Con su álbum "Bridges", tendió puentes entre el rock, el jazz y una música de cámara afín al folk. Ahora, Büdi Siebert el pintor sonoro de Stuttgart dotado de una imaginación desbordante prosigue su camino con una grabación titulada "Wild Earth" (Tierra Salvaje); sin embargo, al escucharla, esta evoca imágenes de belleza formal, equilibrio melódico y una armonía suave y madura. Quizás sea así como Siebert, ese soñador de amplia visión, imagina el estado salvaje (u original) del planeta. En el libreto del CD cita las palabras de advertencia que el jefe Seattle dirigió en 1854 al presidente de los Estados Unidos sobre la destrucción de la Tierra a manos de la civilización blanca; palabras a las que puso música en 1982-1983 en colaboración con el suizo René Bardet, creador del proyecto "Poesía y Música". Finalmente, en un ensayo de su propia autoría, revela quiénes son para él los verdaderos salvajes: aquellos individuos "civilizados" que viven en un mundo perfecto y hermético, y que exterminan todo aquello que desea permanecer salvaje. Como humilde contribución a la reparación de este daño, el multiinstrumentista Siebert reivindica musicalmente los derechos de la naturaleza. A través de saxofones, flautas, tambores, acordeón y sintetizadores, da forma a sus visiones en composiciones de gran amplitud espacial. Algunos comentarios del texto de acompañamiento, tal vez demasiado grandilocuentes, no deberían impedirnos apreciar la belleza casi hímnica de esta música. El equipo "Biber" de Friedemann Witecka empleó la tecnología de grabación con una delicadeza deliberada. En el enriquecimiento de este universo musical participaron, entre otros, Ralf Illenberer, Thomas Rabenschlag, Walter y Peter Keiser, así como miembros de la Joven Filarmónica del Sur de Alemania de Esslingen.
Budi Siebert es un maestro de los vientos, Siebert toca una variedad de flautas en este album, pero su trabajo también implica la creación de una sensación de naturaleza, en World Beat abundan las influencias rítmicas y melódicas, Wild Earth es una escucha graciosa, viva. Budi Siebert toma con sabor latino exotismo musical y añade una pizca de contundencia Teutónica en "Wild Earth", su debut en Estados Unidos. Su amigo, Ralf Illenberger, ofrece un trabajo de guitarra genial, sobre todo en el tema. "Dancing with the Bear" Cabriolas de marimbas cocida a fuego lento, mientras que en "The Beauty Within" construye una imagen de una búsqueda de la visión del nativo americano. "Black Rain, Grey Snow" incorpora las formas de jazz en un viaje ecológico-temático lleno de una musicalidad sólida.
Personal: Büdi Siebert (flute, bass flute, accordion, bass clarinet, soprano saxophone, alto saxophone, keyboards, synthesizer, marimba, drums, percussion); Jon Otis (vocals, congas, bongos, talking drum, timbales, percussion); Ralf Illenberger (guitar, 12-string guitar); Thomas Fessler (guitar); Martin Nitschmann (clarinet); Roswitha Maier (oboe); Thomas Rabenschlad (piano); Frank Fischer (acoustic bass); Heiri Känzig (double bass, fretless bass); Walter Keiser (drums); Jo Koinzer (steel drum, percussion).
01. Wild Earth 02. Dancing With The Bear 03. The Beauty Within 04. Black Rain - Grey Snow 05. Winds From The South 06. Silent Earth 07. The Phoenix Rises 08. Round My Way 09. On Your Shores 10. Gentle Earth
Compositor, guitarrista, vocalista, arreglista y productor discográfico, nacido en Mallorca en 1952. Cuenta con un historial musical que lo une a nombres internacionales de la talla de: Jon Anderson, David Allen, Gilly Smith, Kevin Ayers, David Graham, Larry Coryell, Celia Cruz, John Cale, etc., con quienes ha colaborado, tocado o grabado en varias ocasiones.A los quince años, graba su primer álbum y durante los cuatro años siguientes toca con diferentes grupos de las islas: Harlem, Talayots. Más tarde forma el grupo Zebra (fusión de los Bravos y Z-66) juntos editan 11 discos, más tarde forma el dúo “Milan y Bibiloni”. Graban un disco y realizan numerosas giras dentro y fuera de España. En 1981 y 1982 se une a la Kevin Ayers Band, actuando en España y Europa y coproduciendo un L.P. En el año 1982 aparece su primer disco en solitario “Joana Lluna”. En 1983 produce y graba junto a Jorge Pardo. Durante este tiempo crea una super-banda, que une a grandes músicos del país, como son Jorge Pardo, Max Suñer y Kitflus, realizando actuaciones y colaboraciones discográficas. Bibiloni compagina su labor en Europa, con viajes frecuentes a Estados Unidos, donde edita un disco “Color Drops” junto al flautista americano Ernie Mansfield. En 1985 y 1986 forma dúo junto a Larry Coryell. El trabajo como productor de Joan Bibiloni , abarca estilos que van desde la música popular de Tomeu Penya, hasta producciones pop como Furnish Time. 1988, nueva e importante etapa encaminada a su lanzamiento internacional de la mano del sello discográfico Polygram (Londres) con quien firma contrato por tres años. En 1989 presenta su disco For a Future Smile en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza).También produce y compone para Marina Rossell con motivo de la presentación del disco Cinema Blau. Colabora con Maria Del Mar Bonet componiendo y grabando para su disco Bon Viatge Faci La Cadernera. Desde entonces hasta el año 1998 produce Palabra De Guitarra Latina con guitarristas como Tomatito, Larry Coryell, Luis Salinas, Ray Gomez, Tito Alcedo, Jordi Bonell, Raimundo Amador, Jaime Stinus...Y así hasta hoy, editando discos y produciendo otros artistas, como Antonio Vega, desde su productora Satie.
Joan Bibiloni nos presenta en este doble CD una importante muestra de su faceta como músico y compositor. "Balears" reúne 27 piezas instrumentales que son una delicia musical ofreciendo ambientes y atmósferas que sólo un gran guitarrista y compositor como Bibiloni sabe dibujar. Esta obra se acompaña de una extraordinaria colección de fotografías artísticas a cargo de Pere Colom.
Si se llamase John tendria unos cuantos Grammys, pero vive, respira entre nosotros y me da la sensacion de que aun no le hemos valorado suficientemente. Creo que es el mejor y mas grande guitarrista de Ses Illes, una rara avis muy sui generis que se siente balear y deberia tener denominacion de origen porque, partiendo de la esencia del mas puro mallorquinismo, transciende cualquier tipo de localismo y se hace siempre isleño, manacorense internacional. Su musica festiva, tierna, humana, inteligente... tiene sabor mediterraneo reminiscencias del blues, el swing, el jazz, la bossa nova, la rumba, los ritmoscubanos, africanos, sobretodo flamencos... conjuntados siempre con un toque bibiloniano de maestria que lo hacen, marca de la casa, multietnica original.
En este doble cd hay un tema de amor: "The Guitar Center" que es un sentido homenaje al hoy desaparecido "Centro de la Guitarra" de Palma y nunca he oido una version tan magica y autentica como la suya de la celebre cancion "Alfonsina y el Mar". Balears combina piezas propias con versiones personalisimas y magistrales que van creando seductoras una atmosfera donde las notas de la guitarra fulguran como chispas llameantes. Bibiloni explora alegre el cuerpo vibratil de las cuerdas y sus dedos son brujos agiles que exorcisan la guitarra, sacan de ella acordes que estimulan emocionales las ganas de vivir y se inventa sonidos que nos encantan, nos fascinan y nos llenan el espiritu de musicalia. Joan Bibiloni nos regala toda su sabiduria en este "Balears" que es un prodigio de vocacion guitarrera, de estimacion y una fiesta para los sentidos.
Cd1. 01 - Balears 02 - Pinzells 03 - Flors musties dins un palau 04 - Tot fermat 05 - The guitar centre 06 - Indies 07 - Mar blau 08 - La Espanyola 09 - Alfonsina y el mar 10 - Viatge en el temps 11 - Sunrise 12 - Ulls verds 13 - Joana Lluna 14 - No piquen
Cd2 01 - Waltz for a baby 02 - El silenci romput 03 - 1492 04 - Baix el blau 05 - Blue may 06 - Ballad for a empty street 07 - Una vida llarga i tranquil-la 08 - Colour book 09 - El salt del blauet 10 - Sa fosca 11 - Gates d'aigo 12 - Un adeu 13 - Un altre adeu
Michael Pluznick es un aclamado y destacado percusionista, intérprete y productor musical originario de Nueva Jersey; ha viajado por todo el mundo actuando, grabando y enseñando diversas modalidades de percusión. A lo largo de numerosos viajes, se ha formado con maestros percusionistas en Brasil, África Occidental, Cuba y Puerto Rico. Toca la batería y la percusión desde 1972 y se dedica a la enseñanza desde hace más de 25 años. Su trayectoria docente incluye colaboraciones con la Universidad Estatal de Sonoma (California) donde ejerció como profesor y conferenciante invitado, la Universidad de California (Santa Cruz) y Yamaha (Japón). Su álbum Rhythm Harvest figuró en la lista de los 20 mejores discos de Billboard durante dos meses, mientras que Where The Rain is Born recibió importantes reconocimientos por parte de la revista Electronic Musician. Michael produce diversos estilos de música africana para eventos especiales, producciones y espectáculos; asimismo, acompaña clases de danza en el Área de la Bahía y realiza actuaciones tanto a nivel local como internacional.
Su primer album para Narada Records, Where the Rain is Born (1989) es un lanzamiento de worldbeat dinámico, obra de un percusionista del Área de la Bahía en colaboración con el sintetizadorista Peter Scaturro. Desde paisajes sonoros oníricos, evocadores e impresionistas, hasta ritmos contundentes y polirrítmicos cargados de bajos, el álbum sorprende y cautiva al oyente de principio a fin gracias a la grandiosa paleta de sonidos de sintetizador y a las densas capas de percusión. La obra culmina con el magnífico tema homónimo, un canto neoafricano en honor a la lluvia en el que la percusión —que evoca el caer de las gotas— se desarrolla magistralmente sobre la cadencia hipnótica de las voces masculinas y femeninas.
Personal: Michael Pluznick (drums, percussion), Pedro DeJesus, Lanette Lynette Kirkwood (vocals), Robert Powell (guitar), Barry Cleveland (guitar, eggs, rectangle), Rich Michos (guitar, guitar synthesizer), Bill Ortiz (trumpet, flugelhorn), Peter Scaturro (programming, synthesizers, piano), Maria Rodriguez (background vocals).
tracks 1. Solar Safari 2. Savannah Dance 3. Rites Of Passage 4. City's Reflection, The 5. Desert Crossing 6. Time Caravan 7. Big Foot 8. Where The Rain Is Born
Cradle of the Sun es un álbum de estudio de música instrumental y percusión del artista Michael Pluznick, lanzado al mercado el 1 de enero de 1990 a través del sello discográfico Sona Gaia Productions. Este álbum destaca por su fusión de ritmos tradicionales del mundo, reflejando la extensa trayectoria de Pluznick en el estudio de la percusión de regiones como Cuba, Haití y África Occidental.
En Craddle of the Sun participan 17 artistas y se utiliza lo que parece ser casi un centenar de instrumentos diferentes, pero el resultado nunca llega a saturar. De hecho, se hace un marcado hincapié en los ritmos del pop occidental y en melodías de sintetizador de estilo fusión, acompañados por algunos solos de trompeta con matices jazzísticos. Las influencias étnicas son principalmente rítmicas y, a menudo, bastante sutiles, lo que hace que esta música resulte accesible para una gran variedad de oyentes. Unas agradables texturas de teclado realzan el atractivo de estas composiciones originales, que, aunque suenan familiares, están elaboradas con gran maestría.
1. Back To Havana 2. Mystic Dancer 3. The Guardians Of Nature 4. Spirit In The Rain 5. In America 6. Birds Of Paradise 7. Yan Valu
En su tercer lanzamiento, el extraordinario percusionista Michael Pluznick logra que todas las piezas encajen a la perfección en una mezcla explosiva de influencias haitianas, caribeñas y de África Occidental. Esta obra llena de vitalidad cuenta con voces masculinas y femeninas, guitarra, trompeta, teclados y, sobre todo, la participación de Pluznick a cargo de más de 20 instrumentos de percusión. Joel Lindheimer toca la guitarra y el charango; Robert Powell, la pedal steel guitar; y Kim Atkinson aporta matices de percusión adicionales en varios temas, mientras que las voces principales a menudo bajo la dinámica de llamada y respuesta se reparten entre Yagbé "Oba-llu" Onilu, Lygia Ferra y Pedro DeJesus.
Entre los temas más destacados figuran el cadencioso Le Bolero Haitien; Mozambique, inspirado en un ritmo de baile cubano que causó furor en los años 60; el pegadizo Rumbacito; y Giant Step, una pieza de música tradicional que rinde homenaje al espíritu de la montaña del pueblo yoruba del oeste de Nigeria. Aunque la banda derrocha energía, es Pluznick quien lleva las riendas y guía al grupo a través de polirritmos complejos y dinámicos en este fructífero Rhythm Harvest.
1.Echoes Of Time 1:19 2.Capilonga 4:04 3.Kongo 5:11 4.Le Bolero Haïtien 4:44 5.Jungle Man 1:42 6.L´Artibonite 3:58 7.Haitian Rumba 2:48 8.Mozambique 4:09 9.Rara 4:44 10.Rumbacito 4:22 11.Rhythm Realm 0:53 12.Giant Step 3:26 13.Yemayá - Blue Currents 4:43 14.Echoes Of Time 1:39
Carlos Núñez es un estudioso de la música celta y en el panorama internacional es considerado un erudito del tema. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía. En 1996 publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.
Este disco revolucionó la música folk y celta en España al conectar Galicia con Irlanda, América y el flamenco.
El álbum contó con un elenco excepcional de músicos de su grupo Fernando Fraga (acordeón, piano y teclados), Marcos Vázquez (bodhrán, batería y percusiones) y Enrique Iglesias (violín) y grandes colaboraciones internacionales y nacionales, Con leyendas como The Chieftains, Paddy Moloney, Derek Bell, Seán Keane, además de músicos de Nightnoise como Mícheál Ó Domhnaill y Tríona Ni Domhnaill, Artistas de la talla de Ry Cooder, Luz Casal, Dulce Pontes, Kepa Junkera, Tino di Geraldo y Juan Cañizares.
Tracks 01 - Amanecer 02 - A Irmandade das Estrelas 03 - Nubes del otro lado 04 - Negra sombra 05 - Os gaiteiros da noite 06 - Cantigueiras 07 - Villancico para la Navidad de 1829 08 - Bailando con Rosiña 09 - Lela 1 0 - The filght of the earls 11 - Canto de afiador 12 - Para Vigo me voy
Luis Paniagua es un multiinstrumentista que interpreta instrumentos étnicos de todo el mundo; comenzó su trayectoria con el grupo Atrium Musicae de Madrid y ha dejado una notable obra en solitario, además de haber formado parte del innovador grupo de música étnica Babia. Planeo Sobre el Camino de Santiago es su tercer álbum, publicado en 1991. A diferencia del anterior, producido por Luis Delgado, esta obra se gestó en formato de trío junto al percusionista Ernest Martínez y el multiinstrumentista Han Stemerdink. El disco consta de diez temas que llevan los sonidos étnicos al límite, gracias a la interpretación de estos tres músicos excepcionales y al uso de instrumentación digital. Ofrece una sonoridad extraordinaria que se percibe desde la primera escucha. Una auténtica obra maestra.
Planeo sobre el camino de Santiago del compositor Luis Paniagua ha sido producida por el Ayuntamiento de Pamplona dentro del programa “Heterodoxos en el Camino de Santiago”. La obra fué estrenada en el Teatro Gayarre de la misma ciudad el día 16 de marzo de 1990, interpretada por Luis Paniagua trio.
Género: Electronic, Jazz, Folk, World, & Country Estilo: Tribal, Modern, Contemporary, New Age, Experimental, Ambient, Folk
El pianista, compositor y productor Spencer Brewer es conocido por sus álbumes instrumentales que fusionan estilos clásicos, jazz y pop. Se dio a conocer a principios de los 80 con una serie de álbumes en Narada, dos de los cuales, Dorian’s Legacy (1989) y Piper's Rhythm (1991), alcanzaron el Top Ten de la lista New Age de Billboard. Además de fundar su propio estudio, Laughing Coyote, Brewer ha continuado desarrollando su obra instrumental, grabando con Paul McCandless y Kit Walker. Ha compuesto para cine y televisión, e incluso se inspiró en su pasión por las bandas sonoras clásicas para el álbum orquestal Cinematic (2008). En 2023, retomó sus composiciones originales con Behind the Veil.
Tanto Dorian's Legacy (1989) como Piper's Rhythm (1991) alcanzaron el Top Ten de la lista de ventas New Age de Billboard. Si bien Romantic Interludes (1993) marcó el último álbum de larga duración de Brewer con Narada, continuó apareciendo en varias recopilaciones del sello. Posteriormente, colaboró con Paul McCandless en varios álbumes, entre ellos Torches on the Lake y Summer Nights, ambos de 1996. Ese mismo año, se unió a Kit Walker para Reflections on the Pond.
Dorian's Legacy es un aclamado álbum de piano e instrumental de género New Age, compuesto e interpretado por el pianista estadounidense Spencer Brewer y lanzado originalmente el 1 de enero de 1989 bajo el sello discográfico Narada Equinox. El título del disco es un homenaje directo de Brewer a su hijo, llamado Dorian. Cuenta notablemente con Nancy Rumbel en el corno inglés y el oboe, Jim Foster en el bajo y Daniel Chase en la percusión
01 Dr D 4:17 02 Savoy Strutt 4:06 03 Marcel And Claudette 4:09 04 Dorian's Legacy 3:44 05 Touch Of Promise 3:39 06 Eric's Theme 4:02 07 In A Whisper 4:09 08 A Place Called Home 3:54 09 Mneesha's Lullaby 3:28 10 Young Lovers 3:17
Spencer Brewer - The Piper's Rhythm (1991)
The Piper's Rhythm es un álbum de estudio del pianista, compositor y productor estadounidense Spencer Brewer, lanzado originalmente el 1 de enero de 1991 bajo el sello discográfico Narada Productions. Este trabajo consolidó su éxito comercial al alcanzar el Top 10 en la lista de New Age de Billboard, destacando por una sofisticada mezcla instrumental que fusiona la música clásica contemporánea, el jazz-funk y el smooth jazz.
Con este séptimo álbum, el teclista Spencer Brewer se estableció firmemente como uno de los favoritos de la New Age entre los oyentes. Tal vez no es tan conmovedor como su anterior trabajo, Dorian`s Legacy.
1. Redwood Nocturne 4:24 2. The Piper's Rhythm 3:37 3. Quintessence 4:31 4. Slow Smoke 4:56 5. Lunar Monsoon 4:52 6. Out Of The Storm 5:21 7. Diane's Inspiration 3:07 8. Lopin' Along 4:16 9. Monkey Talk 3:32 10. Always There 4:08
Publicado en octubre de 1996, Oracle supuso el regreso de Hedges a las composiciones centradas en la guitarra. Dos fuerzas impulsoras impulsaron este álbum. La primera fue espiritual. Había compuesto el tema principal, «Oracle» (originalmente titulado «Fusion of the Five Elements»), durante un retiro en el desierto de Oracle, Arizona, en 1995.
En aquel entonces, estudiaba los cinco elementos de la filosofía china antigua. Hedges explicó a finales de 1997: «Oracle representó un catalizador que me está ayudando en mi vida actualmente. Me interesa el estudio de las energías elementales. En la antigua China, existían cinco energías que constituían la base de su filosofía. Oracle está dividido en cinco secciones. Cada una de estas secciones intentó emular esas energías. Fue una forma completamente nueva de componer para mí».
Un segundo factor determinante para este álbum fue la recuperación de una guitarra robada. Alrededor de 1978, Hedges adquirió una guitarra artesanal construida por Ken duBourg de Maryland. Michael compuso y grabó algunas de las piezas de su primer álbum con esta guitarra. Era muy especial para él. En 1982, la guitarra fue robada después de que él abriera un concierto para la Jerry Garcia Band; pero fue devuelta alrededor de 1995. Tras su restauración, la guitarra recuperada inspiró a Hedges a recordar antiguas melodías que había compuesto con este instrumento, y también a crear nuevas piezas de fingerstyle. El resultado fue uno de sus mejores álbumes.
El álbum consistía principalmente en composiciones para guitarra solista, con algunos arreglos instrumentales y una canción vocal (una fascinante versión de «Tomorrow Never Knows» de los Beatles). Oracle también incluyó diversas versiones instrumentales: «Theme from Hatari!» de Henry Mancini; «Sofa #1» de Frank Zappa; y una versión poco convencional de «Greensleeves/What Child Is This?». En 1997, la revista Billboard calificó a Oracle como el álbum más sólido de Hedges hasta la fecha.
En 1998, Oracle ganó el premio Grammy al Mejor Álbum New Age. El premio fue recibido póstumamente por la familia de Michael. Siendo el último álbum de estudio publicado en vida, Oracle es una muestra excepcional de la vasta capacidad compositiva de Michael. https://michaelhedges.com/album-oracle/
01. The 2nd Law – 3:07 02. Ignition – 3:28 03. Baal T'Shuvah – 2:10 04. Dirge – 3:29 05. Jitterboogie – 2:37 06. Oracle – 4:08 07. Gospel – 2:22 08. Tomorrow Never Knows – 4:01 09. Theme From Hatari – 3:19 10. Aura Muunta – 2:58 11. Jitterboogie (Family version) – 2:09 12. Sofa No. 1 – 2:42 13. When I Was 4 – 4:19 14. [Hidden Track] What Child is This? (Traditional) – 3:08
Con Chip Meditation 2025, Peter Mergener presenta un álbum muy especial: un homenaje a las raíces de su trayectoria musical y un hito que conmemora el 40 aniversario de su legendario debut de 1985, Chip Meditation.
Creado originalmente como grabaciones experimentales con dos pletinas de casete en una configuración de ping-pong, Chip Meditation marcó el inicio de una extraordinaria carrera en la música electrónica: primero como solista y luego como la mitad del exitoso dúo Software junto a Michael Weisser. Juntos, contribuyeron a dar forma al género con una fusión única de sonido, gráficos por ordenador y profundidad conceptual. Los elementos visuales de los primeros lanzamientos de Software, incluido el icónico «Mandelbrot Set» (Apfelmännchen), desarrollado por el grupo de investigación MAPART de la Universidad de Bremen, se convirtieron en su sello distintivo. Mientras que Weisser fue responsable del arte y las letras conceptuales de alta tecnología, Mergener desarrolló el sonido electrónico distintivo del grupo, a menudo recurriendo a composiciones que había escrito ya en 1981. Después de que Weisser decidiera que no habría más lanzamientos bajo el nombre de Software, Peter Mergener optó por celebrar este hito de 40 años con Chip Meditation 2025. El álbum incluye ocho temas completamente nuevos, inspirados temáticamente en la terminología de la teoría del caos, creando un puente intelectual y sonoro entre la ciencia y el arte sonoro. Todos los temas fueron compuestos, interpretados y producidos por Mergener en su estudio PEM. El proyecto también establece nuevos estándares visuales: Anton Zinkl diseñó el arte basándose en espectaculares imágenes fractales de James Webb, quien ya era un compañero cercano de Mergener durante su etapa en Software. El proyecto contó con el apoyo de Attila Simon (tecnología informática) y Oliver Ax, responsable de la realización del vídeo, entre otros.
01. Chaos and Order ...... 08:10 02. Julia Quantity ...... 09:04 03. Synergetik ...... 06:18 04. Iteration ...... 08:39 05. Attractor ...... 07:40 06. System Overload ...... 06:37 07. Relaxation ...... 05:35 08. White Noise ...... 06:06
Sacred Places, el tercer lanzamiento de Hollan Holmes, se compone de once viñetas geográficas, cada una inspirada en los viajes de Holmes a distintos lugares de profundo significado personal. Aquí, Holmes fusiona elaborados pasajes de secuenciador con toques ambientales tribales, intrincados pero íntimos, para evocar paisajes asombrosos en la mente del oyente. En cada pieza, Holmes invita al oyente a adentrarse en su mundo interior, reconstruyendo estos lugares sagrados con un diseño sonoro meticuloso y una poderosa sensibilidad temática.
Holmes creó este último trabajo a partir de una variedad de instrumentos de hardware y software, incluyendo los sintetizadores de hardware Oberheim OB-6 y Moog Prodigy, así como los sintetizadores de software Propellerhead Reason y Spectrasonics Omnisphere. En “Temples of Stone”, una melodía majestuosa asciende sobre un bajo staccato antes de estallar en un trance sin percusión. Pasajes brillantes de secuenciador caen en cascada sobre una línea de bajo inmutable, toda la grandeza propia de un templo antiguo intacto por el tiempo. Bill Porter añade un riff de guitarra eléctrica arrogante al trino de la escuela berlinesa de “An Elevated Life”, seguro y cósmico. Por el contrario, “Bristlecone” se arremolina como agujas de pino arrastradas por el viento a través de un claro del bosque, meditativa y anhelante, pero no menos propulsora. “The Divine Connection” yuxtapone retumbos de frecuencias bajas con arpegiadores brillantes, elevándose hacia un crescendo brillante.
01. Order Out Of Chaos ...... 06:06 02. Temples Of Stone ...... 07:20 03. Bristlecone ...... 05:19 04. Drawn To An Intangible Energy ...... 06:37 05. An Elevated Life ...... 05:52 06. Hallowed Ground ...... 05:01 07. Walking Among Kings ...... 07:11 08. The Divine Connection ...... 06:38 09. Primal Instinct ...... 07:56 10. A Light Unto The World ...... 07:09 11. Sacred Places ...... 06:06
Observer es un álbum de estudio del compositor alemán de música electrónica Robert Schroeder, lanzado en septiembre de 2024 bajo el sello discográfico Spheric Music. El disco se encuadra dentro de los estilos de la Escuela de Berlín, música espacial y ambiente electrónico, combinando secuencias atmosféricas con sutiles efectos vocoder, ritmos profundos y almohadillas corales.
Los efectos espaciales se deslizan hacia voces que parecen de vocoder y se sumergen en cámaras de eco, la batería entra en acción y la música gana velocidad. ¡A dejarse llevar! Los pasajes místicos conducen a secuencias de ensueño y se acentúan con la batería y se les da aún más profundidad con los pads corales. Todo el álbum es una gran experiencia sonora para un maravilloso viaje de ensueño para dejarse llevar hacia otras esferas.
1. Distructing Live 6:21 2. Sleepless Nights 6:44 3. Sometimes Ridiculous 6:46 4. Following On Step 7:59 5. Unknown Future 7:17 6. Surrounded By Shadows 5:36 7. Xtreme Pressure 6:32 8. Observer 7:46 9. Constant Threat 6:52 10. Following On Step (short) 4:21
Robert Schroeder - Relaxesizer (2025)
Relaxesizer es el 48.º álbum de estudio en solitario del compositor alemán de música electrónica Robert Schroeder, lanzado formalmente a finales de 2025. El álbum ofrece una propuesta de música ambiental y de estilo Berlin School diseñada específicamente para la relajación profunda a través de sintetizadores. El título del disco proviene de un aparato de gimnasia antiguo que Schroeder vio en una casa de empeños estadounidense, concepto que adaptó para definir su música: "relajación mediante el uso de sintetizadores".
El nuevo álbum de Robert Schroeder se titula Relaxesizer y, por supuesto, ofrece la base ideal para una relajación profunda.
El título del álbum es plausible: música relajante grabada con un sintetizador, es decir, Relaxesizer. En cualquier caso, el protegido de Klaus Schulze lleva desde 1979 creando composiciones sumamente relajantes y, incluso con su 48.º álbum en solitario, sigue ofreciendo música electrónica esférica, imaginativa y excepcional. En este álbum, Robert ha recopilado y aplicado la esencia, la suma de sus experiencias y desarrollo musical.
Con Relaxesizer, ha experimentado claramente una transformación musical, una maduración de su desarrollo, El resultado es este álbum, que merece la pena escuchar.
Esta es la tercera grabación del cuarteto Nova Express compuesto por John Medeski en el piano, Kenny Wollesen en el vibráfono, Trevor Dunn en el bajo y Joey Baron en la batería, reproducen la música compuesta, arreglada y dirigida por John Zorn. Mientras que en el primer álbum Nova Express contenía composiciones más discordantes, discontinuas, inspiradas en los escritos de William Burroughs, y el segundo, Dreamachines, suites trance más hipnóticas, en esta tercera entrega, la música toma su chispa creativa de la obra del humanista Walt Whitman, cada una de las pistas toman sus nombres de la poesía mística de su obra Hojas de hierba.
El magnífico, sonido del vibrafono de Wollesen combinado con la fluidez y la ligereza del piano de Medeski son como el repique de campanas celestiales con algunos momentos de una belleza impresionante. Mientras que Baron y Dunn infieren sin esfuerzo un sentido de expansión serena de espacio y Susurros maravillosos.
Ciento cincuenta años han pasado desde que Walt Whitman publicara Hojas de Hierba, una colección de doce poemas que alteraron de manera irrevocable el desarrollo de la poesía y la literatura. Su obra magna destrozó nociones existentes de la poesía, rompiendo todas las convenciones existentes en cuanto a la temática, el lenguaje y estilo. Hojas de hierba, abrieron la puerta no sólo para los poetas, sino escritores, artistas, músicos y pensadores para romper las barreras en su propio trabajo; a pesar de no llegar a una audiencia masiva durante la vida del artista, su tremendo impacto se está sintiendo un siglo y medio más tarde. Hoy en día, todavía estamos tratando de entender quién era Whitman.
No te detengas
No dejes que termine el día sin haber crecido un poco, sin haber sido feliz, sin haber aumentado tus sueños.
No te dejes vencer por el desaliento. No permitas que nadie te quite el derecho a expresarte, que es casi un deber. No abandones las ansias de hacer de tu vida algo extraordinario. No dejes de creer que las palabras y las poesías sí pueden cambiar el mundo.
Pase lo que pase nuestra esencia está intacta. Somos seres llenos de pasión. La vida es desierto y oasis. Nos derriba, nos lastima, nos enseña, nos convierte en protagonistas de nuestra propia historia. Aunque el viento sople en contra, la poderosa obra continúa: Tú puedes aportar una estrofa.
No dejes nunca de soñar, porque en sueños es libre el hombre. No caigas en el peor de los errores:el silencio. La mayoría vive en un silencio espantoso. No te resignes. Huye.
"Emito mis alaridos por los techos de este mundo", dice el poeta. Valora la belleza de las cosas simples. Se puede hacer bella poesía sobre pequeñas cosas, pero no podemos remar en contra de nosotros mismos. Eso transforma la vida en un infierno.
Disfruta del pánico que te provoca tener la vida por delante. Vívela intensamente, sin mediocridad. Piensa que en ti está el futuro y encara la tarea con orgullo y sin miedo.
Aprende de quienes puedan enseñarte. Las experiencias de quienes nos precedieron, de nuestros "poetas muertos", te ayudan a caminar por la vida.
La sociedad de hoy somos nosotros. Los "poetas vivos". No permitas que la vida se te pase sin que la vivas… Walt Whitman.
Trevor Dunn: Bass John Medeski: Piano Kenny Wollesen: Vibes Joey Baron: Drums
1.Whispers of Heavenly Death 2.Song at Sunset 3.Halcyon Days 4.Portals 5.Sea Drift 6.Song of the Open Road 7.The Body Electric 8.Mystic Cyphers 9.America
Tres experimentados músicos que combinan instrumentos electrónicos con instrumentos acústicos de los más diversos orígenes, incorporando a su particular forma de entender el jazz la fuerza de las melodías primitivas. Hadouk Trío, con su amplitud de miras artísticas, eleva a su máxima expresión el concepto de "música mundial", del que ha sido pionero, y se siente verdaderamente cómodo en el eclecticismo y la polivalencia, en un terreno impreciso entre Europa, África y Oriente. Participa habitualmente en el Festival de Essaouira (Marruecos), especializado en música gnawa y world music.
Hadouk Trio son los pioneros de la world music a través de su concepto del "cuarto mundo" y es realmente en sus actuaciones en directo donde se puede apreciar toda su potencialidad y su fuerza.
Hadouk Trío ha editado los discos Shamanimal (1999), Now (2002), Live à FIP (2004) y Utopies (2006), disco que refleja un concepto, la utopía como la esencia misma de este trío, su naturaleza profunda y la fuerza de su alma, después de 10 años.
Live à FIP es uno de los álbumes en directo más aclamados del grupo francés de World Jazz Hadouk Trio, liderado por los músicos Didier Malherbe y Loy Ehrlich. El concierto fue grabado en los estudios de la célebre emisora de radio francesa FIP y se publicó originalmente entre 2004 y 2006 en formato de doble CD. Destaca por su extraordinaria calidad de sonido y por la fusión de instrumentos tradicionales e improvisación jazzística.
Disc 1: 01. Vol de Nuit (7:13) 02. Alma Celesta (6:53) 03. Poème du Shamanimal (2:08) 04. Shamanimal (7:28) 05. Nacarat (8:53) 06. Salsa Movar (9:05) 07. Barca Solaris (11:34) 08. Dragon de Lune (6:57)
Disc 2: 01. Gopi (8:11) 02. Bille en t?te (6:58) 03. Loukoumotive (8:28) 04. O'Shehan drum (2:19) 05. Moussa (6:12) 06. Dame des sables (10:11) 07. Peau de banane (7:25)
Live at the Aquarium es un aclamado álbum en vivo del compositor, productor e inventor de la "guitarra infinita" canadiense Michael Brook, grabado originalmente el 21 de mayo de 1992. El concierto se celebró en el acuario del Zoológico de Londres como el evento de presentación para la prensa de su icónico disco de estudio Cobalt Blue. Aunque inicialmente no se grabó con la intención de comercializarse, la gran calidad atmosférica de la actuación motivó su lanzamiento oficial bajo el prestigioso sello 4AD.
El estilo expresivo de la guitarra de Michael Brook es una maravilla sensorial, rebosante de fervor caleidoscópico y atmósferas envolventes. Una base arqueada de sustain difuso, con notas largas y entrelazadas con un dominio impecable del ritmo y una gran habilidad para crear riffs pegadizos.
A años luz de las atmósferas más bien contenidas de su trabajo en Sleeps With The Fishes a finales de los ochenta con Pieter Nooten, Live at the Aquarium está impregnado de un poderoso sentido del groove, que envuelve al oyente en una multitud de influencias y matices.
Una joya para disfrutar es Live At The Aquarium! Me atrevo a decir que suena incluso mejor que Cobalt Blue. Un disco en directo donde Brook transforma con destreza “Shona Bridge” en una obra maestra del rock, remodelando “Lakbossa” en una dinamita distorsionada por el wah-wah, con un brillo casi irreconocible respecto a su versión de estudio.
Energía improvisada. La destreza de esta interpretación es épica, rebosante de energía improvisada y un toque performativo. Un auténtico placer, que culmina con la explosión de “Red Shift”.
Live At The Aquarium de Michael Brook es una auténtica joya oculta que captura una energía cruda e improvisada muy superior a las texturas pulidas de su contraparte de estudio Cobalt Blue. El contraste entre la calma del acuario del zoológico de Londres (donde se grabó en 1992) y la distorsión desatada por su infinite guitar crea una atmósfera hipnótica inigualable.
El lanzamiento de Barbara Higbie, Solstice, en otoño de 2024, complementa su popular serie «Chillogy».
Celebra la temporada con el Concierto Anual del Solsticio de Invierno, a cargo de Barbara Higbie, artista de larga trayectoria en Windham Hill. Acompañada por sus brillantes amigos músicos: la guitarrista Vicki Randle, la percusionista Michaelle Goerlitz, la violonchelista Mia Pixley, el bajista Kofy Brown, el prodigio de la mandolina Jasper Manning y la icónica artista y comediante de Seattle, Lisa Koch, Barbara interpretará una selección de sus álbumes Solstice, Chillogy y su nuevo CD, aún sin título, además de clásicos de la exitosa serie de discos Windham Hill Winter Solstice. Únete a nosotros para disfrutar de una cálida, alegre e inclusiva tradición navideña que se renueva cada año.
1. First Noel 02:26 2. Greensleeves 04:14 3. Bach and Beethoven 03:43 4. Walking In The Air 04:03 5. We Wish You 02:25 6. Emmanuel 04:56 7. Gloria 02:22 8. Divali 03:53 9. Giving Thanks 02:56 10. Joy To the World 03:09 11. Hanarot Halalu 03:09 12. Frozen Lake 03:35 13. Silent Night 04:05
Barbara Higbie - Dreams (2025)
Esta música fue creada para acompañar al oyente en su transición al sueño profundo. Interpretada en uno de los mejores pianos del mundo y grabada en un estudio de última generación, está diseñada para transmitir una profunda sensación de paz, bienestar y relajación. Que esta música, creada con amorosa intención, te lleve a un viaje de descanso.
Piano solo: Barbara Higbie. Producida por Barbara Higbie y Lisa Vogel.
Un solo de piano para noches de insomnio. «Dreams» es un álbum de new age atípico. Se trata de una colección inspirada de piezas originales y conmovedoras, interpretadas en uno de los mejores pianos del mundo. En un mundo perpetuamente ruidoso, encontrar algo relajante y presente es un verdadero tesoro. La música de «Dreams» invita al oyente a vivir cada momento con profunda intensidad.
1. Stepping Stones 05:03 2. Floating Petals 04:28 3. Surrender Your Thoughts 06:19 4. Stillness 04:32 5. When the Winds Change 06:45 6. Blue Ridge Mountains 04:35 7. Relax Your Heart 04:45 8. Appreciation 05:02 9. Beautiful Thoughts 05:15 10. Exhale 05:38
Como Green-House, los músicos Olive Ardizoni y Michael Flanagan exploran la naturaleza humana y el mundo natural mediante una síntesis dinámica y vibrante. Superponiendo frecuencias y expresiones como si de un camuflaje se tratara, su proceso colaborativo, de gran complejidad, comienza con cada artista: Ardizoni suele inclinarse por la melodía, mientras que Flanagan lo hace por la armonía. Su fuerza reside en cómo sus ideas se entrelazan, alcanzando una profundidad mayor que la suma de sus partes. En su primer album con su nuevo sello, Ghostly International, Green-House desarrolla y perfecciona su vívida composición instrumental con una libertad y un dinamismo sin precedentes, que desafían los géneros; una energía más activa, percusiva y emotiva, marcada por fluidos cuerpos sonoros y amplios paisajes sonoros. Hinterlands se conecta con la belleza del mundo con una sinceridad radical y desafiante.
Desde 2020, a través de un catálogo de aclamados lanzamientos con el sello Leaving Records, creador de la escena musical de Los Ángeles, el dúo ha explorado la curiosidad por los entornos, buscando espacios innatos y lejanos mediante instrumentación orgánica y sintética, diseño de sonido de alta definición y «melodías idiosincrásicas elaboradas con la mano paciente y metódica de un jardinero», escribe Pitchfork. Green-House no encaja fácilmente en ninguna categoría. Ardizoni y Flanagan no se identifican con ideologías New Age ni con la espiritualidad, y la etiqueta de ambient se siente cada vez más limitada dada la complejidad de sus canciones, que en su nuevo álbum se acercan más al IDM o incluso a la música clásica moderna. Lo que permanece intrínseco es una abierta sensación de asombro, «la idea de legitimar ciertas emociones dentro de la música que a menudo no se toman en serio en el arte, como la felicidad y la alegría», dice Ardizoni, cuya personalidad ecléctica brilla incluso sin letras. https://green-house.bandcamp.com/album/hinterlands
01. Sun Dogs (03:00) 02. Sanibel (03:04) 03. Farewell, Little Island (03:00) 04. Misty Step (04:01) 05. Dragline Silk (03:35) 06. Hinterland I (01:57) 07. Hinterland II (02:13) 08. Hinterland III (04:09) 09. Well of the World (05:07) 10. Under the Oak (02:51) 11. Bronze Age (02:34) 12. Valley of Blue (02:28)
El nombre de Clannad surge de la frase gaélica "an Clann as Dobhar" que significa "la familia de Dore"; el grupo fue fundado por la familia Brennan en 1970. Máire, Ciarán y Pól Brennan (la versión inglesa de su nombre familiar gaélico) se unieron a sus tíos Noel y Pádraig Duggan y empezaron a tocar en la taberna de su padre Leo. La hermana de Máire, Eithne, se unió a la banda en 1979 y la abandonó tres años más tarde para seguir una exitosa carrera en solitario conocida como Enya. Máire también ha llevado en paralelo su propia carrera en solitario, iniciada con un álbum en 1992 titulado "Máire".
Anam (que significa "alma" en irlandés) es el undécimo álbum de estudio del grupo de folk celta irlandés Clannad, lanzado originalmente el 8 de octubre de 1990. Este disco consolidó el sonido místico característico de la banda al fusionar de manera impecable la música tradicional irlandesa con el pop contemporáneo, el new age y estructuras de rock progresivo.
- Brídín Brennan / harmony vocals - Anton Drennan / electric guitar, dobro - Ian Parker / keyboards - Paul Ridout / programming - Mel Collins / saxophones - Vinnie Kilduff / bansuri - Paul Moran / drums, percussion - Bono / vocal duet (bonus #2)
01. Rí Na Cruinne (4:05) 02. Anam (4:05) 03. In Fortune's Hand (3:57) 04. Poison Glen (3:55) 05. Wilderness (instrumental) (2:08) 06. Why Worry? (4:30) 07. Úirchill An Chreagáin (4:25) 08. Love and Affection (4:59) 09. You're the One (3:57) 10. Dobhar (instrumental) (2:39)
