Kiasmos, el proyecto de Ólafur Arnalds y Janus Rasmussen, da otro paso con su esperado segundo álbum. Un “II”. ‘Burst’, es el primer adelanto del disco. El album es descrito por el propio Janus como “el momento en el que todo el disco empezó a concebirse. Gran parte del trabajo en hacer ese tema partió del hecho que ese fuese como un ancla para el resto del álbum“.
Sobre “II”, una nota de prensa detalla que nos topamos ante un disco que muestra una evolución como “arquitectos de lo sónico, contando con más profundas texturas acústicas, ambientación atmosférica, ritmos inquietos y ambiciosos arreglos de cuerda“. Respecto al pasado, Janus afirma que estamos ante algo “más grande en sonido y en producción“. El contenido del album se creó entre 2020 y 2021, incluyendo un período de tiempo invertido en el estudio de Ólafur en Bali. “Pasamos un mes componiendo algunas canciones que aparecieron en el disco”. Esto integró también percusión balinesa y grabaciones de campo captadas en la zona.
René Aubry nos cuenta en Facebook... Rara vez empiezo con un concepto o proyecto específico cuando compongo para un nuevo álbum. La música surge o no surge, sin que yo sepa realmente por qué. La dejo surgir, desarrollarse, sin intentar limitarla. Simplemente la sigo. A menos que sea al revés. Al final, elijo algunas, las que más resuenan, las que parecen querer coexistir. Este nuevo álbum nació sin ninguna intención en particular, pero con la libertad que me impulsa a crear. Una serie de piezas que, sin querer, quizá cuentan algo. O nada. Acaban contando una historia, o más bien sugiriendo mil más, según el oído y la imaginación de cada uno. Así que os dejo descubrir esta música tal como me llegó: de forma sencilla y espontánea. Esta dedicado a mi nieto Ulises.
(02:39) 01. Cannaregio (feat. VENTY) (02:56) 02. Ti Voglio Bene (03:13) 03. Dawn by Low (03:30) 04. Ulysse dans la vallee (01:59) 05. Angry Birds (02:04) 06. Give Me a Chance for Another Dance (02:28) 07. Jour apres jour (04:08) 08. The Cloud (04:07) 09. Joyeux qui comme Ulysse (02:35) 10. Rebetiko a Chicago (02:29) 11. Magic Light
Pascal Schumacher (nacido el 12 de marzo de 1979 en Luxemburgo) es un músico de jazz, compositor y percusionista luxemburgués que fundó varias agrupaciones, entre ellas el Cuarteto Pascal Schumacher. También interpreta y compone música clásica de cámara. Pascal Schumacher estudió percusión clásica en el Conservatorio de Luxemburgo. Continuó sus estudios en el Conservatorio de Estrasburgo y en el departamento de jazz del Conservatorio Real de Bruselas. Obtuvo un máster en jazz-vibráfono en el Conservatorio Real de La Haya con Frits Landesbergen y en musicología en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo. Entre quienes lo ayudaron en sus estudios se encontraban Gary Burton, David Friedman, Stefon Harris y Charles Loos. https://en.wikipedia.org/wiki/Pascal_Schumacher
El galardonado vibrafonista Pascal Schumacher y la pianista de renombre internacional Danae Dörken presentan su nuevo álbum 'Glass Two', un impresionante homenaje musical a uno de los compositores más influyentes de nuestro tiempo: Philip Glass. Su inusual instrumentación para piano y vibráfono crea un mundo sonoro inigualable que da vida a las obras minimalistas de Glass de una forma nueva y refrescante. El álbum se centra en interpretaciones originales de las composiciones de Glass, complementadas con obras del propio Schumacher. Estas piezas, inspiradas en personalidades que influyeron en el compositor estadounidense, como el poeta Allen Ginsberg o el escultor Richard Serra, forman una fusión única de dos mundos musicales. Esta fusión crea una atmósfera profunda y multifacética, a la vez que minimalista y clara. Pascal Schumacher y Danae Dörken demuestran de forma impresionante que a veces menos es más: sus arreglos, elaborados con gran maestría, se caracterizan por una fascinante transparencia que captura la esencia de la música minimalista. El resultado es una experiencia auditiva cautivadora que permite que los colores y las texturas de las obras de Glass brillen bajo una nueva luz e interactúen armoniosamente. Con composiciones propias de Schumacher. Sumérgete en los paisajes sonoros de «Glass Two» y vive un viaje musical inspirador tanto por su sencillez como por su diversidad. https://www.pascalschumacher.com/projects/glass-for-two
Pascal Schumacher, vibraphone Danae Dörken, piano
01 Glass: Japura River 04:33 02 Glass: Etude 12 08:05 03 Schumacher: The Sculptor R.S. 03:57 04 Schumacher: The Director R.W. 01:58 05 Glass: Mishima Closing 02:20 06 Schumacher: Glass Mosaïque 04:15 07 Glass: Truman Sleeps 02:07 08 Glass: Opening Rework (Arr. For Piano and Vibraphone by Pascal Schumacher) 08:33 09 Schumacher: The Choreographer L.C. 01:56 10 Glass: Metamorphosis Four (Arr. For Piano and Vibraphone by Pascal Schumacher) 06:01 11 Schumacher: The Poet A.G. 03:53
Nacido en 1980 en Minsk, Bielorrusia, Damián fue aceptado en el prestigioso Colegio de Música de Minsk a la edad de 6 años. No pasó mucho tiempo hasta que comenzó a actuar como solista de oboe con algunas de las orquestas más reconocidas del país y del extranjero. Todavía en su primera infancia, Damian se convirtió en ganador de numerosos grandes concursos internacionales de música. Su carrera musical dio un nuevo giro en 2000 cuando se mudó a Alemania. Siguiendo su inquisición artística, pronto se sumergió en la escena musical experimental underground. Su educación musical pasó de oboe a composición moderna y música electrónica, que estudió en la Academia de Música de Hannover y en Colonia con Prof. Johannes Schoellhorn y Joachim Heintz.
Damian Marhulets es un compositor, oboísta y productor electrónico de formación clásica radicado en Alemania. Encuentra su inspiración creativa en el mundo de lo extraño, donde la tecnología se fusiona con la magia y los medios se entrecruzan con el misticismo. Atraído por su fascinación de toda la vida por los límites radicales de la exploración artística y el pensamiento filosófico, Damian prospera en el ámbito de las fronteras difusas entre los mundos musicales. Con una formación arraigada tanto en la música clásica como en la tradición vanguardista, enriquecida por su singular experiencia en diseño de sonido, multimedia y una amplia experiencia trabajando con nuevas tecnologías, rechaza las normas musicales convencionales para forjar una identidad sonora distintiva y embarcarse en viajes a través de reinos inexplorados de creatividad.
Deutsche Grammophon presenta Winter Tales, un nuevo álbum de temporada con música de algunos de los compositores estrella del sello, invitados a reimaginar la música de Navidad, inspirándose en su infancia y su tierra natal. El álbum, incluye 12 respuestas muy personales a ese desafío creativo, todas con un mensaje fresco y oportuno sobre la promesa de renovación del invierno y el poder de la luz sobre la oscuridad.
El álbum abre con Wanting to Believe de Roger y Brian Eno, una nueva canción vocal del dúo y el preludio perfecto a la música de compositores tan diversos como Peter Gregson, Víkingur Ólafsson, Hania Rani y Dobrawa Czocher, Balmorhea, Mari Samuelsen, Ane Brun, Dustin O'Halloran y Bryan Senti, ABBOTT, Vanbur, Classical Sundays y Joep Beving. “En nuestros tiempos oscuros, encendemos una luz y la dejamos brillar” (‘Wanting to Believe’ – Roger Eno y Brian Eno) Roger Eno se sintió atraído por la música de ‘O Holy Night’ de Adolphe Adams, pero no por su letra original. Trabajando con su hermano, el compositor y productor Brian Eno, creó ‘Wanting to Believe’, cuya nueva letra secular aún expresa esperanza en el futuro, pero una esperanza, observa, que “se ve en nuestras propias manos”.
El violonchelista y compositor escocés Peter Gregson decidió reimaginar Taladh Chriosta (‘Canción de cuna de Cristo’), un villancico que tradicionalmente cantaban los isleños de las remotas Hébridas Exteriores en Nochebuena. La evocadora melodía se filtró en la mente de Gregson cuando era niño. Su versión de esta “melodía inocente e introspectiva” está escrita para tres voces femeninas, violín solista, violonchelo y sintetizador analógico.
Yendo hacia el norte, el álbum también incluye dos obras de inspiración islandesa. Víkingur Ólafsson aporta suaves armonías mecedoras a su versión para piano solo de la canción de cuna Farðu að sofa fyrir mig («Duerme para mamá», con arreglos de Snorri Sigfús Birgisson), que describe como «música para una noche de invierno a la luz de las velas, que oscila entre la luz y la sombra, y finalmente se desvanece en un sueño».
El pianista y compositor estadounidense Dustin O’Halloran y el multiinstrumentista y compositor Bryan Senti, por su parte, se han inspirado en el antiguo himno Hvað flýgur mér í hjarta blítt para «What Gently Flutters», una canción de apacible simplicidad.
Hania Rani y Dobrawa Czocher han tomado el villancico tradicional polaco Jesus Malusieńki y han dotado su melodía de múltiples capas de sonidos electrónicos e instrumentales. “Buscábamos algo muy autóctono para expresar nuestras emociones más profundas y la conexión con nuestras raíces”, reflexionan.
El compositor holandés ABBOTT también ha reinterpretado un favorito de la infancia, arreglando el villancico del siglo XIV «Nu Zijt Wellekome», una canción que, según él, expresa el significado más amplio de la Navidad, la necesidad de «dar la bienvenida a todos», para voces, violonchelo solista y electrónica.
Balmorhea, también conocidos como los tejanos Rob Lowe y Michael A. Muller, han creado una versión instrumental del «Coventry Carol», una canción que data del siglo XVI, cuando se cantó en un supuesto «misterio» representado en la ciudad de Coventry. Lowe la conoce desde niño: «Siempre me pareció la mezcla perfecta de calidez y oscuridad», recuerda.
El dúo británico de compositores Vanbur, formado por Jessica Jones y Tim Morrish, optó por un clásico del siglo XX, «Carol of the Bells», dándole una sensación etérea con una sola línea vocal en lugar de un coro masivo.
La artista noruega Ane Brun también eligió un texto en inglés para su versión de la canción alemana del siglo XV «Es ist ein Ros’entsprungen». Imaginó «Lo, How a Rose E’er Blooming» cantada por un coro de iglesia, pero, como explica, «con el espíritu de estos tiempos solitarios, grabé todas las voces yo misma en un pequeño estudio en Oslo».
Mari Samuelsen ha reinventado «Mitt hjerte alltid vanker» («Mi corazón siempre vaga») para violín solista y conjunto. Esta canción navideña escandinava le recuerda el impresionante paisaje noruego, las luces visibles en la distancia entre las silenciosas montañas nevadas: «Es una pieza que me hace sentir segura y tranquila, y que es mi hogar».
Continuando con la historia de los cálidos y familiares recuerdos, el cuarteto de cuerdas Classical Sundays, con sede en Berlín, interpreta un tranquilo arreglo del himno de Janucá, Maoz Tzur, que tradicionalmente se canta después del encendido de las velas de la menorá durante la fiesta judía de las luces.
Winter Tales concluye apaciblemente con Sinfonia, la versión de Joep Beving del movimiento pastoral del Oratorio de Navidad de Bach. "Quería darle a la delicada pieza de Bach una sensación sobrenatural añadiendo capas de sintetizador y ruido", dice. "Espero haber logrado aportar algo a la hermosa composición con esta versión. Fue una enorme alegría trabajar en ella". https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/winter-tales-12459
01 Brian Eno & Roger Eno - Wanting To Believe (Oh Holy Night) 04:35 02 Peter Gregson, Grace Davidson, Clara Sanabras, Daniel Pioro, Hannah Cooke - Taladh Chriosta 03:22 03 Víkingur Ólafsson - Sleep for Mama (Icelandic Folk Song) 02:39 04 Hania Rani, Dobrawa Czocher - Jezus Malusieńki (Reworked by Hania Rani & Dobrawa Czocher) 04:17 05 Balmorhea - Coventry Carol 03:30 06 Mari Samuelsen, Christian Badzura, Classical Sundays - Mitt hjerte alltid vanker (Arr. for Solo Violin and Ensemble) 03:52 07 Ane Brun - Lo, How a Rose E'er Blooming 02:32 08 Dustin O'Halloran, Bryan Senti - What Gently Flutters 02:08 09 Abbott, Ruben Jeyasundaram, Vocaal Ensemble Cordier - Nu Zijt Wellekome 04:02 10 Vanbur - Carol of the Bells 01:54 11 Classical Sundays - Maoz Tzur (Winter Tales Version) 03:14 12 Joep Beving - Sinfonia (After Bach, BWV 248) 04:41
Mari Samuelsen nació en 1984 en la ciudad noruega de Hamar, que se encuentra al sur de la ciudad olímpica de Lillehammer.
Empezó a aprender a tocar el violín desde los tres años y durante su adolescencia actuaba junto a su hermano Håkon que toca el violonchelo. Mari Samuelsen trabaja regularmente con el compositor Max Richter, uno de los más destacados compositores alemanes de la actualidad dentro del minimalismo. La idea de Lys surgió en el verano de 2019, casi al mismo tiempo que Deutsche Grammophon lanzaba su álbum debut, MARI, mientras esperaba para abordar un vuelo largamente retrasado. Aprovechó el momento para reflexionar sobre cuál podría ser su próximo lanzamiento. «Esperar ese avión me dio espacio para pensar en cómo la música se relaciona con la luz, la sombra y la oscuridad», recuerda Mari. Sus ideas iniciales evolucionaron lentamente, influenciadas por la larga tradición de describir la música a través de metáforas de luz y recuerdos personales de su infancia en la oscuridad invernal de la Noruega rural.
El álbum de Mari Samuelsen presenta una nueva y audaz selección de música dinámica y original dedicada e influenciada por la vida y la luz. Lys - "Luz" en noruego- presenta música de trece compositoras, desde Hildegard von Bingen hasta Hildur Guðnadóttir, combinando obras especialmente comisionadas con nuevos arreglos de piezas existentes. Los catorce temas se entrelazan para crear una lista de reproducción meditativa y energizante sobre este fenómeno vivificante. El ecléctico programa de la violinista noruega se mueve a través de las infinitamente sutiles cualidades de la luz para revelar un mundo musical de ilimitados matices de emoción y expresión. Lys abarca una gran variedad de estilos que refleja la franqueza de Mari hacia la música desde una multitud de géneros y su defensa incondicional ante las nuevas obras. Abarca desde un conmovedor arreglo del éxito de Beyoncé, Halo, hasta la música de la filósofa benedictina del siglo XII, mística y visionaria Hildegarda de Bingen; desde la trascendente quietud de La Luce de Hania Rani y los melancólicos sonidos de Bær de Hildur Guðnadóttir, hasta la precisión láser de Midi de Anna Meredith y el encantador Sol Levante de Laura Masotto.
Mari Samuelsen, violin Scoring Berlin Orchestra Jonathan Stockhammer, conductor Julien Quentin, piano Margaret Hermant, harp, violin Hania Rani, piano Dobrawa Czocher, cello
Meredi 1. White Flowers Take Their Bath (3:06) Dobrinka Tabakova 2. Nocturne (Arr. for Solo Violin and Piano) (3:46) Hannah Peel 3. Signals (4:28) Caroline Shaw 4. Plan & Elevation - IV. The Orangery (2:06) 5. Plan & Elevation - V. The Beech Tree (2:08) Laura Masotto 6. Sol Levante (3:50) Margaret Hermant 7. Lightwell (3:41) Hildegard von Bingen 8. O vis eternitatis (Arr. Tormod Tvete Vik for Solo Violin and Strings) (3:25) Beyoncé Knowles 9. Halo (Solo Violin and Strings Version) (3:34) Lera Auerbach 10. 24 Preludes for Violin and Piano, Op. 46 - No. 15 Adagio sognando (1:40) Hildur Guðnadóttir 11. Bær (Arr. Knoth for Solo Violin and Strings) (3:48) Hannah Peel, Erland Cooper 12. Reverie (Arr. Knoth for Solo Violin, Strings and Electronics) (3:02) Hania Rani 13. La Luce (5:23) Clarice Jensen 14. Love Abounds In Everything (4:23) Anna Meredith 15. Midi (Arr. for Solo Violin and Electronics) (3:03)
El cuarto álbum en solitario de Hania Rani, su primer álbum en vivo real, Nostalgia, se lanzó el 27 de septiembre de 2024 en Gondwana Records. Nostalgia es el primer álbum que presenta tanto la música de Rani como sus fotos juntas. Su primer álbum en vivo "real", grabado en un espacio con un significado importante para Rani como artista y persona: los estudios de la radio polaca en Varsovia. Con Nostalgia, Hania presenta los estudios a través de sus propios ojos como un lugar único y desconocido.
A través de Nostalgia, Hania presenta los estudios desde su propia perspectiva, como un lugar único y desconocido. Un lugar de trabajo, pero algo más. Un lugar de fantasmas y significados ocultos, de inspiración y misterio; el LP de lujo viene con un libreto de 16 páginas que presenta las fotos analógicas únicas de Hania, junto con sus pensamientos sobre el proceso de grabación, los estudios y las composiciones en sí. El CD incluye estas fotografías en un folleto de 12 páginas bellamente pegado.
Hania Rani, piano, electronics, keyboards, drum machine, vocals Ziemowit Klimek (all except It Comes in Waves and Nostalgia) double bass, moog String Ensemble (24.03, Thin Line, The Boat, Komeda, Utrata) Karolina Gutowska violin Jan Pietkiewicz violin Marta Piórkowska violin Paweł Czarny viola Tomasz Rosiński viola Dobrawa Czocher cello Marianna Sikorska cello Mateusz Błaszczak cello
01 Rani: 24.03 (Live at Studio 1, Warsaw) 05:52 02 Bellamy, Rani: Thin Line (Live at Studio 1, Warsaw) 06:54 03 Watson, Rani: Dancing with Ghosts (Live at Studio 1, Warsaw) 05:31 04 Rani: The Boat (Live at Studio 1, Warsaw) 06:36 05 Rani: It Comes in Waves (Live at Studio 1, Warsaw) 07:09 06 Bellamy, Rani: Don't Break My Heart (Live at Studio 1, Warsaw) 06:54 07 Rani: Komeda (Live at Studio 1, Warsaw) 10:33 08 Rani: Utrata (Live at Studio 1, Warsaw) 05:08 09 Rani: Nostalgia (Live at Roundhouse, London) 05:46
En su proyecto en solitario desde 2013, el compositor islandés Ólafur Arnalds agrega un nuevo elemento: ¡robots! - a su mezcla de repetición post-minimalista, desmayo indie, y derivas ambientales. Re: Member es una conversación entre Arnalds y algoritmos, lo programado y lo humano, sus propias intenciones y nuevas inspiraciones, compuesto por un software llamado Straus conectado a dos pianos.
Re-member, es la melancolía característica de Arnalds, como se escucha en álbumes como For Now I Am Winter de 2013 y la banda sonora de Broadchurch, con un pulso suave. "Brot" presenta luminosos latidos de cuerdas, el picor "Ekki Hugsa" centellea con el piano de la máquina de escribir y "Inconsist" es una reminiscencia del compañero minimalista Hauschka ido downtempo. Los clics y clacks de los procesos robóticos agregan una capa de textura extra para la música que es parte de las composiciones de piano para el musico del siglo XX de Conlon Nancarrow, parte de Aphex Twin Satie-and-skitter. Una mezcla suave de rigidez, tristeza y calma. https://www.rollingstone.com/music/music-album-reviews/review-icelandic-composer-olafur-arnaldss-experiment-in-artificial-intelligence-re-member-714971/
01. Ólafur Arnalds - Re:member [06:04] 02. Ólafur Arnalds feat. Sohn - Unfold [03:58] 03. Ólafur Arnalds - Saman [02:11] 04. Ólafur Arnalds - Brot [02:54] 05. Ólafur Arnalds - Inconsist [04:31] 06. Ólafur Arnalds - They Sink [02:35] 07. Ólafur Arnalds - Ypsilon [03:55] 08. Ólafur Arnalds - Partial [03:16] 09. Ólafur Arnalds - Momentary [02:05] 10. Ólafur Arnalds - Undir [06:30] 11. Ólafur Arnalds - Ekki Hugsa [04:41] 12. Ólafur Arnalds - Nyepi [04:14]
Ólafur Arnalds – Re:visions (2019)
Ólafur Arnalds comenta en Twitter.
En Re:visions Quería documentar las formas nuevas y a menudo
sorprendentes que tomaron las canciones de re: member cuando las tocamos
en vivo. Fue grabado en varios lugares de toda Europa durante nuestros
viajes en los últimos dos años.
01 – Brot (Lisboa) 02 – Saman (Berlin) 03 – Ypsilon (Leicester) 04 – Undir (London) 05 – Ekki Hugsa (Amsterdam) 06 – Nyepi (Munchen)
Music To Disappear In fué el primer lanzamiento del multiinstrumentista estadounidense Raphael para el sello Hearts of Space, sinónimo de new age y música ambiental. Este álbum tiene una larga historia de milagros y es uno que la gente escucha a diario, por su conexión con el espíritu. Raphael utiliza el piano y los teclados como voz central, creando una relajante red de sonidos de cuerda atmosféricos, complementados con flauta y percusión. Utilizado desde hace mucho tiempo por terapeutas corporales, Music To Disappear In es la definición misma de la música de relajación New Age. ¡Un clásico! No sé si alguien desapareció al escuchar este álbum, pero lo que sí sé es que te expone a un arcoíris de sonidos celestiales, es una obra ambiental muy bien elaborada en apariencia. Relajante y colorida, nunca monótona ni aburrida. A posteriori, te resultará relajante; la mente puede seguir cada nota sin esfuerzo. Contiene piano sanador, percusiones de medicina tribal y cantos gregorianos extáticos.
Las últimas cuatro piezas de Music to Disappear In se vuelven más terrenales y sensuales, incorporando tambores, flautas de bambú, arpas y violines gitanos en danzas de trance como "Serpent". El romance sublime y los ritmos sensuales hacen que las ocho composiciones del álbum sean verdaderamente únicas.
1. Disappearing Into You (8:48) 2. In Paradiso (5:06) 3. Resurrection (8:07) 4. In Paradiso (3:10) 5. Primitive Silence (2:10) 6. Serpent (8:43) 7. I Say Rock And Roll Prayers To A Dancing God (6:58) 8. Spirit Guides (6:58) 9. Silence (3:39)
La pianista y compositora italiana Oliva Belli comparte su segundo álbum, Intermundia, Escrito para piano y trío de cuerdas, Belli grabó con los principales
miembros del Max Richter Ensemble, Louisa Fuller, John Metcalfe y Chris
Worsey. En su segundo lanzamiento de larga duración, Olivia Belli va más allá de su profunda conexión con el mundo natural para explorar el lado espiritual de la naturaleza, algo más allá de lo físico, conocido como el “mundo de los lugares delgados”. Estos lugares son profundamente espirituales y relajantes, como los describe Belli, afirmando: "Sólo eres tú y tu alma". Para Intermundia, Belli eligió ocho ubicaciones, todas muy cerca de su casa en Le Marche, en el centro de Italia. Todos estos lugares tienen un significado personal en la exploración espiritual y artística de Belli. “Estamos encarnados en espíritu, y por eso es fundamental redescubrir y cuidar nuestra naturaleza espiritual. Estos son simplemente los lugares que me dieron la oportunidad de hacerlo. Cada uno de nosotros tenemos nuestros lugares, donde podemos percibir mejor esa parte más preciada de nosotros mismos, y sólo tenemos que encontrarlos”. Olivia Belli
01 Anima I 02 Bet Ha-Chaim 03 Respiro 1 04 Valadier 05 Diomedea 06 Respiro 2 07 Mirando 08 Anima II 09 Pian Perduto 10 Respiro 3 11 Amber Maze 12 Frater 13 Respiro 4 14 Sibyl
Frame es el décimo álbum de Yiruma lanzado en 2017 en el año 2019 fué reeditado como Winter Repackage, con la adición de la nueva canción 'Nocturnal Mind', El album captura el anhelo que nos viene a la mente cuando estamos a solas en una noche de invierno con las melodías de piano de Yiruma.
El famoso pianista coreano Yiruma aprovechó en 2019 para presentar la versión de reempaquetado de su décimo álbum de estudio que incluye los 11 títulos originales y 3 canciones inéditas, incluida la canción Nocturnal Mind. Nocturnal Mind está en el álbum número 16 de Yiruma, Frame Winter Repackage (2019).
Este invierno, espero que se convierta en una cálida música de fondo durante tu tiempo a solas lleno de añoranza...
01. Nocturnal Mind 02. f l o w e r 03. Walking In The Forest 04. f r a m e d (Piano ver.) 05. Autumn Finds Winter 06. s t e l l a 07. A Moonlight Song 08. Walking In The Forest (Piano ver.) 09. Serenade in E 10. f r a m e d (String ver.) 11. Picture Me (‘f r a m e’ ver.) 12. River Flows In You (‘f r a m e’ ver.) 13. Kiss The Rain (‘f r a m e’ ver.) 14. Letter (Winter ver.)
Este álbum mezcla música, poesía y retratos fotográficos clásicos de los poetas. La conexión surge a través del compositor Michael Hoppe, que redescubrió la colección de 5.000 imágenes de su abuelo, el famoso fotógrafo de retratos E.O. Hoppe (1878-1972). Cada una de las once piezas para violonchelo solista (interpretadas por el violonchelista suizo Martin Tillman) se inspiró en un poema diferente; las notas del álbum hacen coincidir el poema con el retrato. Las composiciones de Hoppe son clásicamente románticas, la esencia de un Schumann o un Brahms, pero sin su agitada tempestad. Aunque el violonchelo tiene un amplio rango, e incluso puede gruñir cuando la ocasión lo requiere, Hoppe no lleva al violonchelo a esos lugares no sonoros; cuando la gente dice que ama el violonchelo, es esta voz, este rango, este romance, este timbre lo que aman. La mayoría de los conciertos románticos tienen secciones dramáticas y grandilocuentes, una prueba de destreza, sin duda, pero la mayoría de los oyentes aprecian realmente los tiernos pasajes de redención, amor o pureza. La orquesta se calla y el violonchelo llora tiernas lágrimas. Hoppe ofrece un álbum entero de esos momentos. Tillman toca con extrema calidez y sensibilidad; los arreglos de Hoppe para piano y conjunto de cuerdas de cámara en el teclado presentan al violonchelo como el huevo de un petirrojo azul en el nido*. Hoppe dice que las piezas fueron ensayadas completamente y tocadas en vivo en el estudio, de principio a fin sin sobregrabaciones; el álbum tiene esa inmediatez e integridad.
Por supuesto, cada poema tiene su propio ambiente. "Some Other Time" (Carl Sandberg/"The Great Hunt") expresa un anhelo dolorosamente simple. "Moon Ghosts" (Aldous Huxley/"A Sunset") ofrece un tema desgarrador donde el poeta solitario reaviva un momento de deseo. "Diamonds of Rain" (Edward Thomas/"It Rains") también reflexiona sobre el romance perdido. El poema de Hoppe "A Minor Bird" de Robert Frost tiene la sencillez campestre de una composición de Aaron Copland. La pieza más rapsódica ("Riddles") está basada en el poema más corto, un enigma sobre un amor ahogado titulado "Juliet" de Hilaire Belloc. Otros poetas representados incluyen a Kahil Gibran, A.E. Houseman, Alice Meynell, Sara Teasdale, G.K. Chesterton y Walter de la Mare.
1. Some Other Time (For Carl Sandburg) 2. Moon Ghosts (For Aldous Huxley) 3. Diamonds Of Rain (For Edward Thomas) 4. Flight (For Robert Frost) 5. Renouncement (For Alice Meynell) 6. Hidden In The Heart (For Sara Teasdale) 7. Riddles (For Hilaire Belloc) 8. Prayer (For Kahil Gibran) 9. Changes (For A. E. Housman) 10. Gold Leaves (For G. K. Chesterton) 11. Shadows (For Walter De La Mare)
Durante la mayor parte de su existencia, Penguin Cafe Orchestra no se parecía mucho a una orquesta. Sonaban más como la banda de la casa en una bacanal en un pasado británico imaginario y druídico, y sin importar cuánto jazz, música clásica y africana incorporaran a su sonido, escuchar canciones como "Air à Danser" y "Pythagoras's Pants" todavía se sentía como asistir a una fiesta donde todos sabían tocar un instrumento. En Union Cafe de 1993, el último álbum antes de la muerte del líder Simon Jeffes en 1997, la banda exploró un sonido majestuoso, orientado a las cuerdas, más adecuado para un salón que para una fiesta. Penguin Cafe, el sucesor dirigido por el hijo de Jeffes, Arthur, ha continuado en gran medida en esta línea al tiempo que insinúa la exuberancia folklórica del trabajo anterior. Es divertido que dejen de lado la palabra "orquesta" de su nombre dado que suenan como tal.
Arthur Jeffes toca una docena de instrumentos en el nuevo álbum de Penguin Cafe, Rain Before Seven…, entre ellos el balafón, un xilófono de África occidental con un tono terriblemente rasposo. Sin embargo, igual de crucial para el sonido del disco es Oli Langford, un arreglista de cuerdas con un trabajo constante que proporciona el violín a las bandas sonoras de éxitos de taquilla como The Batman, Divergent y Pokémon: Detective Pikachu. Este es un hombre que sabe un par de cosas sobre cómo hacer música que suene "cinematográfica", y Rain Before Seven... suena como una compilación de los temas que acompañan a los protagonistas de pueblos pequeños cuando llegan a ciudades más grandes y grandiosas de lo que jamás imaginaron. Esta es música escrita en el lenguaje de la emoción y la aventura, todo cuerdas de sierra, ritmos insistentes y mazos curiosos.
Track 3 In Re Budd esta dedicado a Harold Budd
Toda esta elevación deja poco espacio para el misterio, la psicodelia o la experimentación. Aunque el balafón de Jeffes y el bajo estilo Eberhard Weber de Andy Waterworth inyectan una agradable excentricidad, las decisiones difíciles como el compás de 15/8 en "Galahad" apenas se registran debajo de la alegría centelleante de la música. Incluso algunos momentos interesantes son desactivados por la implacabilidad del álbum, como cuando una caja de ritmos con un sonido nítido en "Find Your Feet" se subsume inmediatamente en una pared de cuerdas que produce una progresión de acordes pop probada y verdadera. Con cuerdas que ocupan casi cada centímetro del espacio disponible, hay poca sensación de espontaneidad o camaradería entre los jugadores. El PCO tenía una manera de convencerte de que su música brotaba espontáneamente de sus cabezas, incluso cuando estaba rigurosamente compuesta; Las canciones de Penguin Cafe suenan como el producto de un ensayo interminable, una formalidad menos propicia para la experimentación que condujo a maravillas fortuitas como “Telephone and Rubber Band”.
01. Welcome to London (4:49) 02. Temporary Shelter from the Storm (4:56) 03. In Re Budd (4:23) 04. Second Variety (3:54) 05. Galahad (6:11) 06. Might Be Something (6:30) 07. No One Really Leaves… (4:55) 08. Find Your Feet (4:18) 09. Lamborghini 754 (4:24) 10. Goldfinch Yodel (4:50)
La Blue Chip Orchestra estuvo formada por los músicos austriacos Hubert Bognermayr y Harald Zuschrader. Su álbum debut de 1988 obtuvo instantáneamente el reconocimiento internacional. Hubert Bognermayr fue el fundador de la Blue Chip Orchestra, además de su diseñador de proyectos, ingeniero y especialista en informática Fairlight. Bognermayr, pionero de la música acústica por computadora, programó y tocó sintetizadores y samplers, y creó tratamientos de sonido. En la década de 1970 dirigió el famoso grupo austriaco de rock sinfónico Eela Craig y, junto con Ulrich Rutzel (presidente de Erdenklang Records y productor de Blue Chip Orchestra), fundó el festival de artes electrónicas Ars Electronica en Linz, Austria, en 1979. Bognermayr también fue el director de la Academia Blue Chip. Harald Zuschrader fue socio musical de Bognermayr desde 1970. Zuschrader compone y toca todas las guitarras, además de teclados y percusión. Además, ha realizado diseño de sonido, programación, ingeniería y mezclas para Blue Chip Orchestra.
Los sonidos digitales filarmónicos del proyecto Danubio Azul se basan en la rica herencia orquestal de la región austriaca, en este vanguardista homenaje a algunos de los más dinámicos y brillantes compositores clásicos europeos. Blue Chip Orchestra es una idea original de Hubert Bognermayr que ha fusionado este juego de instrumentistas y solistas de formación clásica en la era del ordenador "Blue Danube" es una obra encargada por PCD Polymere/Austria con motivo del 500 aniversario de la ciudad de Linz, Austria. Genre:Electronic, Classical Style:Modern Classical, Neo-Romantic, Experimental, Contemporary
1 Molltau 3:49 2 Tam Tam (Alla Turca Mix) 4:27 3 Austrian Groove 2:51 4 Donau So Blau 6:43 5 Mozart 3:15 6 Maestro K. 3:42 7 Anton 3:42 8 Kravallerie 3:44 9 Vergeldsgott 3:37 10 Strawanski (Morris Strawanski Tanzt Igor Ravel Von 3 - 4) 4:55 11 Uhrsprung 3:32 12 Wienerwitz Polka 3:06 13 Kaiserwalze (Schönbrunner Mix) 3:02
El 15 de febrero de 2003, el mundo dijo que no a la guerra. La humanidad se unió a lo que el New York Times llamó una "cadena global de margaritas" de manifestaciones pacíficas contra la invasión estadounidense de Irak. Fue la mayor protesta contra la guerra en la historia, con hasta 30 millones de personas manifestándose en todo el mundo. Max Richter estuvo entre los que tomaron las calles ese día. Aproximadamente una semana después hizo su segundo álbum, The Blue Notebooks. Se grabó en solo tres horas, con un quinteto de cuerdas y la actriz Tilda Swinton leyendo los textos de Franz Kafka y el poeta Czesław Miłosz, ganador del Premio Nobel, "for a token fee". Cuando el LP salió un año después, en marzo de 2004, el asesinato de cuatro contratistas de Blackwater en Fallujah provocó un período renovado de sangrienta violencia.
La protesta silenciosa es el corazón latente de The Blue Notebooks, que ahora ha sido reeditado en su 15 aniversario con material adicional. "Es un intento de que la música comente sobre la sociedad", dijo Richter. "Específicamente, es un disco contra la violencia". "Shadow Journal" es la canción de protesta del álbum. En los compases de apertura, que se rellenan con una charla de fondo ambiental, Swinton recita el poema "Al amanecer de la Tierra inalcanzable" de Miłosz, un texto alucinante sobre una ciudad y alguna catástrofe sin nombre, escrito en una confusión de tiempo pasado y presente. La composición encantada que sigue emula el ensueño lúcido de la escritura y sus proyecciones de incertidumbre a través de retumbos de bajo siniestros y bucles turbios yuxtapuestos con una melodía de violín penetrante. Captura el espíritu de la "política de la irrealidad" que, según Richter, surgió en 2003 alrededor de Irak. https://www.residentadvisor.net/reviews/22569
Disc 1 01. The Blue Notebooks 02. On The Nature Of Daylight 03. Horizon Variations 04. Shadow Journal 05. Iconography 06. Vladimir's Blues 07. Arboretum 08. Old Song 09. Organum 10. The Trees 11. Written On The Sky
Disk 2 01. A Catalogue Of Afternoons 02. On The Nature Of Daylight (Orchestral Version) 03. Vladimir's Blues 2018 04. On The Nature Of Daylight (Entropy) 05. Vladimir's Blues (Jlin Remix) 06. Iconography (Konx-Om-Pax Remix) 07. This Bitter Earth / On The Nature Of Daylight 08. Cypher
Olivia Belli es la pianista italiana más prometedora del momento. Nacida en Mantua pero crecida en Trieste, Olivia estudió piano clásico en el conservatorio y pronto desarrolló su afinidad con compositores de los siglos XX y XXI como Glass, Ligeti, Reich y Stockhausen y Ludovico Einaudi. Desde niña ha estado rodeada de música y esta pasión la ha acompañado siempre a lo largo de su vida. A principios de la década de 2000, ella y su marido, Enrico Belli, también músico, fundaron el festival «Perpianosolo Meeting«, en el que trabajaban en colaboración con otros artistas, como bailarines, actores, fotógrafos, escritores y pintores, reflejando su amor por las artes.
Sol Novo un album de La pianista y compositora italiana Olivia Belli. El título ‘Sol Novo’ significa ‘nuevo sol’ o ‘Nuevo día’. Teniendo muy presentes sus raíces italianas, Belli eligió el título de "La divina comedia" de Dante (1265-1321), cuyo 700º aniversario se celebra este año. No obstante, también es una referencia a la hora de la mañana que tanto le gusta y a los numerosos tipos de luz natural que uno puede presenciar en su región natal. "Sol Novo" está repleto de pistas y referencias al campo, los pueblos y las montañas que rodean a la artista por un lado, y el océano, la playa y la costa por el otro
Olivia Belli ha pasado de compositora de granja a estrella internacional, pero su música sigue siendo tan íntima como el sol sobre las montañas. La intimidad está presente en sus sencillos de vídeo, que a menudo la retratan sola al piano. Sol Novo fue anunciado en primavera, y cada mes ha surgido un nuevo sencillo, arrojando luz sobre una faceta diferente del proyecto general.
El título del álbum puede significar New Sun o New Day, y refleja el momento favorito de Belli para componer. Los niños todavía pueden estar durmiendo mientras el sol se cuela sobre los campos en un lado de su casa de campo y el mar en el otro. Esto suena como un lugar increíble para vivir. La mañana trae reflexividad y una sensación de serenidad, transmitida a través de piezas tiernas. Metafóricamente, el mundo también está esperando un nuevo día: la esperanza de aterrizar en una orilla de relativa paz y seguridad, removido del encierro y el aislamiento, la acritud y la guerra. https://oliviabelli.com/sol-novo
01 - Sol Novo (00:03:32) 02 - Upland (00:02:58) 03 - Lea (00:03:15) 04 - Two Seas (00:03:32) 05 - Island I (00:02:10) 06 - Open Air (00:02:49) 07 - Bora (00:03:48) 08 - Grain Moon (00:03:23) 09 - Island II (00:02:23) 10 - Bilico (00:03:42) 11 - Fingers, Be Rain (00:03:24) 12 - Grembo (00:03:54) 13 - Visions to Come (00:03:00) 14 - Bleak (00:03:10) 15 - As I Was (00:03:27) 16 - The Light Endures (00:03:38)
El innovador compositor, intérprete y productor de música clásica moderna, Ólafur Arnalds, reúne a un grupo diverso de amigos y colaboradores para ‘some kind of peace -piano reworks-’, Con el piano central en cada pista, el mundo sonoro del álbum abarca desde cuerdas clásicas hasta electrónica ambiental.
Ólafur invita a estos diez artistas a experimentar y recrear su último álbum ‘some kind of peace’, un álbum que incluía dos temas de Ólafur nominados al Grammy, ‘The Bottom Line’ (feat. Bonobo) y ‘Loom’ (feat. Josin).
La colaboración es la piedra angular del trabajo de Ólafur. Haciendo un llamado a su comunidad creativa, cree que la música puede vivir como un organismo que se mueve y respira. Como él señala, “El corazón de una canción vive en el intérprete”. Lanzado en octubre, este distintivo álbum de 10 pistas celebra el carácter, el sonido y la interpretación individual de cada artista como la esencia de cada canción.
La formación abarca los mundos de la música clásica moderna, electrónica, jazz y alternativa, interpretada por el pianista y compositor surcoreano admirado en todo el mundo Yiruma, el pianista y compositor estadounidense Dustin O’Halloran, el pianista, productor y rapero de jazz del Reino Unido que desdibuja el género, Alfa Mist, la música electrónica el alter ego del productor Machinedrum, Tstewart, el cantautor, productor y compositor JFDR, el pianista, productor y compositor de Berlín Lambert, la pianista y compositora australiana Sophie Hutchings, la pianista y compositora cinematográfica Eydís Evensen y el pianista, compositor y productor de géneros cruzados Magnús Jóhann.
1 Loom – piano reworks - Eydís Evensen 2 Woven Song – piano reworks - Hania Rani 3 Spiral – piano reworks - Dustin O’Halloran 4 Still / Sound – piano reworks - Sophie Hutchings 5 Back To The Sky – piano reworks - Lambert 6 Zero – piano reworks - Alfa Mist 7 New Gras – piano reworks – TStewart 8 The Bottom Line – piano reworks - JFDR 9 We Contain Multitudes – piano reworks - Yiruma 10 Undone – piano reworks - Magnús Jóhann
Durante los últimos años, Nils Frahm ha estado construyendo un nuevo estudio en Berlín para hacer su séptimo álbum de estudio titulado All Melody, que se lanzó el 26 de enero de 2018 a través de Erased Tapes, antes de que Nils emprendiera su primera gira mundial desde 2015, Desde el día en que Nils se encontró por primera vez con el impresionante estudio de un amigo de la familia, había previsto crear uno propio a una escala tan grande. Nils es ahora el orgulloso anfitrión de Saal 3, que forma parte del histórico edificio Funkhaus de Alemania del Este de 1950, junto al río Spree.
Es aquí donde ha pasado la mayor parte de su tiempo deconstruyendo y reconstruyendo todo el espacio desde el cableado y la electricidad hasta la carpintería, antes de pasar a los elementos más finos; construyendo un órgano de tubos y creando una mesa de mezclas desde cero con la ayuda de sus amigos. Es en este lugar donde se puede nutrir la música y no descuidarla, y donde de alguna manera puede cumplir su propósito de presentar música al mundo lo más cerca posible de su imaginación. Sus álbumes anteriores a menudo han sido acompañados con una historia, como Felt (2011) donde colocó fieltro sobre los martillos del piano por cortesía a sus vecinos cuando grababa a altas horas de la noche en su antiguo estudio de dormitorio, y el siguiente álbum Screws ( 2012) cuando lesionó su pulgar lo obligó a jugar con solo nueve dedos. Su nuevo álbum nace de la libertad que proporcionaba su nuevo entorno, permitiendo a Nils explorar sin restricciones y mantenerlo todo sobre la melodía. A pesar de estar confinado dentro de las cuatro paredes majestuosas de la Funkhaus, enterrado en sus cámaras de reverberación, o en un antiguo pozo seco en Mallorca, All Melody es, de hecho, la prueba de que la música es ilimitada, atemporal, y refleja las capacidades de Nils . Desde el sueño de un niño hasta el restablecimiento de los parámetros de la música en sí. http://www.nilsfrahm.com/all-melody-2018/
Genero: Electronic, Ambient, Modern Classical
01. The Whole Universe Wants to Be Touched 02. Sunson 03. A Place 04. My Friend the Forest 05. Human Range 07. All Melody 08. #2 06. Forever Changeless 09. Momentum 10. Fundamental Values 11. Kaleidoscope 12. Harm Hymn
Yann Tiersen (nacido el 23 de junio de 1970) es un músico y compositor francés. Su carrera musical se divide entre álbumes de estudio, colaboraciones y bandas sonoras de películas. Su música involucra una gran variedad de instrumentos; principalmente la guitarra, el piano, el sintetizador o el violín junto con instrumentos como la melódica, el xilófono, el piano de juguete, el clavecín, el acordeón y la máquina de escribir.
A menudo se confunde a Tiersen con un compositor de bandas sonoras, y él mismo dice: "No soy compositor y realmente no tengo formación clásica", pero su verdadera atención se centra en las giras y los álbumes de estudio que, a menudo, resultan adecuados para el cine. . Su banda sonora más famosa para la película Amélie se compuso principalmente de temas extraídos de sus tres primeros álbumes de estudio.
Kerber, el álbum de Yann Tiersen, es un álbum basado en piano bellamente texturizado, altamente inmersivo y cuidadosamente construido, fusionado con música electrónica. Las penetrantes teclas del piano se fusionan con paisajes sonoros arremolinados, mientras Tiersen explora las posibilidades de la pequeñez infinita. El álbum fue creado y grabado en The Eskal, el estudio que construyó en Ushant (la isla donde vive), y 'Kerber' lleva el nombre de una capilla en un pequeño pueblo de la isla, mientras que cada pista mapea sonoramente el paisaje que rodea el hogar de Tiersen.
Hania Rani es una pianista, compositora y músico que divide su vida entre Varsovia, donde tiene su hogar, y Berlín, donde estudió y a menudo trabaja. Ha escrito musica para cuerdas, piano, voz y electrónica y ha colaborado con artistas como Christian Löffler, Dobrawa Czocher y Hior Chronik. Ha actuado en algunos de los lugares más prestigiosos de Europa, desde la Filarmónica Nacional de Varsovia hasta Funkhaus en Berlín, The Roundhouse en Londres y en festivales como Open’er, Scope Festival y Eurosonic. Sus composiciones para piano solo nacieron de una fascinación con el piano como instrumento, y su deseo de interpretar su sonido y sus posibilidades armónicas en su totalidad y a su manera.
Escribir música para cine y teatro siempre ha sido una parte importante del mundo musical de Hania Rani. También es una parte del proceso creativo que puede estar tentadoramente fuera del alcance de los oyentes, ya sea que el proyecto no se haga realidad o la música simplemente no esté disponible fuera de la película o la obra. Desde las primeras colaboraciones con amigos hasta las dos bandas sonoras del año pasado para largometrajes (xAbo: Father Boniecki dirigida por Aleksandra Potoczek y I Never Cry dirigida por Piotr Domalewski '), Rani ha estado involucrada en muchos proyectos de este tipo, cada uno representando un paso importante en su vida. desarrollo artístico y vida como compositor y artista. https://haniarani.bandcamp.com/album/music-for-film-and-theatre
1 Prayer (From Xabo: Father Boniecki) 3:31 2 In Between (From Xabo: Father Boniecki) 3:10 3 Journey (From Xabo: Father Boniecki) 4:26 4 Trip To Ireland (From I Never Cry) 1:51 5 The Beach (From I Never Cry) 2:56 6 The Locker Room (From I Never Cry) 2:26 7 At The Hospital (From I Never Cry) 1:03 8 Waiting (From At Home) 1:40 9 Wildfires (From Truth in Fire) 5:15 10 Ghosts (From Pradziady) 3:03 11 Soleil Pâle 3:53 12 Nora (From Nora) 5:15
