Didier Malherbe - Zeff

Didier Malherbe en el ambiente de la revolución freaky en París en mayo de 1968, conoció al cantante australiano, guitarrista y poeta, ex-miembro de Soft Machine, Daevid Allen con el que participó en la creación de GONG. Esta banda-comunidad internacional se incubaron en Deyá, Mallorca, y realizaron una gira por Francia y Europa antes de presentarse en la escena británica a partir de la primera edición del Festival de Glastonbury en junio de 1971.

Zeff, El título del álbum se deriva de Zephyr, y es también el nombre que dio a una flauta de plástico, bajo circular que tocó con VANGELIS en la banda sonora de la película de Ridley Scott, "1492 La conquista del paraíso", así como en el diario jingles para la televisión France 3. El álbum fue aclamado con un ffff en Telerama, uno de los mejores premios francéses.

Después de haber pasado muchos años absorbiendo influencias musicales y rítmicas de todo el mundo, Didier desarrolló un ávido interés en la recopilación de instrumentos exóticos, cada uno de los que le ofrece la oportunidad de explorar y abarcar nuevos estilos de sonido y se acerca a la composición.
Uno de los discos más experimentales de Didier que se basa en un nuevo instrumento de plástico circular el Zeff en la foto de la portada. Didier es un músico total y de talento natural el resultado es nada menos que magnífico. Una gran cantidad de amigos estan en el CD en la adición de las texturas melódicas y el ambiente musical que componen esta joya poco conocida de un álbum que se eleva más allá de cualquier categoría musical.

Zeff dance [4'10] (Didier Malherbe)
Zeff waves [8'09] (Didier Malherbe)
Drôle de Zeff [3'18] (Didier Malherbe)
Zeff over the dunes [6'22] (Didier Malherbe/Shyamal Maitra)
Zeff up [2'04] (Didier Malherbe)
Zeffing away [4'03] (Didier Malherbe)
Zeff in the box [5'54] (Didier Malherbe/John Livengood)
Am stram jam [4'18 (Didier Malherbe/Jean Philippe Rykiel)
South calls [4'05] (Didier Malherbe)
Impromenade [10'26] (Didier Malherbe)

Didier Malherbe {Circular Plastic Bass Flute, Alto Flute, Indian Bamboo Flutes, Ocarinas, Alto Clarinet, Soprano and Tenor Saxophones, WX7 Midi Sax, Percussion}

Shamal Maitra {Tablas, Ghatam, Djembé, Bowls, Zeff Gongs, Sanza, Water Bells and other percussion}

Gilles Cissoco {Djembé: 1}

Lansine Kouyate {Balafon: 1}

Soriba Kuyate {Kora: 8, 9}

Jean-Philippe Rykiel {Synth: 8}

Henri Agnel {Sarod: 10}

Loy Ehrlich {Piano: 8; Gembri Bass: 9}

John Livengood {Digital Processing: 7}

Nass Marrakech - Bouderbala

Nass Marrakech con Omar Sosa & Jorge Pardo

Yes, this is an authentic Gnawan band, an outfit from the deserts of Northwest Africa, playing centuries-old traditional trance music originally used in indiginous healing ceremonies. Here, the band is broadened out to include flute, mandolin, marimba, sax, violin, Bulgarian gaduka, Brazilian percussion, and piano. It's the latter instrument, played by that inimitable, iconoclastic Cuban pianist Omar Sosa, that makes this far more than just another offering of some relatively obscure example of world-folk music.

Nass Marrakech se fundó en 1991 con la intención de interpretar de una forma respetuosa pero al mismo tiempo actual, la tradición de los pueblos "gnawa", los antiguos esclavos e inmigrantes procedentes del Africa Sub-Sahariana que fueron llevados al Magreb por los Arabes durante la Edad Media.

Estos pueblos mantienen aun hoy día un peculiar dialecto y forman cofradías que realizan rituales de trance curativo. Ceremonias que duran toda la noche y que como tal son llamadas "Lila Gnawa" (noche gnawa). En estas ceremonias el maestro canta diferentes grupos de canciones, cada grupo relacionado con un color y un espíritu hasta que encuentra el color que lleva al enfermo al trance. Una vez este se despierta del trance esta más fortalecido espiritualmente para hacer frente a las vicisitudes de la vida cotidiana.

Los fundadores de Nass Marrakech fueron: Moulay M'Hamed Ennaji "Sheriff", mandolinista y laudista, especialista en música popular y Andalusí, pero que siempre había estado fascinado por la fuerza hipnótica de la música gnawa y Abdeljalil Kodssi, cantante de origen gnawa, quien había sido fundador de otros grupos como Muluk el Hwa y había colaborado con músicos de jazz como el fallecido Don Cherry. Posteriormente se les une el que está considerando el maestro gnawa más joven de todo Marruecos: Abdelaziz Arradi quien con 32 años tiene un amplio bagaje como maestro, a parte de haber acompañado a la cantante Franco-Marroquí: Safo..

Nass Marrakech investigan desde su fundación en el patrimonio gnawa: una música basada en las repetición de formas rítmicas superpuestas y en cantos típicamente africanos de "llamada y respuesta". Una música al mismo tiempo popular y sacra , que está directamente conectada con las restantes músicas de la diáspora negro-africana (el blues, el gospel, los cantos yoruba, la samba, etc), al tiempo que emprenden caminos nuevos, en direcciones como el jazz o la música electrónica más vanguardista, sin dejarse tentar por la fusión con el pop, a diferencia de otros interpretes del Magreb.

Reescriben canciones tradicionales, recuperando fragmentos de textos originales respetando siempre en ritmo y color gnawa, y escriben sus propios temas con textos sobre temáticas tan actuales como: el racismo, la necesidad de la paz o la ecología e incorporando arreglos y rítmicas procedentes de la amplia raíz africana esparcida por el mundo.
http://www.ptwmusic.com/bios/nass.htm

The Bothy Band - Out of the Wind into the Sun

By the time their third album, "Out of the Wind, Into the Sun," was released, there was no doubt in anyone's mind that siblings Micheal O Domhnaill and Triona Ni Dhomhnaill, rhythm genius Donal Lunny, piping king Paddy Keenan, flute virtuoso Matt Molloy, and brilliant fiddler Kevin Burke stood at the very summit of Celtic music - a group admired by all, imitated by many, surpassed by none.
[Green Linnet]

Dónal Lunny (Arranger, Bodhran, Bouzouki, Guitar, Keyboards, Producer, Synthesizer)

Kevin Burke (Fiddle)

Matt Molloy (Flute, Whistle (Human), Whistle (Instrument), Wind)

Mícheál Ó Domhnaill (Guitar, Producer)

Paddy Keenan (Low Whistle, Pipe, Whistle (Human), Whistle (Instrument))

Tríona Ní Dhomhnaill (Clavinet, Harmonium, Keyboards, Piano (Electric), Vocals)

01.The Morning Star, The Fisherman's Lilt, The Drunken Landlady
02.The Maids Of Mitchelstown
03.The Leitrim Fancy, Round The World For Sport, Rip The Calico
04.The Streets Of Derry (Derry Gaol)
05.The Pipe On The Hob, The Hag At The Churn
06.The Sailor Boy (My Boy Willie)
07.The Blackbird
08.The Strayaway Child
09.The Factory Girl
10.The Priest, Mary Willie's, This Is My Love, Do You Like Her

Didier Malherbe - Fluvius

En 1994 Didier lanza su cuarto disco en solitario Fluvius, con cada nuevo álbum, Didier sorprende al oyente con instrumentos recién descubiertos y dominando los sonidos, por lo que cada grabacion es única por sí misma, llena de un entusiasmo fresco y espíritu de aventura.

Este album completa la serie de los cuatro elementos: Bloom-tierra, Fetish-fuego, Zeff-aire, y Fluvius-agua.

Didier Malherbe : Flute alto, piccolo, bamboo, saxophone sopranino, soprano, alto, tenor, clarinette alto, tenor

Henri Agnel : Oud, sarod, flamenco guitar, rebec, treated piano, rings, t'bel

Loy Ehrlich : Hajouj, bolong, kora, pianos, V.F.X., ASR10, percussions

Shyamal Maïtra : Tablas, darbouka, ghatam, various percussions

1 La Source
2 Petit Torent Deviendras Grand
3 Pyxie Java
4 La Bougeotte
5 Broken Waves II
6 Trashville
7 Serpent D'Etoiles
8 Au Moulin D'Ande
9 Guadalquivir
10 La mouette
11 Blues de L'Horizon
12 Retour aux Sources

The Bothy Band - Old Hag You Have Killed Me

El segundo álbum de la banda, grabado en 1976 con Kevin Burke reemplazando a Tommy Peoples en el violín. A pesar de que el sonido de la banda ha perdido un poco de su crudeza inicial, también se convirtió en mucho más pulido y sofisticado, y mientras que las pistas instrumentales se mantuviron superlativas, el magnífico sonido vocal en "Fionnghuala" y "Calum Sgaire" le dio al álbum una nueva dimensión.la aportación de Burke era formidable, quizá no menos que en el reel de cuatro partes "Farewell to Erin." Otro clásico fantástico.
http://celticgrooves.homestead.com/CG_Bothy_Band_Hag.html

Kevin Burke: fiddle

Matt Molloy: flute, tinwhistle

Paddy Keenan: uilleann pipes, tinwhistle, low whistle

Donal Lunny: bouzouki, guitar, bodhran, vocals

Triona Ni Dhomhnaill: clavinet, harmonium, vocals

Micheal O'Domhnaill: guitar, vocals

1. Music in the Glen
2. Fionnghuala
3. The Kid on the Mountain
4. Farewell to Erin
5. Tiochfaidh an Samhradh (Summer Will Come)
6. The Laurel Tree
7. 16 Come Next Sunday
8. Old Hag You Have Killed Me
9. Calum Sgaire
10. The Ballintore Fancy
11. The Maid of Coolmore
12. Michael Gorman's

The Bothy Band - 1975 The First Album

En los tres años que The Bothy Band estubieron juntos, surguieron como una de las bandas mas emocionantes en la historia de la musica celta. Aunque gran parte de su repertorio se basaba en la música tradicional de Irlanda, su entusiasmo y virtuosismo musical partió ondas que aún se dejan sentir.
La génesis de la Bothy Band se desató en 1975, cuando Dónal Lunny dejó Planxty para formar su propia compañía discográfica, Mulligan. Uno de sus primeros proyectos lo llevaron junto con el gaitero Paddy Keenan, el flautista Matt Molloy el violinista Paddy Glackin, y el acordeonista Tony MacMahon. El grupo pronto se unió a los hermanos Michael O Domhnaill en guitarra acústica y Tríona Ni Dhomhnaill en clavinet y voz. Provenientes de una familia musical, con su tía que ha aportado 286 canciones a la colección del folclore para la Universidad de Dublín, los dos habían trabajado anteriormente, junto con su hermana Maighread, en el grupo tradicional irlandes Skara Brae. En un principio se llamaban Seachtar, que se traduce como "siete", el grupo reformado como The Bothy Band después que MacMahon viniera a convertirse en un productor de la BBC. El debut de la banda se produjo el 2 de febrero de 1975, cuando se presentaron en el Trinity College de Dublín.

A pesar de su gran legado, The Bothy Band sólo registró tres álbumes de estudio: The Bothy Band, Old Hag You Have Killed Me, y Out of the Wind into the Sun. Un álbum en vivo, After Hours, lanzado en 1979, fue grabado en el Palacio de las Artes Francesas de París. En 1995, un segundo álbum en vivo, Live in Concert, fue lanzado con las pistas grabadas en Londres por la BBC en el Teatro Pares en julio de 1976 y el Teatro Nacional de Kilburn, en julio de 1978.

Con la desintegración de la Bothy Band en 1979, los músicos de la banda siguieron desempeñando papeles musicales influyentes. Lunny regresó por un tiempo con Planxty y luego ayudó a formar la banda de rock celta Moving Hearts. Siguio trabajando como productor de discos colaboro con el ex vocalista de Silly Wizard Andy Stewart. Al trasladarse a los Estados Unidos, Tríona Ni Dhomhnaill formó la banda Touchstone de corta duración y, más tarde, se unió con su hermano para formar Relativity y mas tarde Nightnoise. Matt Molloy y Kevin Burke siguieron trabajando juntos en Patrick Street. ~ Harris Craig, All Music Guide

Su homónimo primer álbum de 1975 (reeditado más tarde como 1975: The First Album) suscitó el reconocimiento por parte de la crítica

Dónal Lunny (Bouzouki, Producer, Vocals)
Matt Molloy (Flute, Whistle (Human))
Mícheál Ó Domhnaill (Guitar, Producer, Vocals)
Paddy Keenan (Uillean Pipes, Whistle (Instrument))
Tommy Peoples (Fiddle)
Tríona Ní Dhomhnaill (Bodhran, Harpsichord, Vocals)

1. Kesh Jig/Give Us a Drink of Water/The Flower of the Flock/Famous Ballym
2. The Green Groves of Erin/The Flowers of Red Hill
3. Do You Love an Apple
4. Julia Delaney
5. Patsey Geary's/Coleman's Cross
6. Is Trua Nach Bhfuil Mé in Éirinn
7. The Navvy on the Line/The Rainy Day
8. The Tar Road to Sligo/Paddy Clancy's
9. Martin Wynne's/The Longford Tinker
10. Pretty Peg/Craig's Pipes
11. Hector the Hero/The Laird of Drumblaire [Strathspey and Reel]
12. The Traveller/The Humours of Lissadell
13. The Butterfly
14. The Salamanca/The Banshee/The Sailor's Bonnet

Sorma - Mirage of the East

El segundo álbum de Sorma Mirage of The East entrega más de su mezcla única de música electrónica y músicas del mundo. India, mongol, tibetano, y los cantos y canciones Balineses forman la columna vertebral de canciones como "Gumbalo", "Aouma", y "Ki-Zu-Na". "Sari Satie" combina una melodía cadenciosa, inspirada en Eric Satie  con voces indígenas, y "Mirage (Mantra Mix)", añade otra capa de profundidad a una canción que apareció en el álbum debut de Sorma, Ilusión. Koto, shakuhachi, sitar, tabla, arpa, guitarra, sintetizadores y ritmos de baile son sólo algunos de los componentes instrumentales que Sorma utiliza en su marca impresionante de la fusión global.
Heather Phares ~

Padma, Nergui, Telesa, Nergui, Eri Sugai,(vocals);
Eijiro Shimada (guitar);
Emiko Miyazaki (koto);
Tadahiro Wakayayashi (sitar);
Eiji Satoh (syakuhachi);
Takumi Shinya (fue);
Rikiya Yamashita (piano)

Audio Mixers: Keico Yoda; Sorma; Tomohiro Sato

1.    Gumbalo
2.    Aouma
3.    Miyabi
4.    Legend of the Spring
5.    Satie's Sari: Original    
6.    Mirage: Mantra Mix     
7.    Holy Mountain
8.    Ki-Zu-Na: Orchestra Mix
9.    Bagus Flyer: Southern
10.    Ten Thousand Sheep

Tata Dindin & Hans Ludemann - African Dialogues

El arpa Kora es un símbolo de la gran tradicion musical de África occidental, tal y como el piano encarna la tradición europea. Estas dos tradiciones se unen en la colaboración de Tata Dindin, maestro de la Kora de Gambia, y Hans Lüdemann, virtuoso del piano de Alemania. Aparte del piano, Lüdemann también utiliza su antecesor, el clavicordio y, por tanto se relaciona de nuevo con Johann Sebastian Bach, padre de todos los instrumentos de teclado. Tata Dindin no sólo es un virtuoso de la kora, sino también un vocalista muy talentoso.

El estreno del dúo tuvo lugar en la primavera de 1997 en Dakar, Senegal. Durante una gira de conciertos de Lüdemanns, organizado por el Instituto Alemán Goethe, ambos músicos se conocieron en los conciertos que tuvieron una recepción entusiasta. Las bases de una colaboración continua e intensiva con Europa se establecierón.
Esta colaboracion en vivo es la grabación completa de un concierto en agosto de 1999 en el "Stadtgarten" en Colonia, Alemania, como parte del Festival Popkomm.

Tata Dindin es un "Griot". Esto significa que a través de su padre y sus antepasados ??se encuentra en una línea con los grandes maestros de la música tradicional africana, el canto y la tradición histórica. Su instrumento, la kora, un arpa africana, con 21 cuerdas. Los griots de África son considerados como los curanderos. La música como una fuerza sanadora, la música con alma - se trata de un nivel, en el que Lüdemann y Dindin han conectado inmediatamente.

Lüdemann tiene una relación especial con África y su música que ha desarrollado durante muchos años a través de relaciones personales y viajes extensos. Musicalmente este interés se expresó por primera vez en su CD en solitario "The Natural Piano", donde incorpora temas y motivos africanos. Lüdemann ha transducido la música africana con el piano y la combina con su arte de la improvisación, que ya ha demostrado en muchas otras situaciones musicales, tales como su trabajo con Paul Bley o Garbarek sobre la base de la polifonía europea y africana polyrhthm Lüdemann ha desarrollado su propio estilo de música tocando el piano ", un lenguaje reconocible de su propio" http://www.weltmusik.de/iwalewa/artists/h/hans_luedemann.htm

Tata Dindin es desde su CD en solitario "Salam", uno de los musicos más prolíficos de la Kora. Él no sólo encarna la tradicion, sino que también transporta la Kora a nuestro tiempo. También electrifica su instrumento e incluso ha sido considerado como el "Jimi Hendrix de la kora".
En su programa de dúo, Lüdemann y Dindin se relacionan con el tradicional repertorio de la Kora. Pero, es más que eso, han desarrollado composiciones que van mucho más allá de eso y que incluyen elementos de la música europea y la improvisación. Su música es fluida y inpretenciosa. Tiene un sabor suave y de meditación que está lejos de todo "New Age" - Muzak.

Sorprendente tan bien es, la mezcla de la Kora con el sonido del piano. Una explicación podría ser que ambos son instrumentos de cuerda. Pero también sus funciónes musicales son similares. Ambos son el instrumento de los diseñadores, directores de los musicales y compositores. Ambos instrumentos pueden ser solistas, y acompañante, al mismo tiempo. Aún más perfecta es la mezcla de Kora y el clavicordio. Los timbres de ambos instrumentos son tan similares, que a veces casi no se puede separar el uno del otro. Pero en su combinación crean una amplia gama de frescos colores musicales.

Ambos músicos son casi de la misma edad y han tenido una carrera internacional con conciertos, en radio y televisión producidas en todo el mundo. Con su colaboración están abriendo una nueva perspectiva para sus instrumentos, para nosotros, para ellos y para la música.
http://www.rism.de/kora.en.html

Tata Dindin - voice/ kora
Hans Lüdemann - piano/ clavichord



1. Nanifa (6:49)
2. Ella est la (4:51)
3. Duga (5:54)
4. For Tata (7:13)
5. Heimkehr (4:29)
6. Ado (6:20)
7. Salam (5:44)
8. Kano (6:34)

V.A. Nouvelles Seychelles. New Beats from Paradise

las islas Seychelles son conocidas como destino de vacaciones, pero casi nadie conoce su música eso cambiara cuando escuche esta compilación encantadora de un grupo cultural de las islas al noreste de Madagascar, Nouvelles Seychelles. Representa a los músicos más importantes de los 455 kilómetros cuadrados del extenso archipiélago en un total de diecisiete canciones una impresión de los ricos sonidos del paraíso turístico.

El pequeño estado, que consta de 115 islas, más de 75.000 habitantes. Los descendientes de colonos franceses, de los colonos Ingléses, de los esclavos africanos y los inmigrantes asiáticos han desarrollado durante la ocupación y después de la independencia en 1976, una forma independiente de la música, la facilidad del Caribe, el ritmo de Africa, la India y los sonidos de Europa siempre con nuevas combinaciones entre sí, junto a la cantante Jenny Letourdie acerca la tradición criolla con el sonido pop occidental contemporáneo, May-Cécile Lajoie demuestra una fuerte influencia de la chanson francesa, El bajista Golty Farabeau con el reggae y los sonidos de las islas Seychelles a la "Seggae", Y David André, con su música hip-hop tropical, le ponen inmediatamente con un buen estado de ánimo.

Al escuchar este disco, nos gustaría estar en las playas de arena, cocoteros y el atolón de coral más grande del mundo. Es decir, cuando el estado de ánimo pide verdadera fiesta. - Harald Kepler





01. Jean-Marc Volcy - Gou Kreol
02. Jenny Letourdie - Leokri
03. Patrick Victor - Alois
04. Patrick Victor - Sa Lepok
05. May-Cécile Lajoie - Lespwar Lanmour Enposib
06. Jean-Marc Volcy - Lou Lou Moulaka
07. Ralf - Dan Lafore
08. Golty Farabeau - Mantalite
09. Jenny Letourdie - Otto Ek Kamila
10. Ralf - Dimoun Pe Koze
11. John Vital - Ton Milo
12. David Andre - Ton Milo
13. Patrick Victor - Tyotyo
14. David Andre - Kotis an glisan
15. Latroup Folklorik - Men Gos Men Drwat
16. Joe Samy - La Sezon Kreol
17. Acoustic Café - Vinn Dans Avec Nou

Silly Wizard - The Early Years

Silly Wizard fue una banda de folk escocés, formada alrededor de 1971 en Edimburgo por Johnny Cunningham (violín, viola, mandola, voz), Bob Thomas (guitarra, mandolina, mandola, banjo, concertina) y Gordon Jones (guitarra, bodhrán, voz, bouzouki, mandola).

Actuaron en el Triangle Folk Club durante un tiempo, dando posteriormente una gira por Francia en 1972. Poco después firmaron un contrato con Transatlantic Records para grabar un álbum con Maddy Taylor, quien había cantado con ellos en la gira. El álbum fue grabado, pero nunca llegó a ser comercializado. La banda, a continuación, incorporó a Phil Cunningham, (acordeón, tin whistle, Armonio, Sintetizador, guitarra, voz), Alastair Donaldson, Martin Hadden (bajo, guitarra, piano) y Andy M. Stewart (voz, whistle, banjo). Su primer LP publicado fue Silly Wizard, con el que comenzaron una gira por Europa. Hubo algunos cambios de formación antes de grabar su segundo LP, Caledonia's Hardy Sons (Highway Records). Silly Wizard tocó una gran variedad de música folk escocesa, instrumental o no, desde rápidos jigs o reels hasta aires lentos. Mientras la mayoría de la música que tocaban eran temas tradicionales, la banda también compuso varias por su propia cuenta. Phil Cunningham compuso generalmente temas instrumentales centrados en el acordeón, y Stewart compuso varias canciones a menudo claramente tradicionales. El sonido global del grupo cambió poco hasta su último álbum, A Glint of Silver, que introdujo el sintetizador como una parte prominente de la banda, dándoles un sonido ligeramente New Age.

Continuaron grabando hasta los últimos años de los 1980s, cuando la banda finalmente se separó tras actuar durante diecisiete años, y publicar nueve álbumes.

Johnny Cunningham murió el 15 de diciembre de 2003, en New York.

http://es.wikipedia.org/wiki/Silly_Wizard
More info...http://www.harbourtownrecords.com/silly_wizard.html

01 - Pibroch
02 - Jenny Gray's Whiskey
03 - The Wind That Shakes The Barley,The Ale Is Dear
04 - Carlisle Wall
05 - My Love's In Germany
06 - Election Jig
07 - The Heron Election Ballad No. 4
08 - Atholl Braes,The Drunken Piper
09 - The Shearing
10 - The Fairy Dance
11 - Land O' The Leal 

Bikram Ghosh - RhythmScape

Nacido en la India Bikram Ghosh es un maestro de la tabla. Además de realizar y grabar como solista, Bikram ha trabajado con los mejores músicos indios como Ravi Shankar, Aki Akbar Khan, VM Bhatt y Bhattacharya Tatun. ha estado rodeado de música durante toda su vida. Su madre, Sanjukta Ghosh, es una cantante clásica de la India, mientras que, su padre, Pandit Shankar Ghosh, fue uno de los músicos de la India que primero tocaron en los Estados Unidos, y ha dirigido todos los tambores de la orquesta desde 1976. A la edad de dos años, usó la tabla de su padre como un juguete infantil. Cuatro años más tarde, estudiaba formalmente el sarod bajo la tutela del hijo de Ali Akbar Khan, Ustad Dhyanesh Khan. A pesar de que más tarde estudió el mrdangam con S. Pandit Shekhar, la tabla se ha mantenido como su instrumento esencial. Bikram, que realizó su primer concierto en Calcuta a la edad de diez años, pasó la mayor parte de sus primeros años en San Rafael, California. Volviendo a la India para asistir a la escuela media, tocó las congas en las bandas de la escuela. En la primavera de 1997, Bikram salió de gira por Estados Unidos con Ravi Shankar. Ese mismo año, realizó una gira con Tatun Bhattacharya. Bikram es licenciado en master de Literatura Inglesa. ~ Craig Harris, All Music Guide

Este album nada entre dos aguas, la musica tradicional de la india y la musica New Age, los seguidores de ambos generos mas tradicionales puede que pongan a parir el album, pero creo que se debe escuchar con la mente abierta y sin complejos, seguro que disfrutaran con esta fusion.



Devshankar, Jyotishankar (violin);
Snehashish Mazumdar (mandolin);
Pulak sarkar (keyboards);
S. Sekhar (mrindangam);
Bkiram Ghosh (tabla);
Greg Ellis (frame drum).

01. Rhythm Speaks
02. Little Krishna
03. Zinc
04. The Language of Inocence
05. Gangotri
06. Tandav
07. Gypsy Rain

Lansiné Kouyaté & David Neerman - Kangaba

Lansine Kouyaté comenzó a tocar el balafón a los cuatro años. A los trece ya era miembro de la prestigiosa Orquesta Nacional de Malí. Desde entonces colaboró con grandes artistas africanos como Salif Keita, Baaba Maal o Mory Kanté… Su talento y curiosidad innata le permitieron tocar también con prestigiosos músicos occidentales como Joe Zawinul, Carlos Santana, Omar Sosa o el Ballet Bejart. Entre sus grabaciones destaca "Sarala" con Hank Jones y Cheik Tidiane Seck.
David Neerman estudió percusión clásica en Ginebra antes de tocar jazz y música improvisada con el vibráfono en la escena parisiense, también fue músico de sesión. Después de trabajar para Youn Sun Nah y la compañía del teatro Phrenesis de París fue cuando ocurrió el encuentro con Lansine en 2003.
El entendimiento fue instantáneo, hasta que después de jornadas enteras de improvisación comenzaron a construir gradualmente un repertorio personal inspirado en canciones tradicionales mandinga, en el afrobeat, el son y la música popular francesa de 1930. Después de algunos conciertos todo cristalizó en su nuevo álbum titulado Kangaba.
http://www.crisoldemusicas.com/2008/06/kouyat-neerman.html

Personal
Lansiné Kouyaté - balafon
David Neerman - electric & acoustic vibes
Ira Coleman - bass
Laurent Robin - drums

Tracklist:
01 - Here
02 - Djanfa Magni
03 - Niokomé
04 - Boroba
05 - Tiziri
06 - Bamanan Don
07 - Le Destin Ii
08 - Touma
09 - Momo
10 - Kangadub

Kirsten Braten Berg - From Senegal to Setesdal

De Senegal a Setesdal combina la calidez africana y el frio nórdico en una colaboración única. La vocalista Noruega Kirsten Braten Berg y los solistas africanos Solo Cissokho y Sereba Kouame mezclan sus tradiciones en un sonido fresco y atemporal que va desde canciones populares para violín hasta melodías de canciones de cuna. Aunque predomina el sonido de Noruega, África sigue siendo la especia suficiente para que De Senegal a Setesdal sea un híbrido sin estudiar.
Kirsten Braten Berg tiene una de las más bellas, voces puras del planeta, y vaya que si suena bien enmarcado por la magnífica kora y percusión africana proporcionada por sus colaboradores. Una experiencia encantadora, divertida de escuchar, hermosa que demuestra que la música es realmente el lenguaje universal.

Kirsten Braten-Berg, Bjorgulv Straume (vocals, mouth harp);
Solo Cissokho (vocals, kora);
Kouame Sereba (vocals, mouth-bow, djembe).

Mo Boma

Skuli Sverrisson: bass guitars
Carsten Tiedemann: percussion, electric and ebow guitar, African lute, synthesizer,central African voice/bird/forest sounds & processing
Jamshied Sharifi: synthesizer growl, distant bells, low wail, pad & interlude, cadence & drone 

 Myths of the Near Future (part one)

MO BOMA vuelve con una declaración musical sorprendente. "Mitos de un Futuro Próximo", Parte Uno, es el primero de una trilogía de emisiones que mezclan las músicas del mundo con elementos del jazz y el rock experimental, ambientes de las selvas con funk de la era espacial, las impresiones con la recomposición de sutilezas coherentes, integral y maduro y apasionado.

Desde el lanzamiento de "Jijimuge" en el sello EXTREME, su debut aclamado por la
crítica, Carsten Tiedemann ha pasado varios meses en África, explorando la música y la cultura de los países vibrantes y diversos allí. Tiedemann, en este tiempo, también ha producido y tocado en el "Big Waves" álbum con Robert Rutman, un álbum que ofrece un sonido espectacular y la transparencia, donde la cascada entre los sonidos de la orquesta. continuan la labor instrumental de MO BOMA y el desarrollo se ha ampliado en las orquestaciones y añadió nuevas texturas y voces mientras que conserva la intimidad y el sonido del grupo que hizo en "Jijimuge" un hito en los contemporáneos sueños lúcidos. Además de esto, "Los mitos de un futuro próximo" buscan traer el respeto y la sensibilización a la música y a la gente que son el catalizador de la ecléctica, visión del mundo MO BOMA.


Skuli Sverrisson, originario de Islandia y que ahora vive en Nueva York, ha estado de gira por el mundo con la Banda de Allan Holdsworth y es miembro fundador de MO BOMA. El dominio de Sverrisson son las seis cuerdas, trastes y las bases de barítono, con cuidado aplicado a la electrónica, a menudo da forma a la voz principal y
los registros agudos, mientras que su extremo inferior proporciona calor, ritmo y maestría musical creativa.
El Sintesista Jamshied Sharifi, también actualmente con sede en Nueva York, ha continuado su contribución al grupo como actor principal y diseñador de sonido con adiciones sutiles y
astutos paisajes sonoros.

Hay una calidad sin fisuras en la música de MO BOMA, trance, sino de barro y, a veces irresistible funky. "Los mitos del futuro próximo", por una parte, se registraron en África, Alemania y Nueva York, muestra la voz única de un grupo en desarrollo, más allá del album "Jijimuge" sin apartarse de su identidad musical. Trans-cultural y trans-tecnológica, instintivamente improvisados arquetipos más allá de las formas conocidas, MO BOMA crea música que es a la vez futurista y orgánica.
http://www.the-edge.ca/mo-boma/


   1. Food of the Gods [6:12]
   2. Walk Like a Pygmy [4:02]
   3. The Kindness of Women [3:50]
   4. Slolooblade: The Drowned World [7:05]
   5. Terrace [3:42]
   6. Jijimuge Three [7:10] - Yellow Earth - Amamboma
   7. Mongombi [3:48]
   8. Garden of Time [5:45]
   9. Nyodi [5:20]


Esta música está dedicada a la memoria de las plantas, los animales, y los pueblos indígenas cuya extinción es causada por el hombre.

"Mitos del futuro próximo" es el título de una colección de cuentos de JG Ballard. Además, varios Tenas llevan el nombre de cuentos y novelas de Ballard. Esperamos que él este satisfecho. "Food of the Gods" es el título de un libro de Terence McKenna.
http://en.wikipedia.org/wiki/Myths_of_the_Near_Future
http://en.wikipedia.org/wiki/Terence_McKenna

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Mo Boma - Myths of the Near Future (part two)

Mo Boma da la luz más brillante de su música. Tomando el título y (supongo) tomando una buena dosis de inspiración conceptual de la ficción de JG Ballard, los miembros de la banda Carsten Tiedemann, Skuli Sverrisson y Jamshied Sharifi traen al mundo de la música una nueva luz, mediante la organización de los  instrumentos en las melodías, las suites trance de los sintetizadores y el ambiente. Suena fácil? Suena como Deep Forest? No, Mo Boma son un concepto bien engrasado ejecutado con finura y dedicacion.
http://www.the-edge.ca/mo-boma/
 
1. First Thought Best Thought [2:05]
2. Jijimuge Four [6:10] - Thirsty Heavens - Papua Swirl
3. Mo Fonk [3:25]
4. Little Morf [2:40]
5. Bombolionheart [5:30]
6. Bataloo [4:00]
7. Loony Toon [2:45]
8. Mebasi [2:20]
9. The Day Of Creation [4:30]
10. Elima: Dance Of Girls [3:20]
11. Bambuke [2:25]
12. Ba 'Mbuti Minus One [1:55]

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Mo Boma - Myths of the Near Future - Part Three

 Si pudiera parcelar la música ambient, el jazz de improvisación y el mundo pancultural en algún tipo de gráfico, Mo Boma sería el punto donde las tres líneas se cruzan. "Mitos del futuro próximo" sigue la tradición de Mo Boma en crear ricas texturas, sonidos evocadores que logran incorporar instrumentación tradicional aunque sea fugazmente sin preocuparse con la estructura tradicional de la canción.

Es un sonido muy orgánico. Desde la primera canción, "Water Baka", tendrá la sensación de que está al aire libre (los "ruidos de insectos" ayudan), de pie en medio de un espacio completamente ajeno pero no amenazante. Estos "mitos" son cuentos muy buena parte de la noche - una noche con olores intangibles, vibrante musica oriental y rica ciudad asiática con vientos cálidos, tentadores y placeres sensuales. "The Crystal World", con sus voces murmullos al viento, crea la ilusión de un lugar masivo mucho más allá de la comprensión humana, pero lleno de exóticos y calmantes ritmos. "Memories Of The Space Age" ofrece una adaptación musical de la cultura tribal hasta la actualidad de alta tecnología a través de una mezcla de estilo y ritmo, mientras el tambor impulsado en "Sannin Bayashi" apunta a más misterios de la envolvente jungla. "Three Beaches" ofrece un trío parecido al sonido meditativo de Harold Budd, relacionados pero distintos.

 "Los mitos ..." es una amalgama impresionante de sonido, la visión y la emoción palpable.
Imagina una colisión musical del pasado, presente y futuro con los tiempos que nunca fueron, como una antigua ciudad llena de brillantes computadoras nuevas. Hay muchos tesoros que se encuentran aquí.
http://www.the-edge.ca/mo-boma/myths3.html

Carsten Tiedemann: percussion, electric and ebow guitar, African lute and sanza,
synthesizer (9, 10), central African voices and forest sounds and processing
Skuli Sverrisson: bass guitars
Jamshied Sharifi: synthesizer

1. Water Baka [4:20]
2. Whirl C.S. [3:45]
3. Dreaming Weavers [2:58]
4. Secret Cargoes [3:52]
5. The Crystal World C.S. [4:00]
6. Day Of Forever [2:15]
7. Memories Of The Space Age [4:58]
8. Sannin Bayashi [2:23]
9. Three Beaches C.S. [5:55] Quartz - Vermillion Sands - Blacksand Beach
10. Molimo C.S. [5:55]

Phil Thornton & Steven Cragg - Tibetan Horn

 Tibetan Horn es un caleidoscopio de invención musical increíble que obliga al oyente a lo largo de un viaje interior y exterior del despertar espiritual y el logro, a través del "techo del mundo la morada de las nieves" el Himalaya. Desde las iniciaciones chamánicas y primordiales de los ritos budistas, le guiará a los Ashrams de las cumbres inaccesibles las mesetas y los glaciares de montaña, a traves de las quebradas hasta las selvas sub-tropicales y tierras sagradas de la India. Una experiencia auténtica, de arte puro, la inteligencia y la armonía profunda y universal.




Phil Thornton – Recorders, moog, keyboards, chimes, ambient sounds, programming and digital compilation.
Steven Cragg – Dong Chen (on Tibetan Horn), crystal bowls, didgeridoo,talking drum, rainmaker, gong, temple and finger bells, percussion, chimes, ambient sounds, programming and digital compilation.
David Voase – Tabla (on Rivers Of Ice)

1 Bon (A Clash Of Cymbals)      2:28     
2 Through The 'Valley Of The Flowers'     2:10    
3 Bon (Reprise)     1:22    
4 Solitude In Focus     3:24    
5 The Way PilgrimageUnion     10:36    
6 Prayer On The Wind     3:54    
7 Rivers Of Ice     20:30    
8 The Cave Of Amarnath     1:19    
9 Falling Into The River Of Exile Deliverance-Rain Forest-Indus-Source     10:57

Alasdair Fraser and Paul Machlis - Skyedance

Alasdair Fraser (fiddle, viola)

Paul Machlis (piano, synthesizers)

Tommy Hayes (bodhran)

Todd Philips (bass)

Ron Wilson (drums)

A classic album with widespread appeal.  Alasdair Fraser and Paul Machlis together explore the breathtaking harmonic resonances of ancient Gaelic airs, with contemporary settings of tunes from the Reverend Patrick MacDonald's 1784 Collection of Highland Vocal Airs and Captain Simon Fraser's 1816 edition of Airs and Melodies Peculiar to the Highlands of Scotland and the Isles.



1 The Scolding Wives of Abertarff 
2 Eilean Beag Donn a' Chuain (Little Brown Island in the Sea) (Donald Morrison)
3 Skye Dance
4 Nighean Donn a' Chuailean Riomhaich
5 Ruileadh Cailleach, Sheatadh Cailleach (An Old Woman Would Reel, An Old Woman Would Set)   *  The Bird's Nest  *  Harris Dance
6 The JB Reel (J Murdoch Henderson)  *  The Shepherdess  *  The JB Reel
7 Harris Dance  *  Skye Dance  *  Lochiel's Awa' to France  *  Harris Dance
8 A Nochd Gur Faoin mo Chadal Dhomh (Tonight my sleep will be restless)

Kailash Kher - Yatra (Nomadic Souls)

En un país con más de mil millones de personas, innumerables idiomas y multitud de influencias musicales, se necesita un talento especial para sobresalir entre la multitud como un artista. Por suerte, el talento es lo que Kailash Kher tiene ha sacos llenos.
Uno de los cantantes/compositores más populares en la India en este momento, Jer, llamó la atención en 2002 con su éxito, Alá Ke Bande. Desde entonces se ha convertido en un nombre familiar que realiza en más de 150 bandas sonoras de películas Hindi, grabó más de 400 sintonías de radio y televisión y se presentó Indian Idol y otros programas de televisión.
Además de esto, Jer, de alguna manera ha encontrado tiempo para colaborar con los hermanos músicos Naresh Paresh Kamath para formar la banda Kailasa, que se ha convertido en uno de los grupos más populares en el subcontinente.
Así que se trata como una pequeña sorpresa (sobre todo después de éxito mundial Slumdog Millionaire's) que el trío trataría como un avance con su lanzamiento internacional en primer lugar, Yatra (Nomad Souls). Una colección de nuevas canciones junto a grabaciones de estudio y acusticas de algunos de sus éxitos más admirados, Yatra es una excelente introducción a la música de la India contemporánea.
La incorporación de elementos espirituales de cantos sufíes, Rajasthani ritmos gitanos, la danza Punjabi y otros estilos regionales, fusionados con guitarra eléctrica, ritmos modernos y una gran variedad de instrumentos tradicionales, Yatra se eleva por encima de la música del mundo genérico.
A menudo se ha comparado a Kher con el difunto maestro qawwali Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, y con razón. Su destreza vocal y letras que evocan el misticismo sufí el resultado son hipnotizantes canciones como Dilruba, Kaise Main Kahoon y Jhoomo Re.
Otros temas sobresalientes incluyen la influencia árabe en Taubah Taubah y una impresionante versión acustica de Teri Deewani, una oda a los delirios del amor cantadas desde la perspectiva femenina, y posiblemente una de las canciones más sentimentales en hindi de la última década.
Igualmente loable es el uso de los hermanos Kamath "del rock y las influencias electrónicas que dirigen el álbum claramente de la Indi-pop convencionales a sonidos que a menudo se producen cuando los artistas asiáticos adaptan su música para una audiencia occidental. En cambio, sus arreglos musicales superiores aumentan la sensibilidad popular Kher a escrto las letras de manera significativa para hacer una exploración de la condición humana y las complejidades del amor.
http://www.bbc.co.uk/music/reviews/3w6m

Kailash Kher (vocals)

Tapas Roy (mandolin, oud, saz)

Sunil Das (sitar)

Ashwin Srinivasan, Naveen Kumar (flute)

Jaipur Kawa Brass Band (trumpet, French horn, trombone, tuba)

Naresh Kamath (keyboards, background vocals

01. - Kaise Main Kahoon (International Version)
02. - Dilruba (International Version)
03. - Guru Ghantal
04. - Turiya Turiya
05. - Chaandan Mein
06. - Kar Kar Main Haara
07. - Tauba Tauba (International Version)
08. - Bheeg Gaya Mera Mann (Cherapunji)
09. - Piya Ghar Aavenge
10. - Na Batati Tu
11. - Rang Rang Ma
12. - Jhoomo Re (International Version)
13. - Teri Deewani (Unplugged)
14. - Joban Chalke (Unplugged)