El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que significa "la familia de Dore"; el grupo fue fundado por la familia Brennan en 1970. Máire, Ciarán y Pól Brennan (la versión inglesa de su nombre familiar gaélico) se unieron a sus tíos Noel y Pádraig Duggan y empezaron a tocar en la taberna de su padre Leo. La hermana de Máire, Eithne, se unió a la banda en 1979 y la abandonó tres años más tarde para seguir una exitosa carrera en solitario conocida como Enya. Máire también ha llevado en paralelo su propia carrera en solitario, iniciada con un álbum en 1992 titulado "Máire".
Anam (que significa "alma" en irlandés) es el undécimo álbum de estudio del grupo de folk celta irlandés Clannad, lanzado originalmente el 8 de octubre de 1990. Este disco consolidó el sonido místico característico de la banda al fusionar de manera impecable la música tradicional irlandesa con el pop contemporáneo, el new age y estructuras de rock progresivo.
- Brídín Brennan / harmony vocals - Anton Drennan / electric guitar, dobro - Ian Parker / keyboards - Paul Ridout / programming - Mel Collins / saxophones - Vinnie Kilduff / bansuri - Paul Moran / drums, percussion - Bono / vocal duet (bonus #2)
01. Rí Na Cruinne (4:05) 02. Anam (4:05) 03. In Fortune's Hand (3:57) 04. Poison Glen (3:55) 05. Wilderness (instrumental) (2:08) 06. Why Worry? (4:30) 07. Úirchill An Chreagáin (4:25) 08. Love and Affection (4:59) 09. You're the One (3:57) 10. Dobhar (instrumental) (2:39)
René Aubry nos cuenta en Facebook... Rara vez empiezo con un concepto o proyecto específico cuando compongo para un nuevo álbum. La música surge o no surge, sin que yo sepa realmente por qué. La dejo surgir, desarrollarse, sin intentar limitarla. Simplemente la sigo. A menos que sea al revés. Al final, elijo algunas, las que más resuenan, las que parecen querer coexistir. Este nuevo álbum nació sin ninguna intención en particular, pero con la libertad que me impulsa a crear. Una serie de piezas que, sin querer, quizá cuentan algo. O nada. Acaban contando una historia, o más bien sugiriendo mil más, según el oído y la imaginación de cada uno. Así que os dejo descubrir esta música tal como me llegó: de forma sencilla y espontánea. Esta dedicado a mi nieto Ulises.
(02:39) 01. Cannaregio (feat. VENTY) (02:56) 02. Ti Voglio Bene (03:13) 03. Dawn by Low (03:30) 04. Ulysse dans la vallee (01:59) 05. Angry Birds (02:04) 06. Give Me a Chance for Another Dance (02:28) 07. Jour apres jour (04:08) 08. The Cloud (04:07) 09. Joyeux qui comme Ulysse (02:35) 10. Rebetiko a Chicago (02:29) 11. Magic Light
Formado en 2011 en Rosemount, Condado de Westmeath, Irlanda, The Gloaming era un supergrupo compuesto por el seis veces campeón de violín de toda Irlanda Martin Hayes, el guitarrista de folk-rock Dennis Cahill, el violinista de Hardanger Caoimhín Ó Raghallaigh, el productor y pianista Thomas Bartlett (alias Doveman) y el cantante Iarla Ó Lionáird, quizás mejor conocido por su trabajo con los íconos mundiales del beat, Afro-Celt Sound System. Fusionando formas de música tradicional irlandesa con rock e influencias clásicas contemporáneas, con Ó Lionáird cantando en irlandés en todo momento, el grupo obtuvo una entusiasta aclamación de la crítica y varios premios por su álbum debut homónimo de 2013, lanzado en Real World Records de Peter Gabriel. Producido por Bartlett, más conocido por su trabajo con bandas de indie rock como The National, el álbum tomó como punto de partida la música tradicional irlandesa, pero la amplió con simpatía con estilos vocales pop/rock y arreglos de piano increíblemente hermosos en una vena posclásica. Ganó el premio Meteor Choice 2014 al Álbum irlandés del año, superando a artistas como U2, Sinéad O'Connor y Damien Rice. El grupo realizó giras por todo el mundo, tocando en importantes festivales como Womad y agotando las entradas del centro de artes Barbican de Londres.
Iarla Ó Lionaird, Thomas Bartlett, Caoimhín Ó Raghallaigh, Martin Hayes & Dennis Cahill.
Estos cinco músicos virtuosos se reunieron por primera vez para explorar nueva música en el West Grouse Lodge Studios en West Meath, Irlanda, a principios de 2011. Cada uno veía a la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente en la rica herencia musical y tradiciones La música que empezaron a crear era escasa y preciosa, auténtica y llena de melodía, la música que llegó a ser descrito por The Irish Times como de un matiz totalmente diferente. ni tradicional ni deliberadamente contemporánea.
1. Song 44 2. Allistrum’s March 3. An Muince Dreoilíní (The Necklace of Wrens) 4. The Girl Who Broke My Heart 5. Saoirse (Freedom) 6. The Sailor’s Bonnet 7. The Old Bush 8. Opening Set: An Chúil Daigh Ré / Elizabeth Kelly's Delight / Billy O'Rourke Is the Boy / The Millstream / Rolling in the Barrel / The Tap Room / Tom Doherty's Reel 9. Hunting the Squirrel 10. Samhradh Samhradh
The Gloaming - 2 (2016)
Fiddle – Martin Hayes Guitar – Dennis Cahill Hardingfele [Hardanger d’Amore] – Caoimhín Ó Raghallaigh Piano – Thomas Bartlett Vocals – Iarla Ó Lionáird
1 The Pilgrim's Song 6:54 2 Fáinleog (Wanderer) 7:16 3 The Hare 3:05 4 Oisin's Song 6:14 5 The Booley House 5:02 6 Repeal The Union 3:08 7 Casadh An tSúgáin 5:17 8 The Rolling Wave 7:17 9 Cucanandy 6:01 10 Mrs Dwyer 6:41 11 Slán Le Máighe 8:45 12 The Old Favourite 4:10
The Gloaming - The Gloaming 3 (2019)
El mundialmente famoso supergrupo irlandés estadounidense The Gloaming regreso con su tercer álbum de estudio. Producido por Thomas Bartlett (Sufjan Stevens, St. Vincent), el álbum fue grabado en la ciudad de Nueva York en Reservoir Studios. Al igual que sus predecesores, reinventa ricamente la lengua vernácula de la música tradicional irlandesa a través de un prisma moderno a través de elementos de post-rock, jazz, música clásica contemporánea, cámara y minimalismo.
Fiddle – Martin Hayes Guitar – Dennis Cahill Piano – Thomas Bartlett Hardingfele [Hardanger d'Amore] – Caoimhín Ó Raghallaigh Voice – Iarla Ó Lionáird
01 – The Weight of Things 02 – The Lobster 03 – Athas 04 – The Pink House 05 – Reo 06 – The Old Road to Garry 07 – Sheehan’s Jigs 08 – My Lady who has Found the Tomb Unattended 09 – Doctor O’Neill 10 – The Song of the Glens
Ancient Future fue fundada en 1978 por el guitarrista Matthew Montfort. Sus melodías cautivadoras, instrumentos exóticos y texturas étnicas han contribuido a popularizar la fusión de músicas del mundo.
A lo largo de los años, Ancient Future ha expandido su visión musical a través de colaboraciones con músicos maestros de más de dos docenas de países, culturas y tradiciones musicales que ahora son una parte integral de lo que es más que una banda. Ancient Future ha crecido hasta convertirse en un gran conjunto de música multinacional con muchos conjuntos más pequeños dentro de él, lo que permite a Ancient Future realizar su misión principal de crear música fusión mundial. A través del intercambio intercultural, Ancient Future se ha convertido en una aldea global de músicos ... de África, India, Asia, América y Medio Oriente. Las melodías incluidas son diversas, pero igualmente cautivadoras, evocando todo lo que es más atractivo de la música de un pueblo global
Dreamchaser establece a Ancient Future como un grupo musical de clase mundial. Se escucha una deslumbrante variedad de instrumentos, desde sitares y guitarras hasta violines (acústicos y eléctricos) y teclados, e instrumentos de percusión, desde tambores parlantes africanos hasta dumbek, gamelan, platillos y kalimba. Este es un álbum emocionante que realmente conmueve y presenta un tema con el espíritu de los Andes.
1. Edge Of A Memory 2. Chant Of The C Shell 3. Andean Dream 4. Gamarock 5. So Near, So Far 6. Promise To The River 7. Ode To Ajanta
El trabajo de Paul Winter, siete veces ganador del premio Grammy, se compone de una abrumadora lista de elogios y momentos cruciales. La clave entre esas distinciones es que se le atribuye la creación de la música del mundo y la música de la tierra, dos géneros distintos que han sido aprendidos por sus colaboraciones con artistas y la naturaleza por igual. Este álbum, Concert in the Barn, fue grabado el año 2021 y sigue la larga tradición de celebraciones del solsticio de Paul Winter y sus colegas en la Catedral de St. John the Divine de Nueva York.
La historia de cómo el álbum y sus integrantes se unieron para esta presentación en particular es tan fascinante como el disco. Sin la participación de la mayoría de los miembros habituales de su banda durante los bloqueos del Covid, Winter buscó talento local para completar la banda. Esta es también la razón por la cual esta formación en particular carece de los elementos de percusión estándar y tiene la adición de un fagot. Pero esto funcionó a su favor. Sin el uso de la percusión tradicional, sino basándose en el fagot, el saxo, el violonchelo, el piano y la voz en elementos alternados, el conjunto resultante crea un entorno etéreo e inquietante. El álbum actúa como una narración de jazz, comenzando con el soplo lúgubre del invierno, el conjunto de instrumentos de aire canturreando sobre el piano, que actúa como único percusionista y orador cuando las voces aún no se han unido. El lamento de las dos primeras pistas establece el escenario de nuestro cansancio con el invierno y se desvanece con las primeras líneas del canto de los pájaros, que son imitados por la instrumentación y finalmente se convierten en un esfuerzo totalmente orquestado por parte de la banda. Sin embargo, incluso cuando la música crece, nunca perdemos el contacto con el canto de los pájaros de la criatura del mismo nombre, fusionándose en un remolino alquímico de oda auditiva al mundo natural y al mundo social en evolución en el que habitamos los humanos.
A medida que avanza el álbum, toca temas tan variados como la jeremiada, el canto de los pájaros, el cortejo y el folclore, todo en su esfuerzo por derretir el gélido estancamiento del invierno con cálidos hilos de hilo jubiloso, viento y teclas. En el momento en que suena la interpretación francamente icónica del conjunto de "Swing Low, Sweet Chariot", hay un júbilo tan claro y una exuberancia de celebración que chispea y crepita, dando la bienvenida al acercamiento del sol y la promesa de lo que depara el futuro.
La grabación tuvo lugar durante un concierto vía streaming
al amanecer en junio de 2021. Debido al cierre de la Catedral de San
Juan el Divino en Nueva York por la pandemia, la agrupación trasladó su
tradicional celebración del solsticio al granero de Winter. La música se
interpretó en una corriente continua, comenzando en total oscuridad a
las 4:30 a.m. y culminando con el primer amanecer del verano.
1. Sun Singer 2. Lamento de Aiocá 3. The Silence Of A Candle 4. The Well-Tempered Wood Thrush 5. Chora Coraçāo (Cry, My Heart) 6. Sarabande 7. Lendas Brasileiras 8. DNA 9. Air 10. How Can I Keep From Singing 11. Lavadeiras 12. Swing Low, Sweet Chariot 13. Moro Na Roça/Lapinha 14. Icarus
Nacida en Egipto de padres griegos, Alkistis Protopsalti tiene una de esas voces absolutamente maravillosas, con la que es capaz de adentrarse en los géneros más diversos con una solvencia que está al alcance de unos pocos privilegiados. Una voz que parece descender directamente de los dioses del Olimpo, como si saliera de unos tiempos legendarios, clásicos, cincelada según los más puros cánones del clasicismo a los que dieron forma, entre otros, Fidias y Mirón. El público griego le ha concedido, con total merecimiento, el estatus de diva musical, con todo lo que ello conlleva tras de sí, honor al que Alkisitis ha sabido responder con lo mejor de su talento.
La voz va acompañada de una gestualidad que tiene mucho de teatral, en el sentido de estar llena de matices, de contenidos que sólo por medio de la expresión corporal se puede transmitir al espectador atento, dejando el alma en cada canción, en cada estrofa. Letras detrás de las cuales se esconde en muchas ocasiones, la poetisa Lisa Nikolakopoulou, en una de esas colaboraciones de una fertilidad extraordinaria.
En Alkistis se reúnen las tradiciones del Asia Menor, lugar de origen paterno, y de la isla de Chios, de donde era originaria su madre, a lo que se unen los años pasados en la ciudad egipcia de Alejandría, de la que nuestra cantante recuerda "el olor del mar, las puestas de sol, el murmullo de las palmeras, los pescadores con sus redes, el tranvía, los dulces, los viajes en coche al Sahara". Elementos que le servirán a Alkistis para desarrollar la peculiar sensibilidad que se recoge en sus canciones.
"San Ifestio Pou Xipná" ("Como un volcán que despierta", 1997), con música de Nikos Antipas sobre letras de su amiga Lina Nikolakopoulou
01. Διθέσιο - (03:58) 02. Λάβα - (04:55) 03. Μόνο Του - (04:10) 04. Εμείς Οι Δυο - (04:15) 05. Τριανταφυλλιά Του Κόσμου - (03:08) 06. Μωρό - (03:22) 07. Καθρέφτης - (03:34) 08. Συνεργείο - (03:34) 09. Πορτοκάλι - (03:33) 10. Δόξα Να Λες - (04:26) 11. Post Love - (02:43) 12. Αιγαίο - (04:24) 13. Επίλογος - (00:58)
En 1999, John lanzó Come To Dance. Este álbum, un hito en su carrera, demostró a los puristas del género que el siete veces campeón de acordeón de Irlanda seguía tan virtuoso como siempre. Esta obra también revela la profunda comprensión que John tiene de un repertorio centenario. «Aquí estoy haciendo lo mío: música directa, ritmo sólido y muy pocos adornos. La idea no era lucirme, sino dejar que las melodías tradicionales se expresaran a través del baile».
Come To Dance se grabó en directo en la iglesia de San Gabriel, la ciudad natal de John, en Milford, Connecticut. No hubo retoques, ni segundas oportunidades, ni sobregrabaciones; todo se grabó en directo. A veces comprobaba las pistas bailando. Si el ritmo y la emoción están ahí, la gente disfrutará de la música. No es que no se puedan tocar estas canciones si nadie baila, sino que hay que interpretarlas correctamente para que surja el baile. Si se tocaran de otra manera, los pasos no serían los adecuados. Se puede tocar «Sweet Of May» cuando se quiera, pero tiene que interpretarse de una forma determinada para que el baile cuente su historia.
Muchas de las canciones de «Come To Dance» tienen un significado personal para John. “El Concert Reel es una melodía que toqué en mi primer campeonato de toda Irlanda, y Father O’Flynn es la primera melodía que aprendí a tocar. Cuando eres joven y te esfuerzas por aprender esta música, no llegas a apreciar plenamente las composiciones. Ahora, muchos años después, tengo una perspectiva diferente sobre lo que significan estas melodías, lo que representan para la música irlandesa. Son melodías preciosas; por eso siguen vigentes.” https://johnwhelanmusic.com/about/
John Whelan ~ button accordion Robin Bullock ~ guitar, cittern & mandolin Tom Wetmore ~ bass Jim Eagan ~ fiddle John McGann ~ guitar & mandolin Cillian Vallely ~ low whistle & uilleann pipes
John Whelan - Jackie Coleman's; Bag of Spuds; Bird in the Bush (Reels) (3:21) John Whelan - The Broadstone Inn; Big Snugs; Beth Patterson's (Reels) (3:24) John Whelan - The Turning of the Season (Aire) (2:36) John Whelan - The Crooked Road to Dublin; Dinkey Dorian; Gan Aimn; The Copperplate (Reels) (3:04) John Whelan - Frances O'Neill's; Jesse and Franchesca's Miracle; Stop the Car (Double Jigs) (3:24) John Whelan - Tracks in the Snow; The Nightlight (Reels) (3:04) John Whelan - Fernoy Lasses; The Old High Reel (Reels) (3:23) John Whelan - Queen Esther's; What Daddy?; April's Polka (Polkas) (3:19) John Whelan - Simone (Aire) (4:13) John Whelan - Crossing the Shannon; Man of the House; The Five Mile Chase (Reels) (3:00) John Whelan - Mary O'Neill's; Bank of Ireland; Ballinamore (Reels) (3:11) John Whelan - Bob's Garden of Earthly Delights; Broderick's (Reels) (2:58) John Whelan - Concert Reel; Flogging Reel (Reels) (3:14) John Whelan - Dowd's Favorite; O'Gorman's Salute; My Cup of Coffee (Reels) (4:21) John Whelan - Ten Penney Bit; Trip to Athlone; Gallagher's Frolics (Double Jigs) (3:14) John Whelan - Newtown Bridge; The Kerryman (Reels) (3:00) John Whelan - Father O'Flynn; Father Tom's Wager; Lilting Fisherman (Double Jigs) (3:13) John Whelan - Spellan the Fiddler; Gan Aimn; Deacon Harry Doyle (Hornpipes) (4:09)
Hace casi treinta años, Narada Records lanzó una colección de piezas para guitarra solista llamada "Guitar Fingerstyle". Presenta a algunos de los guitarristas más talentosos del mundo, cuya original fusión de folk, blues, jazz, pop y música clásica le dio un nuevo significado a la palabra "unplugged". El álbum fue tan popular que Narada lanzó una segunda colección con otra impresionante selección de grandes guitarristas acústicos.
Los guitarristas de fingerstyle, como Don Ross, siguen los pasos de pioneros de la guitarra moderna como Chet Atkins, Leo Kottke y John Fahey. Sus raíces son profundas, remontándose al blues, el ragtime, el country y el gospel que surgieron de las orillas del río Misisipi y los patios traseros de los Montes Apalaches. La guitarra fingerstyle incluso tiene sus raíces en la música celta.
Entonces, ¿qué es la guitarra fingerstyle? Según John Schroeter, editor de la revista Fingerstyle Guitar, se trata de "una técnica que utiliza los dedos de la mano derecha para pulsar las cuerdas individualmente, en lugar de usar una púa plana para rasguearlas o tocarlas. La melodía", dice Schroeter, "combinada con líneas de bajo que se mueven de forma independiente crea un sonido completo, casi orquestal".
Me encanta este album. Tanto este como el segundo volumen son maravillosos para añadir a cualquier colección. Una gran mezcla de diferentes estados de ánimo. El primer volumen es un poco más suave, pero ambos son geniales de escuchar, y la habilidad y el talento de las canciones son increíbles. Es realmente difícil encontrar una recopilación como esta.
Tracklist: 01 - Tim Farrell - Little Martha ...02:59 02 - Edward Gerhard - Crow ...03:47 03 - Billy Mclaughlin - South By Winterwest ...02:58 04 - Pat Kirtley - Daisy Goes A Dancing ...02:28 05 - Don Ross - That'll Be The Phone ...03:40 06 - Benjamin Woolman - Soul Discovery ...03:37 07 - Laurence Juber - Lunar Eclipse ...05:07 08 - Muriel Anderson - To B Or Not To B ...03:30 09 - Stephen Bennett - Perestroika ...03:04 10 - D. R. Auten - If Only I Had Wings ...04:28 11 - Don Ross - The First Ride ...03:36 12 - Muriel Anderson - It Never Gets Easier ...02:45 13 - Billy Mclaughlin - Helms Place ...05:08 14 - Tommy Jones - Only My Heart ...03:37 15 - D. R. Auten - Angela ...03:47 16 - Pat Kirtley - Grandpa's Lullaby ...02:42
Con la ayuda de algunos de los mejores músicos irlandeses, Paul Winter presentaba Celtic Solstice, su carta de amor sonora a la tradición musical celta. Entre el saxo soprano con tintes new age de Winters, la voz suave de Karan Casey y la nítida calidad de la producción, se percibe un fuerte toque de la música irlandesa, etérea y tenue, propia de Clannad. La violinista Eileen Ivers y el gaitero Davy Spillane suenan más atmosféricos de lo habitual, menos incisivos. También se incorporan toques de músicas del mundo y jazz, para desdibujar aún más la frontera entre lo que es y lo que no es "celta". Si tu gusto se inclina por lo tradicional en la música irlandesa, puede que te distraiga la preponderancia de influencias externas, pero si te gusta la conglomeración de estilos de Winter, Celtic Solstice seguramente te conquistará.
- Soprano sax, Paul Winter - Renowned Uilleann piper Davy Spillane, of the original 'Riverdance' cast - Fiddler Eileen Ivers, an original and current 'Riverdance' soloist - Vocalist Karan Casey, from the band 'Solas' - Whistle-player and flutist Joanie Madden, founder of the group 'Cherish the Ladies' - Piper Jerry O'Sullivan - Paul Winter Consort members Paul Halley on pipe organ and piano, along with percussionist Jamey Haddad - Zan McLeod on guitar - Carol Thompson on Celtic harp and Welsh triple harp - Austin McGrath on bodhran - South African bassist Bakithi Kumalo, featured with Paul Simon for many years since playing on Simon's Graceland album
01. Triumph (7:06) 02. Golden Apples of the Sun (6:23) 03. Hollow Hills (1:55) 04. O'Farrell's Welcome to Limerick (4:37) 05. Dawnwalker (6:43) 06. My Fair and Faithful Love/Blarney Pilgrim (5:26) 07. Sweet Comeraghs (3:57) 08. After the Fleadh/Running Through the Woods with Keetu (6:46) 09. The Minstrel's Adieu (2:10) 10. Farewell to Govan (3:00) 11. Golden Apples of the Sun (Reprise) (7:05) 12. Dawnwalker (Reprise) (2:32)
Nightingale se formó en 1993 por Jeremiah McLane (acordeón, piano), Keith Murphy (voz, guitarra, mandolina, piano, percusión de pie) y Becky Tracy (violín). El ruiseñor es una figura poética que aparece en canciones tradicionales de muchos lugares, incluyendo partes del norte de Europa, Canadá y Estados Unidos. Por lo tanto, el ruiseñor era un símbolo apropiado para una banda comprometida con inspirarse en un amplio territorio musical que abarca Irlanda, Francia, Escandinavia, Terranova y Quebec.
McLane, Murphy y Tracy eran músicos consolidados de la escena tradicional de contradanza de Nueva Inglaterra cuando se conocieron, y Nightingale se convirtió rápidamente en una banda de baile muy solicitada en Nueva Inglaterra. Sin embargo, desde sus inicios, Nightingale exploró la música más allá de los límites de la contradanza neoinglesa y nunca pudo ser catalogada como una simple banda de baile. Las canciones de Quebec y Terranova eran un elemento básico de su repertorio y en sus conciertos expandían el formato de la música de baile tradicional. Aun así, su experiencia como músicos de baile generó una obsesión por la integridad rítmica y el pulso sostenido que es la esencia de la música de baile. El oyente siempre percibía la fuerza subyacente de gran parte de la música de Nightingale.
La primera grabación de la banda, The Coming Dawn, se realizó en 1994, apenas un año después de su formación. Fue producida por Pete Sutherland y capturó la energía fresca y cruda de la banda, además de consolidar la sofisticación de Nightingale como intérpretes y arreglistas de una mezcla ecléctica de música tradicional.
Menos de dos años después, la banda se embarcó en un proyecto discográfico más ambicioso: Sometimes When the Moon is High, producido por Grey Larsen. El álbum se grabó en Joliette, Quebec, en el estudio (recién terminado) del pianista de La Bottine Souriante, Denis Frechette. Con una mayor complejidad musical y arreglos más precisos, este álbum les valió el reconocimiento de un público más amplio.
Pero finalmente, tras seis años de giras intensivas, la banda necesitaba un descanso, rejuvenecerse y considerar la siguiente etapa. En 1999, la banda comenzó un periodo sabático de nueve meses durante el cual los tres integrantes exploraron otros proyectos musicales. En el año 2000, Nightingale se reunió y comenzó a reelaborar su repertorio, recurriendo más extensamente a composiciones originales de sus compañeros Jeremiah McLane y Keith Murphy. Estas composiciones sintetizan frecuentemente elementos del repertorio tradicional de la banda con sutiles referencias a la música contemporánea. Con este nuevo repertorio, el sonido y la energía del grupo también evolucionaron, demostrando una vez más la capacidad creativa de la banda.
Este trabajo culminó con la tercera grabación de Nightingale, Three, publicada en junio de 2004. El CD fue producido por Denis Frechette de La Bottine Souriante y grabado en Brattleboro, Vermont. Reflejaba el pasado de Nightingale a la vez que innovaba.
Por esa época, Nightingale actuó en la radio CBC de Canadá y fue seleccionado para la serie "Conoce al Compositor" en Saranac, Nueva York. La banda continuó presentándose en festivales, centros de artes escénicas, clubes folclóricos y grandes eventos de danza en todo el mundo.
Becky Tracy - fiddle Jeremiah McLane - piano accordion and piano. Keith Murphy - lead vocals, guitar, mandolin, foot percussion and piano. (Peregrination and Out of Jewett)
1. Hills / Mulqueen's (04:09) 2. Peregrination (03:03) 3. Eric & the Angels / Jenny's Welcome to Charlie / Mariposa (04:59) 4. Rond a Emile Leffondre / Mardi Gras Song / Breton Plinn (04:55) 5. Out of Jewett / Raoulf's (06:21) 6. Battle of Naskeag / Hurry Over / the Flying Tent (05:18) 7. Regain / Psalm of Life / Plant un Chou (06:52) 8. The Green Bushes (03:36) 9. Slang Polska / Alain Pennec's / Breton Hanter Dro (05:05) 10. La Belle Rose (03:38) 11. Mazurka / Le Gradlon (04:30) 12. The Waiting Game / Raze (06:07)
Puck Fair se fundó originalmente en Nueva York en 1984 y en 2008 comenzó una nueva vida en Dublín. Más de veinte años después de su debut, y único, álbum, vuelven con Forgotten Carnival. Además de Brian Dunning en la flauta, la banda cuenta con Sean Whelan en la guitarra, el laúd y el bajo y Robbie Harris se encarga de la parte de percusión. En algunas pistas han invitado a músicos al violín, la voz, las cuerdas y el bajo. Su música es una especie de música celta jazzera y el CD contiene todas, excepto una, composiciones nuevas. La primera vez que escuché el CD me recordó a la banda holandesa Flairck y especialmente al flautista Peter Weekers, que tiene el mismo estilo de tocar. Forgotten Carnival tiene una atmósfera agradable y relajada con un jazz-folk acústico relajado. Muy bonita la cancion tradicional catalana Rossinyol. Mi tema favorito es Dunedance con un bonito toque árabe tanto en el trabajo de cuerdas como en la percusión y las voces. Creo que este es un CD que gustará más a aquellos que aman el sonido de la flauta, ya que ocupa un lugar muy destacado en la música de Puckfair.
Back with their first album in 21 years, Brian Dunning’s Puck Fair featuring Sean Whelan and Robbie Harris make a comeback with “Forgotten Carnival.” The band is acoustic and the music is inspired equally by the driving rhythms of Celtic music with the freedom and spontaneity of jazz. Founded in New York in 1984 and reformed in Dublin, Puck Fair mainly plays original music by Brian Dunning as well as music by such artists as Van Morrison and John Coltrane. Dunning has a breathtaking command of the flute, coupled with a most personal approach to jazz improvisation and traditional music. He returns here to the repertoire of one of his most successful projects, bringing him together with the versatile guitar of Sean Whelan, the infectious grooves of percussionist Robbie Harris,
Brian Dunning: Flute, whistles, panpipes, bodhrán Sean Whelan: Guitars, oud, shamisen Robbie Harris: Percussion, bodhrán John Fitzpatrick: Violin Lídia Pujol: Vocals
1 Fog On Window 3:02 2 Slightly Drowsy - Blue Maggie 4:25 3 Dadglad 3:10 4 Whistlin Tipsy 3:19 5 Rossinyol (Tradicional Catalan) 4:17 6 End Of Autumn 4:01 7 Gingerly 2:41 8 On Yer Bike 3:14 9 Flight Of Fancy 4:24 10 Hiya Jose 4:38 11 Dunedance 4:16 12 As I Roved Not 1:02 13 Slightly Drowsy (Reprise) 2:22
No hay duda de que Tony Allen es un genio, uno de los más grandes percusionistas de la historia de la música popular. Su larga carrera ha incluido un período de 15 años trabajando junto a Fela Kuti, quien una vez dijo que "sonaba como cuatro bateristas", y reconoció con razón que Allen jugó un papel clave en el desarrollo de Afrobeat. Más recientemente, se ha tomado un descanso de su carrera en solitario para tocar junto a Damon Albarn en Good the Bad and the Queen, pero ahora, con la popularidad de Afrobeat aún en aumento, Allen está de regreso con un nuevo álbum en solitario.
Hay algunas buenas canciones aquí, todas escritas por Allen, y él es el acompañante perfecto, nunca se permite solos llamativos (o cualquier solos en absoluto, para el caso). Todo lo que le falta es un buen cantante nuevo. Hace uso de una variedad de vocalistas nigerianos, desde el excelente Ayo hasta el conmovedor King Odudu, y muestra su propio canto encantador y relajado en las pistas de apertura y cierre. Pero un baterista tan bueno realmente merece un compañero de entrenamiento tan especial como Fela Kuti.
Legendary drummer Tony Allen oozes Afrobeat he was a mainstay of Fela Kuti’s Africa ’70 and here he returns to his Afrobeat roots after his more recent involvement with "The Good, The Bad & The Queen". Produced by Tony Allen and using his tight funky band this is driving afrobeat with vocals from Nigerian singers Ayo, King Odudo, Switch, Kefee Obareki, Wura Samba and Allen himself on the title track and ‘Elewon Po’.
La arpista galésa Catrin Finch y el senegales maestro de la kora Seckou Keita se conocieron por casualidad en 2012, cuando Keita fue convocado para sustituir a Toumani Diabaté en los ensayos de una gira con Finch. Un golpe militar en Mali había impedido a Diabaté abandonar el país a tiempo, así que Keita intervino para ayudar a preparar el repertorio con Finch, ella viene de la música clásica y nunca antes había visto o escuchado una kora. Por su parte, Keita, es un maestro de la kora y griot de ascendencia real, no leía música. Asi nació una maravillosa asociación musical.
En SOAR, Keita y Finch continúan explorando y celebrando las diferencias y similitudes entre sus instrumentos y culturas. Sus dúos musicales son intrincados y etéreos, llenos de un sonido de filigrana. Sus composiciones y arreglos originales combinan a la perfección elementos africanos y occidentales.
Catrin Finch - harp Seckou Keita - kora, vocal
01. Clarach 06:05 02. Teranga-Bah 06:00 03. Yama Ba 05:36 04. Bach to Baisso 05:50 05. 1677 06:03 06. Listen to the Grass Grow 04:26 07. Hinna-Djulo 05:56 08. Cofiwch Dryweryn 04:53
Un argentino y un mexicano que se unen para ofrecer su música en los Estados Unidos no pueden menos que plasmar en ella parte de sus raíces y actuar como emisarios y renovadores del rico folclore que portan en la sangre. Las corrientes más populares de la música en norteamérica ya habían sido aderezadas con elementos lejanos, no sólo hispanos (Carlos Santana) sino también orientales (los Beatles, al emplear el sitar en sus discos, abrieron el camino a Ravi Shankar), africanos (con Miriam Makeba como abanderada), jamaicanos (el reggae, encabezado en popularidad por Bob Marley), y por supuesto europeos, esencialmente celtas que, como la esencia africana, llevaban tiempo instalados en los Estados Unidos. La música instrumental avanzada de los grandes sellos norteamericanos también estaba dando grandes pasos hacia la fusión y la multiculturalidad, así que Windham Hill apostó por estos dos teclistas hispanoparlantes de nombre Bernardo Rubaja y César Hernández, que publicaron en 1987 un único disco juntos, "High plateaux", desapareciendo desde entonces el mexicano y manteniéndose durante unos años más Bernardo Rubaja en el panorama musical norteamericano gracias a otra mítica compañía, Narada. http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2008/03/rubaja-hernndez-high-plateaux-un.html (Hay que reconocer que Pepe hace un buen trabajo...Gracias!!)
Charango, Guitar – Gustavo Santaolalla Keyboards – Bernardo Rubaja, Cesar Hernandez Drums, Percussion – Alex Acuña Harp – Stephanie Bennett Producer, Trumpet, Flugelhorn, Soprano Saxophone – Mark Isham
1. Puerta Del Sol (Gate Of The Sun) 5:05 2. Forest 6:18 3. Reflective Colors 3:50 4. Indian Woman 5:25 5. Mar (The Sea) 5:25 6. Oro Blanco (White Gold) 6:32 7. Icebird 4:10 8. Dias Felices (Happy Days) 5:47 9. Pampa 5:36 10. Child's Dream 3:50
“Eden” es el segundo trabajo publicado en 1997 por el grupo polaco Kroke en el sello Oriente Musik.
Kroke se inspira en la música klezmer tradicional como base de sus propios arreglos e improvisaciones, integrando también influencias contemporáneas. Haciendo uso de su profundo conocimiento de la música clásica, jazz, New age y música gitana crean un sonido inusual: único, definitivamente del "este" y maravillosamente exótico.
Kroke es la palabra yiddish con que se conoce a la ciudad polaca de Cracovia. De ahí procede este grupo creado en 1992 por tres amigos, graduados de la Academia de Música de Cracovia.
La música que interpreta Kroke parte sobre todo del sonido klezmer, vocablo que se compone de dos palabras hebreas: kley (instrumento) y zemer (cantar, interpretar música). Pero, sobre todo, klezmer es la música tradicional instrumental que interpretan los judíos de los países del Este que utilizan como lengua el yiddish. Ninguna boda o celebración puede entenderse sin la música klezmer, que atravesó los patios de los pueblos, las casas del campo y los palacios de los nobles judíos, para interpretarse en cualquier otro lugar. Durante mucho tiempo, la música klezmer se ha ido enriqueciendo con otros sonidos y ritmos, hasta convertirse en un legado sonoro de una gran riqueza. El klezmer describe las alegrías y las tristezas de la vida judía, algo que también hace el grupo Kroke, respetando la tradición y llevándola siempre un paso más allá.
COMPONENTES: Tomasz Kukurba: violin, viola, vocals, percussion. Jerzy Bawol: accordion. Tomasz Lato: double bass.
Colaboraciones de: Marian Lato: clarinet on "Russian Sher" and "Eden". Dariusz Grela: piano on "Jazz Tashlik". Dariusz Kempny: clicking on "Jazz Tashlik.
CANCIONES: 01 - The Night in the Garden of Eden 02 - Russian Sher 03 - Reb Dovidls Nign 04 - Sher 05 - The Secret of the Life Tree 06 - Fun Tashlikh 07 - Jazz Tashlikh 08 - Der Ziser Bulgar / Moldavian Medley 09 - Dafino Vino 10 - Eden
Afro Celt Sound System, son un grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz) y Martin Russell (teclados, programación e ingeniero de sonido), verdadero artífice del sonido del grupo, además de Johnny Kalsi (percusión), N'Faly Kouyate (instrumentos étnicos), Emer Mayoc (gaitas) y Moussa Sissokho (percusión). Aunque Simon Emmerson lo había formado como banda en 1991, no fue hasta el año 1996 dónde se dieron a conocer en el festival Womad, dónde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus cinco álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003) y Anatomic (2005). En éstos trabajos además han disfrutado de las colaboraciones de músicos de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado todos los álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como Hotel Rwanda, Stigmata, Gangs of New York y Nikita. Los ACSS fusionan la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, presumir de contemporáneos trabajan con ordenadores y cuidan el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music.
Afro Celt Sound System is a musical group who fuse electronic music with traditional Gaelic and West African music. Afro Celt Sound System was formed in 1995 by producer-guitarist Simon Emmerson, and feature a wide range of guest artists. In 2003 they temporarily changed their name to Afrocelts before reverting to their original name. Volume 1: Sound Magic is the first album by Afro Celt Sound System.
Personal Ronan Browne – flute, mandolin, harmonium, uilleann pipes Jo Bruce – keyboards, programming Kauwding Cissokho – kora Massamba Diop – talking drum Simon Emmerson – guitar, programming James McNally – accordion, bodhran Iarla Ó Lionáird – vocals Ayub Ogada – vocals Martin Russell – keyboards, programming Davy Spillane – uilleann pipes
Adicional personal Malcolm Crosbie – guitar Simon Edwards – sintir Gary Finlayson – banjo John Fortis – bass, loops Angus R. Grant – fiddle Manu Katché – cymbals Caroline Lavelle – cello James MacKintosh – bongos Ian MacLeod – mandolin Levon Minassian – doudouk Myrdhin – harp Zil – vocal drone
1a Saor/Free 1b News From Nowhere 2 Whirl-Y-Reel 1 (Beard And Sandals Mix) 3 Inion/Daughter 4a Sure-As-Knot 4b Sure-As-Not (Jungle Segue) 5 Nil Cead Againn Dul Abhaile/We Cannot Go Home 6 Dark Moon, High Tide (Including Farewell To Eireann) 7 Whirl-Y-Reel 2 (Folk Police Mix) 8 House Of The Ancestors 9a Eistigh Liomsa Sealad/Listen To Me 9b Saor Reprise
Philip Sawyer (nacido el 8 de marzo de 1947 en Londres) es un músico inglés que fue miembro del Grupo Spencer Davis en la década de 1960 y luego grabó bajo el alias Beautiful World.
Sawyer comenzó su carrera musical como guitarrista principal y vocalista en varias bandas (Les Fleur de Lys, The Cheynes, con Mick Fleetwood, de 15 años, en la batería, y Shotgun Express, que también incluía a Fleetwood junto con un Rod Stewart anterior a la fama). . A la edad de 18 años, fue uno de los dos sustitutos de Steve y Muff Winwood en el Grupo Spencer Davis, siendo el otro otro prodigio de 18 años, Eddie Hardin. y apareció en su álbum With Their New Face On, que incluyó dos éxitos menores en Time Seller y Mr Second Class y Don't Want You No More (más tarde versionado por Allman Brothers). Sawyer dejó el grupo después de un año y fue reemplazado por Ray Fenwick.
Después de trabajar como compositor y productor discográfico para varios artistas (Florie Palmer, Sandie Shaw), comenzó a escribir música para anuncios de radio y televisión, películas corporativas, documentales y largometrajes.
Tras el éxito de dos canciones que Sawyer escribió para los anuncios de Timotei en 1992, en 1993 trabajó bajo el nombre artístico 'Beautiful World': los álbumes In Existence y Forever se vendieron internacionalmente. Los álbumes de Beautiful World fueron considerados música New Age y contaron con vocalistas como Cori Josias, Ella Harper, Russian Roulette (también conocida como Rush Winters), Beryl Marsden, ex colega de Shotgun Express de Sawyer, y Miriam Stockley, entre otros.
En ...In Existence, Sawyer combina letras en inglés y francés, así como los cantos tradicionales de los indios hopi y del swahili de África Oriental, subrayando estos elementos con música pop melódica y meditativa.Más una experiencia global y multiétnica que un lanzamiento contemporáneo para adultos fácilmente categorizable, se experimenta mejor en su totalidad, como un viaje a algún tipo de centro espiritual.Algunas de las piezas más atmosféricas reducen ligeramente el ritmo, pero la suave vibra disco de "Revolution of the Heart" redime con creces los momentos en los que la maravilla sonora domina las consideraciones melódicas.
01. In The Beginning
02. In Existence Voice - Ashley Maher
03. Evolution
04. Magicien Du Bonheur Voice - Brigitte Sawyer
05. I Know
06. The Silk Road
07. Love Song
08. Journey Of The Ancestors
09. Revolution Of The Heart Vocals - Ricci Price
10. The Coming Of Age
11. Spoken Word Vocals – Ian Whitmore, Miriam Stockley
12. Wonderful World
13. The Final Emotion
Ampliando su enfoque hacia una gama más ecléctica de temas relacionados con los celtas, y luego de su asistencia a una exposición internacional de artefactos celtas en Venecia, la musica de Loreena en su cuarto álbum, The Visit, adopta la forma de viajes históricos musicales.
Esta grabación de 1991, un éxito de ventas multimillonarias en todo el mundo, refunde las primeras influencias de Loreena desde una perspectiva inventiva y contemporánea. Sus nueve temas de producción propia van desde una inquietante versión de “Greensleeves” cantada y un conmovedor instrumental “Tango To Evora” hasta la desgarradora balada tradicional y el protoambientalismo de “Bonny Portmore”. y, finalmente, una de las creaciones más queridas de Loreena, una magnífica configuración melódica del épico poema artúrico de Tennyson “La dama de Shalott”.
“Los celtas sabían, como nosotros que estamos reaprendiendo ahora, la importancia de un profundo respeto por toda la vida que los rodeaba”, concluye Loreena. "Esta grabación aspira a ser nada más que un reflejo del tejido de estas cosas".
“Durante mucho tiempo he considerado que el impulso creativo es una visita, una cosa de gracia, tal vez, no tanto ordenada o poseída como esperada, preparada para ello. Algo, además, de misterio. Esta grabación intenta explorar algo de ese misterio.
También analiza las influencias orientales anteriores de los celtas y la probabilidad de que comenzaran en lugares tan lejanos como Europa del Este antes de ser empujados a los márgenes occidentales de Europa, particularmente en las Islas Británicas. Con sus influencias musicales surgieron rituales en torno al nacimiento y la muerte que trataban la tierra como sagrada y encantada; esta vida misma como una visita. Después, el alma de uno podría trasladarse a otro plano u otra forma, tal vez un árbol. Los celtas conocían entonces, como estamos volviendo a aprender ahora, un profundo respeto por toda la vida que los rodeaba. Esta grabación aspira a ser nada más que un reflejo del tejido de estas cosas”.
ALL SOULS NIGHT (5:04)
Words and music by Loreena McKennitt
Bonfires dot the rolling hills Figures dance around and around To drums that pulse out echoes of darkness Moving to the pagan sound.
Somewhere in a hidden memory Images float before my eyes Of fragrant nights of straw and of bonfires And dancing till the next sunrise.
I can see lights in the distance Trembling in the dark cloak of night Candles and lanterns are dancing, dancing A waltz on All Souls Night.
Figures of cornstalks bend in the shadows Held up tall as the flames leap high The green knight holds the holly bush To mark where the old year passes by.
Bonfires dot the rolling hillsides Figures dance around and around To drums that pulse out echoes of darkness And moving to the pagan sound.
Standing on the bridge that crosses The river that goes out to the sea The wind is full of a thousand voices They pass by the bridge and me.
Tracks 1. All Souls Night (5:04) 2. Bonny Portmore (3:57) 3. Between the Shadows (4:03) 4. The Lady of Shalott (11:05) 5. Greensleeves (4:15) 6. Tango to Evora (4:03) 7. Courtyard Lullaby (4:50) 8. The Old Ways (5:50) 9. Cymbeline (4:48)
El éxito del doble álbum de recopilación Musica Para Desaparecer Dentro exigía esta segunda parte. Mientras que el anterior álbum se centraba en artistas escasamente conocidos en España, pero cuyos trabajos ya tenían distribución, esta nueva selección se ha extraído integramente de álbumes con ediciones españolas reales (no meras reproducciones de las extranjeras, sino adaptadas al público a quien van dirigidas, con todos los detalles intactos, pero con los textos convenientemente traducidos al castellano). Es más, varios de estos discos se han editado en España como primicias mundiales. La colección Lyricon siempre ha enfocado el panorama de las "nuevas músicas" con una gran amplitud de miras y el resultado queda bien de manifiesto en esta extraordinaria colección de músicas multiculturales y multinacionales.
CD 1: 01. Himekami - Kaino Hikari (4:41) 02. Connie Dover - Cantus (6:16) 03. Elementales - Pasajes de Áncora (4:39) 04. Paul Winter Consort - Winter's dream (4:48) 05. Suspended memories - Saguaro (5:21) 06. Tomás San Miguel - Quédate (3:34) 07. Raphael - Healing Dance (9:13) 08. Matto Congrio - Camiño de Santiago (4:42) 09. The Nylons - Happy Together (2:53) 10. Oni Wytars - Reis Glorios (5:27) 11. Constance Demby - Novus Magnificat (Fragmento) (7:02)
CD 2: 01. Dead Can Dance - The Ubiquitous Mr Lovegrove (6:21) 02. Bill Douglas - Earth Prayer (5:00) 03. Pedro Estevan - Lluvia De Perseidas (Jordi) (6:05) 04. Emilio Cao - Inconsciente Amor (3:48) 05. Anna-Kaisa Liedes - Olin Sairas Kun Luokseni Saavuit (4:01) 06. Luis Delgado - Amanece En La Sala 'dos Hermanas' (3:44) 07. Andrew Cronshaw - An Gille Donn (3:52) 08. Peter Kater & R. Carlos Nakai - Wandering (6:55) 09. Marcelo Torres - Confía En Tí (5:59) 10. Enrique Mateu - Jazzogram (4:22) 11. Dissidenten - Jungle Book Part Ii (Trance Version) (8:15)
Narada. Collection series.
Nombrado por la tradicional canción Navajo "Shi Ni Sha", I Am Walking recopila lo mejor de la música nativa americana contemporánea, combinando la belleza aireada de los flautistas Andrew Vasquez, Joseph Fire Crow, Gary Stroutsos y R. Carlos Nakai con cantantes notables como Joanne Shenandoah y la familia Coolidge de Walela. El resultado es rico con la belleza espiritual de los antiguos Navajo, Hopi, Oneida y otras culturas nativas. Demasiados puntos brillantes dominan esta colección para enumerarlos a todos, pero entre los temas más especiales se encuentran "Wash Your Spirit Clean" de Walela (flotando con voces angelicales, guitarra brillante y percusión y batería nítidas) y "Oweegon" de Jim Wilson Little Wolf Band, que envía la voz de Priscilla Coolidge y el canto nativo que fluye a través de ritmos electrónicos picantes como el agua fría a través de las rocas de los ríos.
01 - Andrew Vasquez - Through My Eyes (Edit) ...3:44 02 - Gary Stroutsos - Shi Na Sha ...3:50 03 - Little Wolf Band - Oweegon ...4:34 04 - R Carlos Nakai, Wind Travelin' Band, Oki Kano - KAMUI ...3:48 05 - Gary Stroutsos & David Lanz - Lost Bird ...3:01 06 - Andrew Vasquez - Across The River ...4:32 07 - Joseph Fire Crow - Wolf Song ...1:49 08 - Gary Stroutsos - Night of the Sun ...4:11 09 - Joanne Shenandoah - Tekanatsyaslitha ...3:56 10 - Sacred Spirits - Yeha Noha - Tor-Cheney-Nahana ...7:01 11 - Walela - Wash Your Spirit Clean (Rita Coolidge, Priscilla Coolidge, and Laura Satterfield) ...4:23 12 - R Carlos Nakai, William Eaton & Will Clipman - Feather, Light & Stone ...4:17 13 - Gary Stroutsos & David Lanz - Serenade ...3:55
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