Toots and the Maytals - The Very Best Of

 

ACTUALIZADO!!

Toots and the Maytals, originalmente llamados The Maytals, es un influyente grupo jamaicano de música ska y reggae.

Su líder, Frederick "Toots" Hibbert, nació en May Pen, Clarendon, Jamaica en 1945. Creció cantando música gospel en el coro de una iglesia, pero se trasladó a Kingston en 1961, donde conoció a Henry "Raleigh" Gordon y a Nathaniel "Jerry" McCarthy. Juntos formaron el trío vocal The Maytals. En 1962-63 grabaron el álbum "Never Grow Old - presenting the Maytals", con el productor Clement Coxsone Dodd en el Studio One, y con una base instrumental de The Skatalites.

Grabaron también con Prince Buster, pero su segundo álbum fue producido por Byron Lee en 1965.
Su carrera musical se interrumpió cuando Hibbert fue encarcelado entre 1966 y 1967 por posesión de drogas.

A la salida de Hibbert de la cárcel, el grupo volvió a unirse ya con el nombre oficial de "Toots & The Maytals" y empezarón a trabajar con el productor chino-jamaicano Leslie Kong. Estos años dieron lugar a éxitos como "54-46 that's my number" (en referencia a la temporada que pasó Toots en la cárcel), "Do the reggay" (1968, canción que acuñó por primera vez la palabra Reggae), "Pressure Drop" o su primer éxito internacional "Monkey Man". En 1972 ganaron su tercer festival en Jamaica, con su popular canción "Pomp & Pride". Ese mismo año participaron en la película "The harder they come", protagonizada por Jimmy Cliff, y que fuera de gran importancia para la difusión mundial del reggae. Dos de sus temas, "Sweet and Dandy" y "Pressure Drop", integraron el soundtrack de la película. Además sus temas tuvieron gran protagonismo en la pelicula sobre skinheads "This is England" del director Shane Meadows.



Tras la muerte de Leslie kong en 1971, el grupo continuó grabando con el ex-ingeniero de sonido de Kong, Warwick Lyn; el grupo realizó tres discos best-selling producidos por Lyn y Chris Blackwell de Island Records, y gozaron de hits internacionales con "Funky Kingston" en 1973 y "Reggae Got Soul" en 1975.

En el periodo 1978-80 Toots and the Maytals tuvieron un segundo aire durante el resurgimiento reggae-Punk y "Ska" en Inglaterra, conocido como 2 Tone. The Specials, representativa banda inglesa de este género, incluyó una versión de "Monkey Man" en su álbum debut. También The Clash realizó una versión de "Pressure Drop". En España también fueron versionados por la primera banda de ska de este país, kortatu; con su tema "sarri sarri" (el nombre real de esta canción es "chatty chatty")

Tras una nueva parada en los 80, en los años 90 Toots & The Maytals vuelven a la carga y actualmente siguen dando conciertos por todo el mundo.

Algunas bandas de los noventas como Sublime y 311en Estados Unidos o Los Pericos en Argentina han incluido sus versiones de éxitos de "Toots & the Maytals" en sus propios álbumes.

Su último trabajo "True Love" (2004) obtuvo el Grammy por el mejor álbum de reggae del 2004. En él cuentan con las colaboraciones de Eric Clapton, No Doubt, Shaggy o Ben Harper que hacen un repaso a sus temas más famosos como "Sweet and Dandy", "Bam Bam", "Reggae Got Soul" o "Pressure Drop".
Wikipedia

Tranquility in Bali, My Secret Places

Explora la hermosa naturaleza de Bali desde el
Palacio del Agua de Karangasem  hasta el famoso
templo sobre el mar de Tanah Lot .

Los sonidos suaves ayudan a calmar la mente y el cuerpo. La tensión, la fatiga, el estrés, no son rivales dignos de los sonidos relajantes de la naturaleza. Cierra los ojos y deja que tu mente se deje llevar por el oleaje de la orilla del mar, el canto de los pájaros, las fuentes y arroyos se combinan con los teclados para crear un álbum de serena belleza, ideal para la meditación, la relajación, o como música de fondo.

Music composer by See New Project

Producer by Ricky Sada

Label Maharani Records

01. Butterfly Kisses
02. Sunset After
03. Tranquility & Serenity
04. Sweet Dream
05. Two Hearts as One
06. The Wonders of The Deep
07. Secret Garden
08. Mountain Stream
09. Sunrise Melody
10. Rice Terrace Stream

Deodato - Prelude (CTI Records 40th Anniversary Edition)

Eumir Deodato nace en Río de Janeiro, el 22 de junio de 1943, de padres Italianos y Portugueses. Músico autodidacta, comenzó con el acordeón a la edad de 12 años, pero rápidamente obtuvo aptitudes instrumentales y orquestrales, que culminaron con su primera sesión de grabación, a la edad de 17 años. Originalmente, trabajaba como pianista y arreglista en Río, durante la escena del bossa-nova, y escapó junto con otros músicos brasileños de la Dictadura Militar en Brasil, mudándose a Nueva York y trabajando con Luiz Bonfá y, más tarde, con el productor Creed Taylor como arreglista y tecladista.
Su primer álbum en los Estados Unidos, Prelude, al público en 1973, fue considerado con un estilo de Big Band y música Latin Jazz y atrajo a una nutrida audiencia. Su genial versión funky de la obra de Richard Strauss, Also Sprach Zarathustra le valió el premio Grammy por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, en 1974. Ganando el lugar No. 2 en el Billboard de Estados Unidos y el No. 7 en el Reino Unido y fue usada en la película 2001, una odisea espacial.
Wikipedia.

Tracklist:
1. Also Sprach Zarathustra (9:04)
2. Spirit Of Summer (4:07)
3. Carly & Carole (3:43)
4. Baubles, Bangles, & Beads (5:23)
5. Prelude To The Afternoon Of A Faun (5:16)
6. September 13 (5:24)

Suzanne Teng - Mystic Journey

Suzanne Teng, es un flautista, cantante, compositora y maestra originario de Berkeley, California. Ella recibió su master en música en la Universidad de Boston de las Artes y después de un viaje aventurero por todo el mundo, amplió sus estudios de postgrado en la Universidad de UCLA Departamento de Etnomusicología, donde completó los cursos para el doctorado centrándose en la música y la sanación. Actualmente vive en Los Ángeles, donde ella realiza con su banda Suzanne Teng y Mystic Journey, grabaciones de bandas sonoras y grabaciones de sonido y presenta talleres de música. En conciertos y en las grabaciones, Suzanne toca la flauta C,  flautas alto, bajo y contrabajo, piccolo, Dizi (China), ney turco y zurna, bansuri indio, el Suling indonesio, zampoñas, flautas, pennywhistles, la flauta americana nativa, ocarinas, flautas de África y Europa del Este y los instrumentos de lengüeta doble de Egipto, así como la percusión y voz.

Ella es la ganadora de la 2006 International Acoustic Music Awards (Instrumental División) y en 2005 y 2001 Independent Music Awards (Mejor Nuevo Artista Joven), fue finalista del Independent Music Awards 2005 (Mejor Artista de Música del Mundo), el único artista que se ha nominado en dos categorías, Suzanne Teng y Mystic Journey y su mundo de la música contemporánea, Suzanne Teng toca música para el alma Esta música se quedará contigo para toda la vida...
http://magnatune.com/artists/teng

Topanga Dreams, for flutes, marimba, electronics, strings & keyboard
Katyia's Dance, for alto flute, western/eastern strings & keyboard
China Lily, for bass flute,djembe, ashiko, keyboard & chinese cymbals
Fertile Crescent, for world percussion, eastern/western strings & keyboards
Lhasa Love, for world percussion, eastern/western strings, fingerclapping & snapping
Aduman, for bamboo flute, panpipes, kora & percussion
Darjeeling Sunrise, for alto flute, pakawaj, kartals, harmonium & tanboura
Clouds Across the Darkness, for bass flute, wind chimes & Tibetan bowls
Silverlake, for flutes
Lotus, for alto flute & wind chimes
Mystic Journey by Suzanne Teng

Andres Gil - Introspeccions

Sintetizadores y Midi son los medios que utiliza Andrés para hablarnos de su fascinación por las culturas y músicas orientales..También aquí encuentras piezas para arpa, piano..."Un viaje imaginario de nuestro paraíso interior" (Andrés Gil)

Andres Gil es un musico influenciado por la tradicion clasica

occidental, a la vez que fascinado por las culturas y musicas

orientales.

Algunos de los temas de este album han sido inspirados por las

filosofias de la antiguedad, otros estan dedicados a lugares o

paises que en algun momento de su vida le han producido sensaciones

especiales.

Tras una amplia formacion en el Conservatorio Superior de Musica del

Liceo de Barcelona, Andres Gil se especializa en clavicembalo, piano

y musica Barroca. Sus antecedentes clasicos no le impiden ser un entusiasta

de la musica moderna.

Andres Gil ha trabajado coordinando recitales clasicos en directo en los que

sustituye la orquesta sinfonica por un equipo de sintetizadores. Realiza

tambien colaboraciones como musico de estudio y especialista en midi y

sintetizadores.

Los temas Gaia, Naif Dance y Oda per l´Home Cosmic constituyen

una pequeña suite taoista dentro de esa peculiar concepcion del

fluir natural de las cosas y de la musica.

TRACKS
1 Introspeccions
2 Open the Window of Your Heart
3 Tao Suite
  a/Gaia
  b/Naif Dance
  c/Oda per L´Home Cosmic
4 Greek Islands
5 For the Peace of Man
6 Elegy

Khamla Thanyaporn - Pia Harp Music - Northern Thai Folklore Music

ACTUALIZADO!!

Khamla Thanyaporn pertenece a una nueva generación de artistas del norte de Tailandia provincia de Chiang Mai, cantante y compositora, ha ganado el premio a la mejor grabacion de musica popular tradicional de su region, se acompaña de guitarra, dulcimer tailandes, instrumentos de viento tradicionales y un instrumento muy curioso distintivo del norte de Tailandia el Phin Pia.

El Phin Pia es una especie de instrumento de cuerda pulsada. El cuerpo está hecho de cáscara de coco. Cuando un instrumento se toca, la parte abierta del coco se lleva contra el pecho desnudo del musico que lo sostiene con fuerza pegado o separado, según el tono de sonido deseado.

En los viejos tiempos, fue interpretado por los jóvenes que deambulaban por el pueblo en la noche cortejando a las niñas. Hoy en día hay pocos músicos tocando este instrumento.

Los hombres del norte de Tailandia en los viejos tiempos utilizaban el Phin Pia para pasear por sus pueblos y cortejar a las jovenes. Sin embargo, el Gobierno prohibió la tarde de juego de la Pia Phin desde hace varias décadas debido a que los musicos a menudo se peleaban por las chicas y usaban la Phin Pia como armas. El resultado fué la disminución de la popularidad de la Phin Pia, quedando menos de diez musicos en las provincias altas del norte del país hasta que este instrumento popular ha sido ampliamente revivido en los últimos años por muchas instituciones educativas. La Phin Pia se toca generalmente en las ocho provincias de Lanna tailandés (Tailandia extremo norte) y por lo general tiene 1,2,3,4,5 y 7 cuerdas. En Lampang el de 4 cuerdas es ampliamente utilizado, mientras que en Chiang Mai, los musicos prefieren ya sea el 2 o 3 versiones de cuerdas.

01 - Pia harp music - New City (4:16).
02 - Pia harp music - Savannah Long Bao (4:18).
03 - Pia harp music - harp music, Pia (4:51).
04 - Pia harp music - urban life (4:47).
05 - Harp Music Spring Rolls - All Sa Paulo (Reprise) (3:09).
06 - Pia harp music - New City (Reprise) (3:01).
07 - Pia harp music - kick my car sound Mia (3:48).
08 - Pia harp music - a Used Gwa to marry me (3:59).
09 - Harp music, spring rolls - the city's north. Southern Boy (2:40).
10 - Harp music, spring rolls - blooms Videos (2:46).
11 - Harp music, spring rolls - Eh?e bake it (4:19).
12 - Harp music, spring rolls - Monprai (4:18).

Karsh Kale - Realize

Karsh Kale (nació el 01 de noviembre 1974) es un músico americano productor y compositor que se ha hecho un nombre como figura principal en el mundo de la fusión global. Mediante la mezcla de géneros tan dispares como la música clásica de la India y el folk con la electrónica, rock, pop y la música ambiental, el sonido de Karsh ayuda a definir el fenómeno llamado Dubbed de finales de los noventa como (Asian Massive, Asian Underground). Karsh también es conocido por sus cuatro discos en solitario Realize, Liberation, Broken English y Cinema en Six Degrees Records, así como la grabación de colaboraciones con Tabla Beat Science y Breathing Under Water. Karsh es un musico con mucho talento, musico de clase mundial con la tabla compositor baterista, artista remix, DJ le han llevado a trabajar con algunos de los mejores artistas en el mundo, que representan un corte transversal de muchos géneros como Zakir Hussain, Sting, Paul Oakenfold, Ravi Shankar, Bill Laswell, Herbie Hancock, Lenny Kravitz, Dj Spooky, Sultan Khan, Midival Punditz, Anoushka Shankar y Shekhar Kapur por nombrar unos pocos. Kale ha pasado a concentrarse en el mundo del cine. En los últimos años Kale ha trabajado en películas de Bollywood y películas independientes como Dum Maaro Dum (Fox, Sippy Productions) , Ashes (Front Stoop, Ajay Naidu) , Karthik Calling Karthik ,Excel, Vijay Lalwani. también se ha hecho giras por todo el mundo con sus propios grupos, así como invitado, con un afán de sonido en todas las direcciones posibles.

Karsh Kale (vocal, piano, keyboards, drums, tabla, percussion, bells, gong, programming, drum programming, loops, sampler);

Sultan Khan (vocals);

Kirk Douglass (guitar);

Ajay Prasanna, Steve Gorn (bansuri).

Shahid Siddiqui (vocals)

1. Empty Hands
2. Light Up the Love
3. Deepest Blue
4. Fabric
5. Longing
6. Distance
7. Tour Guide
8. Anja
9. Home
10. Satellite
11. One Step Beyond
12. Saajana
13. Conception

Ðuc Thành - Ðàn Bau 1-2-3

ACTUALIZADO!!
De acuerdo con el "Dai Nam Thuc Luc tien bien", el primer Dan Bau se hizo en 1770, sin embargo, muchos estudiosos estiman su edad de hasta mil años más que eso. Una leyenda popular de su inicio habla de una mujer ciega que tocaba en el mercado para ganarse la vida para su familia mientras su marido estaba en guerra. Si esta historia se basa en el hecho o no, lo cierto es que el Dan Bau históricamente ha sido interpretado por músicos ciegos. En su primera aparición, fue un instrumento muy simple formado por una sección de bambú, una varilla flexible, una calabaza o la mitad de un coco. Después de un proceso de evolución y mejora, la forma actual de la Dan Bau es un poco más sofisticado, sin embargo, sigue siendo bastante simple. Hasta hace poco, su volumen suave limitado el contexto musical en el que podría ser utilizado. El Dan Bau, se toca en solitario, es fundamental para la música popular vietnamita, un género que hoy en día sigue siendo popular en el país. Su aplicación tradicional es como acompañamiento de lecturas de poesía.

La palabra "monocorde" significa literalmente "una cuerda". En el monocordio, una sola cuerda estirada sobre una caja de resonancia. La cadena se fija en ambos extremos, mientras que un campo de puente móvil la altera. Originalmente, el Dan Bau era de sólo 4 partes: un tubo de bambú, una varilla de madera, una media cáscara de coco, y un cordón de seda. La cadena se encadena a través del bambú, atada en un extremo de la varilla, que es perpendicular unido al bambú. La cáscara del coco se adjuntó a la barra, que sirve como resonador.

En los últimos años, el Dan Bau se hace con mucho cuidado para asegurar la calidad estética y el sonido. Cuando se toca en público, se utiliza a menudo con un amplificador electrónico. Se ha logrado éxito en la amplificación del sonido, provocando un aumento en el volumen y la distancia que el sonido se propaga, sin dejar de preservar la calidad del sonido. El instrumento se toca en solitario o para acompañar un recital de poesía. Durante los últimos años, ha tomado un papel en el acompañamiento orquestal en la Cheo y Cai Luong ópera.

La ejecución del Dan Bau es simple pero requiere una gran precisión. El dedo meñique de la mano derecha suavemente golpea la cuerda en uno de los siete nudos de uso general, mientras que los otros dedos pulsan la cuerda con una púa larga. Con la mano izquierda, el musico puede empujar la varilla flexible hacia el instrumento con el dedo índice para disminuir el tono de la nota, o puede tirar de la varilla de distancia del instrumento con el pulgar para elevar el tono de la nota. Esta técnica se utiliza tanto para tocar las notas no están disponibles en un nodo, así como para añadir vibrato a cualquier nota.

Pham Duc Thanh
Pham Duc Thanh is a world-renowned musician known for his masterful ability on the Vietnamese one-stringed instrument (Dan Bau). He was born in 1958 in Ninh Binh , Vietnam . His talent was fully apparent from his youth: he was adept at the Chèo drumming style at age 4, he learned the mandolin at age 5, and he had begun playing Dan Bau (monochord) and Dan Nhi (2-string fiddle) at the age of 5. In 1974, Duc-Thanh left Hanoi to join the largest Cheo opera troupe in Vietnam and officially became a professional Dan Bau performer.
At the end of 1978 he was the only Dan Bau musician of the Cheo opera stage to attend the national Dan Bau competition of Vietnam in Hanoi ; soon after, he went to Saigon to study further the music of central and southern Vietnam . In October of 1983, he graduated with top honors from the Center for Musical Research of Vietnam. It was here that he became recognized as one of the rising musicians on Dan Bau in traditional as well as modern music.
He and his family moved to Canada in 1996. Today, he is an adored performer in Montreal . Beyond the traditional music of Vietnam , he has used the Dan Bau to integrate seamlessly with the sounds and rhythms of various ethnic sounds from around the world, following in the words of the poet Van Tien Le:
http://www.phamducthanh.com/

    One string with all words light and heavy
    Half a gourd containing a world of sound.

Đức Thanh - Đàn Bầu - Ngồi Tựa Mạn Thuyền (2000)

 Ðuc Thành - Ðàn Bau 2 - Làng Tôi (2001)

 Ðuc Thành - Ðàn Bau 3 - Giot Mua Thu (2003)

Kitaro - Shikoku 88 kasho

These CD is a kind of Best Of Kitaro. There's no new song. Tracks collected from Kitaro's many albums: Kojiki, The Light Of The Spirit, Ten Years, Tenku. Flying Celestial Nymphs, Presence, Silk Road and Linden are taken from Kitaro's World Of Music series which featuring Nawang Khechog and Yu-Xiao Guang.   
Amazon

01 Flying Celestial Nymphs (Hiten) 5:07
02 Presence (Seirei) 4:52
03 Oasis 5:57
04 Nageki 5:30
05 Silk Road 11:12
06 Legend Of The Road (Densetsuro) 4:36
07 Koi (Renbo) 6:32
08 The Field 4:49
09 Matsuri (Kyoen) 9:03
10 Linden (Bodaiju) 4:22
11 Voice Of The Wind (Kaze No Koe)

John Zorn - The Goddess Music for the Ancient of Days (2010)

John Zorn ha estado interesado en el mistisismo a lo largo de las últimas dos décadas, pero este hecho se ha visto más pronunicado en su música durante los dos últimos años. The Goddess: Music for the Ancient of Days, puede ser visto como una pieza que acompaña su otro trabajo editado en febrero, In Search of the Miraculous, igualmente imbuido en el pasado místico de la humanidad.
No debemos olvidar el hecho de que Zorn es uno de los tipos mas prolíficos en la historia de la música. Su afiebrada creatividad es capaz de generar tormentos auditivos indescriptibles como Late Works, su trabajo con Fred Frith, o maravillas electroacústicas llenas de vitalidad como el simpatiquísimo O’o (nombre de un pájaro hawaiano extinto). Dentro de este último rubro se encuadra The Godess; un ejercicio de belleza auditiva como solo el inefable John es capaz de concebir.

A veces es complejo abordar un disco de estas características desde un espacio dedicado al jazz “tradicional”; desde el “purismo excluyente”. Desde esa óptica es probable que este disco se haga inclasificable y se corra el riesgo de descartarlo sin mas trámite. Si nos paramos en la vereda opuesta, entendiendo al género como un hecho abarcativo; algo que no solo es un sonido, un estilo, una corriente, sino que es un modo de hacer un sonido, sea acústico, eléctrico o una fusión entre ambos, este disco cabe perfectamente y merece ser tenido más que en cuenta. Ambient con improvisación y espíritu de jazz o jazz con patrones de ambient; cualquiera de las definiciones puede corresponderle al disco. La pregunta es ¿importa la definición frente a la energía musical, la emotividad profunda y la belleza melódica extraordinaria que irradian las músicas plasmadas en el disco? Definitivamente no, según mi criterio.
 http://www.aeonbytegnosticradio.com/2011_06_01_archive.html 



 “The Godess es una impactante colección de odas en celebración a la mujer en los mitos, lo mágico y lo ritual a través de las eras” de acuerdo a las liner notes; un set de 7 temas maravillosamente interpretados por su colaborador de siempre Marc Ribot (guitarra) y otros músicos de primer nivel como Rob Burger (piano), Kenny Wollesen (vibráfono), Carol Emmanuel (arpa), Trevor Dunn (bajo acústico y eléctrico) y Ben Perowsky (batería), todos viejos conocidos de las distintas formaciones que comanda el impredecible Zorn. Hablamos de una banda que es una máquina de relojería en su forma de tocar y un generador de climas permanente que administra con habilidad y maestría toda la cromaticidad sonora compuesta para el disco; un viaje de ida por un ambient jazz luminoso, radiante, energético aún en los momentos más calmos. Lo escuchado evoca visualmente una mañana soleada de primavera.
http://www.artefacto.com.uy/themusicalbox/john-zorn-the-godess-music-for-the-ancient-of-days-2010-critica-disco.html

 

 

Rob Burger - piano
Trevor Dunn - abss
Carol Emanuel - harp
Ben Perowsky - drums
Kenny Wollesen - Vibes
Mark Ribot - guitar

1. Enchantress
2. Ishtar
3. Heptameron
4. White Magick
5. Drawing Down the Moon
6. Beyond the Infinite
7. Ode to Delphi

John Zorn - In Search Of The Miraculous (2010)

Hymns, prayers and sacred dances. 

ACTUALIZADO!!
No es un misterio la pasión y el interés obsesivo de John Zorn por todo lo oculto, esotérico y divino. Las tradiciones místicas, olvidadas por el hombre moderno encerrado en su racionalidad, han sido una fuerte de inspiración constante para el prolífico maestro estadounidense. La obra del saxofonista no sólo tiene un valor formal por su amplio bagaje musical y más que reconocida calidad estética, sino que también por su fundamento temático de fondo, que hace volar al espíritu a lugares de sabiduría milenaria: esa que es imposible borrar de la naturaleza humana a pesar del cientificismo, muchas veces soberbio y siempre reduccionista, de la cultura occidental. En el caso específico de este nuevo registro, Zorn se basa en las prácticas espirituales, la magia blanca y en general, en las tradiciones, ritos y mitos ancestrales.

 Los nombres de las piezas son decisivas para graficar el aura musical que encierra el disco: “Hymn Of The New Millenium”, “Journey of the Magicians”, “Mythic Etude”, “Prelude: For a Great Temple”. Lo apasionante de la visión esotérica o memoria colectiva mística expresada por Zorn, es que no son alucinaciones o inventos de una mente desvariada, sino que viceversa. Cada una de las historias que recrea a través de la música, fueron parte de las culturas pre-racionales de la humanidad. Lo curioso es que los magos, chamanes, ritos y tradiciones ocultistas, existieron en civilizaciones de América, Europa y Asia sin excepción. ¿Entonces, será que la magia es parte de la condición del hombre? Este nuevo trabajo de Zorn así lo demuestra. Al mismo tiempo, es un loable intento de rescatar este aspecto de la historia humana, pero también, de experimentar ese mundo perdido en carne propia.
http://www.rockaxis.com/vanguardia/cdaxi/john-zorn-in-search-of-the-miraculous/ 

Rob Burger (piano);
Kenny Wollesen (vibraphone);
Greg Cohen (acoustic bass);
Shanir Ezra Blumenkranz (electric bass);
Ben Perowsky (drums).

1. Prelude: From A Great Temple
2. Sacred Dance (Invocation)
3. The Book of Shadows
4. Affirmation
5. The Magus
6. Hymn for a New Millennium
7. Journey of the Magicians
8. Mythic Etude
9. Postlude: Prayers and Enchantment

VA – Spa India

Completa tu viaje de spa rejuvenecedor con el poder curativo de la música. Tan suave como una envoltura a base de hierbas, estos sonidos mágicos de Oriente te envolverán en sus tonos cálidos, te devuelven la calma y el bienestar, y restauran la paz interior.



 Tracklist:

01. Gary Stroutsos – Hindu Traveller (5:36)

02. Prem Joshua – Cosmo-Bali-Tan (8:47)

03. Desert Dwellers – Prana Shakti (7:46)

04. Manish Vyas – Ekoham (10:52)

05. Prem Joshua – The Seventh Eclipse (7:29)

06. Deva Premal – Sammasati (6:57)

07. Liquid Bloom – Whispers of Our Ancestors (6:50)

08. MC Yogi – Shanti-Peace Out (6:46)

Tulku - Seasons of Souls

 Tulku we are graced with voices from Persia, Aboriginal Australia, Egypt, India, Mayan culture and Native America. As we transformed this recording from concept to reality we were taken by the universality of these voices - the absolute common ground that is shared - the one voice from which all voices originate.
http://www.tulkumusic.com/html/tulku.html

 Personal:
Mamek Khadem, Ia Kamandalu, Verdell Primeaux, Johnny Mike, Tonello Greenfield, Robert Eagle Hawk (vocals); Don Alejandro Ciril Perez Oxlaj (spoken vocals); K.D. Kagel (vocals, harmonium); Ashley Dargan (vocals, didgeridoo); Daoud Al Jerrahi (vocals, tambur); Loga Ramin Torkian (quartertone guitar); Tim Reynolds (guitar); Paul Brown (oud); Alicia J. Ultan (viola); David Bilides (santouri, kaval); Richard Larsen (harmonium); Jim Wilson (keyboards, synthesizers); Steve Tavagilione (ewi); Paul Brown (acoustic bass); Steve Snow (bass,programming); Jeff Sussman, Poly Tapia Ferber (percussion).
 
 

 1-MEENA DEVI
2-HEART OF HEAVEN, HEART OF EARTH
3-FIELDS OF OFFERING
4-SPIRAL DANCE
5-COLD MOUNTAIN MELTDOWN
6-TIPARI
7-THE FALCON
8-THE FIRE THAT SPEAKS
9-LIFE ETERNAL
10-SEASON OF SOULS

Cyril Pahinui and Bob Brozman - Four Hands Sweet and Hot

Hawaiian slack key guitarist Cyril Pahinui was born on April 21, 1950, and raised on the island of Oahu; his father, Pops Gabby Pahinui, was a famed slack key guitarist as well, with the family's home a frequent gathering place for local musicians. Influenced by his father as well as family friends like Atta Isaacs and Sonny Chillingworth, Pahinui took up the guitar at age seven, quickly gaining entry to the endless jam sessions going on in his home; he began playing professionally about five years later, and at age 15 he and his brother Bla started a rock band dubbed the Characters. In 1968 Pahinui joined the group Sunday Manoa; a two-year Army stint followed, and upon his return from duty, he joined his father on a series of classic LPs cut for the Panini label. During the mid-1970s he formed the Sandwich Isle Band, one of the first young groups to revive the traditional steel guitar and perform the jazz-inspired material of the pre-World War II era; in 1979, Pahuini also joined the Peter Moon Band. After a series of solo records as well as a collaboration with siblings Bla and Martin, he signed to the Dancing Cat label in 1994 to cut the acclaimed 6 & 12 String Slack Key, winner of the Na Hoku Hanohano Award for Instrumental Album of the Year; the follow-up, Po Mahina, appeared in 1997. Two years later Pahuini teamed with Bob Brozman to cut the duets collection Four Hands Sweet & Hot.
http://www.allmusic.com/artist/cyril-pahinui-p111972/biography
http://www.bobbrozman.com/fourhands.html

01. Hilo E/E Lili'u E (Instrumental)
02. Wai Ulu (Instrumental)
03. Lei 'Ohu (Instrumental)
04. Lihu'e (Instrumental)
05. E Mama Ea (Instrumental)
06. Hawaiian Cowboy (Instrumental)
07. Inikiniki Malie (Gentle Pinches Of The Wind) (Vocal)
08. Lei No Ka'iulani (Instrumental)
09. Lbc Slack Key (Instrumental)
10. Coquette (Instrumental)
11. E Nihi Ka Hele (Vocal)
12. Wai' Alae (Instrumental)
13. Kela Mea Whiffa /Hilo March (Instrumental)
14. Hula O Makee (Vocal)
15. Hilo Hanakahi (Instrumental)
16. Ku'u Lei (My Wreath Of Flowers) (Instrumental)

Värttinä - Seleniko

En 1983, un pequeño grupo de niñas pre-adolescentes en Rääkkyla, en la región de Karelia del este de Finlandia, las hermanas Sari y Mari Kaasinen y su madre Pirkko, comenzaron a recitar y cantar viejas poesías de Carelia y canciones tradicionales, acompañándose con en Kantele , el instrumento nacional finlandés - como la cítara. Lo que comenzó como un pasatiempo se convirtió rápidamente en una misión: revivir las canciones tradicionales de Karelia y presentarlas de una manera nueva. El grupo pronto se convirtió en 21 con quince cantantes y seis musicos jóvenes en el acordeón, saxofón, guitarra, contrabajo, violín y flauta. Buscando nuevas formas de presentación, los cantantes desarrollaron un estilo vocal más agresivo y potente; voz alta, casi gritando. Esta concepto vocal instrumental fue provocador y nuevo en la música folk de Finlandia y Värttinä rápidamente ganó el reconocimiento nacional.



    Accordion – Riitta Potinoja
    Bouzouki, Saxophone, Tin Whistle – Janne Lappalainen
    Double Bass, Performer [Domra] – Tom Nyman
    Guitar – Reijo Heiskanen
    Mastered By – Pauli Saastamoinen
    Percussion – Tom Nekljudow
    Producer – Hijaz "Hank B" Mustapha*
    Trumpet – Anu Laakkonen
    Violin, Kantele, Banjo – Kari Reiman
    Vocals – Kirsi Kähkönen, Mari Kaasinen, Sari Kaasinen, Sirpa Reiman

01 - Seelinnikoi
02 - Lemmenosto
03 - Kylä Vuotti Uutta Kuuta
04 - Sulhassii
05 - Matalii Ja Mustii
06 - Hoptsoi
07 - Suuret Ja Soriat
08 - Leppiäinen
09 - Pihi Neito
10 - Mikä Miulla Mielessä
11 - Kiirama
12 - Hyvä Tyttönä Hypätä
13 - Fanfaari
14 - Paukkuvat Pasuunat

Värttinä - Vihma

Hace siglos, en Finlandia, los campesinos cantaban poemas épicos acompañados de su “kantele” una especie de arpa de diez cuerdas Recuperando esa costumbre, el grupo finlandés Värttinä apuesta por la música tradicional para crear un estilo propio. La pureza de las voces femeninas y los sonidos del acordeón, el ancestral kantele y la percusión se aúnan en “Vihma”, su producción discográfica año 1999, que afirma su evolución hacia terrenos pop-folk.

Pancho Quinto - Rumba sin Fronteras

ACTUALIZADO!!

El percusionista de origen cubano Pancho Quinto, mas conocido en los Estados Unidos como el baterista de la mano poderosa, es un artista dedicado a la tradición y la innovación. Él es maestro de los ritmos de la rumba afrocubana, por su estilo guarapachangeo único, que combina el cajón en forma de caja y los tambores batá, En este CD, que se llama Rumba sin fronteras, Quinto está acompañado por una impresionante lista de músicos cubanos y norteamericanos, con el pianista Omar Sosa, el percusionista del área de la Bahía John Santos, el cantante Octavio Rodríguez, el saxofonista Enrique Hernández, y los vocalistas Lázaro Rizo y Guillermo "El Negro" Triana. Crean una grabación espléndida y sincopada como antiguos himnos ancestrales de la Madre África y la América moderna como el hip-hop del siglo 21. los mejores temas como "La Gorra" y la kalimba "Sosa En El País De Las Maravillas" que representan la electro-fusión folclórica, mientras que el "Bolero En Medio Del Carnaval", "A Esos señores", y "Aspirina" el mejor ritmo síncopado secular y sagrado de Cuba. Con entusiasmo y visión, Pancho Quinto demuestra que la extensión de África en las Américas ofrece una fuente inagotable de inspiración y de invención.

La música de Pancho Quinto es un crisol único de elementos rítmicos y armónicos rara vez se escuchan en la música contemporánea las innovaciones en las características de la percusión de la rumba cubana. Rumba Sin Fronteras pone de relieve el espíritu de la improvisación que hace Pancho como una fuerza importante en el desarrollo de la música cubana es uno de los grandes innovadores del mundo de la percusión. En esta grabación, varias generaciones de músicos colaboran en una asombrosa mezcla de las tradiciones afro-cubanas y afro-americanas, con la creación de una "rumba sin fronteras".

Fuente: Amazon

Personal:
Pancho Quinto (quinto, bata, percussion);
Guillermo "El Negro" Triana, Lazaro Rizo (vocals);
Gregorio Landau (guitar);
Octavio Rodriguez (quinto, bata, percussion);
Enrique Fernandez (soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone);
Omar Sosa (piano, keyboards, marimba);
Jesús Diaz (drums, timbales);
Miguelito Miranda (bata, claves);
John Santos (bata, percussion);
Alexander Nápoles (claves, timbales).


    
    1    La Gorra          
    2    Bolero en Medio del Carnaval          
    3    A Esos Señores          
    4    Sosa en el Pais de las Maravillas          
    5    Aspirina          
    6    Solo Mi Arte          
    7    Caridad          
    8    Water Please          
    9    Mi Derrota          
    10    Cuando Baila Cachita

Ry Cooder - Into the Purple Valley

El guitarrista Ry Cooder era un respetado músico de sesión antes de iniciar su carrera en solitario. Su estilo floreció plenamente en este, su segundo álbum, que es un compendio de brillantes temas folk de la América mas profunda, con acompañamiento ajustado, el artista a través de canciones en gran parte procedentes de las baladas de la época de la Depresión, entre ellas "Vigilante Man" de Woody Guthrie y el gran tema de Leadbelly "On A Monday.

"Canciones tradicionales como "Billy the Kid", acurrucadas junto a piezas más contemporáneos como el tema de Johnny Cash, "Hey Porter" y es en el tema del guitarrista de Las Bahamas Joseph Spence "Great Dream From Heaven." Donde la Voz torpe de Cooder captura el quejumbroso estilo la atmósfera retro, pero ademas es su trabajo con la escalofriante guitarra slide (por no hablar de su facilidad con la mandolina, y la guitarra hawaiana, y otros instrumentos de cuerda) por los que este disco es reconocido.

 1. How Can You Keep Moving (Unless You Migrate Too)
2. Billy The Kid
3. Money Honey
4. F.D.R. In Trinidad
5. Teardrops Will Fall
6. Denomination Blues
7. On A Monday
8. Hey Porter
9. Great Dream From Heaven
10. Taxes On The Farmer Feeds Us All
11. Vigilante Man