Kiasmos es el proyecto conjunto de dos amigos, el feroés Janus Rasmussen y el islandés Ólafur Arnalds. Estos dos amigos llevaban colaborando y coincidiendo juntos varios años hasta que decidieron comenzar este proyecto común en 2009 paralelo a sus respectivas carreras.
Ólafur es un compositor, productor y multi-instrumentista que comenzó como batería de hardcore hasta que, en 2004 les pasó su demo de composiciones caseras a los metaleros alemanes Heaven Shall Burn que, unos meses más tarde, le pidieron que hiciera varias intros instrumentales para sus álbumes. Fue el inicio de una carrera polifacética por la que ha ganado un BAFTA. Por su parte, Janus es integrante del cuarteto de electropop islandés Bloodgroup.
Juntos como Kiasmos han publicado split “65/Milo” (2009), dos EPs, “Thrown” (2012) y “Looped” (2015) y un esperado álbum homónimo “Kiasmos” (2014) de minimalismo experimental muy bailable grabado con un cuarteto de cuerda, batería, piano sintetizadores y cajas de ritmo. https://www.erasedtapes.com/artist/kiasmos
Kiasmos is the 2014 debut album by the Icelandic minimal experimental techno duo Kiasmos,composed of Ólafur Arnalds and Janus Rasmussen. It was released on 27 October 2014 on Erased Tapes Records. It's well-documented that neo-classical experimentalist Ólafur Arnalds and Bloodgroup's Janus Rasmussen form Kiasmos, an ambient techno project. The two are renowned musicians in their own rights, and Kiasmos doesn't stray far from what the pair do for their day jobs - it's all very atmospheric, structured and verging on the avante-garde.
Género: Electronic Estilo: Minimal Techno, Modern Classical
Exoplanet, el álbum de Jens Buchert, vuelve a dejar las extensiones musicales de nuestro sistema solar aural. Entre Ethereal Techno, Ambient, Retro Electronica, Progressive House y Chillhouse, su estilo escénico simplemente no se puede clasificar. El tema de apertura, Exoplanet, lleva las sinapsis al frente y muestra al oyente el camino hacia un colorido universo sonoro que consta de leyendas de sintetizadores como ARP2600, Minimoog, Synclavier, Korg MS20, Oberheim OB-8 y algunos ingredientes sonoros secretos. Los ritmos complejos y sofisticados alrededor de los 120bpm son estimulantes y de discoteca, pero no demasiado dominantes ni trillados. Arpegios de sintetizador analógico impactantes y hormigueantes, amplios y cálidos sonidos de pads 3D, estructuras de sonido palpitantes y homogéneas y armonías simbióticas te cautivarán. También se puede escuchar claramente un sonido analógico retrospectivo y perfeccionado como en Wavefields o Cyclesphere. https://www.discogs.com/es/Jens-Buchert-Exoplanet/release/14024473
Esta es una colección cuidadosamente seleccionada de la música más relajante de Deuter, elegida específicamente para la práctica de Reiki, la meditación y las artes curativas. Deuter es el único en su capacidad para acceder a las vibraciones más altas del sonido curativo. Una vez más, la combinación única de sonido y silencio que Deuter ha dominado evoca una experiencia profundamente transformadora. Imprescindible en tu colección con flautas, flauta dulce, guitarra, violín, violonchelo, viola da gamba, santoor, shakuhachi, koto, sitar, cuencos tibetanos, bouzouki, sintetizadores, piano y teclado.
Reiki Healing es una increíble colección de las mejores composiciones curativas de Deuter, que será muy apreciada por los profesionales de las artes curativas.
Género: Electronic Estilo: New Age
1. Sound Of Invisible Water 9:29 2. Reflection 1 8:39 3. Mystic Voyage 5 8:40 4. Language Of Silence 10:10 5. The Source 6:21 6. Wind In Bamboo 8:13 7. Four 6:54 8. Song Of A Dream 5:42
René Aubry es un compositor de todo tipo de musicas, que ha trabajado notablemente para la danza contemporánea (para Carolyn Carlson, Pina Bausch o Philippe Genty), pero también para cine o animación, René Aubry tiene un estilo muy visual, en el que inmediatamente ponemos imágenes, estados de ánimo, sensaciones, evocando universos vinculados a la infancia o a lo maravilloso. Sus composiciones llenas de melodías ligeras y arreglos brillantes encuentran un magnífico campo de expresión en este nuevo álbum colorido, muy variado, en el que los instrumentos de cuerda juegan un papel importante (guitarra, mandolina, banjo) pero también clarinete, acordeón o sonidos electrónicos, el turno forma un conjunto tan singular como emocionante. Mejor que una banda sonora imaginaria, pequeños saltos delicados con una gran brecha nos llevan a través de diferentes estados, como en un viaje mental, lo que nos permite cruzar paisajes grandiosos con el sonido de música onírica y delicada.
En total, estas son 14 pistas que podemos descubrir en este álbum para escuchar solo con auriculares, o en familia, porque la música de René Aubry es universal y está dirigida a todos, siempre que se exprese su sensibilidad y su imaginación. y déjate envolver por las dulces melodías y poesías de este generoso compositor.
Compositions, guitares, mandoline, banjo, accordéon, violon, accordéon et percussions : René Aubry Contrebasse : Benoit Dunoyer de Segonzac Clarinette : Renaud Gabriel Pion
Windham Hill Records, y el sello que se tragó, Private Music, escribió al menos uno o dos capítulos sobre música chill-out. Pero nunca antes se habían dirigido a esa audiencia. Este CD doble se basa en los sospechosos habituales de Windham Hill-Private Music y crea una experiencia auditiva perfecta, ambiente en el disco uno, acústico en el disco dos. Disc One: Ambient presenta a algunos de los pioneros de la música ambiental: Mark Isham, Tangerine Dream y Patrick O'Hearn. Pero la mayor parte del disco bebe del lado melódico, bucólico y orquestal con State of Grace, David Arkenstone e incluso Yanni. Ninguno de ellos es ambient de ninguna manera, pero caen en un flujo elegante que es más evocador que relajado. Disc Two: Acoustic tiene a todos los pioneros de Windham Hill, incluidos George Winston, Will Ackerman, Michael Hedges y Philip Aaberg. Juntos, crean un flujo pastoral desde guitarras solistas hasta pequeños conjuntos de cámara. No llevaría este disco a una sala chill-out, pero para atmósferas elegantes y estados de ánimo bucólicos, Windham Hill Chill tiene encantos más que suficientes...John Diliberto
Género: Electronic Estilo: Ambient
CD1: Ambient 1-1 The Paul Schwartz Project – Vol De Nuit 4:23 1-2 Yanni – To The One Who Knows 5:25 1-3 Mark Isham – Raffles In Rio 4:27 1-4 Tangerine Dream – Cool At Heart 6:03 1-5 Schönherz And Scott – One Night In Vienna 5:10 1-6 Ravi Shankar – Ragas In Minor Scale 7:28 1-7 Philippe Saisse – Glamorous Glennis 4:34 1-8 Patrick O'Hearn – Malevolent Landscape 4:46 1-9 Balligomingo – Marooned 5:49 1-10 State Of Grace – Miserere 5:16 1-11 Shadowfax – Shadowdance 5:16 1-12 Øystein Sevåg – The Door Is Open 5:19 1-13 David Arkenstone – Into The Dreamtime 7:01 1-14 Fred Simon – Time And The River 4:19
CD2: Acoustic 2-1 Richard Dworsky – A Morning With The Roses 4:20 2-2 Michael Hedges – Rickover's Dream 4:24 2-3 George Winston – Cloudburst 2:49 2-4 Angels Of Venice – After The Harvest 6:27 2-5 Alex De Grassi – Western 3:55 2-6 Jeff Johnson & Brian Dunning – The Dream Of Taliesin 4:13 2-7 Philip Aaberg – Marias River Breakdown 4:45 2-8 Will Ackerman – Shella's Pictures 5:14 2-9 Gayle Levant And Tommy Morgan – Prelude In C With Ave Maria 3:13 2-10 Liz Story – Wedding Rain 5:31 2-11 Sean Harkness – Coming Home 5:11 2-12 Phil Coulter – Sunlight On The Water 4:11 2-13 Steve Erquiaga – Pavanne 4:11 2-14 Nightnoise – Night In That Land 3:06 2-15 Samite – Having A Good Time 6:02 2-16 W.G. Snuffy Walden – Alone 3:43
V.A. - Windham Hill Chill Vol.2 (2003)
Windham Hill tiene un reclamo legítimo sobre el eslogan de "etiqueta chill out original" que adoptó para la serie de muestras Windham Hill Chill. Había estado publicando material de tipo paisaje sonoro electrónico e instrumental contemporáneo desde 1976, antes de que esa música se cubriera con la etiqueta de la nueva era y antecediera al auge de las compilaciones chillout y downtempo en al menos 20 años. Dicho esto, podría haber una desconexión entre la "relajación" (una de las especialidades de Windham) y el "escalofrío", un género problemático que generalmente se refiere a las suaves texturas hip-hop, electroacústica. Hay cruce en los sonidos ambientales y acústicos que se encuentran en Windham Hill Chill. El disco uno mezcla la parte ambiental del set. Toma una visión amplia del término, combinando los paisajes sonoros étnicos entrecortados de "Puerta del Sol" de Bernardo Rubaja y César Hernández (de 1987) en la pieza para piano romántica y contemplativa de Yanni "In the Mirror" (1993), antes llegando con los ritmos cambiantes y el balanceo de "Longing", de la violinista Lili Haydn, producida por Bill Laswell. Está "Twin Soul Tribe" de Tangerine Dream y "Another Country" de Shadowfax, material que se acerca más a la electrónica progresiva o incluso al jazz contemporáneo (en el último caso) que lo que se considera ambiental. Este tramo interpretativo continúa con el disco dos de Windham Hill Chill, subtitulado "acústico". En el contexto chillout, acústico a menudo significa electroacústico, no así aquí. Desde el virtuoso trabajo de guitarra solista de Michael Hedges y Leo Kottke, hasta los quejumbrosos acordes de piano de George Winston (la fabulosa "Early Morning Range"), esta no es simplemente música, es material hecho a mano para la introspección. Otros aspectos destacados incluyen "Welcome" de la arpista Lisa Lynne y "Love Unspoken" del famoso compositor de televisión W.G. Snuffy Walden, con sus figuras de guitarra acústica ligeramente rústicas y la sección de cuerdas de buen gusto. Windham Hill Chill, vol. 2 ciertamente se puede aplicar como un bálsamo relajante, incluso si amplía las nociones comunes de lo que aportan estas compilaciones. Al final, es simplemente relajante.
.................Disc One: Ambient......................... 1. Patrick O'Hearn - Forever the Optimist---04:43 2. Rubaja And Hernandez - Puerta del Sol---05:07 3. Yanni - In the Mirror---03:57 4. Lili Haydn - Longing---04:56 5. Paul Schwartz - Thalaster---04:32 6. Mitchel Forman - Rizzo---04:05 7. Tangerine Dream - Twin Soul Tribe---04:36 8. Schönherz And Scott - Daydreams---05:16 9. Lakki Patey - Tojojo---03:12 10. Shadowfax - Another Country---03:53 11. State of Grace - Stabat Mater---05:33 12. Fred Simon - That Fall---05:02 .................Disc Two: Acoustic.......................... 1. Jim Brickman - Shades of White---02:49 2. Michael Hedges - Ragamuffin---03:09 3. Nightnoise - Windell---03:43 4. Will Ackerman - Moment in Which You Must Finally---05:38 5. George Winston - Early Morning Range---02:44 6. Leo Kottke - Retrograde---03:03 7. Lisa Lynne - Welcome---04:44 8. Steve Erquiaga - Nocturne from Lyric Pieces---04:18 9. Scott Cossu - Gwenlaise---04:28 10. Sean Harkness - Green Mountain Trail---03:39 11. Michael Manring - Sung to Sleep---03:51 12. Phil Coulter - Year of the French---03:21 13. W.G. Snuffy Walden - Love Unspoken---03:52 14. Liz Story - Inside Out---03:39 15. Alex de Grassi - Clockwork---06:41 16. Samite - Cradle With Love---03:44
Matthias James Thurow (nacido el 25 de agosto de 1949 en Tübingen) es un músico (guitarra, bajo, teclados, sintetizador, también violín, sitar) y compositor alemán, que se desarrolló desde el rock hasta la música ambiental y también en el campo de la música teatral y cinematográfica.
Thurow tocaba la guitarra en la banda escolar Royal Servants a fines de la década de 1960; dio lugar a la banda de Krautrock Eulenspygel, que fue una de las primeras bandas de rock alemanas en trabajar con letras en alemán. Después de los dos primeros álbumes de Eulenspygel 2 y Committee, se fue, cambió al bajo y trabajó en la banda de fusión Et Cetera de Wolfgang Dauner. También trabajó para Dave Pike Set y Attila Zoller.
Thurow trabajó para la televisión mientras estudiaba literatura y ciencias políticas en la Universidad de Tübingen. Escribió artículos y guiones y compuso música para películas. Junto con Melchior Schedler, Wolfgang Dauner y Fred Braceful, la serie de televisión de cuatro partes Glotzmusik fue creada para ARD en 1974. A partir de 1976 Thurow empezó a trabajar para el teatro; contribuyó con más de 100 composiciones a varias obras de teatro. Entre 1978 y 1982 Thurow dirigió la música incidental en el Landestheater Esslingen. También estuvo de gira con su proyecto de rock Turo's Tutti y presentó el LP Halbzeit. Luego comenzó a trabajar en música acústica por computadora. En 1982 presentó el disco Agent Orange como Turo; la canción principal llegó a varias antologías de NDW.
Thurow continuó trabajando en teatro, radio, televisión y cine. Además, los álbumes Cornucopia y Melancholia fueron lanzados en el sello Erdenklang de Ulrich Rützel. A fines de la década de 1990 se mudó a Italia. En 2005 lanzó el álbum Ich bin, nuevamente grabado íntegramente por él mismo. También se le puede escuchar en álbumes de Friedemann, Anita Sarawak y Peter Rübsam.
Cornucopia o cuerno de la abundancia... Amáltheia era una ninfa o una cabra que con su leche alimentaba al niño Zeus. Zeus convirtió uno de los cuernos rotos de Amáltheia, del que antes había brotado néctar y ambrosía, en el cuerno inagotable y generoso de la abundancia. Como símbolo de sobreabundancia y prosperidad, produce todo lo que su propietario desea... Teclados, computadora y programación de sonido de última generación, trabajando con la computadora como una paleta de pintor.
Matthias Thurow dice:
El trabajo en este album me reveló un nuevo método de procedimiento que antes de esto lo había adoptado sin querer y por coincidencia. No concebí ni compuse la música de la manera convencional, pero traté de hacer uso del considerable trabajo y experiencia con computadoras como un pintor. Es decir, aplicar colores de tono, pintarlos, reagruparlos y luego volver a borrarlos, De esta manera resultaron piezas musicales que, desde mi punto de vista, tienen un estilo de escritura completamente nuevo. Todavía puedo recordar muy claramente una entrevista con Picasso. La cámara trató de capturar una fase de trabajo del maestro que, armado con una botella de vino tinto, se sentó en su estudio y simplemente comenzó a pintar, se dejó llevar, aparentemente hizo alternaciones arbitrarias, dibujó líneas, hizo manchas, y pronto algo fue creado que era fascinante; y aunque uno veía el proceso formativo, no podía captarlo. Este asunto de dejarse llevar, encontrarse y dejarse caer viene precedido de un largo proceso personal de experiencia y desarrollo al que me gustaría dedicarle mucho más espacio en mi trabajo. Para mí, este estilo de trabajo es creatividad sin restricciones, la expresión del sonido sin restricciones..
Género: Electronic Estilo: Ambient, New Age, Modern Classical
Hiroshi Yoshimura nació en Yokohama (Japón) en 1940. En 1964 se gradúa en la Escuela de Letras, Artes y Ciencias de Waseda.
Produjo performances y piezas de sonido, música medioambiental acompañada de diseños gráficos, diseño de sonido y poesía visual, trabajando también en el negocio del diseño de sonido en colaboración con TOA en particular. Creó el grupo de música computacional "Anonyme" en 1972. En 1978, la NHK le encarga la composición de la pieza "Alma's Cloud". Aparte de sus actividades en solitario e improvisación musical, se dedicó a la producción de música para galerías, museos y estaciones de tren. Estuvo a la vanguardia de la música medioambiental. Dio clases en la Facultad de Ingeniería de Chiba, en el departamento de diseño industrial, así como en la Universidad Kunitachi en el Departamento de Diseño de la Música, en ambos casos como profesor a tiempo parcial. Aparte, organizó talleres sobre la participación de los ciudadanos en los museos.
Yohsimura es considerado el pionero del ambient en Japón, uno de los países donde más tracción ha ganado esta corriente musical que incorpora la música electrónica a ciertos aspectos que antes se asociaban con la música culta o clásica para crear un nuevo género popular, melancólico y contemplativo. Yoshimura, quien murió a los 60 años de cáncer, en el año 2003, tomó influencias como Brian Eno y Erik Satie y creó sus propios paisajes silenciosos, llenos de delicadas melodías y sonidos naturales, a veces entrecortados por frecuencias electrónicas que sugieren presencias angelicales.
"Música con olor a bosque" Obra en CD de 1996 creada a partir de la experiencia del compositor de música ambiental Hiroshi Yoshimura visitando el Olympic National Park en la orilla opuesta de Seattle, al que describe como otro mundo. Un total de 10 canciones, desde ambient hasta downtempo, llenas de sensaciones relajantes que crean iones en tu cabeza mientras mezclan sonidos de grabaciónes de campo.
Género: Electronic Estilo: New Age,Ambient, Downtempo
1 Quiet Forest 5:39 2 Whispering 5:35 3 After Rain 2:02 4 Hoh River 5:33 5 Sunrise 3:18 6 Deep Echoes 6:10 7 Melting Wind 1:17 8 Dancing Creek 7:28 9 Rain Forest 2:22 10 Lullaby Of Leaves 4:57
House of Sleeping Beauties es el primer álbum de Lucia Hwong. De sabor asiático, pero nada tradicional, su música me recuerda a una mezcla de Philip Glass y Klaus Schultze. Las melodías son ricas, dinámicas y a veces etéreas. Lo que me gustó tanto de su álbum House of Sleeping Beauties es su combinación de instrumentación new age, arreglos contemporáneos y una partitura claramente asiática. La musica de Lucia Hwong puede ser a veces muy ocupada, llena de energia desenfrenada... solo para cambiar a una paz zen que hace eco de la serenidad de la portada de su album. Creo que Philip Glass resume mejor el sonido de la Sra. Hwong cuando dice: “Lucia Hwong es una joven representante de la tradición dual que no se limita a tomar prestado de una cultura o a integrar los sonidos de la otra, sino que logra una fusión de las culturas oriental y occidental que resulta verdaderamente refrescante e innovadora, a la vez que cautivadora y evocadora”. Este es un buen elogio de uno de los compositores más innovadores de nuestros días. La musica de Lucia Hwong contiene una extraordinaria cantidad de energia, un tanto matizada con influencias occidentales minimalistas, en una perfecta fusion con su peculiar homenaje a sus ancestrales raices chinas. Recibió su licenciatura en Artes en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), con estudios de posgrado en etnomusicología en la Universidad de Columbia (New York). Su doctorado en música se centró en las óperas de Philip Glass.
1 Tibet Suite: In The Dream, Part 1 1:50 2 Tibet Suite: In The Dream, Part 2 1:31 3 Tibet Suite: Journey To Lhasa 3:49 4 Tibet Suite: Children Of Johkan Temple 1:38 5 Tibet Suite: Sunset Over Sakya 2:26 6 Tibet Suite: Everest At Sunrise 2:54 7 Tibet Suite: Himalayan Twilight 2:40 8 Tibet Suite: Reflections Lunar Light 2:19 9 Virgin Dance 6:16 10 Midnight Lullaby 2:58 11 Dragon Dance 5:00 12 The Spell 4:47
Born in Hawaii and raised in Los Angeles is Chinese American composer/instrumentalist Lucia Hwong. From scoring broadway musicals, film and television while also exploring her own experimentations through ambient / new age recordings, her career is just as mutifaceted as her sounds, with Philip Glass regarding her as an artist that not just borrows from tradition but truly blends Eastern and Western music. This is the second release on Peter Bauman's Private Music imprint. A delicate restraint on new age sounds with influences from China, Japan, Bali and Haitian percussion. 'Body Current' features Ryuchi Sakamoto on piano.
Lucia Hwong - Secret Luminescence (1987)
Como muchas formas de música del mundo, la música asiática (china, japonesa, coreana, tailandesa o vietnamita) tiene tanto a sus tradicionalistas como a sus pensadores avanzados. Lucia Hwong se encuentra entre los pensadores avanzados; Secret Luminescence, su segundo álbum, tiene un pie en la cultura asiática y el otro en el mundo occidental, no asiático. La compositora/arreglista nunca fue una purista asiática; este lanzamiento de 1987 no es música asiática tradicional, sino que combina elementos asiáticos (chinos y otros) con la nueva era y la electrónica. Las inquietantes y evocadoras propuestas de Hwong son esencialmente instrumentales; A veces se emplean voces de fondo sin palabras, pero para todos los efectos, Secret Luminescence es un álbum instrumental. A lo largo de este esfuerzo memorable, Hwong favorece un contraste electrónico/acústico. Los sintetizadores son una gran parte de su sonido, pero también lo son los instrumentos asiáticos tradicionales que van desde las campanas tibetanas (que toca la propia californiana del sur) hasta el shakuhachi (una flauta de bambú que se inventó en China pero que ha sido el instrumento de viento más destacado de Japón durante siglos). Y todo se combina muy bien; en Secret Luminescence, los sintetizadores de alta tecnología de la década de 1980 suenan perfectamente naturales junto con los instrumentos asiáticos que se inventaron siglos antes de que Hwong naciera. Debido a que la música de Hwong es tan tranquila, Secret Luminescence es muy apreciada en los círculos de la nueva era. Pero este álbum es mucho más sustancioso y sustancial que gran parte de la música instrumental que se consideraba nueva era en 1987.
1. Poetry And Passion (7:10) 2. Generic Actress #3 (4:41) 3. Lunar Seas (8:34) 4. Body Current (5:31) 5. Loretta's Dance (8:27) 6. Paper Angels (6:52)
Noir Lac es un proyecto extraordinario que combina la estética de un balafonista maliense, un vibrafonista de jazz, un coro polifónico de música contemporánea y una cantante de soul estadounidense. Un viaje de ensueño y sonoro, Noir Lac es llevado por cuatro encarnaciones musicales. En dúo desde 2005 con sus primos instrumentos, David Neerman en vibráfono y Lansiné Kouyaté en balafón trascienden la libertad del jazz y la tradición Mandingo. A su alrededor, el Ensemble Sequenza 9.3 embellece con sus polifonías el timbre cálido y profundo de la cantante de soul Krystle Warren. Sus composiciones originales y sus versiones de Pink Floyd o Led Zeppelin tejen un repertorio ecléctico y conmovedor que los sitúa en la encrucijada de los sonidos africanos, el soul y la música minimalista o contemporánea. https://lerocherdepalmer.fr/artistes/noir.lac/
David Neerman : vibraphone, composition Lansiné Kouyaté : balafon Krystle Warren : voix Manuel Peskine : arrangements pour les voix
1. In my craft or sullen art 2. A house with no mirror 3. Dawn in New York 4. Us and them 5. By the river 6. Friends 7. Mali Sadjo 8. Christmas or apocalypse
Ongaku Zukan fué lanzado originalmente en 1984. Cuarto álbum en solitario de Ryuichi Sakamoto, considerado uno de sus mejores. Incluye 'Tibetan Dance', que toca en vivo regularmente, y 'Etude', que es un tema musical para la organización benéfica que apoya la educación musical de los niños. Los invitados incluyen a Haruomi Hosono, Tatsuro Yamashita, Yukihiro Takahashi, Akiko Yano, Yan Tomita, Keni Inoue, Chuei Yoshikawa, Yasuaki Shimizu, Thomas Dolby y David Van Tieghem. Remasterizado digitalmente. El CD 2 es de temas inéditos.
El CD 2 fue preparado especialmente para esta "Enciclopedia Musical Ilustrada -Edición 2015-", y contiene 12 canciones seleccionadas de la gran cantidad de tomas descartadas que quedaron durante el período de producción de la "Enciclopedia Musical Ilustrada". Durante el largo período de producción de 1 año y 8 meses, los resultados diarios se mantuvieron como mezclas preliminares en carretes abiertos y cintas de casete, y recientemente el propio Sakamoto los escuchó todos y tomó las decisiones: “Estaba pensando en seleccionar solo las cosas que nunca se habían lanzado, y escuchaba las cosas inéditas, Es por eso que decidío mezclar diferentes versiones de las que ya estaban disponibles". De las 12 canciones recopiladas como resultado, 7 son inéditas. Tienen sus números M especificados al comienzo de los títulos. Además, se agregó la fecha de grabación y el número de versión a las 5 canciones en una versión diferente. Por ejemplo, Self Portrait - 04A (feat. Minako Yoshida) es la versión en la que Minako Yoshida estuvo a cargo del coro antes de la presentación de FAIRLIGHT C.M.I.
Yellow Magic Orchestra 2008 Live - Tibetan Dance
El CD 1 incluye el álbum original completo, con bonus tracks de edición limitada y el EP promocional "Life In Japan" (todo el material publicado anteriormente). El CD 2 es inédito. Genero: Electronic, Synth-pop, Contemporary Classical, Ambient
CD 1 01. Tibetan Dance 02. Etude 03. Paradise Lost 04. Self Portrait 05. Tabi No Kyokuhoku 06. M.A.Y. In The Backyard 07. Hane No Hayashi De 08. Mori No Hito 09. A Tribute To N.J.P. 10. Replica 11. Ma Mere L'Oie 12. Kimi Ni Tsuite 13. Yoru No Gaspar 14. Aopenki No Naka No Boku No Namida 15. Tibetan Dance (Version)
CD 2 01. M2 Bill 02. M4 Tod 03. Self Portrait - 04A (feat. Minako Yoshida) 04. Ryogan Bisyo - 0011-02 05. M11 Bruc 06. M16 Untitled 07. Tabi No Kyokuhoku - 0016-03 08. M23 Ballad 09. Hane No Hayashi De - 0013-04A 10. Ma Mere L'Oie - 0014-02-May16 11. M31 Tokyo Melody 12. M33 Untitled
