Estamos en el año 1969 en plena era psicodélica, Pink Floyd decidieron hacer un show en vivo llamado More Furious Madness From The Massed Gadgets Of Auximenes. En él, el cuarteto improvisaba temas de sus primeros álbumes, The Piper at the Gates of Dawn, Saucerful of Secrets y More además de avanzar algunas canciones que después formarían parte del disco Ummagumma.
Dado el caracter innovador de Pink Floyd, el show no solo consistía en tocar música, era todo un espectáculo de luz y sonido con performances por en medio, por ejemplo, construían una mesa con sierras y martillos y luego se tomaban el té en ella.
El concierto del 17 de septiembre en el Concertgebouw de Ámsterdam es el más pirateado de la gira, ya que fue transmitido por la emisora de radio VPRO. Los planes para un lanzamiento del álbum oficial en vivo con el nombre de The Man and the Journey fueron considerados, pero se abandonó debido al lanzamiento inminente de Ummagumma.
Fuente Wikipedia
Tracks 1-12 Live at Concertgebouw, Amsterdam, Netherlands - 17 September 1969
"The Man" - Suite
1 Daybreak (Part One)
2 Afternoon
3 Doing It
4 Sleep
5 Nightmare / Daybreak (Part Two)
"The Journey" - Suite
6 The Beginning
7 Beset By Creatures Of The Deep
8 The Narrow Way
9 The Pink Jungle
10 Labyrinth Of Auximenes
11 Behold The Temple Of The Light
12 Celestial Voices
Geinoh Yamashirogumi es un colectivo musical fundado en 1974 por Shoji Yamashiro (Tsutomu Ôhashi) que alberga en su seno a unos doscientos miembros provenientes de campos profesionales muy diversos: ingenieros, médicos, periodistas, antropólogos, etcétera. Su forma de trabajar, y su bizarría en general, recuerda a alguna de las comunas hippies formadas tras la Segunda Guerra Mundial en países como Alemania o Japón. Su obra más conocida, sin lugar a dudas, es la estupendísima banda sonora de Akira, el anime post-apocalíptico par excelencia, que realizaron ya en 1987. Los sonidos coloristas y percusivos del gamelan, los cantos budistas shohmyoh y las voces de pesadilla, electrónicamente manipuladas, se unían a un trasfondo y una producción de sonido hightech, creando un potaje la mar de sabroso.
Geinoh Yamashirogumi es conocido tanto por sus fieles recreaciones de la música popular de todo el mundo, así como su fusión de varios estilos musicales tradicionales con instrumentación moderna y sintetizadores. Por ejemplo, en la década de 1980, los sintetizadores digitales MIDI no podían manejar los sistemas de afinación de la música gamelan tradicional, por lo que el grupo tuvo que aprender a programar con el fin de modificar su equipo. El álbum que siguió, Ecophony Rinne (1986) era una nueva dirección para el grupo: no habían incorporado previamente sonidos generados por ordenador en su trabajo. El éxito de este álbum los trajo a la atención de Katsuhiro Otomo, quien los encargó de crear la banda sonora de Akira. La banda sonora se basa en el concepto de los temas recurrentes o "módulos". Texturalmente, la banda sonora es una mezcla de sintetizadores digitales (Roland D-50, etc), la percusión de Indonesia cromática (jegog, etc.), la música teatral y espiritual tradicional japonesa (Noh), clásica europea, y el rock progresivo.
Geinoh Yamashirogumi ha reproducido más de ochenta diferentes estilos de música y actuaciones de todo el mundo tradicional, pero a pesar de haber realizado a nivel internacional con un alto grado de reconocimiento de la crítica, siguen siendo relativamente desconocido.
Se ha escrito que Yamashiro se inspiró en un grupo de la posguerra en 1950 de caracteres similares que vivían como una comuna.
En 1990, Yamashirogumi crea la música para la Exposición en el jardín internacional del año y Vegetación en Osaka. Este proyecto se convirtió en el próximo disco Ecophony Gaia de Geinoh Yamashirogumi. Una macrosinfonia de 70 minutos, Gaia es un homenaje a los ecosistemas de la Tierra. Rastreando el tradicional mito de la creación griega, Gaia nace del caos, un gran vacío del vacío dentro del universo.
Una mezcla de sonidos utilizados en Rinne y AKIRA, así como grabaciones de campo y la música electrónica sutil, Gaia es misterioso e inquietante, con la producción y el sentido del espacio virtual impresionante. Historial extenso de la Tierra es transportado, culminando en la armonía última del hombre con la naturaleza.
Glen Vélez, nacido en 1949 en Texas, de origen mexicano, es un percusionista, cantante, musicólogo y compositor estadounidense, especializado en músicas del mundo y new age.
Se trasladó a Nueva York en 1967 o 1968. Comenzó tocando jazz con la batería pero pronto gravitó hacia las percusiones, especialmente las percusiones de tradiciones étnicas. Entre ellas, Vélez se especializó en el bodhrán irlandés, el pandeiro brasileño, el riq de Arabia, el bendir norteafricano, y el ghaval de Azerbaiyán. Vélez estudió cada instrumento en su formato tradicional, pero ha desarrollado también su propio vocabulario trans-cultural, mezclando y adaptando técnicas de varias culturas y desarrollando otras nuevas. Toca también instrumentos como la maraca y los tambores metálicos de las Antillas.
Vélez formó parte, durante muchos años, del Paul Winter Consort y de las distintas formaciones de Steve Reich. Ha trabajado también con Layne Redmond, Howard Levy, Steve Gorn, Rabih Abou-Khalil, Mark Nauseef o Malcolm Dalglish.
On Ramana, Velez asserts his mastery over global percussion spanning from frame drums to mbira to steel drums; joined by guests including drummers Layne Redmond and Jan Hagiwara, he creates music which is powerfully rhythmic and uniquely affecting.
Garmarna es el nombre de un grupo de música folk sueco.
Sus inicios se remontan a 1990, cuando tres adolescentes de Sundsvall, Gotte Ringqvist, Stefan Brisland-Ferner y Rickard Westman, decidieron montar una banda tras quedar impresionados por el montaje musical de la obra "[Hamlet]".
Dos años más tarde, habían conseguido cierta popularidad local y decidieron probar suerte en el festival de música folk de Umeå (donde volverían a partircipar nuevamente varios años después). Consiguieron llamar la atención de un reportero radiofónico que les invitó al festival de Hultsfred.
Con motivo de su participación en este festival de música rock, se unió al grupo el batería Jens Höglin. En la noche de agosto de su actuación, consiguieron atraer no sólo la atención de la que sería más tarde su vocalista Emma Härdelin, sino también de Mats Hammerman, presidente de la discográfica Massproduktion, que les ofreció un contrato el mismo día.
Su primer disco fue publicado a principios de 1993, y se tituló "Garmarna". Recibió buenas críticas, por lo que se realizó una gira por todo el país. A finales de ese mismo año se comenzó a trabajar en un nuevo disco, que sería publicado el 18 de abril de 1994 bajo el título "Vittrad". Dicho álbum supuso un nuevo éxito, lo que les permitió continuar con su gira por toda Suecia e, incluso, por Alemania.
Drew Miller (bajista estadounidense del grupo Boiled In Lean) se hace con una copia de dicho álbum durante el verano de 1994 y decide publicarlo en su país, así como en Canadá. Dicho disco (cuya versión en inglés fue "Crumbling Away") supuso el primer viaje de la banda a los Estados Unidos en marzo de 1995, para luego continuar con su gira por Finlandia, Alemania y Noruega.
El éxito de la banda es tal, que la productora Massproduktion proyecta la publicación del disco en Alemania, Austria, Suiza, los países del Benelux y algunos estados asiáticos.
Tras su gira alemana, se publica "Guds Spelemän" a finales del mes de febrero de 1996. Recibió nuevamente unas críticas inmejorables, y más tarde recibiría el Premio Al Mejor Álbum de Música Folk. Su versión en inglés, "Fiddlers of God" se publicaría en varios países europeos, así como Taiwán, Corea del Sur y Japón.
Al año siguiente, la banda participó en el Melodifestivalen 1997 con un tema compuesto por Mats Wester y Py Bäckman. Su participación fue cuestionada, debido al carácter comercial de este festival nacional, pero la banda supo presentar su canción ("En gång ska han gråta") con su toque especial.
El año 1998 se caracterizó por la elaboración de un nuevo álbum que, tras su tour estival, se retrasaría hasta el 5 de marzo de 1999 bajo el nombre de "Vedergällningen"
En 2001 participaron en un álbum con versiones del legendario grupo punk-reggae Rasta Junden con el tema "Rastlös" y comenzaron a trabajar en su nuevo trabajo, "Hildegard von Bingen". Publicado a finales de abril, recibió nuevamente alabanzas por parte de críticos musicales suecos y del resto del continente.
Al año siguiente, realizaron una gira por toda Europa, Estados Unidos y Japón. En 2003, celebrando su décimo aniversario, comienzan a trabajar en un nuevo trabajo musical. Paralelamente, Emma, la solista del grupo, afianza su carrera en solitario con la publicación de varios trabajos con su propio grupo, más orientado al Folk tradicional y con más presencia de su voz. Dicho grupo se denomina Triakel. Cuyo primer disco ve la luz en el año 2002.
Segundo álbum de Solas (en gaélico, Luz). Se trata de un trabajo admirable, a la altura cuanto menos del primer álbum del grupo, y a partir del cual, quizá por la salida de varios miembros, la banda pierde visiblemente la esencia de estos primeros trabajos. En este álbum todavía se vierten unas dosis de entusiasmo, vitalidad y alegría inigualables, combinados con virtuosismo musical y con arreglos originales que para nada pierden sus raíces con el folk irlandés (o celta, o como os dé la gana llamarlo). Sunny Spells and Scattered Showers sigue un patrón similar al del primer álbum del grupo, con una mayoría de piezas instrumentales tradicionales, y con seis de los trece cortes presentando la magnífica voz de Karan Casey.
1. The Wind That Shakes The Barley
2. The Big Reel Of Ballynacally/The High Hill/Flash Away The Pressing Gang
3. Aililiú Na Gamhna
4. Tom Busby's/James O'Byrne's/The Four Posts Of The Bed
5. Paddy Taylor's/McFadden's Handsome Daughter/The Narrowback/Franks Reel/Esther's Reel
6. The Unquiet Grave
7. The Maid On The Shore
8. Song Of The Kelpie
9. Mom's Jig/Bill Nicholson's 67th
10. The Primrose Lass/Molly From Longford/The Four Kisses
11. Vanished Like The Snow
12. The Kilnamona Barndance/Give The Girl Her Fourpence/My Maryanne
13. Adieu Lovely Nancy
The Spirit of Lanna Music from the North of Thailand
La música tradicional del norte de Tailandia ha sido fuertemente influenciada por la civilización Lanna, que dominaban la zona desde el siglo 11 hasta el siglo 18. Hoy en día, los grupos tradicionales del norte llamados "Salaw Saw Serng 'utilizan basicamente tres instrumentos el Salaw, el Pisaw y el Serng para acompañar las canciones folclóricas locales.
El Salaw es un instrumento de cuerda frotada, similar a los que se tocaban en el centro de Tailandia. Esta más bien toscamente construido y no tiene el refinamiento de otros instrumentos de cuerda. El Saw o Pisaw es un instrumento de viento tocadó con la boca. El Serng es un instrumento de cuatro cuerdas, prácticamente idéntica a la guitarra o el banjo.
Otro instrumento de cuerda único de la región es el Pinn pia que crea un sonido maravillosamente suave. El Pinn pia, es un antiguo instrumento de la cultura Lanna, se suele tocar en solitario ya que su melodía no puede competir con otros instrumentos en el volumen. El Pinn pia es muy difícil de tocar y los que pueden dominar el instrumento se tenían en gran estima.
Los hombres del norte de Tailandia en los viejos tiempos utilizaban el Phin Pia para pasear por sus pueblos y cortejar a las jovenes. Sin embargo, el Gobierno prohibió la tarde de juego de la Pia Phin desde hace varias décadas debido a que los musicos a menudo se peleaban por las chicas y usaban la Phin Pia como armas. El resultado fué la disminución de la popularidad de la Phin Pia, quedando menos de diez musicos en las provincias altas del norte del país hasta que este instrumento popular ha sido ampliamente revivido en los últimos años por muchas instituciones educativas. La Phin Pia se toca generalmente en las ocho provincias de Lanna tailandés (Tailandia extremo norte) y por lo general tiene 1,2,3,4,5 y 7 cuerdas. En Lampang el de 4 cuerdas es ampliamente utilizado, mientras que en Chiang Mai "Phin Pia", los musicos prefieren ya sea el 2 o 3 versiones de cuerdas.
La música tailandésa es a menudo considerada como de difícil acceso para los inexpertos, y sobre todo para los oídos occidentales. Las técnicas de grabación y las mezcla que se aplican en este álbum se concentran en hacer música tailandesa de facil escucha para los oidos occidentales, una magnifica experiencia musical donde el enfoque junto con la elegida variedad de estilos clásico y tradicional del norte de tailandia hacen que más personas puedan
disfrutar de la belleza de este arte.
Performed by the Lai Muang Ensemble Somboon Kawichai (Kru Boy): Peejum, Salaw, Pin Pia Wiboon Fangngueng: Sueng, Percussion, Vocals Samai Sathatha: Salaw, Peejum, Percussion Thewin Thatum: Percussion Prakorn Siriprasert: Peejum, Klui, Salaw Nattawut Butta: Sueng, Percussion Niwat Saenpichai: Percussion Recorded at Studio THomasso, Chiangmai, Thailand
01. Chiang Saen Luang 02. Long Mae Ping 03. Khang Khao Kin Kluay / Khamen Lai Kwai 04. Por Khru 05. Pee Mot 06. Mon Lampang 07. Tang Chiangmai 08. Lao Duang Duen 09. Kulap Chiangmai 10. Low Peejum Solo 11. Khamu Kin Nam Maprao 12. Subpin 13. Muan Chai 14. Soi Wiang Phing 15. Tai 16. Thawin Ha
