lunes, 30 de diciembre de 2013

Kristi Stassinopoulou - The Secret of the Rocks



Tradición y nuevos aires
Grandes intérpretes de este estilo son Elefthería Arvanitaki, Nikos Xidakis, Nikos Papazoglou, Alkistis Protopsalti y muchos otros. Pero a estos nombres consagrados hay que sumar una nueva generación que ha entrado con enorme fuerza, como Haris Alexiou, Savina Yannatou o Kristi Stassinopoulou. Esta última, acompañada por su inseparable músico Stathys Kalyviotis, es posiblemente la más innovadora.



Después de iniciarse a la música en el mundo del rock independiente, a Kristi le ofrecieron el papel de María Magdalana en la producción griega del musical Jesus Christ Superstar. A partir de ese momento realizó numerosas colaboraciones junto a conocidos músicos griegos.

Pero es desde 1989 cuando forma junto a Stathys Kalyviotis el grupo Selena, cuya propuesta mezclaba el rock de garaje con las melodías y ritmos tradicionales griegos. Con el tiempo el grupo se disolvió, sin que por ello finalizara la colaboración de Kristi y Stathys.

Así, la carrera en solitario de esta ateniense comenzó a partir de 1996 con el disco Ifantokosmos, al que le siguió en 1999 Echotropia, una obra con la que ya logró amplio reconocimiento internacional.


 La voz que narra y susurra
Los secretos de las rocas es el último trabajo discográfico de la pareja y ha llegado al número 1 de la lista de ritmos étnicos de Europa, World Music Charts Europe, la lista más prestigiosa de música folk y música del mundo.

En una mezcla perfecta de mística y ambiente, la voz de Kristi, narrativa o susurrante, se convierte en protagonista principal con sus armonías inspiradas en las salmodias bizantinas, las polirritmias balcánicas y la forma rebética de interpretación.

La instrumentación es en general acústica y etérea, pero la guitarra eléctrica aparece en leves chispazos heredados del rock neo hippie de su época en el grupo Selena. Instrumentos como las guitarras acústicas, el baglama (un laúd de mástil largo sin trastes), las flautas, la lira y una gran colección de instrumentos de percusión trazan una textura que evoca intensos paisajes marinos.

Los coros y el doblarse en las voces rematan la densidad sonora de unas canciones que a veces llegan en un concepto más tradicional y otras, por sus medidos arreglos electrónicos, parecen cuidados temas del mejor chill out actual.

La música es obra de Stathys Kalyviotis y las letras son de la propia Kristi, que retrata con elegancia e innegable belleza poética la mitología primigenia griega, paisajes imaginarios, cultos al sol, pasiones humanas y sentimientos eternos.



Además, en Los secretos de las rocas se escucha el murmullo de las olas, los barcos surcando el mar, las velas al viento, los pájaros, las campanas y el ambiente de las fiestas populares de las islas griegas. La fuerza escénica y la personalidad de Kristi Stassinopoulou se retratan en un disco en el que casi se nos acerca como una nueva deidad griega, con la llamada de una voz que se hace irresistible.
Fuente


1) The Secrets Of The Rocks - 6:11
2) Waves - 4:25
3) Amorgos Passage - 4:58
4) Strong Winds Blockade - 4:40
5) Close My Eyes - 4:57
6) Red Adders - 3:03
7) Whirlpools - 4:03
8) The Islands - 5:17
9) Patiithraki - 3:00
10) The Fates - 3:47
11) The Days Go By - 4:05
12) Calima - 4:47
13) Summer Moon - 5:1

miércoles, 25 de diciembre de 2013

Irén Lovász - László Hortobágyi - Világfa


"Világfa (Árbol del Mundo) es una imagen mitológica que existe en la cultura húngara y en otras culturas. Las ramas, el tronco y las raíces de unir las diversas dimensiones de espacio y tiempo en el mundo real y en la realidad virtual. Y es esto lo que esta en esta grabación ", Es lo que Világfa" (Árbol del Mundo) tiene como objetivo. esta colección se esfuerza por representar el colorido de muchas antiguas canciones populares de Hungría a través del uso de villancicos antiguos y paralelismos musicales de otras culturas relacionadas, a partir de las diferentes referencias a el ciervo mágico de la mitología antigua de Hungría, y haciendo un barrido del este al oeste, con ejemplos de las diferentes canciones populares de Hungría para mostrar las similitudes y las cualidades únicas de las canciones populares húngaras de cada región. Paralelamente a esto, sin embargo, la posibilidad surge de una especie de síntesis musical que normalmente no se logra en el estilo de la vida tradicional, varios ejemplos de lo que se puede escuchar en la grabación.


Este es un viaje musical en el tiempo y el espacio virtual;. juega con la noción de cuáles son las posibilidades culturales que podría haber sido si los antepasados húngaros se hubiesen dirigido hacia el este o hacia el sur desde su antigua patria de Siberia occidental en vez de ir hacia el oeste. la música en esta grabación también muestra cómo la riqueza y la universalidad de la música popular húngara original, se presta a la integración con los lenguajes musicales antiguos y contemporáneos de otras culturas , como es la práctica dentro de la música en el mundo de hoy y el mundo de la electrónica en el futuro. "- Irén Lovász


domingo, 22 de diciembre de 2013

Dhafer Youssef - Birds Requiem


El compositor Tunecino, maestro del oud y cantante Dhafer Youssef es un músico errante en constante migración de un país a otro dentro de Europa y el norte de África, después de haber vivido y trabajado en Túnez, Francia, Austria, Noruega y Turquía en los últimos años. Como seguimiento al magnífico Abu Nawas Rhapsody (2010), el nuevo álbum Birds Réquiem de Dhafer Youssef reúne al trompetista noruego Nils Petter Molvaer y al guitarrista Eivind Aarset sino que también introduce nuevos socios musicales, entre ellos al contrabajista britanico Phil Donkin, el clarinetista turco Hüsnü Senlendirici y al pianista estonio Kristjan Randalu.


Dhafer Youssef no se considera un músico de jazz. Sin embargo, son los músicos de jazz los que le proporcionan el espacio y la libertad que necesita para prosperar y es en su compañía cuando se siente más a gusto. A pesar de que está llegando constantemente en la espiritualidad de Oriente Medio y en la tradición sufí en busca de inspiración, Dhafer Youssef no se considera una persona religiosa tampoco. Sin embargo, en Birds sugiere no sólo física, sino también una elevada altitud espiritual. En términos musicales, birds Requiem está constantemente tratando de alcanzar lo divino. En una pista como "Whirling birds ceremony", el diálogo entretejido en armonía perfecta de la afinación entre la voz de Dhafer Youssef y el clarinete de Hüsnü Senlendirici es impresionante, mientras que el piano impresionista de Kristjan Randalu pinta el cuadro más hermoso.
http://spellbindingmusic.com/dhafer-youssef-whirling-birds-ceremony/



Dhafer Youssef (oud, vocals),
Hüsnü Senlendirici (clarinet),
Nils Petter Molvær (trumpet),
Aytaç Dogan (kanun),
Eivind Aarset (electric guitar, electronics, second ear),
Kristjan Randalu (piano),
Phil Donkin (double bass),
Chandler Sardjoe (drums).

01 – Birds canticum ‘Birds requiem’ suite
02 – Sweet blasphemy
03 – Blending souls & shades (to Shiraz)
04 – Ascetic mood
05 – Fuga hirundinum ‘Birds requiem’ suite
06 – Khira ‘Indicium divinum’ (Elegy for my mother)
07 – 39th Gulay (to Istanbul)
08 – Archaic feathers ‘Birds requiem’ suite
09 – Sevdah (to Jon Hassel)
10 – Ascetic journey
11 – Whirling birds ceremony ‘Birds requiem’ suite

jueves, 19 de diciembre de 2013

Popol Vuh - Hosianna Mantra (1972) & Tantric Songs (1981) [Reissue 1991]


Popol Vuh era un grupo musical alemán fundado en 1970 cuyo líder era el pianista Florian Fricke. Con la muerte de éste en 2001 la banda desapareció. El nombre del grupo está tomado del libro de leyendas mitológicas mayas, el Popol Vuh.
Popol Vuh son considerados un grupo precursor en el uso de la electrónica y el sintetizador, pero también en la fusión con elementos de música étnica, y especialmente de música de tipo religioso....Wiki

Hosianna Mantra, un album cargado de espiritualidad, pacífica y llena de encanto. Esta vez Popol Vuh, logra ambientarnos en una fusion cristiano-oriental-cósmica, con una labor hermosa en las voces a cargo de Djong Yung. La labor del piano en reemplazo al clásico Moog de Fricke, de un ocasional oboe y violin, sumado a varios instrumentos típicos de la música de oriente, dan un caracter super íntimo y reflexivo, dejando de lado el clásico gusto por la tension de los grupos de Krautrock en general.




Popol Vuh's Tantric Songs and Hosianna Mantra are recognized as classics in the field of contemplative music. Popol Vuh has long been praised for their ability to blur the boundaries of time and space through a unique hybrid of ceremonial styles from around the world. Tantric Songs and Hosianna Mantra complement each other perfectly in their creation of modern ritualistic soundscapes. From the evocative, bass chants of `Mantra of the Touching of the Earth' to the primal drumming of `In the Realm of Shadow', Tantric Songs merges traces of classical refinement with feelings conjured up by ancient religious rites. Hosianna Mantra encompasses a series of gracefully understated chants. With pastel piano textures, spacious melodies from guitar and violin, and the angelic vocals of Djong Yun, Popol Vuh distills the sublime nature of Christian liturgical music from the dogma normally associated with it. As critic Keith Armstrong wrote, Hosianna Mantra is "a hypnotic work that leaves its echo on the air...relentlessly drawing one away from one's surroundings and into the space in which thoughts become musical sounds and words are experienced as feelings and nuances."
http://www.amazon.com/Tantric-Songs-Hosianna-Mantra-Popol/dp/B0000007VS



01. Mantra of the Touching of the Earth
02. Mantra of the Touching of the Heart
03. Angel of the Air, Pt. 1
04. Angel of the Air, Pt. 2
05. In the Realm of Shadow
06. Wanderer Through the Night
07. Listen He Who Ventures
08. Brothers of Darkness-Sons of Light
09. Ah!
10. Kyrie
11. Hosianna-Mantra
12. Departure
13. Blessing
14. Devotion I
15. Not High in Heaven
16. Devotion II

domingo, 15 de diciembre de 2013

Márta Sebestyén & Szörényi Levente - Jeles Napok


Hungarian Christmas Folk Songs
Marta Sebestyen  aprendió estas canciones de las personas que viven en pequeños pueblos y aldeas de Hungria, las canciones populares húngaras donde el sabor esta "atrapado" en el tiempo, junto con el guitarrista, cantante y compositor Szörényi Levente presenta este disco con temas favoritos de la música popular navideña en Hungria.
http://www.martasebestyen.com/
 


1. Siralmas a világ (1:26)
2. Betlehem, Betlehem (4:23)
3. Paradicsom mezeibe (2:41)
4. Halljátok, új hírt mondok (4:46)
5. A, a, a (3:38)
6. A piac közepén (5:01)
7. Regosének (4:55)
8. Jézus az asztalnál (4:40)
9. Apokrif (7:14)
10. Betlehem kis falucskában (0:40)

viernes, 13 de diciembre de 2013

Cyrille Verdeaux - Clearlight Symphony



Sin duda revolucionario, el primer álbum de Cyrille VERDEAUX (compositor, pianista, multi-teclista, productor), "Clearlight Symphony", ha sido un “clásico del rock progresivo sinfónico internacionalmente aclamado por más de 32 años, figurando en la guía Billboard de música progresiva como uno de los 100 mejores álbumes de la historia en este género”.

"Clearlight Symphony" es la primer composición madura grabada por VERDEAUX, mejor conocido como CLEARLIGHT. En 1973 se convirtió en el primer artista francés de rock progresivo en firmar contrato con un Mega Sello, Virgin Records, siendo su álbum un vehículo para exhibir la técnica y creatividad de VERDEAUX como compositor e intérprete virtuoso. Él eligió trabajar con músicos adicionales para concretar su proyecto, tomando prestados de GONG al guitarrista Steve HILLAGE, al saxofonista Didier MALHERBE y al teclista Tim BLAKE para grabar lo que fuera el lado 1 del LP, mientras que para hacer lo propio con el lado B Cyrille invitó a los músicos franceses Christian BOULE (guitarras), Gilbert ARTMAN (batería) y Martin ISAACS (bajo), quienes lo acompañaron mientras él se hacía cargo de un Grand Piano, melotrones, órgano y un sintetizador ARP 2600. Originalmente el segundo movimiento estaba contemplado para ocupar el lado B del LP pero se decidió cambiar los temas de lado para promocionar el álbum destacando el involucramiento de los músicos de GONG, corrigiendo esta situación en la reedición 2001 del álbum en CD. El primer movimiento pues está grabado por los músicos franceses y el segundo por VERDEAUX y los tres de GONG.

"Clearlight Symphony" resultó un álbum que ganó popularidad tanto en Europa como en los Estados Unidos, ganando fans por su mixtura de orquestaciones sinfónicas en los teclados de VERDEAUX, así como el guitarreo espacial de HILLAGE, el saxo avant-garde de MALHERBE y el sonido vanguardista de los teclados de BLAKE. Reuniendo elogios por sus composiciones únicas y su estilismo en los teclados, la música en el álbum panea del romanticismo clásico francés de DEBUSSY a las experimentaciones vanguardistas del free jazz pasando por temas sinfónicos envolventes.
http://www.manticornio.com/rock-progresivo/C/CLEARLIGHT/clearlight-symphony.php

Cyrille Verdeaux – grand piano, organ, Mellotron, synthesized bass, gong 
Tim Blake – synthesizer VCS3, percussions 
Steve Hillage – electric guitar 
Didier Malherbe – tenor sax,saxophone
Christian Boulé – electric guitar 
Gilbert Artman – drums, vibraphone, percussion
Martin Isaacs – bass 


domingo, 8 de diciembre de 2013

Julie Fowlis - Uam (2009)



Julie Fowlis goza de un carisma, frescura y naturalidad asombrosas; su voz emana una dulzura y una pureza que hace convocar energía positiva a su alrededor como prácticamente ningún otro artista de su generación es capaz de transmitir.


Su último álbum de estudio, UAM (Para mí) nacía con la seguridad que el rigor y el trabajo bien hecho proporcionan y con la responsabilidad que confiere el tener a una legión de seguidores pendientes de lo que uno hace. Trece temas conforman el tercer álbum en solitario de la intérprete escocesa de música tradicional más importante del panorama contemporáneo que el diario The Sun puntuó con 5***** y The Guardian con 4****. Un trabajo que continúa ahondando en la misma línea estética emprendida en sus anteriores trabajos y que servía de homenaje a todo lo aprendido, a las experiencias vividas en estos últimos años  y más globalmente, a la importancia que la transmisión oral de la música tiene en su Escocia natal. Como apunta la propia Julie acerca de la idea conceptual del disco: “Cuando aprendo una nueva canción tradicional es como si recibiese un regalo porque, realmente, las canciones siempre son más importantes que los intérpretes que las hacen suyas solamente por un tiempo”.

Colaboraciones varias se suman a la participación capital de los excelentes músicos que forman el proyecto en directo, a estos se les suma Phil Cunningham, Mary Smith, Eddie Reader, Allan MacDonald, Jerry Douglas, Sharon Shannon y Ewan Vernal además de otras participaciones muy especiales, las de los familiares Tom Doorley y Michelle Fowlis.

UAM ha vuelto a capturar la atención de medios especializados y de un público que ha caído rendido ante la voz subyugante y la honestidad de esta intérprete que se rodea de un grupo de músicos excepcionales. Como muestra, la revista MOJO coloca a UAM como el décimo mejor disco Folk del año.
http://www.elcohete.com/juliefowlis.htm

jueves, 5 de diciembre de 2013

Lisa Lynne - Daughters Of The Celtic Moon



Lisa Lynne lanzó sus primeros álbumes en solitario, a partir de 1992, como Lisa Franco en el sello alemán Innovative Communication. También a principios de los 90, se convirtió en parte del duo Celestial Winds, con David Young.


En 1997 Lisa Lynne firma con el sello Windham Hill y sale a la luz Daughters Of The Celtic Moon producido por David Arkenstone,  el resultado es justo lo que se podría pensar, bastante sabor celtico y muchos más teclados que en cualquier otro album de Lissa, Pennywhistles, dulcimer, flautas de bambú, laúdes y citaras son sólo algunos de los instrumentos que se mezclan con el arpa para emitir instrumentales agradables y memorables en esta compilación de melodías con sabor celta.





Lisa Lynne (arpa, mandolina, violonchelo)
David Arkenstone (teclados, guitarra, cítara, mandolina, percusión)
George Tortorelli (bouzouki, flauta de madera, pennywhistle, percusión)
Michael Eagan (laúd, archilaúd)
Sid Page (violín) 
Mark Chatfield (viola da gamba, violonchelo)
Daniel Chase (batería) 
Steve Reid (percusión)



1. Sister Moon 5:05
2. Maiden Dance 3:51
3. Fields Of Gold 4:35
4. Nightingale 4:35
5. Branwin's Secret 4:30
6. The Shine Of A Shane 3:53
7. Knight Ride 4:09
8. Crimson Morn 4:40
9. A Gentle Place 5:00
10. Way Of The World 5:01
11. Gossamer Heart 4:16
12. Lake Of Dreams 4:58

domingo, 1 de diciembre de 2013

Marta Sebestyen - Kismet


Marta creció entre canciones en húngaro que ella oía en casa a su madre, Ilona Farkas, una etnomusicóloga que estudió con el compositor Zoltán Kodály, quien al igual que Béla Bártok había recopilado miles de canciones populares. Muchas de Transilvania donde sobrevivieron las expresiones más puras del folclore húngaro. De los viajes de su madre, y de los suyos propios, a pueblos y aldeas de Transilvania le quedó un profundo recuerdo.
En Kismet (1996), que firma Márta Sebestyén con arreglos de Nikola Parov, hay canciones rusas, griegas, búlgaras. Hindi Lullabye pone de relieve, la conexión entre la India y los gitanos de Rumania.
Aunque se muestra como un álbum en solitario de Márta Sebestyén, es más una colaboración entre la cantante Sebestyén y el multi-instrumentista Nikola Parov, que interpreta casi todos los instrumentos en el CD. Ambos son artistas con raíces en la música húngara y de amplia difusión de la música de muchas otras culturas.



Marta Sebestyen, Andras Berecz (vocals);
Nikola Parov (guitar, bouzouki, gadulka, kaval, koboz, flute,
whistle, keyboards, bass, drums, tambura, programming);
Peter Eri (mandola);
Zoltan Lantos (violin);
Kornel Horvath (percussion).


1. Devoiko Mome (Traditional (Bulgarian)) 4:50
2. Sino Moi (Traditional (Bulgarian)) 5:44
3. Leaving Derry Quay / Eleni (Traditional (Irish/Greek)) 5:23
4. Gold, Silver or Love (Traditional (Bosnian)) 6:28
5. Hindi Lullabye (Traditional (Indian/Romanian)) 7:51
6. The Shores of Loch Brann / Hazafele (Traditional (Irish/Hungarian)) 4:31
7. If I Were A Rose (Ha En Rozsa Volnek) (Traditional (Baskirian/Hungarian/Russian)) 5:06
8. Imam Sluzhba (The Conscript) (Traditional (Bulgarian)) 6:00

sábado, 30 de noviembre de 2013

Kari Bremnes & Rikard Wolff - Desemberbarn


Desemberbarn ofrece un brillantez libre, y poética de la Navidad.
Kari Bremnes y el cantante / actor sueco Rikard Wolff han reunido
una buena mezcla de las antiguas y las nuevas canciones de la Navidad.
Además de las bien conocidas canciones tradicionales de Navidad noruegas
y suecas, Kari y Rikard han creado algunos de los temas; emocionantes
letras y música que añadir a la tradicion de nuestra Navidad.
Algo común en todas ellas es que merecen un lugar en nuestros
preparativos para este año de celebraciones de Navidad.

Este es un CD que será de interés para las personas que están buscando
unas melodias, adecuadas para una Navidad basada en la tradición en el nuevo milenio.



Desemberbarn se registró poco después de los ataques terroristas
contra EE.UU., y esto, naturalmente, influyó en el álbum.
Kari y Rikard tuvieron que abordar el tema de la Navidad de una
manera totalmente distinta de lo que habían previsto.
Su trabajo con el álbum nació de y se refiere al colectivo anhelo
de la unidad en nuestro mundo actual de inseguridad.
Un auténtico deseo de paz y un corazón que late en diciembre
para todos los niños.

Tracklisting
1. NÄR DET LIDER MOT JUL 3:50
2. NU VANDRER FRA HVER EN VERDENS KROK 3:28
3. STAFFANSVISA 3:37
4. VEIEN SOM GÅR TE BETLEHEM 2:39
5. GLÄNS ÖVER SJÖ OCH STRAND 3:25
6. DET KIMER NU TIL JULEFEST 3:48
7. MARIAS VAGGSÅNG 3:00
8. NU FLINTESKUDD OG KLOKKEKLANG - TOMTARNAS JULNATT 4:18
9. I DEN KALDE VINTER 3:43
10. DET VAR EN NATT 2:33
11. FINN VEIEN ENGEL 3:20
12. AVE MARIA 3:05
13. FRA JORD OG FJÆRE 3:29
14. JOSEF 2:28
15. DESEMBERBARN 3:21
16. DEILIG ER JORDEN / HÄRLIG ÄR JORDEN 3:23

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Hughes de Courson - O'Stravaganza


 Fantaisie autour de Vivaldi et des musiques celtiques d'Irlande
"Hughes de Courson ha explorado la fusión de culturas musicales en diferentes proyectos, entre los más destacados figuran un encuentro entre Vivaldi y la música celta "O'Stravaganza" -2001- o "Songs of Innocence" -1999-, canciones infantiles populares de todos los rincones del mundo, en contraposición con "Lux Obscura" -2003-, un viaje fantasmagórico a través del tiempo que recorre desde los cantos de la Edad Media hasta los del siglo 21. Hughes de Courson fue fundador de la mítica banda de folk Malicorne aparte de destacar como un excelente instrumentista."
Fuente: Wikipedia

"Los mismos que en su día mezclaron los sonidos de Mozart con la musica popular egipcia, ahora experimentan con los instrumentos celtas. Fantasy on Vivaldi and the Celtic music of Ireland (La fantasía de Vivaldi y la musica celta de Irlanda). Intento de aproximación, fusión entre la tradición celta irlandesa y las partituras de Vivaldi y por extensión, la música e instrumentos barrocos. Un experimento legitimado por la difusión que gozó el compositor italiano en Irlanda de mano del gran músico celta Turlough O'Carolan (1670-1738)."

"La idea, así expresada en el libreto, era constituir un repertorio basado en todos los modelos de aproximación posibles, como la sustitución de instrumentos irlandeses por barrocos, el acompañamiento con instrumentos barrocos en temas tradicionales irlandeses, la creación de diálogos entre ambos y la improvisación. La formación barroca "Le orfanelle della Pieta" combina aquí de este modo sus tres violines primeros, sus tres violines segundos, la viola, dos cellos y el harpsichord con la artillería celta habitual, donde no faltan el fiddle, la flauta irlandesa, whistles, Uillean pipes, bouzoukis irlandeses, huesos de buey, tambores bodhran y la lira celta."
Fuente: Dr. Music

Le Orfanelle della Poeta (Baroque ensemble)
Nollaig Casey - fiddle
Emer Maycock - Irish flutes, Uilleann pipes
Ronan Le Bars - Uilleann pipes
Youenn Le Berre - Low whistles
Donal Siggins - bouzouki, mandolin
Myrdhin - Celtic harp
Isabelle Oliver - Celtic harp
Breda Maycock - singing
Suzan Hamilton - singer



1. O'Stravaganza (3:46)
2. Damhsaigh (3:12)
3. Berceuse de Grainne pour Diarmait (5:09)
4. Estro-Reel (2:51)
5. Il Sonno (4:11)
6. Ceol cuaine (4:21)
7. Il Duello (4:59)
8. A Chlairseach (6:21)
9. Jig della Inquietudine (4:30)
10. Eirin sonata (5:31)
11. Bunch of rushes (1:56)
12. Am cain (3:40)
13. Mister Bethag and the Princess (3:44)
14. La Ciacconna rossa (3:58)

sábado, 23 de noviembre de 2013

Peter Kater - 10 Questions for the Dalai Lama


"Yo creo que todas las grandes tradiciones religiosas del mundo tienen el mismo potencial para crear armonía, para crear la paz de la mente." - El Dalai Lama

"Nuestra supervivencia, nuestro futuro está muy ligado con los otros. Así que por lo tanto, el concepto de la guerra y la destrucción de su enemigo está pasado de moda...fuera de fecha." - El Dalai Lama

"Nosotros los budistas creemos que cada vida humana es preciosa. Así que busque en cada persona, cada ser humano como una vida muy valiosa." - El Dalai Lama


La experiencia de escuchar la música de esta banda sonora, compuesta por el pianista/compositor Peter Kater, podemos describirla como sublime. Con las apariciones especiales del monje tibetano y maestro Tulku Orgyen al canto, el flautista tibetano Nawang Khechog y el flautista nativo americano R. Carlos Nakai, Los cuencos tibetanos, el violonchelo, el piano, las cuerdas, el canto y las flautas añaden la música como una dulce seducción espiritual y dan al oyente la sensación de que las preguntas, ya han sido contestadas y disueltas en hermosas cepas que fluyen con armonía y felicidad musical....Amazon.

1. 10 Questions For The Dalai Lama
2. Fire Walk
3. Surrender
4. A Fresh Wind
5. Buddha Search
6. Lighting The Flame
7. Seeking The Dalai Lama
8. Ocean Of Long Life
9. Last Request
10. Call Of Compassion
11. 10 Questions For The Dalai Lama

martes, 19 de noviembre de 2013

Lavinia Meijer - Glass - Metamorphosis - The Hours


Lavinia Meijer hizo furor en 2012 con su álbum Metamorphosis - The Hours en las que realiza con el arpa piezas minimalistas de Philip Glass. El álbum alcanzó el tercer lugar en el Top 100 y recibió un disco de platino.

Lavinia Meijer nos cuenta que:
"Mi primer encuentro con Philip Glass en 2011 fue verdaderamente una de esas oportunidades que se me presentaron en mi vida como arpista, siento mucho el privilegio de tener estas nuevas experiencias. No sólo en el escenario, sino también detrás de las escenas en la colaboración con los compositores. es un aspecto importante de esto, las nuevas ideas no se presentan con poca frecuencia a través de encuentros personales y la inspiración mutua. este fue el caso cuando conocí a Philip, que nunca antes había escuchado su metamorfosis en vivo con el arpa. Después de mi nerviosismo inicial, la tensión pronto se derritió cuando yo toqué los primeros compases y él comentó "que suena muy bien!".

Since their first encounter in May 2011, Lavinia Meijer has worked with some frequency with Philip Glass, even though he has never written solo works specifically for the harp. However, many of his piano works and piano transcriptions, after minor adjustments, prove to be well suited to the modern pedal harp. Initially, Lavinia Meijer added Glass's five movement Metamorphosis to her repertoire, on the instigation of the undersigned, the Amsterdam gallery owner Robert Malasch and the American composer himself. After a first and successful performance (in the composer's presence) in the Amsterdam 'pop temple' The Melkweg, a first official recording was made for Channel Classics in June 2011 in the Dutch town of Schiedam. Since this recording was exclusively intended for a brief national marketing campaign, it has now been followed up by this complete Glass CD for international distribution. Lavinia Meijer is recognized worldwide as one of the most successful rising stars. Besides performing the standard harp repertoire Lavinia Meijer is very keen on playing modern music. She is also interested in experiments with electronic music, theatrical performances and jazz.
http://www.prestoclassical.co.uk/r/Channel/CCSSA33912


sábado, 16 de noviembre de 2013

Robert Wyatt - Rock Bottom


Robert Ellidge Wyatt (Bristol el 28 de enero de 1945) destacó como músico y compositor en el sonido Canterbury, movimiento artístico y musical surgido en Inglaterra a finales de los 60. Fue miembro fundador del grupo The Soft Machine, una escisión del grupo The Wilde Flowers, hasta 1971, cuando abandonó la formación para iniciar una carrera en solitarió que lo encumbró como uno de los personajes más interesantes, emocionales y creativos de la música británica de los años 70.

Desde la época del instituto, el principal motor vital de su existencia sería la música en todos sus ámbitos, formando parte de grupos y tocando música jazz junto a sus amigos Mike Ratledge y los hermanos Hugh y Brian Hopper.

Su encuentro con Daevid Allen, personaje australiano fundador del grupo Gong, sería esencial para la evolución personal de Wyatt. Su visión despreocupada de la existencia y erudición en la música jazz, asentada por la instrucción de George Niedorf, calaron en el joven Robert, quien viajó en 1962 hasta Mallorca con Niedorf, donde convivió con el escritor Rupert Graves y se empapó de la cultura hippie. Un año después, formaría el grupo The Wilde Flowers, junto a Hugh y Brian Hopper, Richard Sinclair y Kevin Ayers. Tras algunos cambios en la formación, The Wilde Flowers se separaría dando lugar a dos míticos grupos: The Soft Machine y Caravan.

Cuando todavía estaba en Soft Machine, Wyatt publicó su primer disco en solitario: «The End of an ear» (1970), donde los sonidos de la escena Canterbury adquirían una forma más jazzistica y experimental. Poco después formó el grupo Matching Mole (una adaptación fonética de la expresión francesa usada para Soft Machine), que no tuvo continuidad a pesar de grabar dos excelentes discos (Matching Mole y Little Red Record).

En esa ilusionante y fructífera etapa sufrió un grave accidente al caerse por una ventana, que lo dejaría parapléjico de por vida.

A pesar de la desgracia, Wyatt no cesó en sus inquietudes sonoras y presentó cuatro años después dos grandes obras: «Rock Bottom» (1974), su mejor disco, producido por Nick Mason (batería de Pink Floyd), en el que en una atmósfera melancólica arropa sus composiciones art-rock empapadas de sentimentalismo, inherente a su afectivo estado amoroso con Alfreda Benge; y «Ruth is Stranger than Richard» (1975), un magnífico LP también producido por Mason, que mostraba una mayor inclinación al free-jazz.

Su mayor éxito comercial llegó tras la publicación en formato single de una versión del tema de The Monkees «I’m a believer». En los 70 abandonaría las grabaciones propias hasta los años 80, cuando publica «Nothing can’t stop us» (1981), un recopilatorio de singles editados por el sello Rough Trade, con eclécticas versiones de grupos y solistas. A lo largo de los siguientes años publicaría importantes álbumes que fueron bien recibidos por sus seguidores.

Algunos pasajes de sus trabajos están cargados de tintes políticos (Robert Wyatt es simpatizante comunista), especialmente crítico con la política que desarrolló Margaret Thatcher. Los mejores discos en la última etapa de su carrera son «Dondestan» (1991), uno de los LP más conseguidos de su carrera en solitario, en el cual la colaboración de su esposa Alfie Benge se plasma en algunas letras, como posteriormente haría en «Shleep» (1997), otro magistral trabajo de Wyatt, para el que contó con la colaboración de destacados músicos (Phil Manzanera, Brian Eno o Paul Weller).

Recientemente ha colaborado con numerosos artistas y entre estas colaboraciones cabe destacar su participación en el disco de Björk, «Medúlla», del año 2004.
http://www.lastfm.es/music/Robert+Wyatt/+wiki

Discografia
http://www.lastfm.es/music/Robert+Wyatt/+albums

Rock Bottom is the second solo album by former Soft Machine drummer Robert Wyatt. It was released on July 26, 1974 by Virgin Records. Although Rock Bottom is technically Wyatt's second solo LP, he has stated in several interviews that he considers its predecessor The End of an Ear as juvenilia and not part of the recognised "canon" of Wyatt solo records. The album was produced by Pink Floyd's drummer Nick Mason.



Robert Wyatt - voces. teclados, percusión, slide guitar (2)
Mike Oldfield - Guitarra (6)
Gary Windo - Clarinete y saxo tenor (4 y 5)
Ivor Cutler - Voz (3 y 6), concertina (6)
Mongezi Feza - Trompeta (3)
Fred Frith - Viola (6)
Hugh Hopper - Bajo (2, 4 y 5)
Richard Sinclair - Bajo (1, 3 y 6)
Laurie Allan - Batería (2 y 6)


1. Sea Song
2- A Last Straw
3. Little Red Riding Hood Hit the Road
4. Alifib
5. Alife
6. Little Red Robin Hood Hit the Road

jueves, 14 de noviembre de 2013

Aly Bain and Phil Cunningham - Roads Not Travelled

Una maravillosa obra compuesta por dos músicos escoceses: Aly Bain y Phil Cunningham.
Una vez más la brillantéz de este dúo se nota en todo el CD. Nuevas composiciones de Phil como la belleza The Gentle Light that Wakes Me y el tema A Bright Star in Cepheus que fue escrito en memoria del hermano de Phil, Johnny Cunningham.
El disco entero rebosa de canciones y momentos alegres, felices, o reflexivos.
Para mí, una obra maestra.


Aly Bain - fiddle
Phil Cunningham - accordions, whistles, mandolin, piano, cittern, keyboards.
Anna Massie - Acoustic guitars
Martin O'Neil - bodhran.



1. The Bluejay, Scott MacMillan's Nightmare, Manus Lunny's Plower Pop (The Para Handy Theme)
2. Rockin' The Baby To Sleep; Frank McConnell's Three Step
3. The Gentle Light That Wakes Me
4. Dr. Donaldson; The Anvil
5. A Journey Just Begun
6. The Dundas Stumble; Crombie's Hornpipe
7. French Canadian Waltz; The Fernie's Waltz
8. A Bright Star In Cepheus
9. Major Manson's Farewell To Clachantrusheal; The Shinty Referee
10. Nil Desperandum; Lord Saltoun's Reel

domingo, 10 de noviembre de 2013

Stamatis Spanoudakis - O Glyky Moy Ear



El compositor Stamatis Spanoudakis ha arreglado las obras maestras musicales del Himno Akathistos de Romanos Melodos, para clarinete, violín y sintetizador. el clarinete lo interpreta uno de los mejores de todo el mundo, Vassilis Saleas.
 
 El Acatisto o también llamado por su nombre original griego akáthistos que significa ("que no está sentado") es un himno que es cantado de pie. El "Himno Acatisto a la Madre de Dios", el más conocido de los acatistos, se canta en los servicios especiales de los cinco primeros viernes de la Gran y Santa Cuaresma.
Desde el principio, el himno parece haber sido muy apreciado no sólo devocionalmente, sino también en su aspecto poético: así Romanos el Meloda lo toma como modelo para su Himno de la Historia de José, existe también un acatisto del Tránsito de la Virgen muy antiguo y, posteriormente, son numerosos los kondakios a los que sirve como modelo. Se cuenta también con un «Acatisto de la Pasión de Nuestro Señor Jesucristo».
Wikipedia...

Siente la devoción y el respeto de la Pasion de Cristo al escuchar los himnos maravillosos.

sábado, 9 de noviembre de 2013

Cécile Corbel - Songbook vol. 4 - Roses


Desde Pont-Croix, en Finisterre, Cécile Corbel vuelve con nuevas canciones que alternan composiciones y melodías tradicionales. Este álbum no es solo una búsqueda sobre el amor en temas como Jenovefa, Francesco, La Ballade De Rose, sino también sobre el miedo en la bella canción sefardí Hija Mia. Cecile frota voluntariamente lo esotérico en (Garden District o The Riddle) y elementos de la naturaleza riegan algunas de sus canciones como Les Capitaines y Le Long De L'Eau.
La variedad de emociones que se pueden encontrar escuchando este álbum satisface cada parte de nosotros, incluso con dulzura e inocencia. Cécile Corbel demuestra una vez más su talento al cruzar los pasos de la perfección musical.


01 - Les Capitaines
02 - Jenovefa
03 - Francesco
04 - Garden District
05 - Prayer
06 - Folia
07 - Hija Mia
08 - Le Long De L'Eau
09 - A Suivre
10 - The Riddle
11 - La Ballade De La Rose
12 - Eirin


martes, 5 de noviembre de 2013

Penguin Cafe Orchestra - Preludes Airs and Yodels


Penguin Cafe Orchestra era uno de esos grupos deliciosamente inclasificable encabezado por el guitarrista clásico, compositor y arreglista Simon Jeffes (Sussex, Inglaterra, 1949-1997). Sólo Jeffes y la cellista co-fundadora Helen Liebmann eran miembros permanentes y núcleo del grupo. Otros músicos eran incorporados por los requerimientos de piezas musicales concretas o de "performances". Su música no tiene una fácil clasificación, pero tiene elementos de la música folk y una estética minimalista con reminiscencias ocasionales de Philip Glass.

El origen del grupo viene tras la ingesta de Simon Jeffes de un pescado en mal estado. Estuvo varios días en cama, fiebroso y alucinando. Dias más tarde, mientras tomaba el sol, tuvo un "flash" de esas alucinaciones, que incluía la visión de un hotel donde la gente estaba alienada y buscaba la felicidad de manera egoísta; y una frase absurda: "Soy el propietario del café Pingüino. Te diré cosas al azar". Y, de alguna manera, según Jeffes, descubrió las armonías y pecualiaridades de este tipo de música que se convertiría en su estandarte.Penguin Cafe Orchestra grabó y actuó durante 24 años, hasta el fallecimiento de Jeffes en 1997 por un tumor cerebral.
Wiki.




Preludes Airs and Yodels es una colección que cuenta con muchas de sus canciones más queridas como el "Penguin Cafe Single", "Air à Danser", y "Telephone and Rubber Band" el famoso tema "Música para un armonio encontrado" aparece tres veces, la versión original del PCO, una versión de la banda irlandesa tradicional Patrick Street, y una versión electrónica remix del grupo Orb. esta recopilación podría servir como punto de entrada perfecto para los curiosos. Una vez que lo oyes, es probable que desees escuchar el resto de sus grabaciones.

sábado, 2 de noviembre de 2013

Merl Saunders - Blues from the Rainforest





"Este álbum ha sido una aventura espiritual", así comienza el texto explicativo al respecto de "Blues from the rainforest" firmado por el propio Merl Saunders en el libreto, y allí descubrimos también que el percusionista Muruga tuvo mucho que ver en la inspiración para el proyecto más new age de este teclista de color. Saunders, nacido en 1934 en California, elaboró este disco concienciado de que podía hacer algo para que la gente se diera cuenta del enorme crimen al planeta que supone la devastación amazónica. A pesar de no tener el carisma de Sting, sí que poseía la inspiración adecuada para llevar a cabo este proyecto que publicó en su propio sello, Sumertone Records, en 1990.
Otro de los grandes logros del álbum fue conseguir la colaboración de Jerry García, el que fuera guitarrista de Grateful Dead, que falleció cinco años después de la publicación de este trabajo.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2008/01/merl-saunders-blues-from-rainforest.html


1. Blues From The Rainforest    15:26
2. Sunrise Over Haleakala    7:22
3. Blue Hill Ocean Dance        13:04
4. Afro Pearl Blue        13:38
5. Dance Of The Fireflies       5:22
6. Sri Lanka                9:15

martes, 29 de octubre de 2013

Peter Kater - Moments, Dreams & Visions (1989)


Peter Kater tiene una especial vinculación con Greenpeace debido a haber compuesto música para producciones de esta entidad. En particular, el trabajo "Moments, dreams and visions" recoge su banda sonora para la película documental de la organización "Greenpeace: Greatest Hits" acerca de su labor, sus éxitos y sus objetivos. Procedente del jazz, Kater suele orientar su estilo hacia la vertiente más pop de la New Age.



Kim Stone - bass guitar
Peter Kater - piano, synthesizer
Larry Thompson - drums
Bob Rebholz - flute, saxophone
Tom Capek - synthesizer, programming
Gannon Kashiwa - electric guitar
Gary Sosias - percussion

domingo, 27 de octubre de 2013

Jean-Luc Lenoir - Old Celtic & Nordic Ballads


Gracias al Romanticismo muchas de las leyendas y canciones ancestrales del norte de Europa fueron recopiladas de forma escrita, pues habían pervivido a través de la tradición oral. El primer referente que se nos viene a la cabeza es J.R.R. Tolkien, y es cierto que desempeñó una labor encomiable, pero no debemos olvidar otros ilustres nombres que le precedieron: Cristián de Troyes, Shakespeare, Lonnrot, Goethe, Yeats, Wagner… Ellos tomaron inspiración en los grandes textos nórdicos: Las "Eddas" islandesas, el "Beowulf" británico, el "Kalevala" finés o "El Cantar de los Nibelungos" germánico, todos ellos inapreciables tesoros.

Jean-Luc Lenoir - "Old Celtic & Nordic Ballads" La tarea de traer a nuestro momento parte de esa vasta tradición en forma de hermosísimas canciones tradicionales es lo que se ha propuesto Prikosnovenie con este fantástico libro-CD. Ha encomendado la tarea a Jean-Luc Lenoir quien se ha encargado de seleccionar y arreglar las canciones aunque ha contado con las contribuciones de numerosos músicos especialistas en instrumentos tradicionales que son los que se han utilizado para dar ese tono tradicional al álbum. A saber: el arpa celta, el crwth galés, la lira sajona, el arpa “nyckel” sueco, el kantele finés el bodhran irlandés y la gaita escocesa. El trabajo de recopilación de Lenoir se basa en las recopilaciones llevadas a cabo por Francis James Child y Magnus Brostrup Landstad en el siglo XIX.

Para ilustrar el libro han escogido también a un excelente dibujante: Arthur Rackham (1867-1939), que, todo hay que decirlo, es uno de mis favoritos del período finisecular. Las ilustraciones de Rackham son dignas de consideración pues es difícil hoy en día conseguir publicaciones acerca de este autor, quien ilustró cuentos populares y antiguas leyendas como "El sueño de una noche de verano", "El Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda", "Los viajes de Gulliver", "El oro del Rin", "Las Valquirias"… En fin, que es un tesoro contar con sus maravillosas creaciones.

La elección de las canciones es magistral. A la magia de los instrumentos musicales se le añaden las preciosas voces de Joanne McIver y Céline Archambeau, que ponen ese toque heavenly tan característico de Prikosnovenie. El Cd es delicioso de principio a fin y me ha hecho pensar que al oir estas canciones es como si estuviese viajando al pasado, pues estaba escuchando las canciones que siglos atrás habían escuchado nuestros antepasados del norte de Europa, esto me parece impagable.
http://www.mentenebre.com/articulos.php?op=verarticle&artid=2394


Jean-Luc LENOIR: Guitar, Luth, Clairseach, Lyre, Crwth, Nyckelharpa,
Kantele, Swedish zither, Dulcimer, Bouzouki, Flutes, Medieval pipe, Breton
bombard, Lead and backing vocals, Sounds.
Joanne McIVER: Lead vocals (2, 6, 10, 13, 14, 16, 17), Scottish smallpipe (3)
Whistles (5, 14, 16)
Céline ARCHAMBEAU: Lead vocals (4, 8, 11), Celtic harp (2, 4, 6, 8, 11, 13, 14, 17)
Jean-Bernard MONDOLONI: Bodhran (1, 2, 3, 5, 10, 14, 16, 17)
Eléonore BILLY: Nyckelharpa, Bass nyckelharpa, Hardingfele (2, 4, 8, 15, 17)
Gabriel LENOIR: Fiddle (5, 11, 13, 16)
Michel DUPUIS: Percussions (6, 11, 17)
Aliocha REGNARD: Nyckelharpa (8, 13)
Jean-Michel DELIERS: Hurdy gurdy (5, 8)
Nicolas DESPREZ: Harpsichord (4)
Marguerite ZGORZALEK: Cello (6)
Michel SIKIOTAKIS: Uilleann pipe (7)
Caroline MONTIER: Choirs (11)
Eirin Marlene FORSBERG:Speaking voice.4


jueves, 24 de octubre de 2013

Yagya - Rigning (2009)


Aðalsteinn Guðmundsson regresa con su tercer álbum de larga duración. Es llamado "Rigning",que probablemente ya habrán adivinado por la cubierta, Significa la lluvia en islandés.
El álbum consta de 10 pistas que son simplemente el nombre en consecuencia rigning 1 a 10, que también es el tema que vincula todo el álbum. Para todos los que ya están familiarizados con Yagya, la mejor manera de describir Rigning es que ha evolucionado el proceso de las ediciones anteriores, manteniendo un enfoque en la simplicidad y la belleza. Para los nuevos oyentes, es casi imposible de describir la música sin recurrir a los clichés.


Se ha hablado mucho y mucho de Yagya es cierto. En toda su sencillez, esta es la música en que se perciben las diferencias de un individuo a otro y dar a cada uno un conjunto de diferentes asociaciones, como mirando maravillosas pinturas abstractas y dejar sólo vagar los pensamientos. La música es silenciosa, melancólica y de ensueño, impulsado por los cálidos y relajantes sonidos.

La mezcla de esperanza, calidez y la belleza en las melodías son a veces tan apasionantes que corre el riesgo de que salgan lágrimas de sus ojos. Con Rigning, Yagya prueba por tercera vez en torno a lo que él puede hacer con la música electrónica y con el tiempo ya no debe ser considerado un talento, sino más bien de un verdadero maestro del género.

Marlui Miranda - Ihu Todos os Sons



Marlui Miranda es la más grande cantante de música indígena de Brasil. Escuchar su misteriosa voz mientras se mueve al ritmo de ancestrales canciones indígenas, sumerge el corazón en una Amazonia escondida en el misterio y en el tiempo.

Marlui está realizando desde hace mucho tiempo un trabajo de recuperación de canciones de los indios de la Amazonia. Lucha por defender los derechos intelectuales de las canciones, además de hacer un impagable trabajo de descubrimiento de los trazos de su cultura.

Es curiosa la inexistencia de la fusión cultural con los indios amazónicos a la llegada de los portugueses y los africanos, cosa que si sucedió entre ellos con resultados actualmente comprobables.

Marlui afirma que: “La música popular brasileña tiene un componente altamente religioso. Los indígenas, en cambio, siempre se opusieron a la absorción del pensamiento católico, y preservaron sus valores en la medida de lo posible. Sobrevivieron pese al maltrato, a la esclavitud. Por eso no existió la fusión musical que sí hubo entre portugueses y negros. Los portugueses aceptaron el sincretismo entre la religión católica y los cultos africanos, y eso se nota en la música. Además, es imposible no estar contagiados por los ritmos africanos. Todo brasileño tiene un poco de negro. Yo, por ejemplo, tengo la característica negra de poder manejar muchos ritmos al mismo tiempo”.
http://www.crisoldemusicas.com/2006/07/marlui-miranda.html


viernes, 18 de octubre de 2013

Paul Winter Consort - Miho, Journey to the Mountain



Miho: Viaje a la Montaña es un álbum de Paul Winter Consort, lanzado en 2010 a través del sello discográfico Living Music, El álbum fue un encargo del Museo Miho en Kyoto, Japón, para una celebración musical. El museo es una pieza única de la arquitectura, construido en la cima de una montaña, y con un túnel parcialmente en él, dándole la experiencia de que el museo es parte de la Tierra. El álbum fue grabado en los pasillos del museo, que son naturalmente reverberante. En 2011, el álbum ganó un premio Grammy por Mejor Álbum New Age.


(Liner notes by Paul Winter)
The Miho and me:
During the many times I have visited and performed in Japan since the Consort’s first tour in 1987, I dreamed of making an album inspired by the culture and natural beauty of Japan. On each visit I made a trip to a different natural site among the many islands of the archipelago: from Hokkaido in the north, where I saw the tanchos (red-crowned cranes) in Kushiro; to the blue-coral reefs of Ishigaki in the south; the giant Yaku Sugi trees on the island of Yakushima; and the forests of the southernmost island, Iriomote, home to the rare and fabled Iriomote wildcat.
http://music.paulwinter.com/album/miho-journey-to-the-mountain

    Paul Winter - soprano saxophone (tracks 1, 7, 8, 10, 14, 16, 18-20, 22)
    Eugene Friesen - cello (tracks 8, 11, 18, 19, 22)
    Don Grusin - keyboard (tracks 2, 4, 6, 16, 17, 21, 22)
    Jordan Rudess - keyboard (tracks 3, 11, 19)
    Druba Ghosh - sarangi (tracks 2, 15, 20)
    Arto Tuncboyaciyan - vocals (tracks 3, 11, 13, 16, 20), sazabo (tracks 3, 11), percussion (track 20)
    Paul McCandless - oboe (track 22), English horn (tracks 4, 13, 17), heckelphone (track 9), bass clarinet, (track 20)
    Yukiko Matsuyama - koto (tracks 5, 13)
    Glen Velez - percussion (track 14), riq (track 6), tar (track 6), shakers (track 6), bendir (track 9)
    Steve Gorn - bansuri (tracks 7, 8, 13, 20, 22)
    Yangjin Lamu - voice (track 8)
    Tim Brumfield - piano (tracks 18), organ (track 8)
    Cafe DeSilva - percussion (track 8)
    Eriko Koide - carillon (tracks 12, 21)
    Shumei Taiko Ensemble (track 20)
    Chorus of Worcester Polytechnic Institute, conducted by Wayne Abercrombie (track 19)
    Shumei Chorus, conducted by Hiroko Matsui (track 20)


    


    "Saxophone (Song of Miho)"
    "Sarangi (Dawn Raga)"
    "Arto (Before It's Too Late)"
    "English Horn (Theme from "On the Central Steppes of Asia", Borodin)"
    "Koto"
    "Frame Drums (Cedar Grove Dance)"
    "Bansuri & Saxophone"
    "Yangjin (Words of Wish Fulfillment)"
    "Bendir And Heckelphone"
    "Saxophone Reprise"
    "Arto (Singing to the Mountain)"
    "The Welcome (Song of Miho)"
    "Koto Spring"
    "Elephant Dance"
    "Whale Raga"
    "Love Is Not in Your Mind"
    "Twilight"
    "Andante (Bach)"
    "Remembering"
    "Saturday Night in Peach Blossom Valley"
    "Song of Miho"
    "Morning Sun"


lunes, 14 de octubre de 2013

Ry Cooder - Chicken Skin Music


Ry Cooder siempre ha creído en la "reciprocidad en la música", y esto no puede ser más evidente en su carrera que con su quinto álbum, Chicken Skin Music  (un coloquialismo de Hawai, sinónimo de la piel de gallina). Incluso más de lo habitual, Cooder se niega a reconocer las fronteras geográficas o musicales la presentación de "Stand By Me" como una canción de gospel con un arreglo norteño, o el clásico de Jim Reeves country-pop, "He'll Have to Go," con el ritmo de un bolero, la interacción del acordeón de Flaco Jiménez y el saxo alto de Pat Rizzo. En otros temas, dos de los grandes guitarrista y cantantes de Hawai  Gabby Pahinui y el maestro de la guitarra Atta Isaacs en el éxito de Hank Snow "Yellow Roses" y el hermoso instrumental "Chloe". Si el enfoque de Cooder para la música es estilísticamente diverso, su elección de material sin duda sigue su ejemplo. Sustentada por un par de composiciones de Leadbelly, La musica de Chicken Skin Music es una colección de canciones que van desde los temas antes mencionados como un juglar antiguo muestra el medicinal "I Got Mine" y el sincopado R & B "Smack Dab in the Middle". También participa el compositor ciego de los Apalaches  Alfred Reed en "Always Lift Him Up", Con una melodía del evangelio de Hawai, "kanaka Wai Wai" entretejidos en la sección instrumental. Como él mismo explica en las notas del álbum, Cooder entiende la conexión entre estos estilos aparentemente dispares. Esto no es más que el eclecticismo por su propio bien. La música de Chicken Skin Music es probablemente la grabacion más excéntrica de Ry Cooder desde su principio, pero es también una de las más divertidas.

Personal
    * Ry Cooder – Bajo Sexto, mandola, bottleneck guitar, French accordion, electric guitar, slack-key guitar, tiple, Hawaiian guitar, vocals
    * George Bohannon – horn and baritone arrangement
    * Oscar Brashear – cornet
    * Red Callender – upright bass, tuba
    * Chris Ethridge – bass
    * Terry Evans – vocals
    * Cliff Givens – vocals
    * Laurence Fishburne - vocals
    * Hugo Gonzales – banjo
    * Chet Himes – engineer
    * Milt Holland – percussion, drums
    * John Ingle – engineer
    * Atta Isaacs – slack-key and acoustic guitar
    * Fred Jackson, Jr. – tenor saxophone
    * Flaco Jiménez – accordion
    * Herman E. Johnson – vocals
    * Jim Keltner – drums
    * Bobby King – vocals
    * Henry Ojeda – bass
    * Gabby Pahinui – steel guitar, vocals
    * Benny Powell – trombone
    * Pat Rizzo – alto saxophone
    * Russ Titelman – banjo, bass, vocals, producer


 
 1. "The Bourgeois Blues" (Leadbelly) – 3:22
   2. "I Got Mine" (Traditional) – 4:28
   3. "Always Lift Him Up/Kanaka Wai Wai" (Traditional) – 6:01
   4. "He'll Have to Go" (Joe Allison, Audrey Allison) – 5:07
   5. "Smack Dab in the Middle" (Chuck Calhoun) – 3:18
   6. "Stand by Me" (Ben E. King, Jerry Leiber, Mike Stoller) – 3:38
   7. "Yellow Roses" (Ken Devine, Sam Nichols) – 6:11
   8. "Chloe" (Gus Kahn, Neil Moret) – 3:00
   9. "Goodnight Irene" (Leadbelly, John Lomax) – 4:32

miércoles, 9 de octubre de 2013

Hedningarna - Hedningarna - 1989




Hedningarna (Los paganos) es un grupo musical sueco formado en 1987 por Björn Tollin, Hållbus Totte-Matsson y Anders Stake. Realizan una música de corte tradicional pero con fusiones e influencias del techno, el rave y otras tendencias modernas. De hecho, la filosofía del grupo es la de bucear en las raíces de la música nórdica para producir un sonido que no siga las tendencias actuales del folk más tradicionalista. Es por eso que Anders Stake se dedicó a construir y modificar instrumentos tradicionales para desarrollar un sonido propio y único que, con el tiempo, les haría ubicarse en los lugares más destacados de la nueva música tradicional sueca.
wikipedia


sábado, 5 de octubre de 2013

Will Millar - Celtic Seasons of Enchantment


Will Millar, ex líder de los Irish Rovers y el invitado especial el arpista Derek Bell de los Chieftains, salen en un viaje encantador a través de las ceremonias y temporadas mágicas del antiguo calendario celta. Tejiendo su camino musical a través de las cambiantes estaciones del calendario pagano de acuerdo a los ciclos de la luna, muy recomendado para todos los amantes de la música y ceremonias tradicionales celta.

Una maravillosa colección de sonidos Celtas tradicionales ajustado al ciclo constante del calendario celta. La pieza Dance of Lughnasah (track # 10) tocada por el joven gaitero norirlandés Patrick Davey es particularmente inquietante y tocará el alma de cualquier amante de la musica celta que la escuche! Al parecer Will Millar (ex líder de los Irish Rovers) ha viajado a lo largo y ancho de Irlanda del Norte para registrar la musica para este CD, grabando heroicamente el sonido de los helicópteros del ejército británico patrullando casas rurales remotas a lo largo de la frontera, las erupciones repentinas de la carretera perforando los neumáticos en medio de la grabación en las tranquilas tardes de domingo del Ulster, y las interrupciones bienintencionados pero exasperantes de las madres irlandesas siempre hospitalarias que ofrecen un sinfín de "copas O'tay" a sus hijos músicos e invitados en medio de la grabación! El resultado, mezclado con un poco del excelente piano de Phil Newns y la guitarra eléctrica de David Gogo, de la isla de Vancouver, Canadá, es un verdadero tesoro de la musica Celta!
Fuente: Amazon




Derek Bell: Irish Harp
Patrick Davey: Uilleann Pipes (elbow pipes), Wooden Flute
David Gogo: Blue Guitar with a green tinge
Tom McGolderick: Fiddle
Kiernan McHugh: Harmonica
Trefor Owens: 5-Row Button Accordion
Phil Newns: Grand Piano
Johnny Scott: Acoustic Guitar
Nuala Towill: Cello

miércoles, 2 de octubre de 2013

Cusco - Ring der Delphine


Ring der Delphine es un álbum del grupo Alemán Cusco. Fue lanzado originalmente en 1989,  Tres de los temas fueron más tarde rediseñados para Water Stories en Higher Octave Music.
En concreto, Die Wasser von Cesme apareció como Waters of Cesme con la sección final reducida ligeramente, en Jebel at Tarik apareció con la sección que comienza eliminada, y Bur Said, apareció con una larga sección del final eliminada. Este álbum fue re-grabado en 1996 y publicado bajo el sello Higher Octave como Ring of the Dolphin. Los títulos en la nueva versión estan en Inglés, y todas las pistas están completas en su longitud, pero el sonido es ligeramente diferente debido a la re-mezcla realizada para ese lanzamiento.
Este album que presento es la primera version alemana lanzada por el sello Prudence en 1989....

 
 
1. "Ring der Delphine"
2. "Methos"
3. "Der Zauber"
4. "Die Wasser von Cesme"
5. "Jebel At Tarik"
6. "Bur Said"
7. "Kinderkreuzzug"
8. "Ring der Delphine (Reprise)"

sábado, 28 de septiembre de 2013

Klaus Schonning - Arctic Light


Nacido en Copenhague (Dinamarca) en 1954, Klaus Schonning es un reputado músico danés, con un estilo sereno y personal, entre un sinfonismo lírico y un folclorismo avanzado. Multiinstrumentista con estudios académicos, no dudó en dirigir sus primeros pasos serios -tras el típico paso por bandas de rock y pop- hacia la new age, como tampoco vacila en denominar así a su propia música. La obra que nos ofrece en la actualidad Klaus Schonning se podría denominar como música flotante encaminada al relax, a pesar de unos comienzos en los que parecía encontrar acentuadas fases rítmicas con momentos de gran inspiración, como se atisba en sus primeros álbumes, "Lydglimt", "Cyclus", "Locrian arabesque" o el aquí comentado, "Artict light", publicado por el sello alemán Blue Flame Records en 1987 y reeditado posteriormente con portada diferente por la compañía danesa Fonix Musik.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2009/03/klaus-schonning-arctic-light-nacido-en.html


Genre:     Electronic
Style:    Synth-pop, Ambient

1 Astralic Winds (4:33)
2 Polar Ocean (4:23)
3 Arctic Spring (10:19)
4 Dark Side Of The Earth (5:33)
5 Nebula (7:28)
6 Icarus (5:29)
7 Nocturne (3:17)


Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...