lilt (4:41)
9. Farewell To Glasgow (4:08)
10. To An Old Rose (4:25)
11. When Last We Met (3:23)
12. The Czar Of Munster (3:53)
13. Lullaby (3:25)

Alex De Grassi & Quique Cruz - Tata Monk

El guitarrista Alex de Grassi y el multiinstrumentista chileno Quique Cruz colaboran en esta colorida fusión de instrumentos andinos (Kenas, zampoñas, charangos y guitarras acústicas), con ritmos de América Latina (saya, milonga y huayno) y música contemporánea.

http://www.degrassi.com/
http://www.lamusica.emol.com/detalle/index.asp?idnoticia=426477

Alex de Grassi (guitar, acoustic guitar, classical guitar, baritone guitar);
Quique Cruz (charango, flute, antara, rondador, ronroco);
Jeff Beal (trumpet, flugelhorn);
Jon Evans (double bass);
Ian Dogole (cymbals, rainsticks, percussion).
Audio Mixers: Spencer Brewer; Steven Miller.

01. Sanchaly
02. Alba
03. Akamani
04. Auscencia
05. Pérdidas
06. Encuentros
07. Milonguera
08. Tata Monk

Yoshida Brothers - Best of Yoshida Brothers - Tsugaru Shamisen

El Tsugaru-shamisen, se originó en China en el siglo 16, este instrumento de tres cuerdas fué introducido en Japón a través de músicos populares que viajaban por todo el pais y se convirtió en un elemento integral de la música clásica japonesa. Los hermanos Yoshida han llevado el Tsugaru-shamisen más lejos que cualquier otro músico moderno, prácticamente han reinventado su sonido, lo que les ha llevado a un estilo musical firmemente arraigada en las tradiciones del pasado y audazmente con una vision del futuro.

Yoshida Brothers o también conocidos en Japón como Yoshida Kyōdai 吉田兄弟 (よしだ きょうだい), son un dúo compuesto por los hermanos Ryōichirō Yoshida y Kenichi Yoshida que tocan tsugaru shamisen, un antiguo instrumento japonés de tres cuerdas. Esta descripción puede llevar a pensar que se trata de otro grupo de música folclórica de su país, pero lo cierto es que los Yoshida Brothers han sabido mezclar las melodías y sonidos tradicionales de Japón con ritmos e instrumentos contemporáneos, lo que genera una mezcla musical única, muy dinámica, sensible y profundamente refinada.
 Wiki....
Visita su WEB
http://www.domomusicgroup.com/yoshidabrothers/
http://es.wikipedia.org/wiki/Shamisen
El remix de su canción "Kodo" se hizo mundialmente conocida por haber sido utilizada en los comerciales de la Nintendo Wii.

    Kodo (Hishou version)
    Overland Blues
    A Hill With No Name
    Modern (Hishou Version)
    Saiun
    Passion
    My Heart Holds
    Blooming
    Cherry Blossoms in Winter
    Kodo (Inside The Sun Remix)
    Rising
    Morricone

V.A.- Serenade

Serenata es un album recopilatorio de Pacific Moon que nos invita a la relajacion en el encontraras los mejores temas de los artistas de este sello asiatico.
Te propongo escucharlo al atardecer, ponte bien comod@, olvidate del trabajo y viaja a lugares imaginarios donde todo sea paz y armonia.
Disfruta al maximo tus vacaciones querid@ amig@. Descansa, escucha musica, come muy bien, lee algun libro y haz el amor todo lo que puedas, es lo maximo que aspira un/a ser humano..




01 Riverside / Jia Peng Fang
02 Heartland / Naoyuki Onda
03 Unicorn / Shao Rong
04 Horizon / Eri Sugai
05 Asian Wind / Missa Johnouchi featuring Li-Hua Ensemble
06 Temple In The Twilight / Naoyuki Onda
07 Wings of The Eagle / Uttara-Kuru
08 Snow Line / Jia Peng Fang
09 True Love / Shao Rong
10 Path / Mizuyo Komiya
11 Silver Moon / Naoyuki Onda
12 Snow / Rikiya Yamashita
13 Mirage of The Fall / Jia Peng Fang
14 Spring Rain / Mizuyo Komiya
15 Silent Moon / Jia Peng Fang
16 Asian Wind / Live - Missa Johnouchi
17 Once Upon A Time / Live - Missa Johnouchi and Shao Rong
18 SEKAR sprit of plants / Jalan Jalan
19 KAJA come from / Jalan Jalan

Michael Manring - Unusual Weather

 

Michael Manring (nacido en Washington, D.C. en 1960) es un bajista de la zona de la bahía de San Francisco (California). Además de ser el bajista residente de Windham Hill Records, Manring ha grabado con Michael Hedges, Alex Skolnick (en las formaciones Skol-Patrol y Attention Deficit, de las que Tim Alexander de Primus también era miembro), Larry Kassin, Tom Darter, Steve Morse, David Cullen y muchos otros músicos destacados. Ha sido miembro de Yo Miles!, Henry Kaiser y la formación de tributo a Miles Davis Wadada Leo Smith desde su comienzo. Su actividad no ha cesado: recorre el mundo ofreciendo actuaciones. Manring estudió con Jaco Pastorius.

A menudo se habla de Manring como de un virtuoso de la técnica, ya que utiliza el bajo como único instrumento y, con frecuencia, se aprovecha de afinaciones inusuales.
A veces Manring toca dos bajos al mismo tiempo (e incluso tres) durante sus actuaciones.
Se le conoce por utilizar y defender los bajos Zon. En concreto el Hyperbass, un insólito instrumento de cuatro cuerdas muy flexible que codiseñó junto a Joseph Zon.
http://michael-manring.com/




Composed By - Michael Manring
Co-producer, Engineer [Assistant] - Michael Manring
Bass, Bass [High Bass], Vocals, Percussion, Piano, Synthesizer
[Homeward], Cello - Michael Manring
Drums - Kurt Wortman
Marimba - Bruce Martin
Percussion - Steve Bloom
Saxophone, Clarinet, Flute, Piano, Synthesizer, Vocals, Percussion - Bob Read

01 Welcoming (06' 21'')
02 Huge Moon (03' 46'')
03 Almost April (03' 31'')
04 Unusual Weather (03' 30'')
05 Sung to Sleep (03' 58'')
06 Thunder Tactics (02' 35'')
07 Longhair Mobile (03' 45'')
08 Homeward (03' 11'')
09 Not Even the Summer (03' 16'')
10 Sightings (05' 35'')
11 Big Feelings (03' 13'')
12 Thunder Tactics (reprise) (00' 39'')
13 Manthing (03' 12'')

Suara Parahiangan - Degung Sabilulungan - Sundanese Instrumentalia

Este disco vale la pena escucharlo. Es Gamelan, pero no en la clase intensa tribal de la forma en que se presenta en el gamelan Balines, El Sunda de Java es tranquilo, de meditación, e hipnótico. Es como el tipo de música de fondo que infecta tu conciencia, sin darte cuenta. Es una musica sorprendente.
El álbum utiliza metalófonos, xilófonos, tambores y gongs para golpearnos con un sonido hipnótico silencioso mientras una flauta toca una melodía rítmica.



Ensemble – "Suara Parahiangan" Group
Leader – Ujang Suryana

1. Sabilulungan    
2. Karedok Leunca    
3. Colenak    
4. Dikantun    
5. Ayun Ambing    
6. Ngantosan    
7. Karatangan Pahlawan    
8. Bandung    
9. Pemuda Indonesia    
10. Mojang Desa